土曜日, 5月 15, 2021
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現象とイマジネーションの間を巡って-アート・フォト特集-

絵画とは違い、実際にあるモノ・コトに準拠する写真の表現は、被写体の制限を少なからず受けるところが特徴であり、かつその作家のイメジネーションだけでは完結しないからこその面白味がある。被写体に当たる光の量、空気の状態、被写体に向き合うアングルや距離、もしくは被写体それ自体など、写真を自らのメディアにする作家が、現象世界を前提しながら、その作品のどこに工夫を凝らしたのか、どこに自らの精神を反映させたのかについて思いを馳せながら鑑賞することも一興だ。

 

福嶋幸平 / Kohei Fukushima

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Dososhin-jinjaShrine
H 90cm x W 60cm
Naeba Waterfall
90 x 60 cm

KEISUKE UCHDA

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Playfulness
29.7 x 21 cm
Full focus
29.7 x 21 cm

ATZSHI HIRATZKA

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Your Rubber #004
42 x 56 cm

梅川良満 / Yoshimitsu Umekawa

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Incarnations #002(Goblin)
H 30cm x W 30cm
Incarnations #001 (Necromicon)
H 30cm x W 30cm

松元康明 / Yasuaki Matsumoto

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fish wish
H 40.6cm x W 50.8cm
river of milk
H 40.6cm x W 50.8cm

加藤友美子 / Yumiko Kamoto

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這い上がる
H 26.6cm x W 40cm
揺さぶる
H 26.6cm x W 40cm

良知慎也 / Shinya Rachi

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White exchange
H 103cm x W 72.8cm
After meal
H 59.4cm x W 42cm

JG ヘッケルマン/ JG. Heckelmann

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Entry
H 84cm x W 100cm
The Way – Another Place
H 87cm x W 90cm 
Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

