金曜日, 1月 28, 2022
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ART & MOVIE ーシーンとイメージが導く映画と絵画の共振

今回は、映画とアートという2つをペアリングしていこうと思います。
映画には画、音楽、物語など多くの要素があり、
人によって映画の着眼点や感じ方はさまざまでしょう。
そのため、一口にペアリングをすると言ってもどのようにペアリングをしていくのか、
最初に決める必要があります。まずは映画を構成する要素を考え、
それらを様々な芸術へと当てはめてみることにします。

カット、シーン→絵画、写真
シーン、シークエンス→ビデオアート
サウンド(BGM)→サウンドアート
演技、役者の身体→パフォーマンス
脚本、プロット→小説、文学、詩など
セット、役者の身体→彫刻

こうしてみてみると映画というのは、舞台などと同様に総合芸術であると言えます。
総合芸術であるところの映画を一つの芸術作品をもって表現することは、
不可能ではありませんが、少し難しいため今回は映画全体と作品をペアリングするのではなく、
映画の中で印象に残ったシーンと作品をペアリングしていくことにします。

それでは、今回は3作の映画についてペアリングをしていきたいと思います。
映画のネタバレを含むことがありますので、ご注意ください。

1: バッファロー’66(1998)x 《E=MC2》(Jan Smeltekop) and 《A Moment》(Ken Sakamoto)

 

ヴィンセント・ギャロが監督と主演を務めたバッファロー’66は、刑期を終えた主人公が「フィアンセを連れて帰る」と実家に嘘をつき、
フィアンセ役を立てるため途中で出会った少女レイラを拉致し、
彼女と過ごす中で少しずつ変化していくという物語です。この映画の中で印象的なシーンの1つは、
ボーリング場でキング・キリムゾンの“Moonchild”をBGMにレイラがダンスをする場面です。
このシーンには、Jan Smeltekopの《E=MC2》をペアリングしてみました。
この作品は暗闇の中に佇む女性を描いています。女性の妖艶な姿と暗い画面が、キング・クリムゾンの曲の中で踊るレイラを想起させます。
また、画面に描かれた「E=MC2」はエネルギーの計算式を表しており、作品と映画シーンの両者がもつ独特な吸引力を感じることができます。

《E=MC2》(Jan Smeltekop)

また、この映画でもう一つ印象的なのは、実家に戻った主人公と家族が食卓を囲んでいるのですが、
両親はあまり彼に興味がなく、ほとんど相手にされていないというシーンです。主人公のやるせなさや苛立ちとともに、
家族というものの歪なバランスが表れているように思います。

このシーンには、Ken Sakamotoの《A Moment》をペアリングしてみました。この作品は人の痕跡が残った食卓を描いており、
その粗雑な雰囲気とモチーフの荒削りな描き方からは、そこに集う人々の関係の危うさを感じます。
それは、彼らがいなくともそこに横たわり続ける「家族や家庭という形式的な現実の空虚さ」と、
映画の中で食卓を去った主人公が最後に道中を共に過ごしたレイラを抱きしめたように、「互いに向き合うこと、
その事実の重み」を想起させます。


《A Moment》(Ken Sakamoto)

2: 花とアリス(2004)x 《7,PM1913.》(MIZUKI)

 

岩井俊二監督によるこの作品は2015年に前日譚となるアニメーション「花とアリス殺人事件」が公開されたことでも話題となりました。2人の高校生の少女の恋と成長を描いた本作品は、岩井俊二作品特有の淡い光と、どこか不器用な人物たちの日常が印象的です。

朝靄の中の街を描いたMIZUKIの《7,PM1913.》には、映画と近い匂いを感じることができます。また、画面に並んでいるスッと伸びた角度の異なる電柱たちは、映画の最後に蒼井優演じる有栖川徹子がバレエを踊りながら、部屋の中を自由に動いてゆくシーンを連想させます。


《7,PM1913.》(MIZUKI)

3: インターステラー(2014)x 《Cornfield》(Alexander Levich)

