金曜日, 1月 28, 2022
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ARTIST CONNECT – mamoru → marin boo

ARTIST CONNECTについて

本企画は、最近TRiCERA ARTに参加された方へインタビューを行い、お話の最後にお知り合いの作家さんを紹介していただく不定期企画。
今回はmamoruさんからご紹介いただいたmarin booさんとお話をさせていただきました。


marin booさんと作品について教えてください。

小さい頃から絵を描くのが好きでした。
元々父が絵を描くのが好きだったこともあり、家には絵の本もたくさんありました。
基本的には、思いついたことを、思いついたままに描いている感じです。
ラーメン食べたらラーメンに浸かっている絵を描いたり。
花が散ってたら、その花びらを拾ってスカートにしてみたり。

私の絵には小さい女の子がたくさん出てきますが、自分の中に、自分自身の視点と、自分を俯瞰してみている視点があって、その視点から見て描いているのが小さい女の子のイラストです。
自分の背が低いのもあって、もし自分が小さかったらどうなるだろうって想像して描いています。

marin booさんの作品一覧はこちら

タイトル:It’s mine!

サイズ:30 X 30 cm | 作品の詳細はこちら

“ポップコーンの山に座り込む、不機嫌な顔をした小さな女の子が描かれている。最初は美味しそうにポップコーンを持っていたのだが、自分の経験を思い出して、表情が変わったという。「取らないでよ!」と言えなかった作者の心情がポップに投影された作品”

タイトル:おにぎり


サイズ:30 X 30 cm | 作品の詳細はこちら

“「自分の背中についた梅干しは自分では見えない。他人の梅干ししか目に入らないから、誰かを羨ましく思うのかもしれない」好きな漫画のワンシーンから着想を得たという本作は、自分自身の素直になれなさや誰かを羨ましく思う気持ちを明るく掬い取ってくれる”

TRiCERA ARTに参加しようと思ったきっかけはなんですか。

海外に販売する体制が整っていると思ったからです。なかなか、気軽に海外に販売するのに使えるツールがないんです。あとは、単純に、見てもらえる層が増えるので。
このインタビューを受けたのは、mamoruさんの記事を読んだのも理由です。「どうしてこの人が絵を描こうと思ったのか」という背景を読みながら作品を見れるのがいいなと感じました。