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ペーパーアートに魅了されて – パート2

作品の詳細はこちらから アート素材としての紙のユニークさを説明したペーパーアートのシリーズ part 1を未読の方は、ぜひこちらからご一読あれ。 https://blog.tricera.net/post-tetsujiyamashita-lacybarry/ 紙と人類の蜜月関係 今回は少々の雑学から始めるとしよう。 考古学の研究によると、紙は紀元前100年頃の中国で発明され、以後は文明の片棒を担いながら発展してきた。「紙」という言葉の語源は、エジプト文明で使われた厚紙状の筆記媒体「パピルス」にあり、起源はなんと紀元前2560年~2550年までさかのぼる。 2020年現在、デジタル技術の隆盛により私たちの紙に対する愛着は薄れている。とは言え、それでも一夜にして紙文化が消滅することはありえない。例えば、メールやLINEにZoomで全てが済む時代でも、年賀状や結婚式、誕生日などの機会には未だに手紙を出すし、軽くて薄いタブレットひとつに何百冊もの本が入れども未だに、重くてかさばる紙の本を買う人も多い。時代遅れにも思えるこの素材と私たちを結びつけるのは、人類として記憶に刷り込まれたアナログさ、つまり紙への郷愁なのだ。 いくら世情が変わろうとも、4,000年以上にわたる人と紙との蜜月関係は、今もなお世界中で続く。筆者が滞在しているフランス、全国で年に数回開催される骨董市は大変な人気なのだが、特に人の興味をそそっている品は数十年前に書かれた手紙であったりもする。美しく手書きされたはがきや手紙は黄ばんでいるが、そこに記された心情は今も生々しい。インクのにじみや筆跡に、書き手の迷いや興奮が色あせる事なく見られる。 作品の詳細はこちらから 薄くても丈夫な和紙は、筆と墨に適合し発展してきた。その美しい風合いから、和明かりや障子など、家具にも使われるのはご存知の通り。古くには、神道のお供え物の包装材として使われた事に始まり、儀礼折として、折り方や折り目の知識が高位の武家教育の一環となっていく。江戸時代になり、今日私たちの知る「折り紙」遊びとして一般に広まった。若輩の私も日本で育った身、書道を嗜み、折り紙を作り、紙飛行機を飛ばし友人と遊ぶ中で、常に日本の上質な紙に慣れ親しんできた。 作品の詳細はこちらから さて、アートにおいて、「アナログ」媒体である「紙」はいかに重要なのだろうか?インドを拠点に活動するビジュアル・アーティスト、Janaki Leleは、ハンドカットによる切り絵を通して物語を紡ぐ。「Telepathy」と言う作品には詩が添えられ、彼女は「エネルギー網は目に見えない線を通り...、二つの心をつなぐ...、私のこと想ってくれていたの?実は私もあなたの事を考えていた所なの。」とささやく。なるほど、私たちの脳をつなぐのは、目に見える電力ケーブルという現代的なエネルギーだけでないのだと、改めて他人とのつながり方を考え直させられる。私たちが思考を表現する営みは、凧や鳥を空の流れに解き放つ様。この流れが、私たちの頭の中にある風車や水車のタービンを回し、相互作用のなかでエネルギーを生み出す。どうやら、テレパシーのような繫がりは、このアナログなメカニズムで同調している時に起こるであろう。 作品の詳細はこちらから もう一つの作品「Star Catchers」には優しくも朧げな夢物語が描かれる。友人の子と、窓を通りすぎる夕日をつまんで遊んだ時間から着想を得たと言う。これらの物語は全て、シルエットとわずかな奥行きを利用し、たった一枚あるいは数枚の紙の上で繰り広げられる。わずか数マイクロミリメートルの厚さの紙に、すべてのドラマを受け止め伝達するキャパシティと可能性が秘められているとは驚嘆だ。なぜそんな事が可能なのか。それは、紙が有機的な存在であることに秘密があろう。思考とコミュニケーションが有機的に形成される様を見たように、生物学的エネルギーが人間と紙のアートの間で相互作用しているのだ。紙が触媒として芸術家と芸術を、また芸術と私たちを結びつける。 作品の詳細はこちらから 日本を拠点に活躍する百鬼丸は、これまでに1万点以上の作品を手がける多作の切り絵作家として、侍たちを21世紀の世界に紙で躍動させてきた。彼の描く線にはまるで日本刀のような切れ味の良さが際立つ。日本の歴史小説の表紙デザインを多く手がける彼のモチーフは、武士や忍者が活躍していた時代のものが多く、その大胆な構図は、浮世絵の躍動感とマンガのキャッチーさを併せ持つ。これらの要素と、生き生きとした人物描写が相まった彼の作品には生命力が溢れている。有機的な紙にその生命を宿す包容力があることは言わずもがなである。 作品の詳細はこちらから 彼の作家活動は、作品と同様にパワフルだ。平面・立体の切り絵アートを制作するだけでなく、テレビ出演、日米仏での展示会、そして興味深いことにライブで切り絵パフォーマンスも行うと言う。彼の武者デザインが施されたマスクも販売されているそうで、ウィズコロナ時代には頼もしい限りだ。百鬼丸は大学で建築を学び、その後陶芸の修行をしたりと、まるで浪人侍のようなキャリアを歩んできたやも知れぬ。しかし今、日本切り絵界の先鋒として自らのキャリアを切り拓き、後進に道を描き示す。  https://www.youtube.com/watch?v=yDVpG4p948E&feature=youtu.be TRiCERAでは今後もアーティストの情報をお届けしていきます。切れ味鋭い知見や味わい深いコラムをもっと読みたい方々については、ArtClipニュースレターの登録をお忘れなく。

