火曜日, 8月 3, 2021
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アートで見る夏景色2020 – 暑中見舞い前編 –

2020年の夏の風景はいかがだろう。我々の多くは恐らく、今年初めに計画した夏模様から先例の無い奇妙な夏模様に、少なからず調整を強いられたのではなかろうか。筆者の昨夏は、数年ぶりの祖国日本を再発見するのに忙しくし、それ以前カナダでは例年、コンサートと週末のハイキングに勤しんでいた季節である。私の田舎では、夕暮れのサーフィンや梯子酒を楽しむ季節であったものだ。全く、「普通」の夏が恋しくて敵わない。

机とコンピューターから逃れられずにいる貴方、暑さにマスクで息苦しくても楽しむべきか、それともウイルスに警戒しお楽しみは我慢すべきか板挟みの貴女、こちらフランスでも皆悩みは同じである。筆者も気がつくと、「夏の絵」を検索し2021年の夏を夢見て現実逃避していた。そんな中見つけた過去、現在、そして(希望的観測)未来の夏景色をアートでお届けしよう。

プール際のパーティーが恋しい?

Leap by Tea Ercoles 102 x 76 cm

そんなアナタには、「いつまでもパーティー気分でいられるように」と願いを込める高畑愛花の作品がピッタリ。壁にかけるとあの高揚感を再体験できるかも?

OASIS by Aika Takahata 73 x 91 cm

それとも今夏のパーティーはささやかに屋内?同じくインドアを楽しんでいる作家も。

日本の夏と言えばお祭りに屋台の焼きそば、かき氷に花火が欠かせないがさて、今年は?

ここフランスでは、田舎でのバカンスが大流行している。

Green forest by Zinna kim 72.7 x 91 cm

この作品達がきっと、あなたの心の避暑地として癒しとなったことを願いつつ、暑中見舞い後編のお知らせを。後編では、TRiCERAアーティストに人気のモチーフである海の風景と、季節の抽象画をご紹介致す予定である。気になる方々はぜひ、ニュースレターの購読をお忘れなく!

Isaac Ishimatsuhttps://www.tricera.net/
1988年東京生まれ田舎育ちフランス在住。勉学や仕事には秀でるも、型破りな個性派として、生真面目な教師や上司を当惑させる多彩な日本時代を過ごす。極貧の子供時代からの夢である海外生活実現のため、カナダへ渡り貿易会社等で活躍。現在は語学習得と教授、TRiCERA勤務に勤む。陶芸工房での勤務経験、カナダの大学での音楽学習に、写真や芸術等幅広い関心を持ち、時代観察と文化比較の観点から、アートと日常生活の接点を書き出す。

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Michael Toenges, “Paintings on Paper 1995-2019”

8月24日から10月12日までタグチファインアート主催。 タグチファインアートでは、この夏から秋にかけて、ドイツ人画家ミヒャエル・テンゲスの個展を開催いたします。テンゲスはレヴァークーゼンを拠点に活動する1952年ドイツ生まれの画家です。作品の一部はケルンのコロンバ美術館やスイスのアーラウ美術館に収蔵されています。ヨーロッパを中心に活動している彼の作品をアジアで見ることができるのは、今回の個展「紙に描かれた絵画 1995-2019」がきっかけです。本展の特徴は、展示されている作品がすべてダンボールに描かれた小品であること。ギャラリーによれば、これらの小さな作品は、他の大きなスケールの作品やキャンバスに描かれた絵画に比べて、あまり注目されていないとのことです。段ボールに描かれた小品は、これまで準備的で断片的な作品とされてきましたが、その小品は、彼の色との実験と葛藤の証拠ともいえるものであり、注目に値するものです。今回の展示では、1995年に制作された旧作から今回の展覧会のために準備された最新作までを紹介します。 テンゲスは、木の板やキャンバスに油絵の具を重ねることで、色の多様性を追求しています。テンゲスは、イメージや形にとらわれることなく、色の配置、コントラスト、構築に主眼を置いていると言います。絵画の基本的な要素とされる色彩や絵の具の物質性の探求に力を注いでいます。 テンゲスは通常、事前にスケッチを用意することはなく、参考となるイメージや計画を持たずに絵を描いています。テンゲスは、ある特定のイメージを持たずに自発的に絵を描きますが、同時にジョット、フラ・アンジェリコ、ボッティチェリ、ゴヤなど、歴史上の他の画家たちが使った色の構成を研究しています。絶え間ない研究から得た知識の蓄積が、躊躇することなく絵を描くことを可能にしているようです。 実際、彼の作品は無計画に作られているというだけで、一気に作られているように見えますが、技術的には、板に色をつけて、乾燥させて、それを何度も繰り返すというプロセスを経ています。このように、彼の絵は美術史における色の使い方の研究としても長い時間をかけて描かれていると考えられます。 彼の作品は高速と低速の両方の特徴を持っているので、私たちはまた、2種類の魅力を感じることができます。第一に、テンゲが躊躇なく絵を描く瞬間のように、私たちの注意を一気に惹きつける。二つ目は、その努力の過程と同じように、私たちを作品の前に長く滞在させてくれること。10月12日までタグチファインアートにて、ゆっくりと作品を楽しむことができます。 Michael Toenges, “Paintings on Paper 1995-2019” 開催日:2019年8月24日(土)~10月12日(土) 2019年8月24日(土)~10月12日(土)営業時間。午後1時~7時日曜・月曜・祝日は休館> 記事を書いた人:Jeongeun Jo韓国出身、日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。彼女自身もアーティストとして活動している。 