mamoruさんのインタビュー記事はこちら

Masataka Kuwadahttps://www.tricera.net/
アーティスト・マネジメント責任者。LOVEコンテンポラリーアート。

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1.北欧スタイルの特徴 北欧インテリアと言えば、誰もが一度は聞いたことがあるのではないでしょうか?北欧に住む人々の生活に対する考え方を取り入れており、シンプルかつ控えめで芸術的なフォルムのアイテムや、天然素材を大切にした家具が中心のインテリアです。北欧では天候が悪かったり、長く暗い夜でも部屋を明るく見せるために、白色を中心としたインテリアにすることで明るい印象にするという特徴があります。 2.北欧スタイルとアート シンプルな部屋だからこそ、アート作品を飾ることでより北欧らしさを演出することができます。幾何学模様やシンプルなデザインの作品、植物が描かれているアート作品との相性が非常に良いです。明るい印象を部屋に与えてくれる作品を選ぶことがポイントです。白い印象の部屋の中に差し色として、カラフルなアート作品を使うというテクニックもあります。 3.北欧スタイルな部屋をつくる、6つのアート作品 3-1.「HERE WE GO」 デフォルメされた世界観でキャラクターのような動物が描かれている可愛らしい作品です。塗りや線がシンプルかつコミカルな絵柄で描かれており、北欧スタイルの部屋にぴったりです。モチーフが動物の作品は、ナチュラルかつ明るい印象を与えます。写実的な絵よりも、このようなコミカルに描かれた作品は、他のアート作品と併用して飾りやすいというメリットがあります。固い印象にならずに遊び心を持たせた空間になります。遊び心を持たせた方が、リラックスして過ごしやすいというメリットがあります。 3-2.「INSIDE & OUTSIDE" nº 30」 丸い紙に、様々な色の紙を貼ってコラージュしているというユニークな作品です。北欧スタイルでは、丸みを帯びたアイテムとの相性が良いため、部屋全体の丸いインテリアの印象をまとめてくれます。ビビットな色と落ち着いたトーンの色が混ざっていることで、白い部屋の中でも馴染みやすく、差し色の役目もしてくれる便利なアート作品です。このような目立った色が何色か含まれているアート作品は、周りに同じ色のインテリアを何点か置くことで部屋に差し色として馴染ませるというテクニックがあります。 3-3.「Aurora Borealis」 幾何学模様は、芸術的な形を大切にしている北欧インテリアとの相性が良いです。モダンな雰囲気も出しつつ、シンプルで落ち着いた印象を与えてくれます。白と黒の幾何学模様の中に赤、青、緑色がまばらに塗ってあるため、部屋がモノトーンな重いイメージにならないようになっています。このようなアート作品は、性別や年齢を問わず部屋に導入しやすいのでオススメです。1点でも充分に存在感を与えます。 3-4.「Faded Blue to Black with Yellow on the Edges」 美しい青色のグラデーションが描かれています。よく見ると側面には黄色が塗ってあり、光が反射すると背景の壁に黄色が映るという仕掛けがされています。これは白く明るいインテリアが多い部屋にピッタリのギミックです。非常にシンプルな構成で描かれているため、インテリアが多い部屋にも馴染みやすい作品です。複数の作品を飾りたいという場合でも相性が良いため、導入しやすいというメリットがあります。北欧インテリアに多いパターン模様が入ったアイテムのそばに飾っても、引き立ててくれます。 3-5.「Outer Space」 宇宙空間に連れてってもらいたい!という作者の願いから生まれたユニークな作品です。シンプルながらも、均一な塗りでは無く水彩の筆のタッチが残っており、人の手の技を感じる温かさがあります。鳥は木のインテリアとも相性が良いモチーフです。小さめのサイズのため、家具の上に置いて壁に立て掛けるようにして飾っても良いでしょう。そのような飾り方の場合は、近くに植物を置いたり、インテリアとして使える花瓶などを並べて置くとアート作品が部屋から浮かず、部屋に馴染みやすくなります。 3-6.「Donuts」 独特な質感と形が特徴的なアート作品です。背景は殆どが黒色で、少し暗い印象を与えるかもしれませんが、黒いからこそ白い印象の部屋に合うというプラスの面があります。黒色がくすんだようなグランジ風のテクスチャになっているため、白いレンガ調の壁に飾るのもオススメです。カラフルに描かれた様々な丸がポイントの抽象画ですが、シンプルな模様で表されているため導入しやすいです。落ち着いたトーンの、大人っぽい雰囲気の北欧スタイルの部屋にアクセントを与えます。 おわりに 北欧スタイルの部屋は、天候や季節に関わりなく、どんな時にも明るい気持ちでいたい!という北欧の人々の知恵や願いで溢れており、日本に住んでいる私達も同じ願いを持っています。アート作品を導入することで、その願いを叶えてみませんか?

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イギリス人アーティスト、ニコラス・ハットフルのアジア初個展「心のサーマルズ」がTHE CLUBで開催されます。

Installation View, Nicholas Hatfull ‘Thermals of the Heart’, 2019 ©️Nicholas Hatfull Courtesy of THE CLUB, Photo by KEI OKANO  サーマルズ・オブ・ハートは、先日THE CLUBにオープンしました。これは、イギリスの若手アーティスト、ニコラス・ハットフルの初の個展です。ハットフルのアジアでの初個展となります。ハットフルは1984年生まれで、2011年にロイヤル・アカデミー・スクールで学びました。THE CLUBは東京・銀座にあるコンテンポラリーギャラリーです。今回の展覧会では、ハトフルの最新作14点を展示します。 ハットフルは現在ロンドンを拠点に活動しています。現在はロンドンを拠点に活動しており、ヨーロッパを中心にグローバルな活動を展開しています。ロンドンのSaatchi Galleryで開催されたグループ展に参加したことがあり、彼の作品はアメリカの名門コレクター、Beth Rudin...