クリストファー・ノーランによるこの映画は、環境問題が深刻化し、人間が住むことすら困難になってきた地球において、現状を打開するために元空軍パイロットのジョセフ・クーパーが移住可能な惑星を求めて宇宙へと旅立つ話です。この作品には、別の惑星やブラックホール、四次元空間の描写など印象的なシーンが多々ありますが、個人的にはクーパーが出発前に子供たちと過ごした家と、その周りを囲むとうもろこし畑のシーンが印象的です。それは、今の地球上にもある風景であるとともに、近い未来その風景が変わってしまうのかもしれないということを考えさせられます。

Alexander Levichの《Cornfield》はまさにこのシーンと同じようなとうもろこし畑を描いています。そこに人影はなく、映画の中のディストピア的シチュエーションを感じさせますが、人との営みとは関係なく、畑は黄金色に輝いており、地球上の自然界にもお独自の時間、環境があり、彼らはその世界線で生きているのだということを再認識させてくれます。クーパーと彼の娘マーフィーはトウモロコシ畑の前でマーフィーの法則について話します。「起こる可能性のあることは、いつか実際に起こるのだ」と。


《Cornfield》(Alexander Levich)

以上、今回はバッファロー’66(1998)、花とアリス(2004)、インターステラー(2014)の3本の映画について
ペアリングをしてみました。このペアリングは、自分が映画やアートを普段どんな視点で観て、どのような要素に反応しているのか明らかにしてくれます。
また、実際にペアリングをしていくと1つの画面の中に映画のもつ多様な要素に意識がはたらき、
作品や映画の新しい一面を発見することができます。他者のペアリングも、映画と芸術作品の新しい見方を知る機会になるのではないでしょうか。

 

 

 

 

 

本日紹介した作品はTRiCERA ARTで購入できます

HA.https://www.tricera.net/
“HA.“は「Art in Practice」をテーマに、主にコンテンポラリーアートを対象に展覧会評や、作品評、作家解説などのアートに関する記事やテキストの執筆、編集を手掛けるコンテンツ・ライターユニットである。現代社会において領域横断的に展開される様々なアートの実践に寄り添いながら、アート自体にとっての次の段階を開拓するような活動、視点の発見を、テキストというメディアを通して模索している。

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Feature Post

イギリス人アーティスト、ニコラス・ハットフルのアジア初個展「心のサーマルズ」がTHE CLUBで開催されます。

Installation View, Nicholas Hatfull ‘Thermals of the Heart’, 2019 ©️Nicholas Hatfull Courtesy of THE CLUB, Photo by KEI OKANO  サーマルズ・オブ・ハートは、先日THE CLUBにオープンしました。これは、イギリスの若手アーティスト、ニコラス・ハットフルの初の個展です。ハットフルのアジアでの初個展となります。ハットフルは1984年生まれで、2011年にロイヤル・アカデミー・スクールで学びました。THE CLUBは東京・銀座にあるコンテンポラリーギャラリーです。今回の展覧会では、ハトフルの最新作14点を展示します。 ハットフルは現在ロンドンを拠点に活動しています。現在はロンドンを拠点に活動しており、ヨーロッパを中心にグローバルな活動を展開しています。ロンドンのSaatchi Galleryで開催されたグループ展に参加したことがあり、彼の作品はアメリカの名門コレクター、Beth Rudin...