ヌードの現在系-「裸」に向き合う現代絵画-

 人間のありのままの姿を表現するヌード。遥か昔、紀元前のギリシャ美術の時代からヌード作品は制作されているばかりか、体系化されていない原始美術などでも全世界的に盛んに制作されてきた。  ミラノ勅令後、ヨーロッパはキリスト教の名の下に社会の統治が行われてきたわけだが、公序良俗を掲げる時代にあっても芸術の世界では「裸」は不可侵の領域であった。ヌードを扱うには「寓意性や神話性を持っている」というエクスキューズが必要だったとはいえ。  しかし「聖書や神話、物語のワンシーンを描いた神話画・歴史画」以外の領域で、ゴヤによって描かれた西洋美術史において最初の卑俗的で具象的な女性ヌード絵画《裸のマハ》によって新たな地平が開ける。  その後も、人々がその魅力に囚われ続けるヌードはアートの世界を超え、様々な登場人物によってドラマチックな変遷を辿った。だがしかし、このインターネット時代、いつでもどこでもスマートフォン一つで「裸」に接続できてしまう。その点、官能性で他のメディアに勝てるのかといえば疑問が残るが、それでも今日のアーティストが「裸」を扱う意義とはなにか?本記事で紹介する作品を通して、共に考えていきたい。 Fiona Maclean 作家の詳細はこちらから Andrea Vandoni 作家の詳細はこちらから Isabel Mahe 作家の詳細はこちらから Zakhar Shevchuk 作家の詳細はこちらから Badri Vaklian 作家の詳細はこちらから

上床加奈による限定エディションプリントを販売致します。

この度、TRiCERAでは上床加奈による限定エディションプリントを販売致します。 ■ 受付期間2021年1月25日(月) 13:00 〜 2021年2月14日(月) 23:59■ 当選通知2021年2月15日(月)までに当選者のみメール通知■ 応募方法応募フォームに必要項目を記載の上、注意事項を必ずお読み頂きお申し込み下さい。 【販売に関する諸注意(※1)】 (1) 作品にアーティスト直筆サイン、エディションナンバー入り。 (2) 本作品は抽選となっており、ご希望の作品が手に入らない場合がございます。 (3) エディションナンバーは選択出来ません。 (4) 作品発送は本発売(2021年2月15日予定)より約1ヶ月のお時間を頂きます(※2)。 (5) 下記の作品の仕様は制作前のものであり変更が生じる場合がございます。 (6) お一人様2点までお申込頂けます。 (7) 当選確定後のお客様都合によるキャンセルは承っておりません。 ※1 お申し込みを頂いた時点で、諸注意に記載された事項に同意したものとみなします。...