人はなぜ顔を描くのか? ポートレートをめぐって。

肖像とは、特定の人間の外観を描写したものである。写真や彫刻など様々なアウトプットの仕方のうち絵画によるものを、特にポートレートと呼ぶ。 近世においては王侯貴族の姿を描いた「肖像画」という絵画ジャンルもあったが、けれどもカメラの台頭によって写実絵画は衰退し、今では美術館で見るような存在になった。 現代アートにも、例えばアンディー・ウォーホルによるマリリン・モンローの顔を描いた作品があるように、人(実際にいるいないは別として)の顔をモジュールにするケースは少なくない。モチーフとして、あるいはテーマとして、作家によって「顔」の使い方は様々だ。 坪山斉/Tsuboyama Hitoshi  坪山の肖像画シリーズ《Combine Portrait》には、一瞥で異質感や不安感を掻き立てられる。  1960〜70年代のミニマルアート等の後期モダニズムに強いインスピレーションを得ながらも、独自の空間概念を軸に色面による新たな表現を模索している坪山はその塗りの美しさに定評がある。  人が何かを識別・認識するということへの疑いや問いかけをテーマにしており、だからこその Conbine(組み合わせる)なのかもしれない。顔面を等高線のように区切り、美しい色面で塗りあげる様は、肖像の容姿とアイデンティティについて我々に何かを投げかけるようだ。 作品の紹介はこちらから チャニー・リー/Changhee Lee  リーの描く肖像もまた既視感のない作品である。モチーフとしては若い女性を一貫して選び、中世とファンタジックな世界が混合されたような画面を描く。  リーの作品はポートレートの名を冠しながらも、自身の内面的世界の表出を図った進歩的な作品であるといえるだろう。 作品の紹介はこちらから アントニオ・サラス・カブレラ/Antonio Salas Cabrera  既存のイメージを再構成する手法によって作品制作を行うアントニオ。既存のイメージをPCに取り込み、トリミングや色彩の変更などを経て出力されるイメージよく知る既存のモデルとはまた異なった表情を見せる。  アントニオの作品のモデルは、それもまた作品であり、その作品にはモデルとなった人物がいることから二重の透過を経た上で、我々は元の人物を見ているといえるだろう。しかし、二重の解釈は無意識下で中抜きされているのにもかかわらず、我々の意識は尚も直接的にモデルの姿を捉えていることを自覚する。シミュレーショニズムに通底する手法を以て、アントニオは認識について一つの解釈を与えているのだ。 作品の紹介はこちらから エージェントX/Agent X  アメリカンコミックなど既存のイメージに依拠しつつも、マルチメディアなコラージュを施すことによって独特の存在感を放つエージェントX。彼の実験的な作品の多くは、人物の多くは人間であるものの、そのアウトプットの多彩さには驚くばかりだ。  未来派の美学と哲学、ダダ運動の社会的批評、ポップアートからスーパーフラットまでの現代芸術運動の間のユニークな交差の中で描かれる <<Queen>>シリーズは16世紀のアーティスト、アルチンボルドのコラージュ的な人物描写を思わせる。しかし、そこに現代的な発想とデジタル世代ならではの技法が掛け合わさることで作品として調和がとれつつも、我々は混沌とした倒錯感を感じるだろう。 作品の詳細はこちら A.C.D.  直線を多用する画面からキュビズムを思わせるが、抽象の手法はA.C.D.独特であり、硬質的な印象を鑑賞者に与えつつも、彩度の高い彩りのある画面からは温かみが感じられる。  特に《Le Grand Prince》は顔の造形が単純な線分により的確に表現され、近代の顔面表現が為されている。 作品の詳細はこちら  画家とモデルの間のドラマが顕れやすいことなど他の分野とはまた異なった味があることから、肖像画はある種、玄人好みする分野である。しかし、誰しもが肖像を量産する時代に在って、あえて肖像画という手段で顔を描くのは人間の顔とアイデンティティは密接であると同時に、不安定な関係であるという証左であろう。