Quick Insight Vol.10 人間と動物、マシンなどのイメージを通して、現代社会を俯瞰的に描いていくスペイン人アーティストHector Fernandez Lleida の見つめる世界の輪郭

 ボトルなどの日常的なモチーフや、動物や人間の営みを、油絵という伝統的な手法を軸としてデジタルレタッチ、VR技術などの科学的な手法と、ステンシルを用いたグラフィティ的な表現まで幅広く活用しながら、重ね合わせて描いていくHector Fernandez Lleida。複雑化したイメージが氾濫する現代において、そういた流れを取り入れながらも独自の眼差しで、世界のリアリティを表象しようと試みる彼がどのように世界を見つめているかに迫ります。 1.制作を始めたきっかけはなんでしょうか。 子供の頃から、父が持ち帰った漫画に掲載されているイラストを真似して、いつも絵を描いていました。学校では授業のノートの間にいくつも絵を描き、すべてのノートに装飾が施されていました。 父は80年代に活躍した著名な漫画家で、私にとっては家に家庭教師がいるようなものでした。 それから時が経ち、私はバルセロナ大学で美術を学ぶことにしました。 卒業後すぐに、市民センターや地元のアートギャラリーで自分の絵を展示するようになりました。 私は少しずつ成長し、技術やスタイルが豊かになり、新しい技術やテーマを取り入れていきました。 作品詳細はこちらから 2. 現在の制作のテーマについて教えてください。 現在は100x100cmのキャンバスに絵を描いています。 静物画です。 この作品は、私が長年かけて開発してきた「ボトルコンポジション」のシリーズに属するものです。 このシリーズでは、これまでに同じテーマで5つの作品を異なる時期に、異なるフォーマット、コンポジション、色で描いてきましたが、今回は天頂からの視点でボトルのグループを描いています。 この非常に力強いボトルケースの色合い、暑さや寒さを感じさせる色調のコントラスト、そしてボトルの配置によって生まれるリズムが、この作品を特別なものにしています。 また、絵の捉え方、インパスト*1、生成されるさまざまなテクスチャーも重要です。急峻な視点、ボトルの配置が生み出すリズム、色や質感は、この作品に欠かせない要素です。 ベースとテクスチャーにアクリル絵の具を使い、筆やスパチュラを使ってきましたが、現在は油絵の具を使って制作しています。 3. 影響を受けたもの、自身にとってターニングポイントになっていると思うものはなんでしょうか。 私が影響を受けたものは、ストリートアートやデジタルアートを含む現代のリアリズムから抽象的なものまで多岐にわたります。私の作品の多くは、ドローイングとペインティングの組み合わせでできていますが、以前は、私が撮影した写真のイメージから始めて、時にはデジタル処理で構図や色を変えたり、要素を単純に加えたり減らしたりしていました。 その作品をより小さなサイズでドローイングや水性の画材(水彩、アクリル、墨など)を用いて、試作し、検討・発展させた後、最終的なサイズの絵画を制作します。 この創造的なプロセスは、作品の複雑さに応じて数週間から数ヶ月かかることもあります。また、私はVRやデジタル・クリエイション、レタッチ*2から派生した要素やテーマを作品に取り入れることが、私のキャリアの転機になると考えており、現在はその過程にあります。 VR技術の活用については、自分のドローイングやペインティングを人工的な環境に導入する方法に興味を持っています。 今のところ、私はこの分野では初心者ですが、新しい世界が広がることを認識しています。実際、伝統的な要素とデジタルアートが混ざったイラストの制作を始めています。また、近い将来、自分のNFTやデジタルプリントを発表する予定です。 作品詳細はこちらから 4.動物のモチーフと人間や都市的なモチーフの共存についてはどのような意味が込められていますか。 私は自分を都会人だと思っており、自然、動物、人間像に対する私のビジョンは、しばしば都会的で現代的な文脈に浸されています。私は画家としてのキャリアを通じて、絵画における時間の経過や陳腐化などの深遠な問題を扱ってきましたが、時には、私の作品はコンセプチュアルなものではなく、美学が優先されることもあります。 私はバルセロナという街に住んでいます。 私が描くモチーフの大部分は、通行人が見逃してしまうような街の風景や一角を歩き回ったり、それらについて熟考することで得られたものです。 私たちはスピーディーに絶え間なく動き続ける世界を生きています。また、今日、私たちはかつてないほどたくさんのイメージに囲まれています。そして、私たちを取り囲むイメージの多くも動いています。 私たちの多くは、これらのイメージを熟考し、分析し、理解するための時間を取ることは滅多にないでしょう。 作品詳細はこちらから 5. 最後に、次に実現したいと思っている作品のアイデアがあれば教えてください。 私の頭の中にはいつもプロジェクトがあります。...