「西洋の外見と東洋の内面を併せ持つ」START ARTIST vol.1 ~ Zeng Chao

TRiCERA発のオークションイベント「START」第一弾の出展作家の"なぜSTARTに出展したか"を主軸にしたインタビュー、ならびに新作の紹介を行います。 オークションイベント「START」とは 2021年2月に行われた「START」。アートに携わる様々な人たちを「セレクター」としてゲストに招き、それぞれの視点からアーティストを選び、そしてその魅力を伝える言葉と共に、その作品をオークション形式で販売いたしました。「アートをこれから始める」という方にも分かりやすい設計を行い、またオークションがはじめての方、オンラインではじめてアートを買う方など、様々なひとたちの「スタート」になるような企画となっております。 作家紹介 曾超 (Zeng Chao) 1985年、中国、湖南省生まれ。 東京造形大学大学院 造形研究科 博士後期課程 造形専攻 美術研究領域修了。 「START」に参加したきっかけ 私がモチーフとして描いている「仮山石(かざんせき)」は中国で伝統的に使われている"庭石"です。そういった古来からある中国のスタイルを現代の技法を用いて表現し、過去と現代を混在させた作品になります。新しくアートに興味を持たれる人に、こういった新旧が折り重なるコンセプトの作品をお見せできればと思い参加いたしました。 「START」では著名人からセレクトされた作品が出展されましたが、TRiCERA ARTの発足当時から親しくさせていただいているTRiCERA社代表の井口さんに選出していただきました。 「START」に出典した作品について 作品名:KS191004 サイズ:53 × 53cm 技法:キャンバスに油彩 作品のタイトルには「仮山石」のK、「皴法(しゅんぽう)」のSという二つのキーワードで構成されている。 「皴法」とは、墨のタッチにより山や岩の質感を表しており、筆を滑らかに滑らせることによって描く山水画における技法である。 「仮山石」は、中国、江蘇省で見られる、自然の力によって複雑な形の凹凸や様々な穴がついた岩のことである。 START展に出典した「KS191004」は、「KS」シリーズの作品であり、モチーフは「仮山石」という庭石であり、中国の庭園造形の歴史を象徴するものある。 このシリーズはスノーボードをイメージして、「仮山石」を筆を滑らせて執筆しており、KS191004は背景との明暗を強調して、世界の万物は気から生じるという中国の伝統的な考え方を文字通り表現した作品となっている。 既存作品の紹介 作品名:Self Portrait 3 作品サイズ:530 × 460 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 360,000円 購入はこちらから 現在の中国の思想はヨーロッパからの影響が強く、外見は西洋に様変わりしてきている。しかし、中国の本来のアイデンティティは精神性であり、内面には強い気の力を秘めている。 今回紹介する「Self Portrait 3」という作品にはそんな彼の意図が込められている。 顔になっているのが、「仮山石」という曾超の作品の代名詞とも言えるモチーフを作品にしたものであり、中国のアイデンティティを表している。 この作品の人物像はスーツと赤色のネクタイを身につけているが、スーツは西洋の文化、赤いのネクタイは社会主義を象徴しており、伝統と現代、東洋と西洋の組み合わせに社会主義が入り混じった正に現在の中国そのものを表現している。   作品名:KS191025 作品サイズ:1940 × 1940 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 1,250,000円 購入はこちらから 今日の中国においては、都市化が進み、以前には見られなかったような経済とテクノロジーの価値を中 心とした街の風景があふれている。それでも今なお伝統的な「仮山石」が都市の中の庭園にたたずんでいる。 現実の仮山石の形を単に再現するのではなく「気刀」や「気筆」による様々な筆致を強調し、そこに制作者としての独特な感性を追求するものである。それによって画面上での筆法によって生み出された形象の中に「気」の生成の現象を重ね、「皴法(しゅんぽう)」と「気韻(きいん)」と自己の制作の複合的な関わり合いを実現することを目指したものである。   作品名:KK130925 作品サイズ:910 × 910 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 320,000円 購入はこちらから 仮山石の「形似」(現実対象物のリアルな再現)だけを追求するために行われるのではない。「気韻」という概念と自己の制作において見出される表現上の現代的な観念の関わり合いを通して、「気韻」...

イギリス人アーティスト、ニコラス・ハットフルのアジア初個展「心のサーマルズ」がTHE CLUBで開催されます。

Installation View, Nicholas Hatfull ‘Thermals of the Heart’, 2019 ©️Nicholas Hatfull Courtesy of THE CLUB, Photo by KEI OKANO  サーマルズ・オブ・ハートは、先日THE CLUBにオープンしました。これは、イギリスの若手アーティスト、ニコラス・ハットフルの初の個展です。ハットフルのアジアでの初個展となります。ハットフルは1984年生まれで、2011年にロイヤル・アカデミー・スクールで学びました。THE CLUBは東京・銀座にあるコンテンポラリーギャラリーです。今回の展覧会では、ハトフルの最新作14点を展示します。 ハットフルは現在ロンドンを拠点に活動しています。現在はロンドンを拠点に活動しており、ヨーロッパを中心にグローバルな活動を展開しています。ロンドンのSaatchi Galleryで開催されたグループ展に参加したことがあり、彼の作品はアメリカの名門コレクター、Beth Rudin...