Akira Akiyama: 伝統的な友禅着物で精神性を表現する

...祈りは日本人の心の核心にあります。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130001" 2010年に自身のブランド「友禅丸正」を立ち上げる数十年前から、Akira Akiyamaは質の高い婚礼用の着物をデザインすることに専念していました。現在では、金箔や真珠をあしらった友禅着物を着る機会があるのは、ごく一部の花嫁だけとなっています。 今回のインタビューでは、日本の伝統的な結婚式の精神的な意味、友禅着物を作る上での苦労、伝統的な形の中に美しさを表現することを追求している秋山さんにお話を伺いました。(このインタビューは、長さとわかりやすさのために翻訳し、軽く編集しています) 儀式の中のスピリチュアリティ 着物デザインの芸術を完成させる Akira Akiyamaの友禅着物の購入先 儀式の中のスピリチュアリティ <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130002" 幸せなカップルは、一見無限の可能性を秘めているように見える新郎新婦-彼らを一緒にしてくれた運命にとても感謝すべきです。 日本では精神性はどのように示されているのでしょうか? 大晦日とその翌日には、自宅に仏壇も神棚もない日本では、多くの人が地域のお寺や神社に祈りを捧げに行きます。これは、日本人の心の根底に祈りがあることの一つの証だと思います。また、日本の結婚式では、その精神性とのつながりを大切にしていくことが大切だと感じています。 婚礼着物のデザイナーとして、日本の伝統を大切にしていることは何ですか? 私の信条は、日本の花嫁にとって、日本の空の下で、日本の国で、日本の神々の前で誓いの言葉を交わすことが大切だということです。それが私の日本の結婚式に対する哲学の中心にあります。現在、地球上には女性40億人、男性40億人、合計80億人近くの人がいます。幸せなカップルは、無限の可能性を秘めた新郎新婦という運命に感謝しなければなりません。この運命への感謝の気持ちは、結婚式の中心にあるべきです。人は天上の神々がもたらしてくれた運命を理解し、感謝しなければなりません。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130003" 運命とは単なる偶然の結果ではなく、運命なのです。それは二人の人を結びつける人生の貴重な神秘であり、その事実を理解しなければなりません。育った環境も歴史も違う人と一緒に暮らすのは大変なことです。困難な時には、祈りが私たちの心を繋いでくれます。だからこそ、祈りを込めた本当に伝統的な結婚式を挙げるべきなのです。 日本の結婚式はここ数十年で変わってきています。皆さんはどのようにお考えですか? 私にとって一番の変化と課題は、式がないことです。伝統的な神道の結婚式には、祈り、御神酒を飲む、両家の結束、披露宴という四つの重要な段階があります。この四つの段階がない式は、神道の精神性を欠き、ただのイベントになってしまう。私の考えでは、このような結婚式は本来、新郎新婦が注目の的になりたい人たちのためのパーティーなのではないかと思います。 日本の伝統的な結婚式には、仲人と呼ばれる婚礼の手配人と、新郎新婦それぞれの主賓がいて、それぞれが重要な役割を果たします。nakodo は、両方の家族のメンバーをお互いに紹介し、新郎新婦、ゲストに。これに続いて、二人の主賓からの紹介スピーチが行われます。これが日本式の披露宴の伝統的な流れです。 友禅着物のデザイナーとして、これらの伝統は私にとってとても大切なものです。