水曜日, 9月 22, 2021

HA.

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“HA.“は「Art in Practice」をテーマに、主にコンテンポラリーアートを対象に展覧会評や、作品評、作家解説などのアートに関する記事やテキストの執筆、編集を手掛けるコンテンツ・ライターユニットである。現代社会において領域横断的に展開される様々なアートの実践に寄り添いながら、アート自体にとっての次の段階を開拓するような活動、視点の発見を、テキストというメディアを通して模索している。

デジタルネイチャー時代のアーティスト:ナカミツキ

アーティストのナカミツキは、iPadなどのデジタルツールを用いて絵画を制作します。 データという複製可能な技術を用いつつも、作品の唯一性にこだわり続ける作家のもつデジタルネイチャー*時代の美学に迫ります。 制作を始めたきっかけはなんでしょうか。 小学生の時にてんかんという病気になり入院していました。てんかんは後天性の脳の病気で、その影響で半身麻痺になったんです。当時は状況が飲み込めず、自分は死ぬのではとも考えていました。だから、自分が生きた記録として、何かを残したいと思っていました。その時は筆を持てなかったので、タブレットを使って、絵日記を描き始めました。それが最初のきっかけです。 それ以降は、音楽をテーマに書いていて、イヤフォンを右耳につけて、JAZZなどの即興的な音楽を聴きながら片手でタブレットで絵を書いていました。紙に描くのは両手が必要ですが、半身麻痺でしたから、片手で持てるタブレットが便利でした。 大学時代から動けるようになり、軽音部やジャズ研に所属して、ギターをしていました。 展覧会に作品を出し始めたのが大学2年生の終わりくらいだったのですが、学内展に出して、そのあとに三菱商事アートゲートプログラムに受かりました。以降は、展覧会にバンバン出していこうと思い、アートの登竜門的な公募展をまとめているサイトがあるのですが、そのサイトの上から下までみて、応募したりしましたね。 現在の制作のテーマについて教えてください。 現在はkEYNOTEという造語をテーマに活動しています。 現在、新しいシリーズとして「Key note」というテーマで制作に取り組んでいます。「Key note」とは、”Key”(鍵)と”Note”(音符)を組み合わせた造語で、視覚的なところに頼らず、「鍵になる音」を捉え、聴覚を中心に形成していくことで、より音楽の深層に迫り、音楽の感じ方について今一度捉え直す作品作りに力を注いでいきたいと考えています。 新型コロナウイルスの感染拡大以前は、音楽のセッション会場に行き、その場で描くという事をやっていたのですが、STAYHOMEになってそれが難しくなってしまいました。 これは、そもそも音楽の中にあるライブ感だったり、その中にある瞬間的なタイムラインを描ければいいなと思って行っていたことです。タブレットというのは場所も時間も選びませんから、瞬間的なアイデアを逃さない方法としても合ってると感じています。 今は自宅で音楽を聴きながら、制作をしています。 ですが、やっぱり環境的な問題は感じます。ライブ会場では、光と音が生でくるものですが、家の中ではそうではありませんから、そういった状況下で絵を描くには想像力が必要です。 結果として、最近は作風が少し変わってきたように思います。 これまでは演奏者の手元にフォーカスしていたり、その瞬間に集中して描いていました。しかし、現在はそれらをこれまで得た知識などから改めて自身の中にイメージする必要があります。その結果として、全体の空気感、音楽に対する世界が自身の中に生まれてくるような感じがしています。 (Color, W 97 x H 130.3 x D 2 cm, Multiple Prints, NAKAMITSUKI, 2021)  作品詳細はこちらから 影響を受けたもの、自身にとってターニングポイントになっていると思うものはなんでしょうか。 ターニングポイントは病院での生活だったと思います。当時はSNSが流行り出した時で、動画サイトや、サブスクのサービスが少しづつ知名度を得てきていました。さまざまな情報もテレビがつかないので、MixiやTwitterをみて入手していました。 自身の作品や、作家活動については、それらを通した端末文化や、サブカルチャーに大きく影響を受けていると思います。 また、作家としては、アンディー・ウォーホルやアンリ=マティスの作品に影響を受けています。彼らの作品は、自分の見ている世界線と似ているような感覚がありました。  ニューヨークに行って、実際に作品をみたり、スカラーシップに行ったりもしました。 色のセンスが自分とリンクする部分があって尊敬しています。彼らになくて自分にあるものをずっと探しています。 あとは私自身がいわゆるオタクなので、イラストレーターの人たちにも影響を受けましたね。 デジタルとアナログの関係について、絵画制作において、それぞれの利点や弱点をどのように捉えていますか。 アナログで絵を描くということには何千年という文化と美術史がありますが、デジタルはまだ10年くらいの歴史しかない。歴史が浅いから、浸透していないし、メジャーでもないからやはりデジタルでアート作品を描いて発表するというのはやりにくい部分はあります。 漫画やイラストの世界の中では、メジャーなのに現代アートの中ではメジャーではない。今から歴史を作って行かないといけない。 学内展で作品を展示していた時も、なかなかみんな立ち止まってくれないんですよ。その時は、あんまりデジタルがメジャーじゃない事に気づいてなかったんです。 最初は見向きもされませんでしたが、今はコミュニティが発生してきている印象があります。色彩能力を引き出すにはデジタルしかないよねという意見を言ってもらえたりもしました。 しゃべったらなんとかなる事が多いですね。なぜデジタルをアナログにしたいのかで、ひっかかる人は多いみたいですが、私にとっては、アナログもデジタル一緒だったから、特に差がわからなかった。そういう意味ではボーダレスな感じです。だかたデジタルなものを、展示会場というリアルな、アナログな場所に持ってくるならそれはアナログになるよねっていう感覚です。 (Night Shadow, W 97 x H 130.3 x D...