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現代アメリカのアートの流れを覗く-アメリカン・アーティスト特集-

アメリカのアートもしくはアーティストと言えば、何、また誰が思い浮かぶだろうか?8月はアメリカン・アーティスト鑑賞月だそうで、新しくアメリカ出身/拠点のアーティストを発見するのには持ってこいのタイミングだ。 第二次世界大戦後、それまで地球規模での影響力を誇ったヨーロッパの国々は力を保持できず、代わりにアメリカが台頭した。これは政治や金融だけでなく、芸術においても同様であり、アメリカ文化が以前にも増して宣伝され、輸出されるようになった。特に、ポップやミニマリズムなどの芸術運動は、現代美術の行方に多大な影響を与えた。 ロイ・リキテンスタイン、アンディ・ウォーホル、ジャン・ミッシェル・バスキア、ドナルド・ジャッド、フランク・ステラ......と、その名前を連ねるのはいとも容易い。私たちが現在知る形のアートを楽しめるのも彼らのおかげである。アメリカの政治的なイメージは、アメリカ人でない私たちにとっては決して崇高なものではないかも知れないし、そして現大統領が懐かしむほどにグレートではないかも知れない。 しかし、幸いなことに、芸術の創造性を楽しむのに世情は関係ない。我々は、希望と夢の国から届けられる輝かしいアートと共に、幸せな現実逃避の航海へ漕ぎ出すとしよう。 Brian Schorn A.C.D. Seth King Lawrence Lee Edward Burden Cash - Cooper Sandra Mack-Valencia Carl Goss Clint Imboden