だからこそ、日本式の結婚式を希望されるお客様には、神道の伝統的な式がどのように展開されていくのかを常に説明しています。和婚を希望されるお客様には、このような伝統の由来や、神前式の本当の意味を知っていただくことに喜びを感じていただいています。 着物デザインの芸術を完成させる 一着の着物をこんなに長い時間をかけて完成させるなんて、この業界では私だけが狂っていると思います。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130013" 手作りの友禅着物はなぜ3年もかかるのですか? 単に商業服のデザインをしているだけなら、一着にこれほどの時間はかかりません。1着の着物を2~3年かけてデザインしても採算が合わないし、意味がない。でも、一日三食で済むシンプルな生活を考えれば、贅沢ではなく平穏な生活を求めています。利益を求めるのではなく、質素な生活を維持したいと考え、芸術的な完成度を追求することに専念することにしました。 こんなに長い時間をかけて一着の着物を完成させて利益を無視するなんて、この業界で頭がおかしいのは私だけだと思います。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130007" あなたのプロセスはほぼ純粋に芸術的なものでありながら、伝統的な形という制約があります。デザインにはどのようにアプローチしていますか?? この業界に入って67年になりますが、これまで数え切れないほどの着物をデザインしてきましたが、着物の形や寸法は変わっていません。自分の中にある美しさを表現するためには、着物の伝統的な形の中でデザインしなければなりません。着物の形の制約の中で、新しいアイデアやデザインに挑戦していかなければなりません。優雅さ、気品、高級感、高級感を兼ね備えた作品をデザインできるように頑張ります。 この業界に入って67年になりますが、これまでに数え切れないほどの着物をデザインしてきました。 注文やカスタムの依頼を受けてみませんか? なぜなら、一枚の着物を作るのに3年もかかるからです。だからこそ、流行りの着物や特別な日のための着物、何かの目的のための着物は作りません。たまたまその時の状況やご要望と私が作っているものが一致することもありますが、ご要望で着物を作ることはありません。 インスピレーションの源はどこから来るのですか? 私のデザインのアイデアは、まるで天使が私のスタジオを訪れたかのように私の中に入ってくるのですが、私の作品の中に天からのアイデアを表現するのはとても難しいことです。何週間も何のアイデアもひらめきもない状態が続くのは苦しいものです。毎日、朝から晩まで何も考えずにスタジオに座っていたことが何度あったか覚えていません。しかし、頭の中がアイデアやインスピレーションでいっぱいになることもあります。 着物を作る最終段階とは? 私は、お客様の結婚式をより完璧なものにするために、着物を一着一着神社でお祓いをしてから花嫁さんにお渡ししています。お参りの際には、神社の御朱印と着物に名前をつけてもらいます。これは、着物を通して着物を着た人の幸せを願うためです。それぞれの着物の中には、人や財産、生活に幸運をもたらす祈りが込められています。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000130019" Akira Akiyamaの友禅着物の購入先 Akira Akiyamaの友禅着物を世界のどこでもお買取りさせていただきます。Akira Akiyamaの作品をはじめ、日本の現代ファッションデザイナーの作品をTRiCERAでご覧ください。

