水曜日, 9月 22, 2021
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この度TRiCERAではグループショー「青い春の中に」を開催致します。

この度TRiCERAでは1月30日より1週間の会期にてグループショー「青い春の中に」を開催致します。今回は美術教育を受けている最中の学生、またそれを受ける前段階にある描き手の作品を展示致します。

ひとによってそれが到来する時期は異なりますが、誰しも青年から成人へ、社会的にも精神的にも、あるいは身体的にも変化をしていきます。青年期は、何かを嫉妬したり、焦がれたり、無闇に腹が立ったり嫌気がさしたり、根拠のない勢いだけを感じたり、何かとコントロールのきかない情緒との近い時期です。

しばしばアート作品もそのような精神を表現していることがあるかもしれません。ただしそれは往々にして計算され、考え抜かれ、見つけ出された結果としてでで、自然な表れではないこともあるでしょう。

今回は美術教育を受けている、或いは受ける前にいるひとびとの作品を集めました。体系化された美術のシステムの中に入りきらない、ただひたすらに純粋な創意の表れであり、また作り手である彼らの生活に息づいている精神の反映とも言えるかもしれません。

作品を通して向けられる、若い描き手による清心な語り口を是非ともお楽しみ下さい。

開催概要
会期:2021/1/30(土) – 2021/2/6(土)
会場:TRiCERA Museum
東京都港区高輪3-22-5 SDS高輪ビル
※本展示は、新型コロナウイルス感染拡大防止の観点から完全予約制とさせて頂きます。
来場の場合は下記のフォームよりご予約下さい。
みなさまにはご不便おかけしますが、何卒ご了承下さい。

 