Quick Insight vol.3 – 鈴木潤 | Jun Suzuki –

20代に上京し独学でアーティストとなった鈴木潤は、自分の中にあるあオリジナルなキャラクターをストレートに描き出し、「描き手と見る人」の間で鑑賞を通して生まれるコミュニケーションを重視する。「自分の頭の中を覗いて欲しい」という鈴木の独特な世界観やアーティストになった経緯について話を聞いた。 鈴木さんはボールペンをメインに、すごく細かく描き込んだスタイルでやられてますよね。まずは作品について簡単に伺えますか?作品は自分のなかにいるキャラクターを外に出してあげるような気持ちで描いています。描いても描いても湧いてくるんですよ、たくさんのキャラクターたちが。 ともだち紙・ボールペン, 51.5 × 36.4cm Buy Now アーティストとしてキャリアを始めたのは20代の前半でしたね。どういったきっかけが?  実は2014年に仙台から東京へ来たんですけど、別に何かあてがあるわけでもなく。それまでずっと飲食店で働いていて、ただ漠然と日々を過ごしてる感じだったんですけど、だんだんと好きなことを仕事にしたいっていう気持ちははっきりしてきて。「じゃあ好きなことってなんだ?」と考えたら描くことで、「じゃあ描くことを本気で頑張ってみよう」と。 東京に来てすぐに活動をスタートさせたんですか?  いえ、最初はデザインの研究所に入ったんです。夜間で、週に3回ほどのコースに通ってました。でも「なぜそこにしたか」みたいな突き詰めたものはなかった。漠然とした気持ちだったんですよね。  結局、つまらなくて半年でやめてしまった。その時に幻冬舎さんの雑誌でアートコンペがあって応募しました。ボールペンの作品だったんですけど、それが入賞して、僕としては「ああ、これでもいいんだ」って。ボールペンで描いたやつでも認めてもらえるんだって自信になりました。活動はそこからですね。 Jungle紙・ボールペン, 29.7 × 21cm Buy Now   ボールペンを使用した理由はなんだったんでしょう?好きな文房具なんです、単純に。ペンと紙だけあればどこでも描ける気軽さも、細かく描き込めるところも好きですね。 キャラクターは小さい頃から描いていましたか?そうですね、小学生くらいからオリジナルのキャラクターを描いていました。自分の妄想世界というか、そういうところにいるキャラクターたちを。大友克洋さんとか好きな漫画、あとはテレビとか雑誌に出てくるひととかモノとか、モデルはあるんですけど、多分そういうものを妄想に還元していると思います。 大友さんが好きなんですね。他にも影響を受けたカルチャーはありますか?フランスのメビウスさんとか、ペンだけですごいカッコいいものを描いていて尊敬しますね。他にもバンド・デシネの作家さんたちは好きです。 Memories紙・ボールペン, 42 × 29.7cm   画家だとどうでしょう?一番は佐藤允さん、あとは藤田嗣治。あの人の伝記を読んで衝撃を受けて。生き方とか、考え方とか、その全部がすごいなと思ってます。 話が少し戻りますが、やってみたいことが「描くこと」だったと。どうして「描く」だったんでしょう?明確な理由はないと思います、もうずっと描いていたので。小さい頃から描くことが当たり前で、普通で、日常って感じでした。カレンダーの裏とか、テスト用紙の裏とか、とにかくずっと描いてたんです。今もそれが続いているような心地です ドクロくんの顔アクリル・キャンバス, 53 × 45.5cm Buy Now アーティストとして活動を続ける原動力も同じですか?変わりはないと思います。好きなものを描いて、描いたものを友達に見せると喜んでもらえたりしたのが嬉しくてっていうのを続けている感じです。 たぶん、自分が好きなものをみんなに見てほしいんだと思います。僕が僕の好きなものを描いて、それを周りに見てもらう。自分の頭の中を覗いてほしい 褒めてもらいたいとか、見てる人が自分と同じように楽しんでほしいとか、そういう本当にシンプルな気持ちでやってます。 活動続けてきて変わったところはありますか?作品だと、最近は色を使ってます。ずっとモノトーンだったんですけど、周りから色を使ってみたらとは言われていて。最近になってアクリルを使い始めました。 GOEMONアクリル・キャンバス, 41 × 38cm Buy Now  最後の質問ですが、これから変わっていくかもしれないところ、あるいは変わりたくないところはありますか?描くことが楽しいことは変わらないでほしいですね。逆に、それくらいかな。僕、自分の絵についての考えなんて本当に中学生レベルなことしか言えなくて申し訳ないですけど(笑)。でもずっと描いてきて、今も描くことを続けていて、その根っこにあるものは変わりないと思ってます。好きなものを描いて、みんなに見てもらってって。楽しいし、楽しんでもらえるならそれでいいと思ってるんです。美しく、楽しくありたい。それだけですね。 鈴木潤 | Jun Suzuki1991年宮城県出身。23歳の時に上京し、桑沢デザイン研究所に入学。学校を中途退学した後、「PONTOON“装画”コンペティション vol.13」に応募し準入選、趣味だったボールペンによるペインティングを本格的にスタートさせる。現在は東京を拠点に活動。主な展示に「How...