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教授・学生・卒業生による絵画の多様な表面表現を探る WAITINGROOM グループ展「Island with ONI」

WAITINGROOMでの「Island with ONI」(2019年)のインスタレーション風景 アーティスト提供、WAITINGROOM  Daisuke Ohba, Kengo Kito, Shinya Imanishi, Saya Okubo, Kurumi Kotani,Naosuke Wadaの6名によるグループ展「Island with ONI」がギャラリーWAITINGROOM(東京)にて開催されました。この展覧会は、京都造形芸術大学教授の大場大輔氏と鬼頭健吾氏が主宰する展覧会で、学生たちのショーケースを目的としたもの。 Shinya Imanishi, Saya Okubo, Kurumi Kotani,Naosuke Wadaの4人は、それぞれ卒業した年が異なり、一緒に作品を発表するのは初めてのことでもあります。作家のDaisuke Ohbaによると、大学で教鞭をとり始めた7年前は学生の環境が非常に悪かったという。学生と教授とのつながりや関係性が希薄で、美術館や商業ギャラリーで作品を発表する学生や卒業生はあまりいなかったという。 WAITINGROOMでの「Island...

横断者たち-ファインアートと陶芸の境界線-

 陶芸、という響きに古めかしい響きがあるのは否めない。  日本人であれば、どうしても華道や茶道など古くからの日本文化を想起するであろうし、他国であっても何らかの伝統的文化と紐づくこと請け合いである。それもそのはず原始的なものであれば粘土と火さえあれば完成してしまう人類の最も古いテクノロジーだからである。  しかし、現代に生きる陶芸アーティストは、他のメディアと同じく常にアップデートを図っている。日本でいえば青木克世、桑田卓郎、上出恵悟などが手がける作品は、質はいうまでもなく目にも楽しい。  日本は世界的に見ても土性や焼成方法が多様であり、あらゆる陶芸の形が存在するわけだが、それと比例して陶芸のファンの数も多いことから現代アートとほぼ同等のマーケットを持つ。本記事ではそんな日本から、陶芸の世界に新たな息吹を吹き込むアーティストを3名紹介したい。 Saeka Komatsu 作家の詳細はこちらから 吉田芙希子/Fukiko Yoshida 作家の詳細はこちらから 長田沙央梨/Saori Osada 作家の詳細はこちらから

上床加奈 / 中島健太 / 野田怜眞による版画作品

TRiCERA人気作家による版画販売 先行予約はこちらhttps://forms.gle/tugNmB9D1QEhPLSq5 この度、TRiCERAではフジテレビのWEBメディア「フジテレビュー」に登場したアーティスト 上床加奈、中島健太、野田怜眞の3名のアーティストの版画作品を予約抽選販売致します。【販売に関する諸注意】(1) 作品にアーティスト直筆サイン、エディションナンバー入り。(2) 数量限定のため、在庫が無くなり次第販売は終了となります。(3) エディションナンバーは選択出来ません。(4) 作品の配送は本発売(2020年10月15日予定)より約2週間から1ヶ月のお時間を頂きます。(5) 下記の作品の仕様は制作前のものであり変更が生じる場合がございます。(6) お一人様一作品あたり2点までご予約いただくことが可能です。 上床 加奈《Blood 6》 アーティスト:上床 加奈 Kana Uwatoko タイトル : Blood 6 エディション:30 イメージサイズ(作品の図の大きさ):176 × 700mm シートサイズ(用紙の大きさ):196 × 720mmジクレープリント・ホログラム加工...