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

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Go Ogawa: 現実から幻想を作り出す

"私の作品には色がなく、あなたが見ているものはプリズム効果に過ぎないので、すべてが単なる錯覚に過ぎません。" <a href="https://www.tricera.net/en/id81000200015" Go Ogawaは2011年に日本のアート集団C-DEPOTに参加。ハッブル宇宙望遠鏡が撮影した銀河系の映像をホログラフィック・プラスチックフィルムを用いて立体的なインスタレーションを制作したことで知られる。 今回のインタビューでは、彼の芸術の原点、彼の作品が彼自身にとって何を意味するのか、そして色という媒体で実験を続けてきた彼に話を聞いてみました。このインタビューは長さとわかりやすさのために軽く編集されています。 伝統的な彫刻のルールからの脱却 ホログラフィックフィルムアート。カラフルなイリュージョンを作成する透明なアート 未来への大胆な一歩 Go Ogawaのアートを購入する場所 伝統的な彫刻のルールからの脱却 "「私の銅像は、単にルールを破っただけでは、大学には受け入れられませんでした。」” どのようにして今のアーティストに成長したのでしょうか? 東京藝術大学に入学した時は、今の仕事に関連した考えはありませんでした。妹が他大学で美術を学んでいたので、私もアーティストになりたいと思っていました。人の形を彫ることは、アーティストになるために必要なことだと思っていたので、その時に力を入れていました。 しかし、私はすぐに彫刻の伝統的なルールに縛られたくないと感じました。例えば、女性の彫刻を作るときには、像は自立していなければならないのですが、私はそれに挑戦して、壁にもたれかかるように彫刻しました。この「立つ」ということは、ルールを破っただけでは大学に認められないということで、私には違和感がありました。それ以来、自分の作りたいものを自由に作れるように努力しています。 影響を受けたアーティストは? 学生の頃は好きなアーティストがいなかったのですが、東京の原美術館での個展を見て感動して以来、今は特にオラフール・エリアソンが好きになりました。彼はとても賢いアーティストで、自然の構造や成り立ちを研究して、その構造を作品に再構成しています。彼のアプローチは、私自身のアプローチとどこか似ている気がします。私は彼に大きな影響を受けています。 また、頂点に燃え続ける炎が噴出する噴水Waterflameや、白い立方体のアート空間の中で金属製の大きな球体を転がして壁を破壊するインスタレーション360° Presenceなどの作品を制作してきたイェッペ・ハインの影響を受けています。私はこういう作品に大きな影響を受けています。表現の形ではあまり影響を受けていませんが、私たちの作品で見る人の心を動かし、注目を集めることを目的としている点では共通しています。 影響を受けた日本のアーティストを挙げるとすれば、吉岡徳仁の作品に通じるものを感じます。特に、日常生活の中で起こる些細な思いやインスピレーションを深く掘り下げて作品にしていく吉岡徳仁の姿勢には、とても共感しました。 “...根底にあるテーマは「幻想と現実」” <a href="https://www.tricera.net/en/id81000200015" 作品を通して表現したいテーマは何ですか? 私の作品が視覚的に魅力的であると多くの人に感じてもらえるのは嬉しいことですが、根底にあるテーマは "幻想と現実 "です。私の作品の最大の特徴は、錯覚を表す色と、現実を表す複雑なベースの色です。 ホログラフィックフィルムアート。カラフルなイリュージョンを作成する透明なアート "存在していても認識しにくい形という考えは、自分の作品にはとても合っていると感じました。" 現在のホログラフィックフィルムのアートスタイルをどのように発展させたのか教えてください。 ハッブル宇宙望遠鏡で撮影された写真を見るのが大好きで、プラネタリウムとは違う新しいアプローチで宇宙を表現する方法を探していました。その中で、自分に合った素材を探し続け、大学院を卒業する頃に特殊なフィルムを見つけました。それからは、そのフィルムをどうやって作品に使うかを実験しました。フィルムは薄いシールのようなものなので、透明なアクリル樹脂の表面にしか貼れません。 それから表面のデザインを始めました。最初の段階では、ガラスの球体を下地にしてフィルムを貼り付けたり、試行錯誤を重ねて、今のスタイルにたどり着きました。 この透明素材とホログラムフィルムの組み合わせはどのように選ばれたのでしょうか? 大学で彫刻を勉強していて気づいたことです。彫刻家は常に彫像の細部を深く気にしていますが、表面が透明であればその細部は見えません。ディテールの高い透明な彫像の矛盾は、大学院で研究していたテーマの一つでした。存在しているのに気づきにくい形という考え方は、自分の作品にとても合っていると感じました。 また、私の作品は色がついているように見えますが、実際には色がついていません。私の作品に見える色は、アクリルの下地の屈折と光が一定の角度で反射してできた光の反射に過ぎません。表面の複雑なディテールは透明なので、形がはっきりとはわからないのですが、私の作品には色がありません。私の作品には色がなく、プリズム効果にすぎないので、すべてが錯覚にすぎません。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000200017" フィルム自体には色はありませんが、蒸着法で作られた金属粉の薄い層が青や赤など様々な色の光を反射しています。私の作品は、月明かりで見ると完全に透明になります。太陽の光の下では、色のスペクトルが見えます。黄色の光では暖色系の色が見えますが、蛍光灯では波長が足りず、作品の色が出ません。太陽光の下では一番良いのですが、室内の照明であればLEDが一番色が出やすいですね。 光源の多い場所では、光の影響をあまり受けず、色が拡散してしまいます。暗い背景にスポットライトを当てて見るのがベストです。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000200017" 光源はともかく、設置環境によって色が異なります。例えば、白を背景にした場合は柔らかい淡い色調ですが、黒を背景にした場合は濃い色調になります。 1枚のフィルムは、光が反射したり、フィルムを通過したりすることで、2種類の色を作り出します。フィルムを透過した光の色は、表面の形状が落ち着いている時や平らな時を除いて、多くの種類の表面形状ではっきりとした明るい色になります。そのため、エッジや起伏を多く入れて、よりはっきりとした色を出すようにしています。 私の作品は、フィルムの種類、透明な基材、表面のディテールや形、という3つの要素の組み合わせによる無数の実験に基づいています。3つの要素のうち2つの要素の組み合わせをたくさん試し、その結果を見て、組み合わせて作品を制作しています。 アクリル樹脂のベースはどのように成形するのですか? ハンドグラインダーで大まかに形を切り出していきます。ほんの少しの微妙なうねりでも色が変わってしまうので、最終的な研磨はサンドペーパーの粒度100~2000と研磨用のコンパウンドを使って手で行います。 普段は実物を題材にすることはありませんが、具体的な依頼があった場合はそうします。一度、鹿を作ってほしいと言われたので、鹿の形をした作品を作りました。茶道のアイテムを作ってほしいと依頼されたことがあったので、小さな砂糖菓子の入れ物を作りました。 フィルムとアクリル樹脂の形状の組み合わせで無限のアイデアを表現できるのが面白い。 作品は見る角度によってどのように色が変わるのでしょうか? まるで光の芸術作品のように色が完全に変化します。しかし、光を科学的なアプローチで研究していることから、私が追求していることは、印象派の巨匠が追求していることに近いのではないかと思います。 上の写真がその良い例です。同じプリズム状の柱を並べて配置したものですが、角度によって全く違う色が見えます。 このアクリル素材は経年劣化しますか? 私は建材で一般的に使われているアクリル樹脂と同じものを使用していますので、よほど過酷な環境に放置しない限りは問題ないはずです。 未来への大胆な一歩 “...宇宙空間での展示会を開催したいと思っています。” 作品を制作する際に、今は何を重視しているのか、これから挑戦してみたいことは何ですか? 現在は、アクリルベースのうねりによって色がどのように変化するかを研究しています。最初はガラスの球体を使っていたのですが、ガラスの球体は屈折が一定なので、アクリル樹脂を彫刻して面白くしています。私にとって展覧会というのは、実験の結果の集合体のような気がします。また、複数の作品を並べるとどうなるかという実験もしています。 今後は、飛び石などの日本庭園に自分の作品を取り入れてみたいと思っています。また、テーブルなどの家具も作ってみたいと思っています。同じようなカテゴリーでは、シャンデリアを作ってみたいと思っていますし、ステンドグラスも興味があります。 作品の展示については、宇宙空間で展覧会をしたいと思っています。あと、いつか万里の長城のような規模の大規模な展覧会をやりたいですね。宇宙から見えるような大きなインスタレーションを。 特に宇宙展に興味があります。他の作家はまだ宇宙で作品を展示したことがないので、ぜひやってみたいと思っています。 Go Ogawaのアートを購入する場所 TRiCERAでは、Go Ogawaの作品を多数ご紹介しております。他のC-DEPOTのアーティストもご紹介しています。