Quick Insight Vol.2 – 浅間明日美 –

浅間明日美は、刺繍という技法を通して自分自身を、世界そのものを理解しようとする。「私は本能的なものと作品の間に立つ、器のようなもの」という浅間にとって、自分が捉えた根源的な感覚をスケッチし、布に縫い付け、その行為を繰り返す刺繍は、一つの祭儀的な意味がある。今回は制作の背景から現在の作風になった経緯について話を聞いた。 浅間さんは刺繍を使った絵画を制作していまね。刺繍はどこで学ばれたんですか? 実はまったくの独学なんです。誰かに習ったわけでもないし、専門的なルールに則っているわけでもない。自分なりの方法を模索し、見つけながらやっています。ただ独学なので、自分なりのルールはありますけど、でも知識として体系化はしていない。だからたまにワークショップを依頼されることもあるんですけど、教えることが出来ないんです 刺繍を始めたきっかけはなんだったんでしょうか? 元々はイラストレーターとして活動していたんですけど、 刺繍へ移ったのは、子供の病気がきっかけです。看病のために活動をお休みしていたのですが、でも制作はしたかったし、表現もしたかった。だけどペインティングの時間と場所を捻出することは難しかったんですね。どうにか生活に地続な方法で制作が出来ないか、と考えました。そしてたどり着いたのが刺繍だったんです。針と糸だけあれば、極端な話、台所でも出来てしまいますから。     本歌取りシリーズ-バッカス- 33 × 33cm, 刺繍・布・パネル 作品はこちらから   刺繍を続けている点はどこにあるんでしょうか? 一番は性に合っているからだと思います。刺繍は、それこそ同じ行為の繰り返しなんですね。同じような手の動かし方を繰り返していく。その反復よって自分のエゴを離れるというか、ある意味、瞑想に近い感覚があると思っていて。儀式のようなものかも知れませんね。刺繍という行為によって真理に近づける気がするんです。 その表現の方法は、表現の中身にも影響を与えていますか? そう思いますね。私の作品は社会的でも、何か政治的なメッセージがあるわけでもない。コンセプチュアルでもない...と思います。もっと抽象的な、自分自身の存在確認をしている感じです。縫っている時だけ自分を感じる、という身体感覚です。でも、そこにエゴはない。すごくシンプルなレベルでの存在確認なんですね。 冬ガール 25.8 × 31.8cm, 刺繍・布 作品はこちらから   エゴイズムのなさが大事なんですね。 私はどちらかというとインスピレーション型なんですけど、そうなると、頭に降ってきたイメージをどれだけ丹念に、どれだけ丁寧に自分の外に出すことができるかが大事になって来るんです。どれだけ純度が高い状態で作品化できるか。そこが重要なんです。作品のテイストも無垢さのようのなものを重視しているかも知れません。 本歌取りシリーズ-ジュリアーノ- 33 × 33cm, 刺繍・布・パネル 作品はこちらから   つまり浅間さんは、インスピレーションと作品の間に立つ存在なんですね。 だからこそ、私自身のエゴとか、好きだとか嫌いだとか、そういうことは前に出したらダメだと思ってます。自我が入ると濁ってしまう。怒っていても、浮かれていてもダメ。評価されたいとか、こう見えるだろうなとか、そういうことを考えてもダメで。作品が濁ってしまう気がするんです。 シュルレアリスムの方法論に「自動筆記」という、描き手のエゴを消すための手法があります。それに近いですね。私の場合は「インスピレーションがちゃんと形になるように案内する」感じでしょうか。実体のないイメージを、刺繍という方法で実体化させる。反復的行為で、ゆっくり、形を与えていく。そういう時に自分の好みとか、そういうのは入れないですね。自分の頭で考えるよりずっといい作品が出来ますから。「思いつく」→「スケッチ」→「キャンバスに刺繍」といった感じの流れです。 忍者 31.8 × 25.8cm,...