Yuna Okanishi: 筆跡の中に禅を見つける

“書道は単に線を引くだけではなく、線と線の間の空間も大切にしています。” Yuna Okanishi 若い頃から墨と紙のモノクロームの世界に惹かれていたYuna Okanishi。7歳の時には書道を正式に学び始め、書道への理解を深めていく。彼女にとって書道とは、単に線を描くことだけではなく、線と線の間の空間、つまり空虚さと充実感の二項対立を意味しています。 黒は空虚を表し、白は充足を表します。何が本当で何が本当でないかわからない世の中で、何が本当に大切なのかを見極める努力が必要だとOkanishiは考えています。 今回のインタビューでは、Okanishiの作品の原点、Okanishiにとっての作品とは何か、そして禅の思想が創作活動に与えた影響についてお話を伺いました。このインタビューは、長さとわかりやすさのために軽く編集されています。 現実と想像の世界を描く "空虚さと充実感 "の二項対立 書道から水墨画まで 簡素化と禅のライフスタイル 書道は命 岡西由奈のアートを購入する場所 現実と想像の世界を引き寄せる 水墨画家になるまでの経緯を教えてください。 7歳の頃から書道の練習をしていて、2010年に初めて個展を開きました。水墨画をMr. Sekizawaに習おうと思ったのは2012年のことでした。Sekizawaは日本画・水墨画の巨匠として有名なKawai Gyokudoに師事されていて、その技術は本当に並外れていました。 私はSekizawaから水墨画を学ぶことが大切だと思い、Sekizawaに連絡を取り、すぐにSekizawaの指導を受けることになりました。この時、私は全力で墨書画の習得に励み、多くのことを教えていただきました。 Yuna Okanishiの大と小 Sekizawa先生から学んだ一番大切なことは何ですか? 授業中に何度も楽しい? と何度も聞かれたのを覚えています。関沢さんはいつも「よかった、よかった!」と喜んでくれました。 Sekizawaさんは、「楽しいことが一番の描き方」とよく話してくれました。書道は自分の心の状態を映し出す鏡なので、楽しんで描いていたかどうかは見ている側にも伝わります。また、制作過程そのものを楽しむことが、芸術を追求し続けるための鍵であるとおっしゃっていましたが、私は作品を制作する際に常に意識しています。その楽しさは、作品だけでなく、自分自身にも広がっていくので、制作中は本当に楽しいと感じます。 "描く一本一本の線は、自分の姿、自分自身を表している" 7歳から書道を習っていたそうですが、その影響はいかがでしたか? 一本一本の線が自分を表していると思います。例えば、単純な直線を描けなかったら、自分に自信がないとか、自信がないとか、そういうことですよね。 あなたの心が正しい場所にない場合は、それは線の中で表示されます;あなたが続けるようにまっすぐなストロークは蛇行し始めるでしょう。しかし、あなたの心が設定されている場合 - あなたの心の最も深い部分から自分自身の確信しているとき - あなたの描画は、これを反映します。 私にとって、私は書道はあなたの心と精神を表すように非常に人生そのもののようなものだと思います。私の書道がますます洗練されていくにつれ、私はより成熟し、自分の人生をより明確に理解するようになりました。ある意味、書道は人生のバロメーターのようなものです。 6 by Yuna Okanishi "空虚さと充実感 "の二項対立 アートシリーズ「空虚と充満」のコンセプトはどのようにして生まれたのですか? 子供の頃からずっと考えていたことなので、"生まれた "わけではありません。真実とは何か、嘘とは何か?私が見ている世界は現実なのか?私の目で見ている世界は、私の魂の目で見ている世界と同じなのだろうか?このような疑問は、私の心の中に常に存在していました。 Yuna Okanishiのパラレルワールドとのコミュニケーション 例えば、私は小さい頃、キャンバスは粒子に分解できるので、その小さな粒子の上に世界が存在していて、その粒子の上に何かが生きているのではないかと信じていました。私たちが生きているこの世界、私たちが生きている宇宙が、誰かにとってのもう一つの「粒子」に過ぎないとしたら?もしかしたら、私たちはバービー人形のように弄ばれているのかもしれません。 真実とは何なのか?これは、私がまだ答えを出せていない問いです。 大人になってからも、これらの疑問は私と一緒に残っていた。私が見ている光は何億光年も前に作られたものかもしれない。では、今、私が見ている光は何なのか?真実とは何か、嘘とは何か。 "空虚そのものを描いているかのように 白い空白をどう残すかを いつも深く考えています" 人に会っても、こんなことを自問自答し続けています。もしかしたら、自分と仲良くなれない人の中にも、自分が学ぶべきことがあるのではないかと。真実は意外なところにあるし、その逆もある。私は、「空虚と充足」の世界で答えを探して生きているのだと思います。 私たちは生まれる前からすべてを知っていて、意図的に生まれてきた両親のもとで育つことを選んでいるのだと思います。何かに抑圧されているわけではないので、この人生の最初の数年間の記憶はとても貴重で大切なものだと思います。作品を制作する際には、このような人生の初期段階の記憶を常に思い出すようにしています。 あなたの作品のどのような点が他のカリグラフィーアーティストとの差別化になっていますか? よく見ている方から「私の書道は独特のスタイルを持っている」と言われることがありますが、正直なところ、それを自分で発見するには至っていません。ただ、私がいつも気にしているのは、空虚さそのものを描くように白い余白をどう残すかということです。書道だけではなく、文字の周りの空間をどのように見せるか、ということにもこだわっています。 書道から水墨画へ 普通の書道と墨絵の違いは何ですか? 書道は自分の心や精神状態がとてもよく反映されています。例えば、心が不安定な時に線がぼやけてしまう。私の心を映し出してくれます。 カタナ(剣) Yuna Okanishiさんの 墨書画は、水墨画に見られる技法を用いて描かれています。もちろん、書道のように精神状態を反映したものではありますが、墨書画は文字のように露骨なものを描くのではなく、より抽象的なイメージや概念を描くことを目的としています。 技術的な面では、書道では二度書きが禁止されていますが、墨書画は、軽い筆の上に重い筆を重ねて、インクの自然な流れを楽しみながら重ねていくものです。そういう意味では、水墨画に近いですね。 書写画は、書道と日本画の中間に位置する芸術だと思います。 簡素で禅的なライフスタイル 禅の哲学は、あなたのライフスタイルと芸術の両方に見出すことができます。禅の考え方を取り入れたきっかけを覚えていますか? 子供の頃、私はアトピーに悩まされていて、母は介護に苦労していました。私は市販のものにアレルギーを持っていたので、自然のものしか使えませんでした。 アトピーをきっかけに、母は環境への意識が高まり、環境に優しい生活を送るようになりました。そんな母を見て育った母の生き方には、何事も大切にする、物を大切にするなど、禅の思想に通じるものがありました。禅の本を読み始めた時に、その精神に真実があると思い、禅哲学を修行したいと思いました。 禅哲学に興味を持った理由はもう一つあります。忙しい現代社会の中で、歩きながらスマホを使い、食事をしながらテレビを見ていると、その瞬間を生きづらくなるのはおかしいと感じました。禅の修行では「今を生きる」ことを実践すると聞いて、2014年に非常に厳しい修行で知られる永平寺で学ぶことにしました。 先ほど、「書道は心を映すもの」とおっしゃっていましたが、ご自身の成長が作品にどのように影響しているのでしょうか。ご自身の成長は作品にどのような影響を与えているのでしょうか? 私の作品には曲線を描く線が多いのですが、この曲線は時間の経過とともに大げさになってきていると思います。 それは自然の曲線であり、雲海であり、アーチを描く枝でもあります。自然を愛することで自分をもっと発見していくと、海に潜ったり、大自然の中に出てみたりして、世界の「曲線」をもっと発見して、自分の線がもっと曲線になっていくことがよくあります。私の作品は私を表しているので、私の作品がどのように進化してきたかに満足しています。 書道は命 私は、書道は人生だと思っています。 書道の練習をするときは、まず「臨書」の文字を写すことから始めます。 臨書の練習には三段階の段階があります。 第一に、文字の形を真似る「桂林」です。これにより、師匠の技を習得することができます。 第二に、書家の意味や思想を理解し、その思想に浸りながら文字を描く「入林」。 三つ目は、今まで学んできたことを忘れて、自由に描いて、自分だけのオリジナルなものを作る「毛琳」。 この段階は、人生そのものにも当てはまると思います。生まれた瞬間から、周りの人の真似をして言葉を覚え、人を理解しようとしながら自分の個性を伸ばしていく。 書道には、人生と似た要素がたくさんあります。だからこそ、書道は人生だと思っています。 Yuna Okanishiさんのアートを購入する場所 TRiCERAでは、Yuna Okanishiの作品を多く取り扱っております。他の日本の現代書家の作品に興味がある方は、書道アートのページをご覧ください。