渡辺おさむ: 日本の菓子作家インタビュー

“...誰にでもお菓子の思い出はありますよね。” 日本のカワイイ文化の中で、現代菓子アートの先駆者ともいえるアーティストがいる。2003年に東京造形大学を卒業後、独自のレジンホイップクリームやキャンディアートを追求している。渡辺氏は、自身が育った文化に触れながら、西洋の巨匠たちの作品を再構築しながら、繊細な手とパイピングバッグだけで、世界に一つだけの作品を丁寧に制作しています。その気まぐれな彫刻作品は、中国、香港、インドネシア、トルコなどで国際展を開催し、国内外で高い評価を得ています。 今回のインタビューでは、渡辺さんに、作品の原点、渡辺さんにとっての作品とは何か、そして今後の展望についてお話を伺いました。このインタビューは長さとわかりやすさのために軽く編集されています。 目次 幼少期にインスパイアされたアート 日本の現代アートシーンに居場所を見つける 未来への展望 渡辺おさむアートを購入する場所 <a href="https://www.tricera.net/prints-multiples/id81000150003" 幼少期にインスパイアされたアート レジン菓子アートのスタイルはいつ頃から生まれたのですか? 18年前、美大に通っていた頃、自分だけのスタイルを模索していました。そんな時にお菓子の可能性を知りました。子供の頃から、お菓子の形や色が記憶に残っているのは、母が製菓学校で教えていたからです。 なぜパティシエではなく、このスタイルを目指そうと思ったのですか? 母の職業柄、お菓子はいつもたくさんありました。だから、自分で作ったり、お菓子作りを職業にしようという気にはなりませんでした。 日本の現代アートシーンに居場所を見つける “...誰も私の作品を美術品とは思っていませんでした。” <a href="https://www.tricera.net/prints-multiples/id81000150013" 自分の作品が美術品として認められないことを恐れたことはありますか? 自分の作品が受け入れられないことを恐れたことはありません。それよりも、人工的なお菓子を使った型にはまらない表現をしたことで、アート界がどう反応してくれるのかということに興味がありました。作品を作るという行為が好きなので、自分に自信が持てない時は、手を動かして作品を作るという作業に集中し続けることで、自分の道を見つけてきました。 従来のアーティストと比較して、このメディアを選択したことは、あなたのキャリアにどのような影響を与えたと思いますか? 私がこのスタイルで作品を作り始めた頃は、誰も私の作品をファインアートとは認めてくれませんでした。しかし、それにもかかわらず、私は作品を作り続け、発表し続けました。文化勲章を受章した美術評論家の高階秀爾さんの著書に私の作品が取り上げられたのをきっかけに、自分の創作を続けることの大切さを実感しました。 視聴者からの反応が一番充実しているのは? 最初の作品が売れた時はとても嬉しかったです。それと同時に、作家としての責任も感じました。自分の作品を買ってくれるコレクターがいるということは、アーティストとしての価値を保証しなければならないということでした。その時に、自分の作品に全力で取り組もうと決意しました。 最初に売った作品は何ですか? 樹脂製のホイップクリームで「枯山水」を表現した作品でした。東京都が主催するコンペに応募したのですが、当時の東京都知事に買ってもらったものです。 “...自分に自信が持てない時代に、自分の手で作品を作るという作業に集中し続けることで、自分の道を見つけました。” 作品を作る上で一番大変なことは何ですか? 最も難しいのは、樹脂製のホイップクリームでデコレーションすることです。思い通りの仕上がりにするために、2種類のパイピングバッグのチップを使い分け、グリップを調整してテクニックをコントロールしています。 有名な美術品を人工菓子で飾ることにはどんな意味があるのでしょうか? 知名度の高い作品を飾り、自分なりに表現することで、新たな物語が生まれます。 どの作品が一番好きですか? これまでに作った作品の中で一番好きなのは、日本古来の神話をモチーフにしたクニウミです。 伝統的に、お菓子は主に食べることで体験するものです。この体験だけをビジュアルアートに変えることは、あなたにとってどのような意味があるのでしょうか? 誰もが甘いものに好意的な記憶を持っていると思いますが、私は作品を通して、その好意的な連想を喚起することを目指しています。人は、お菓子の味や色、形などを大げさに想像したり、思い出したりしがちです。だからこそ、記憶の色を再構築することで、あの幸せな気持ちを呼び覚ますことができるのです。 <a href="https://www.tricera.net/prints-multiples/id81000150005" 未来への展望 “最近では、自分の作品が歴史的な文脈の中でどのような位置にあるのか、ということに興味を持つようになりました。...” アートやビジョン、方向性は、始めた頃と比べてどのように変わりましたか? 当初は「楽しいから」という理由で美術を追求していました。最近では、自分の作品が歴史的な文脈の中でどのような位置にあるのか、作品を作る意味は何なのか、ということに興味を持つようになりました。 個性的なアートを制作しているアーティストに、あなたは何を伝えますか? あなたのオリジナリティはあなただけのものですから、あきらめずにアート制作に取り組み続けることをお勧めします。作品作りは一生続けられるものです。だから、アーティストを目指す人たちには、無理をせず、これから先もずっと作り続けてほしいと思います。私もこの戒めを守るようにしています。 今後の抱負を教えてください。 今後も世界に向けて作品を発表し、私のお菓子アートの世界を発信していきたいと思っています。現在はインドネシアとフランスでの展示会を予定しています。また、今後も作品を作り続け、コレクターの方に作品の価値を高めていきたいと思っています。 <a href="https://www.tricera.net/prints-multiples/id81000150016" 渡辺おさむアートを購入する場所 TRiCERAでは、渡辺おさむの一点ものの作品を多数ご紹介しています。他の日本の若手アーティストについてもっと知りたい方は、現代美術のページをご覧ください。