銀座柳画廊: 東京の洋画の道標

銀座柳画廊に足を踏み入れる 銀座柳画廊オーナーのインクルーシブミッション 日本の芸術的評価の強化 銀座柳画廊で紹介されたアートを購入する場所 銀座柳画廊に足を踏み入れる 東京には様々な文化の中心地がありますが、その中でも銀座は芸術性の高さでは群を抜いています。銀座柳画廊をはじめ、銀座には都内でも有数のアートスペースが数多く存在しています。銀座にあることを誇りとし、その壁の中での個展は、日本でのアーティストの道を永遠に変えてしまいます。 1994年から日本画家による洋画の発信基地として、ゆったりとしたモダンな空間で、ゆったりとした時間を過ごしていただけるようになっています。 ギャラリーに一歩足を踏み入れると、オーナーの野呂 好彦氏が作家の美学を個人的に評価してセレクトした、日本の現代美術家の洋画作品が目に飛び込んできます。風景やポートレート、静物などの具象的な題材を油彩で描いたオリジナルの作品が多く展示されており、独特の温かみのある表情を見せてくれます。 風景画の岡野宏、フレスコ画の有田巧、肖像画の廣田稔、島村信行......これらは、野呂氏との長年にわたる強い絆から、銀座柳画廊でもたびたび紹介されてきた作家たちです。また、風刺画で人気の福永明子や精密な風景画で知られる松沢真紀など、女性作家の注目を集めています。 この他にも、最近入室した北尾玲子・ボンタンなどの新進気鋭の作家を中心に、マティス、ルノワール、ダッフィー、シャガール、ピカソ、藤田晃司などの世界的な印象派の古典的な画家や、東洋的なテーマや技法を重視する日本の著名な画家の作品を随時展示していきたいと考えています。 銀座柳画廊オーナーの包括的な使命 野呂さんのアートへの情熱は、ギャラリーの金銭的な成功だけではありません。野呂さんは10年以上前から「銀座ギャラリーツアー」と称して、銀座の画廊で同時に開催されている展覧会を案内し、アートにしかない創造と発見への情熱を取り戻すことを目的としたイベントを開催しています。 ツアーではどうしても競合する画廊に足を運ばなければならないが、野呂さんは「日本のアート産業を活性化させること」を最終目標にしているため、顧客を失う可能性を気にしていない。銀座の豊かな芸術文化を継承していくためには、多様性が重要だと考えており、その多様性をアートコレクターと共有するために、他の画廊の存在を歓迎している。 日本では、個人で美術品を収集することはあまり一般的ではありません。家にアートがある家庭は全体の3割程度と言われています。私は日本人の心に個人的なコレクションの考え方を植え付けたいと思っています。欧米では逆で、美術品がない家庭は珍しい。だからこそ、私のギャラリーでは質の高い作品を集めるようにしています。 あるお客さんから「アートのおかげで自殺願望がなくなった」という話を聞いたことがあります。本当のアートは、見る人の心に直接語りかける力を持っています。もっと多くの人にアートを体験してもらいたいと思っていますので、私のギャラリーでは優れた技術を持つアーティストを紹介し、日本のアート界を盛り上げていくことに力を入れています。 野呂さんが日本の芸術文化を盛り上げたいという思いの背景には、彼の生い立ちがあります。美術商の家系に生まれ、美術の美しさに囲まれて育った野呂さんは、その人生経験を誰かに伝えたいと考えています。 3歳の頃、両親に連れられて、小磯良平のアトリエや軽井沢の脇田和や伊藤清長など、時代を代表する洋画家の多くの名画家や芸術家たちと長い時間を過ごすなど、恵まれた環境の中で、私は絵の師匠や芸術家たちと出会うことができました。私の家の伝統では、一族の一人一人が芸術家との強いつながりを築いていたので、とても親しくさせていただきました。 野呂さんは、生まれながらにして様々な意味で芸術鑑賞の才能を持っていたが、日本文化によくあるような家業を継ぐことを両親に頼まれたことはなかった。大学を卒業して商学部を卒業した野呂さんは、最初は大手商社への就職を考えていた。就職活動をしているうちに、美術業界が自分を呼んでいることに気づき、日本とフランスで活動を続ける国際的なギャラリーのディーラーとして働き始めた。その後、家業を継ぎ、数年後には銀座のギャラリー梅田東京店の店長に就任。3年間のギャラリー経営を経て、東京のアートシーンの中心地に独立することを決意。 優れた作品に囲まれた生活で培われた美術の知識を武器に、優秀な画家を集め、日本の芸術家の新しい拠点を作った。 日本の芸術的評価を高める 野呂氏は、日本には国際的に注目されるべき優秀なアーティストがたくさんいると強く信じています。その最大の障害の一つは、日本政府によるアーティストへの支援の不足と、芸術作品を購入する際の税制上の優遇措置の欠如だと考えている。そのために、野呂氏は日本のアーティストを代表して政治家に積極的に働きかけています。 しかし、野呂氏は希望を信じている。2020年の東京オリンピック、2025年の大阪万博を控え、アーティストとそのアウトプットを支援する動きが活発化している。この2つの国際的なイベントは、日本のアートにとって分岐点になるかもしれません。すでに香港では、日本のアーティストの現代アート作品がオークションに出品されるケースが増えてきています。 国際的に見ても、日本のアートマーケットは未開拓の可能性を秘めています。日本はアジアで最も長い洋画の歴史を持つ国であるため、様々なスタイルのアーティストがまだ発見されていません。日本の伝統工芸文化の豊かさも、日本のアートシーンが国際的に注目される理由のひとつです。 銀座柳画廊で紹介されたアートを購入するには このエキサイティングな時代に、野呂氏と銀座柳画廊は国際的な成功のチャンスを待っています。日本の現代美術を世界に発信することを使命とし、日本の現代美術を世界に発信していくために、野呂氏とのパートナーシップを誇りに思っています。 銀座柳画廊への行き方 営業時間 月~金:10:00~19:00 土曜 11:00 - 18:00 駿台・祝日。定休日 住所 104-0061 東京都中央区銀座5-1-7 数寄屋橋ビル3F TEL:03-3573-7075 FAX:03-3573-7076