Feature Post

deitypartyを知るための6つのポイント

キャラクターのようなシンプルなデザインで、可愛らしい女の子の絵を描くdeityparty。しかしそんな絵柄とは真逆に、人間の仄暗い闇の部分をテーマとした作品が多い。水彩や色鉛筆などの淡い色彩で表現しているが、伝えているメッセージはどこか共感できるような部分が多く誰もが抱えがちなものだ。 1.deitypartyの背景 台北在住のアーティスト。2012年に台北国立芸術大学で絵画のBFA(美術学の学士号)を修了し、2016年に国立台湾大学で言語学のMA(学芸修士)を修了。2019年には絵画の研究に関して、学術出版社であるWalter de Gruyterの書籍シリーズに掲載された。現在日中はプロダクトデザイナーとして働き、夜はアーティストとして活動中。絵の制作以外にも執筆活動もしており、いくつかの文学賞を受賞している。2019年の台北イラストレーションフェアでは、Selected Awardを受賞した。Instagramでは名前と同じ「deityparty」というIDで日々の制作を世界に発信している。 2.文学的な感性 人間の感情的な部分への目の付け方や、キャプションに付けられた短い言葉など、文学的な感性が発揮されたアート作品が多い。「Dancing In The Dark」という作品の中では、悩みもがき苦しんでいる様子がまるで、暗闇の中でダンスを踊っているかのように見えるというdeitypartyの考え方が添えられていた。筆のタッチもダンスの動きの激しさを示すような荒い動きで、顔のパーツや体の輪郭をはっきりと描いていない。色も赤と青をメインに使われていて、暗闇の中で苦しんだり怒ったりという感情の起伏の激しい波も感じ取れる。 (Dancing In The Dark/17cm×23.2cm/ミックスドメディア) 作品詳細はこちらから 3.現代的な闇を持つ人間の描写 現代の私達が抱えがちな仄暗い部分を持った人間の様子を多く表現している。「In My Sleep」という作品では、不眠症について表現されている。夜に眠ることができず、架空の睡眠を繰り返す様子を「明るい闇の中に居るようだ」と考えていて、女性が眠っている部屋の背景はあえて白いままで残されている。直接的に不眠症に苦しんでいる表情や様子は描かれていないがその女性の手を「ナイフを握った手」という説明をしていることから一見、明るい部屋でただ横になっているだけのように思えても、実はかなり苦しんでいて追い詰められている状態なのだとわかる。 (In My Sleep/21cm×30cm/水彩画) 作品詳細はこちらから 悲しげな様子の頭部とティーカップがぽつんと描かれた、不思議な印象が漂う「Blue Still Life」という作品。休憩中に疲れた頭をデスクに置いて休んでいる様子が描かれており、現代の私達の多忙さがよく表現されている。日々色々なことに追われていて頭を取り外したくなるぐらい疲れるが、ただお茶を飲んで休憩しても満足に休むことができない。思考を取り外して静物として頭を無にする必要がある程、忙しい毎日を送っている。 (Blue Still Life/10cm×14.9cm/ミックスドメディア) 作品詳細はこちらから 4.共感性の高いメッセージ 人間の身近なところにある仄暗い部分を描いた作品からは、共感できる部分が皆何かしらあるかもしれない。現代に生きている私達にとっては不眠も、多忙による疲れも非常に身近な悩みで、ぱっと見ただけでは人から理解してもらえないことが多い苦しみだ。deitypartyの作品から共感することで、気持ちが楽になったり理解して貰えたという喜びを感じることができる。 5.物語性の高さ 執筆活動もしているdeitypartyらしく、小説の一節のようなキャプションを添えたシーンが描かれた作品が存在している。例えば「Swimmers」では、「二人は泳ぎに行った。その日に何かが起こり、2人を永遠に変えてしまった。」というキャプションがあり、友達のように見える2人の水着の女の子に何があったのかが気になる。視線がそれぞれ別の方向を向いている様子からただ喧嘩をしたのか、それとも全体的に不穏な暗い色調から察すると何か重大な事件が起きたのか…。深くは描かれていないからこそ、自由に物語を想像させる仕組みになっている。 (Swimmers/21cm×30cm/水彩画) 作品詳細はこちらから 頭部が飛んでいってしまっているような残酷な描写がされているが「The Kiss」という作品も、まるで映画のポスターのような物語性が付け加えられている。「死の前で、二人はキスをする。」というキャプションが付けられているが、キスをしている様子からして愛し合っている2人は何故このような状態になってしまったのか。何もわからないが、物語を色々と推測させる興味深い作品だ。 (The Kiss/10cm×14.9cm/ミックスドメディア) 作品詳細はこちらから 6.キャッチーな絵柄に仄暗さを混ぜ込む魅力 キャッチーで可愛い絵柄に、仄暗さというスパイスを効かせることでアンバランスな新しい魅力が生まれている。その強烈なギャップは私達の脳に色濃く刻まれていく。同じ作品からどんな物語を連想したか皆で話し合うのも面白そうだ。deitypartyにしか出せない作品に惹き付ける力を、これからも追っていきたい。 今回ご紹介の作品はTRiCERAで取り扱っております