「Huang Xoo Veen (Xoo)を知るための6つのポイント」

Huang Xoo Veen (Xoo)のアート作品はどれもパステル画のような柔らかいタッチで描かれているが、全てアクリルで制作されている。特徴としてマチエール(仏:matière)と呼ばれる「絵肌」や「素材の質感」のような物は殆ど感じない。幻想的で滑らかなタッチだ。「宇宙の体の器官と人間の体の器官は似ている」と表現するHuang Xoo Veen。今回は宇宙という美しく壮大なテーマを中心に、抽象的な表現を加えながら自身の感性を表現し続けるその作家性を読み解いていこう。 1.経歴 子供のころからアートには多大な興味を示していたが、学生の時に参加したコンテストで受賞したのをきっかけに、画家になりたい!という想いが強くなった。大学に入学するも、家庭の事情で7年間の休学。「二度と絵を描くことは無い」とまで思っていた。しかし時が経ち7年ぶりに大学4年生に再編入。心の中の傷を表現するあまり、先生には「憂鬱で、陰鬱で、グロテスクだ」と表現されてしまうような絵しか描けなかった。30歳で卒業した後に大学院へ進学。美しいものが好きでは無かったが、たまたま夜空を見た時に、月や星の美しさに目覚め、宇宙へ好奇心を抱き始めた。その時から作品に宇宙を取り込むようになった。 2.アートとコミュニケーション 誰しも自分が辛く感じた出来事を人に話したい、感情移入して聞いて欲しいと願っている。大学時代のHuang Xoo Veenは、その心の傷を作品に表現していた。自分の心の傷を癒したい、見てもらいたいという一方的な感情をぶつけるような絵であったことが感じ取れる。大学院への進学も「人とコミュニケーションが取れるような絵を描きたい」という願いを持つようになったからだ。会話はキャッチボールと言われているが、一方的に相手にボールを投げるような事をしてもそれは会話とは言えない。今では「宇宙」という壮大なテーマを含めて描くことで相手と同じ土台のテーマを作り、作品を通して私達とコミュニケーションを取っている。 3.作品への探求心の強さ 一度はアートから離れようとしたが、向き合う覚悟を決め再びアートの世界に戻っている。そこから作品への深い情熱や探求心を感じる。家庭の事情があったようだが、例え年月が経っていたとしても、自己表現やアートを諦めずにいても良いという勇気が貰える。苦しい経験も、次に生み出す作品への大切なステップ。諦め無ければ、空白の期間の出来事も全て作品をつくる素材としてステップアップできる。アートを制作するうえで人生に無駄な部分は無いと考えさせられた。 4.コズミックアーティストとは 主なコンセプトとして、宇宙・夜空・死・細胞・胎児などを挙げて、自分のことを「コズミックアーティスト(cosmic artist)」と名乗っている。作品の中で「宇宙」を様々な側面から捉えて、別の多種多様な要素と組み合わせている。例えば、宇宙と社会問題を組み合わせた「Ardent-Rising」という作品がある。Huang Xoo Veenは現代社会では同じように利点があっても男性の方が優遇されるという「男女格差」を感じ、それでも輝きたいという願いを込めて、宇宙の中に銀河のような赤い花を咲かせている。宇宙の静かで雄大な輝きと、自分の中にある果てしない願いを重ねて表現しているようだ。 5.Huang Xoo Veenが持っている感性 宇宙と不屈の精神を重ねた作品で、名前を「Immortal」という。宇宙は今も永遠に膨張し続けていて、銀河は消滅したり新たに合体したりを繰り返している。その宇宙の様子と、困難な瞬間に直面しても再び蘇る精神を、宇宙のように「繰り返し動き続ける」という点に重ね合わせて表現している。宇宙を科学的な側面で見ながらも、人間の心情に重ねて1つのアート作品にしようという発想には驚かされる。 「Again」という作品では、輪廻を思わせるようなキャプションが載せられている。宇宙には始まりも終わりも無く、それは人生もある意味で同じ。強い生命力を感じるような赤い光を持つ星が、絵の中で銀河の中心に描かれているのも興味深い。今度は「宇宙の不滅性」と、人生を巡る「輪廻の不滅性」を重ね合わせている。難しいテーマである生命を、巧みに宇宙と結びつける独特な感性が発揮されている。 6.作品に込められたメッセージ 美しく幻想的な絵はもちろんのこと、テーマと宇宙の共通点が何なのか考えたり、宇宙の様々な深い魅力を見つけることができるのは作品の魅力の1つだ。 作品に込められた強いメッセージ性。それを感じながら作品を通して共感したり、深く考えたりすることで、Huang Xoo Veenの言葉にじっくりと耳を傾けていきたい。