水平線を引き直す

米蒸千穂は、視界に霞がかったようなイメージを描く日本画家である。 彼女のこの作風は、ホワイトアウトを体験したことに由来しており、 当時の体験について彼女は以下のように述べる。 ”1メートル先が見えず、見えるものすべてが真っ白で、方向感覚を失ったような気がしました。自分がまっすぐ立っているのかどうかもわからない。まるで宇宙空間に放り出されたような感覚です。” 実際には重力があり、上下は認識ができるはずだが、視覚情報による空間把握が、ホワイトアウトによって混乱し方向感覚が欠損することで、 真っ白な空間の中に自身が浮かんでいるような状態、もしくはミルク色の海に落ちたような感覚が彼女を襲ったのだろう。それは、自身の生命に関わる恐怖体験であったとともに、認識不可能で無限に拡張する空間、上下も左右もなくただ漠として広がり続ける空間という概念の体験でもあったはずである。この体験は、彼女にとって世界のさまざまな境界を曖昧にさせた。作品では、都市や森林や海などさまざまな風景が描かれ、近景ははっきりと遠景になるほど霞がかっていく。都市では奥に広がっていると思われるビル群が、森林では森自体の深さが、そして海では地平線が喪失している。都市や森林では、その空間の広さや大きさが曖昧になっているのに対し、海景では、水平線という空と海の視覚的な境界概念が曖昧になっている。 (The gap between the sky and the sea,H 72.7cm x W 91cm x D 2.7cm,Chiho Yonemushi, 2019) 作品詳細はこちら 森林と都市が空間把握の不可能性であるのに対し、海景は水平線という錯覚によって生まれる境界概念の喪失という点では、むしろ視覚によって認識される表面的な世界の虚構をあばき、 その奥に在る世界の実態へと私たちを誘うものでもある。この意味で米蒸の作品は、日常的なモチーフを通して、既存の認識を揺さぶり、日々の世界の見え方を再構築するきっかけになるものであると言える。海景というモチーフについては、杉本博司の「海景」シリーズを避けては通れないだろう。本シリーズについて杉本は、自身のウェブサイトにて以下のように説明する。 "水と空気、このあまりにも当たり前のように在るために、ほとんど注意を引くことのない存在が、私達の存在を保証している。この世の始まりは「水と空気が与えられたとせよ」という神話から始まったのだ。生命現象は、水と空気、それに光も加わって発生した。どうしてそのようなことになったのか、については偶然という神が存在した、とでも言っておくしかない。太陽系の中で、水と空気が保たれている惑星があって、おまけに太陽から適度の距離にあって、たまたま温度が生命発生の条件に適していた。そんな惑星なら、この広い宇宙の中にもう一つぐらいあってもよさそうなものだが、見渡すかぎり、似たような惑星はひとつとして見つけることはできない。このありがたくて不思議な水と空気は、海となって私達の前にある。私は海を見る度に、先祖返りをするような心の安らぎを覚える。