寺床まり子|記憶の景色に魅せられて

絵を描くことは寺床まり子にとってライフワークであり、過去現在そして未来へと絶え間なく続く営みだ。幼少期から絵画に親しみ、今日までその道から視線を外さずに今日の立ち位置まで歩んできた。三重県に生まれ、名古屋造形短期大学で洋画を専攻。「多くの素晴らしい画家や先生に出会う過程で、その影響が自分を作家として育ててくれた」と語る。 寺床の洗練された抽象画は、日本のみならず世界の美術界でも高い評価を得ている。自由美術協会に所属しつつ、これまでに埼玉県立近代美術館、東京のギャラリーや、ソウル・Kepcoアートセンターなどで個展を開催し、2022年11月にはニューヨークのArtifactでの個展開催も決定している。また、グループ展参加も多数、米国での発表にアジアのアートフェア参加と精力的な活動を繰り広げる。   作品のテーマを「記憶の色」と説明するように、彼女の絵画は、観る者に人生の心温まる瞬間を思い起こさせる。水、山、空、植物などの自然の色や街の色を、美しい色彩の重なりを巧みに用いて表現していく。それは彼女の個人的な記憶でありながらも、鑑賞者をも、美しいデジャブのような「記憶の風景」に誘い込み魅了する。 アーティスト詳細はこちらから

アートにおける「青」の物語

私たちの目にうつる生活は、とてつもなく鮮やかだ。 ただ、普段の生活の中、色彩に意識的であるのはアーティストやデザイナーくらいではないか。 ここで一旦、色が我々に与える影響を考えてみよう。 例えば赤はアドレナリンの分泌を促進し、黄色はリンパ機能に影響を与えるという。真偽のほどはともかく、色彩がもたらす生理的もしくは心理的機能への影響は、例えば広告などで積極的に応用されている。広告の用途にしたがって、つまりその狙いの違いによって色を使い分けるのだ。 ではアートの世界ではどうだろう? 中でも青は特別と言われ、心理学的には「鎮静」を促すとされるこの色は、例えば印象派の作品では青がよく使われていたし、中世では王族を表す色でもあった。かのイブ・クラインも青に魅せられ、自分だけの色「インターナショナル・クライン・ブルー(IKB)」をも作りだした。青は落ち着きの色であり、高貴の色であるのだ。 もちろんアートにとって色彩は無くてはならないガジェットの一つ。明るさや暗さ、豪華さや清らかさ、特定の色はそれぞれに暗喩するイメージがあり、画家が思い描く世界をアプトプットする重要な手段だ。 日南田の作品もまさにそうだろう。クレヨンとアクリル絵の具、ジェッソをベースに塗り重ねる彼女の作品は、壮大なスケールであることが多く、使用される色は青系統が多い。 作品の詳細はこちらから  ロサンゼルス、トリノ、マイアミ、モンテカルロ、パリなど世界を旅しながら作品を発表してきたアーティストユニット Delta N.Aの作品は、現代人が抱える二項対立がメインのテーマだ。明度の低い青の利用は、うっすらと幻想的な色調、そして思考を促すようなゆったりとした時間へ誘ってくれる。 作品の詳細はこちらから  高橋浩規は日本のデリケートな四季を細やかに描き出すアーティストだ。岩絵具の素材としての美しさを出来るだけ活かすように、色彩の透明感や鮮度を保つことに細心の注意を払っている。岩絵具由来の色彩から紡がれる情緒溢れる画面は、どっしりとした深みのある、けれども決して野暮ったくない仕上がりである。  深みのある青で描かれるもっとも日本的なモチーフの一つ、富士山、そして天の川を自宅の椅子に腰をかけてゆっくりじっくりと、時間をかけて眺めてみるのもいいだろう。 作品の詳細はこちらから アートはモチーフや素材、筆致やコンテクストなど無数の構成要素から成る。しかし、生活と密接な作品を選ぶ際には、色を意識してみることだ。

現象と想像力の冒険。

絵画とは異なり、実物や物を題材にした写真の表現は、被写体によって多少制限されます。被写体の選び方、照明の当て方、場所の設定、作家と被写体との距離感、あるいは全く手を加えない自然な撮り方。アーティストが想像力の魔法で現実を捉えていく様は、とても興味深い体験です。 福嶋幸平 KEISUKE UCHDA KEISUKE UCHDA 詳細はこちら 梅川 良満 詳細はこちら Yasuaki Matsumoto 詳細はこちら Yumiko Kamoto 詳細はこちら Shinya Rachi 詳細はこちら JG. Heckelmann 詳細はこちら

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