インダストリアルな部屋をつくる、6つのアート作品

インダストリアルな部屋とはインダストリアルとは「産業」や「工業的」という意味を持つ言葉です。部屋の特徴としては、倉庫や工場のような見た目や高い天井、あえて部屋の中に未完成ままの要素を取り入れるといった特徴があります。真新しいという感じではなく、使用感を感じる物や長く使える丈夫なインテリアを配置させるイメージです。元々は倉庫などに使われていた空間をあえて特徴を残しつつ、部屋として再利用したのが始まりと言われています。オフィスや書斎にも取り入れられている人気のテーマです。 インダストリアルな空間でのアートの役割部屋のインテリアに多く用いられる無骨なイメージを与える金属や、レンガ、コンクリートなどの素材と相性の良いアート作品を飾ることがポイントになります。また部屋に合うような現代的な印象を与えたり、部屋に飾ることでインダストリアルな素材の質感を感じさせるアート作品をご紹介します。 Untitled (19-37)抽象的な表現をメインに用いられた作品です。キャンバスに絵の具を何層にも重ねてから引っ掻いたりと、作者による独自の表現方法で制作されています。アクリルや木炭が使用されており、素材を絵肌としてそのまま感じさせてくれる作品です。黒色が作品のなかでベースになっているため、無骨な印象を与える部屋にも違和感を与えずに馴染みます。アクセントに明るいトーンの水色が少し入っていることで、ダークトーンが多い部屋のなかでも目を惹くアクセントになってくれるでしょう。 作品はこちら HOLE IN ONE世界的にも有名なアポロ11号の月面着陸の写真と、ゴルフをかけ合わせたユニークなアート作品です。無骨な印象を与える空間に、このようなユーモア溢れる作品を飾ることで堅い印象になりすぎないというメリットがあります。宇宙というテーマは現代的な印象を与えるため、インダストリアルな雰囲気を出すのにオススメです。色数も白黒写真をベースにしているため少なく、シンプルでまとまった印象を与えます。上から赤い光のような加工が施されているため年代を感じる程良い使用感が出ており、導入した際にも違和感を与えるような真新しさを感じさせず、部屋に馴染んでくれます。 作品はこちら Bronze Structure抽象的かつ表面に幾何学模様が描かれおり、金属の質感も感じさせてくれる作品です。アクリルで制作しつつも、金属の質感を表現するためにメタリック塗料が使用されています。コインなどにも用いられているブロンズの質感が無骨な印象を大いに演出してくれます。インテリアとしては、石材やレンガの壁とも非常に相性が良いアート作品です。均一化した塗りをするのでは無く、ブロンズの輝きに少しくすんだ金属の表現を混ぜることによって、年月を感じさせるようなアンティークような側面も演出しています。 作品はこちら GROUPIE ART油彩の表現方法としては珍しく、線で輪郭や肌の色が表現されています。茶色の紙に描かれている事でヴィンテージさを演出しつつも、サングラスを掛けている男性というモチーフからは現代的な印象がうかがえます。線で表現しつつも影やハイライトをしっかりと表現することによって、顔やサングラスに立体感が現れるようにしています。あえて紙にシワが寄っていたり、上下が破れている状態で額に入れており、これらの表現からインダストリアルの未完成な要素を感じられます。もちろん作品が未完成のままの状態だという意味では無く、作者の残した演出を活かしてインダストリアルに必要な未完成要素を取り込むことができます。 作品はこちら LNE SS1抽象的ではっきりとしたモチーフは描かれていませんが、まるでシルバーのような金属の輝きの表現を持つアート作品です。くすんだダークトーンが多いインダストリアルの部屋の中に、綺麗に輝く金属の表現は周囲と差が付き目を惹くポイントになるでしょう。下から光が当たっているかのような描写がされているため、部屋のライトが下からあたるように工夫するとより魅力的に飾れます。コンクリートや黒色の壁とも相性が良く、非常に部屋に導入しやすいアート作品です。 作品はこちら new york黒色を広く用いながらも、逆光や道路に反射している様々な光を捉えた作品です。テーマはニューヨークの夜の景色という事で、現代的なモチーフであるため部屋に導入しやすいアート作品です。黒色の部分が多いため白い壁やコンクリートの壁との相性が良く、明るい印象の部屋にも、夜景のダークトーンを程よく加えることで、重い雰囲気にならずにクールな部屋の印象もつくり出すことができます。 作品はこちら このようにアート作品のモチーフや性質からインダストリアルな部屋をつくることができます。是非、部屋のワンポイントにアート作品を役立てるのはいかがでしょうか。