Keisuke Tsuchida: 鉛筆画による精神表現

私はいつまでも自分の心の中にある真実を表現するアーティストでありたいと思います。 A challenge by Keisuke Tsuchida     新進気鋭の作家、Keisuke Tsuchidaが同世代の作家たちと異なるのは、繊細で縦長の線と22種類のグラファイトのパレットを駆使した作品へのアプローチである。鉛筆画といえばリアリズムが流行っていますが、Tsuchidaは決して空想的な魅力を捨ててはいません。彼の作品は、喜びや幸せから同情、そして悲しみまで、純粋な感情の個人的な旅を呼び起こすことを目的としています。 今回のインタビューでは、Tsuchidaの想像力の源流、主流のリアリズムからの分岐点、作風の根底にある強さの精神についてお話を伺いました。このインタビューは、長さとわかりやすさのために翻訳し、軽く編集しています。 無から有を生み出す モノクロームで幻想的な世界を探る 無形の精神を物理的な形で表現する Keisuke Tsuchidaの鉛筆画はどこで買う? 無から有を生み出す それが幼い頃の憧れだったので、彼のようなアーティストになりたいと思った瞬間でした。 アーティストとしての自分をどのように発見したのですか? 私は昔から無から有を生み出すことに興味があり、それを実現するためには絵を描くことが自然な流れでした。 子供の頃はテレビゲームが流行っていて、特にロールプレイングゲームとそのストーリーに惹かれていました。また、ゲームに影響を受けたファンタジー小説「Tales from Earthsea」や、人気ゲームを原作とした小説「Ys」なども読んでいました。 私の記憶に鮮明に残っているのは、学校の図書館で見つけた日本のグラフィックノベルAkiraです。Tales from Earthseaもそうでしたが、その複雑さは理解できませんでしたが、だからこそ不思議な面白さがあり、大好きでした。この感覚、物語の中の謎と複雑さの興奮が、私の作品の根幹にあると思っています。 Walk of a pegasus by Keisuke Tsuchida     高校卒業後、普通の会社に就職しましたが、自分の中で何かがおかしいと感じ、自分の人生に疑問を感じることが多くありました。ある日、アルフォンス・ミュシャの作品展を見て、アルフォンス・ミュシャの作品を見て、彼の美意識や技術、考え方の伝え方に驚愕しました。彼のようなアーティストになりたいと思ったのは、子供の頃からの夢だったんです。結局、会社を辞めて一人前のアーティストになることを決意しました。 なぜ鉛筆画をメディアに選んだのですか? 会社を辞めた後、美術学校で学びました。その間、自分のスタイルを模索し続け、様々なアプローチを試みました。様々なアートの形や技法を試しているうちに、「アート」という概念や自分の考えにとらわれすぎていることに気がつきました。そこで、自分の心の中にあるものを描くことを大切にしながら、一番シンプルな鉛筆と紙の形に戻ることを決意しました。 あなたの人生で最も影響を受けたアーティストや作品を教えてください。 それがアルフォンス・ミュシャとノーマン・ロックウェルだろう。どちらのアーティストもシンプルな作風で、根底に強いメッセージ性を持っています。私もいつか彼らのようなアーティストになることを目指しています。 モノクロームで幻想的な世界を探る ...私は感情の深さを表現することを心がけています。哀愁に満ちた表情の中に、優しさと喜びを感じることができるかもしれません。... In the end of a...

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