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東京にあるユニークなアートスペースでIzumi Katoの作品

Izumi Katoの個展「LIKE A ROLLING SNOWBALL」(原美術館) 現在、東京と香港を拠点に活動する世界的に有名な日本人アーティスト、Izumi Katoは、東京・品川の原美術館、群馬県の原美術館アークで個展を開催しています。 原美術館アークがKatoの作品を総合的に紹介 原美術館では、最新作の69点を展示します。の作品を展示しています。原美術館での「LIKE A ROLLING SNOWBALL」展は Katoの東京の美術館での初の大規模な個展となる「現代美術」。また、原美術館での本展のポイントは は、彼の最新のセンスとユニークな展開をキャッチするチャンスと言えます。美術館の雰囲気 最近の作品は、石や布など様々ですが 版画制作。 Katoの作品は、絵画や彫刻による原始的で神秘的な人間模様の描写で知られています。彼の作品はトーテムを想起させます。また、原始的な精霊が、歪んだ顔や体の形として作品に閉じ込められているようにも見えます。Katoの作品をよく見てみると、彼は常に対になることを追求している。Katoの人型彫刻は、常に男女の作品であり、絵画もまた、二つの別々の作品が一つの作品になるような構成になっています。また、石と綿とソフトビニールで作られた彫刻作品についても、頭と体は石とソフトビニールと綿という全く異なる素材で作られていますが、ある意味では軽さと重さという二つの異なる属性を対にしているようにも見えます。様々な意味でのペアの追求は、儀式的なもののように思えます。 当館では、いくつかの特徴的な作品をご紹介します。ギャラリーⅠで展示されている「Untitled」は、布、革、石、アルミなど様々な素材を使った巨大なインスタレーション作品に挑戦しているKatoの最新作。原美術館という場所の特徴に合わせて、他の作品もよく展示されていました。原美術館の庭園には、自然との出会いをテーマにした作品「Untitled」が2点設置されています。庭園に設置された作品は、美術館の中から見えるように設計されている。 原美術館の場所について 原美術館を訪れたら、東京では珍しい異国情緒あふれる独特の雰囲気に癒されるかもしれません。日本最古の現代美術館のひとつである原美術館は、東京・品川区に位置し、椰子の木に囲まれた庭園の中にあります。この建物は、現在の原美術館理事長である原俊夫氏の祖父である原邦三氏の私邸として1938年に建設されました。設計は、東京国立博物館の本館も手がけた著名な建築家・渡辺仁氏が担当しています。 戦後、フィリピン大使館やスリランカ大使館などで使用された後、1979年に美術館となりました。2008年に大規模な改修工事が行われた後、新しい照明システムが設置され、修理が行われました。 日本で最初の現代美術館の一つとして 20th世紀初頭のヨーロッパ建築様式を取り入れた昭和初期の建築物としては数少ない例の一つです。 しかし、約80年の時を経たことによる維持管理の困難さから、財団は2020年12月31日をもって閉館し、原美術館アークがすべての活動の場となることを決定しました。独特の雰囲気を持つ美術館がなくなる前に、Izumi Katoの最新作を鑑賞できる機会に、ぜひ足を運んでみてはいかがでしょうか。 IZUMI KATO – LIKE A...