Michael Toenges, “Paintings on Paper 1995-2019”

8月24日から10月12日までタグチファインアート主催。 タグチファインアートでは、この夏から秋にかけて、ドイツ人画家ミヒャエル・テンゲスの個展を開催いたします。テンゲスはレヴァークーゼンを拠点に活動する1952年ドイツ生まれの画家です。作品の一部はケルンのコロンバ美術館やスイスのアーラウ美術館に収蔵されています。ヨーロッパを中心に活動している彼の作品をアジアで見ることができるのは、今回の個展「紙に描かれた絵画 1995-2019」がきっかけです。本展の特徴は、展示されている作品がすべてダンボールに描かれた小品であること。ギャラリーによれば、これらの小さな作品は、他の大きなスケールの作品やキャンバスに描かれた絵画に比べて、あまり注目されていないとのことです。段ボールに描かれた小品は、これまで準備的で断片的な作品とされてきましたが、その小品は、彼の色との実験と葛藤の証拠ともいえるものであり、注目に値するものです。今回の展示では、1995年に制作された旧作から今回の展覧会のために準備された最新作までを紹介します。 テンゲスは、木の板やキャンバスに油絵の具を重ねることで、色の多様性を追求しています。テンゲスは、イメージや形にとらわれることなく、色の配置、コントラスト、構築に主眼を置いていると言います。絵画の基本的な要素とされる色彩や絵の具の物質性の探求に力を注いでいます。 テンゲスは通常、事前にスケッチを用意することはなく、参考となるイメージや計画を持たずに絵を描いています。テンゲスは、ある特定のイメージを持たずに自発的に絵を描きますが、同時にジョット、フラ・アンジェリコ、ボッティチェリ、ゴヤなど、歴史上の他の画家たちが使った色の構成を研究しています。絶え間ない研究から得た知識の蓄積が、躊躇することなく絵を描くことを可能にしているようです。 実際、彼の作品は無計画に作られているというだけで、一気に作られているように見えますが、技術的には、板に色をつけて、乾燥させて、それを何度も繰り返すというプロセスを経ています。このように、彼の絵は美術史における色の使い方の研究としても長い時間をかけて描かれていると考えられます。 彼の作品は高速と低速の両方の特徴を持っているので、私たちはまた、2種類の魅力を感じることができます。第一に、テンゲが躊躇なく絵を描く瞬間のように、私たちの注意を一気に惹きつける。二つ目は、その努力の過程と同じように、私たちを作品の前に長く滞在させてくれること。10月12日までタグチファインアートにて、ゆっくりと作品を楽しむことができます。 Michael Toenges, “Paintings on Paper 1995-2019” 開催日:2019年8月24日(土)~10月12日(土) 2019年8月24日(土)~10月12日(土)営業時間。午後1時~7時日曜・月曜・祝日は休館> 記事を書いた人:Jeongeun Jo韓国出身、日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。彼女自身もアーティストとして活動している。 

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