日本の秋は芸術とともに

 8月を過ぎればいよいよ我々を苛んできた暑さも和らぎ、いよいよ秋めいた季節になってくる。  そんな秋はスポーツの秋、読書の秋、食欲の秋、、、といった具合に色々と捗る季節というのが昔からの認識らしい。ただアートファンにとっては、秋といえばやはり芸術ではなかろうか。ちなみに芸術の秋という言葉自体は他国には存在せず、日本固有のものだという。  背景として、まず一つに、二科展や日展、院展など日本を代表する展覧会が開催されること。また過ごしやすい秋の陽気は心に芸術を楽しむ余裕を生むことなどがあるとされる。  秋は月や紅葉が綺麗な季節だ。そんな季節にわざわざ絵で鑑賞することのなんと雅やかなことだろうか。さて本記事では、秋の月と紅葉を題材に描かれた日本人の原風景的作品を数点紹介しよう。 大地義彦/Yoshihiko Daichi 作家の詳細はこちらから Keiko Kobayashi 作家の詳細はこちらから Sai Seinan 作家の詳細はこちらから Edi Matsumoto 作家の詳細はこちらから 大泉沙知/Sachi Oizumi 作家の詳細はこちらから 藤川妃都美/Hitomi Fujikawa 作家の詳細はこちらから 刀根千賀子/Chikako Tone 作品の詳細はこちらから aki 作品の詳細はこちらから

ナチュラルな部屋をつくる、6つのアート作品

ルームデザインに役立つアートをまとめてお届け。ビジュアルはもちろん、作家が込めた哲学にもご注目。今回はナチュラルな部屋づくりに最適な作品を6つ紹介する。 ナチュラルとアートの親和性 植物や自然には人の心を癒す効果があります。同じようにアートにも「色」「モチーフ」「質感」などから、鑑賞することで人の心に癒しの効果を与えるという性質があります。そのようなアート作品が持つ性質と部屋の雰囲気が調和するような、芸術的かつ暖かい空間をつくるのはいかがでしょうか。そこで、部屋に飾ることでナチュラルな雰囲気を演出する作品やナチュラルインテリアとも相性が良い作品を6つ紹介します。 The Breath Of Life  The Breath Of Life (生命の息吹)/10cm×10cm/アクリル 作品はこちらから この作品ではロシアに夏が訪れて植物や虫たちが生命を謳歌している様子が描かれています。モチーフがデフォルメ調の植物と虫たちであるため、周りに植物などの天然素材を置いている部屋の中でも違和感なく存在感を発揮します。背景色がグレーであるため、飾る時には部屋の元々の壁紙の色とも合わせやすいという利点があります。小さいサイズの作品のため、絵を複数個飾りたいという方にもオススメです。 3-2「Garden」 Garden/37cm×47cm/アクリル 作品はこちらから 植物が絵本のような可愛らしいタッチで描かれた作品です。画面の中で緑色が多く使われていますが、緑の色味を少しずつ変えることで画面に変化を付けさせ、長く鑑賞していても飽きさせない工夫がされています。植物が女性らしいタッチで非常に細かく描写されていることが特徴的な作品ですが、このようなディテールが細かい絵は単調気味な空間に飾ることで部屋のインテリア全体のクオリティを上げることができます。緑色は木のインテリアとも相性が良くナチュラルな空間にぴったりです。 Guangzhou Guangzhou/38.1cm×30.5cm/水彩,ペン,インク 作品はこちらから 都市を上から覗いたかのような大胆な構図が特徴的です。この作品は全体的に黄色をベースにした色味でまとめられています。海外で発表された2021年のトレンドカラーに黄色が含まれていたことから、インテリアの差し色へ用いることが2021年のトレンドになると言われています。この作品から印象付けられる落ち着いた黄色のトーンもトレンドにぴったりです。暖かさを感じるベージュや白色とも相性が良く、非常に扱いやすい色です。街並みを描いているということで直線的な表現が多い作品のため、同じ部屋に直線的なシルエットを持つ家具を集中させることで、統一感のある部屋になります。 The dreaming moon_2 The dreaming moon_2/50cm×50cm/アクリル 作品はこちらから 丸いキャンバスに描かれているのが特徴的な作品です。直線的なインテリアが多い空間に、このような丸い形のキャンバスを飾ることで作品に視線を集中させることができ、存在感を与えます。キャプションを見てみると「深い海の中で出会った月」とあり、海をまるで月のように丸く切り取ったユニークな作品となっています。海や自然の色を意識して作られた作品を目立たせることで、部屋全体の雰囲気をナチュラルな方向へとコントロールすることができます。全体的に寒色がベースになっているため、暖かい空間の中でもスタイリッシュかつクールな印象を与えます。 Space Cloud - 6th Planet Space Cloud - 6th Planet/70cm×100cm/デジタルプリント 作品はこちらから 空を映した、どこか懐かしさを感じさせるノスタルジックな雰囲気をもつ写真の作品です。 画面の多くを占めているオレンジ色の雲から、暖かさを感じることができます。壁紙やインテリアに暗い色が多い空間でも、飾ることで部屋の中に暖かい印象を作り出すのにピッタリです。更にこのようなノスタルジックさを持つ作品は、古い質感を持っている木のインテリアの近くに飾ることでナチュラルかつビンテージな雰囲気を演出してくれます。 Fontana di Trevi   Fontana di Trevi/70cm×70cm/アクリル 作品はこちらから 夏に噴水の底でコインが光っているのを見てインスピレーションを受けたという作品です。コインを金色のアクリル絵の具で表現しているため、コインの金属の質感が浮かび上がるような表現がされています。キャンバスの側面まで描写されているため、額縁に入れることなく部屋に飾ることが可能です。木などのナチュラルな柔らかい雰囲気に、金属のような質感のある絵を取り入れることで物足りない部屋の印象をはっきりとさせます。金属のような質感と言っても、重厚感ではなくキラキラとした明るい印象を与えてくれるため、部屋全体の雰囲気が重くなりません。 ナチュラルな部屋は幅広い年齢層から長年愛されているテーマであり、部屋全体が暖かい雰囲気に包まれます。アート作品はそのようなナチュラルな部屋との相性がかなり良いため、初心者でも気軽に作品を飾ることができるのでオススメです。  

上床加奈 / 中島健太 による新作版画の予約抽選販売を実施致します

この度、TRiCERAではフジテレビのWEBメディア「フジテレビュー」に登場したアーティスト 上床加奈、中島健太による新作版画作品を予約抽選販売致します。 ■ 受付期間 2020年10月25日(日) 10:00 〜 2020年11月10日(火)■ 当選通知 2020年11月17日(火)までに当選者のみメール通知■ 応募方法 応募フォームに必要項目を記載の上、注意事項を必ずお読み頂きお申し込み下さい。 【販売に関する諸注意】(1) 作品にアーティスト直筆サイン、エディションナンバー入り。(2) 本作品は抽選となっており、ご希望の作品が手に入らない場合がございます。(3) エディションナンバーは選択出来ません。(4) 作品発送は本発売(2020年11月16日予定)より約2週間から1ヶ月のお時間を頂きます。(5) 下記の作品の仕様は制作前のものであり変更が生じる場合がございます。(6) お一人様一作品あたり2点までお申込頂けます。 | 上床加奈 《犬神 参》 ©️ Kana Uwatoko / TRiCERA, inc. アーティスト:上床 加奈...

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