そして、私は海を見る旅に、出た。" 上記の通り、彼は本作品シリーズにおいて、空気と水という生命にとって根源的な要素を捉えることを試みている。そうして捉えられた波の細かな表情や空気中の粒子を捉えたような空気の雰囲気は、 米蒸の作品の不明瞭さとは対照的でありながらも、世界の真実を捉え、表現しようという点において類似しているとも言える。また、杉本はいわゆる銀塩プリントの手法によって作品を制作する。これはフィルムに映し出されたイメージを暗室にて印画紙にプリントするものである。これは銀粒子の酸化還元を利用したプリント方法であり、写真によって独特な粒子感を見てとることができる。つまりこのイメージは言わば粒子の集合なのである。これに対し、米蒸が用いる胡粉は貝殻から作られ、岩絵具はその名の通り鉱物を砕いて作られる。それらもまた共に粒子なのである。そして、彼女の場合、この粒子が画面を(すなわち視界を)覆うという構造は作家自身が体験したホワイトアウトと重なるものでもあるのだ。 (Between the Sky and the Sea,H 41cm x...

ART & MOVIE ーシーンとイメージが導く映画と絵画の共振

今回は、映画とアートという2つをペアリングしていこうと思います。 映画には画、音楽、物語など多くの要素があり、 人によって映画の着眼点や感じ方はさまざまでしょう。 そのため、一口にペアリングをすると言ってもどのようにペアリングをしていくのか、 最初に決める必要があります。まずは映画を構成する要素を考え、 それらを様々な芸術へと当てはめてみることにします。 カット、シーン→絵画、写真 シーン、シークエンス→ビデオアート サウンド(BGM)→サウンドアート 演技、役者の身体→パフォーマンス 脚本、プロット→小説、文学、詩など セット、役者の身体→彫刻 こうしてみてみると映画というのは、舞台などと同様に総合芸術であると言えます。 総合芸術であるところの映画を一つの芸術作品をもって表現することは、 不可能ではありませんが、少し難しいため今回は映画全体と作品をペアリングするのではなく、 映画の中で印象に残ったシーンと作品をペアリングしていくことにします。 それでは、今回は3作の映画についてペアリングをしていきたいと思います。 映画のネタバレを含むことがありますので、ご注意ください。 1: バッファロー’66(1998)x 《E=MC2》(Jan Smeltekop) and 《A Moment》(Ken Sakamoto)   ヴィンセント・ギャロが監督と主演を務めたバッファロー’66は、刑期を終えた主人公が「フィアンセを連れて帰る」と実家に嘘をつき、 フィアンセ役を立てるため途中で出会った少女レイラを拉致し、 彼女と過ごす中で少しずつ変化していくという物語です。この映画の中で印象的なシーンの1つは、 ボーリング場でキング・キリムゾンの“Moonchild”をBGMにレイラがダンスをする場面です。 このシーンには、Jan Smeltekopの《E=MC2》をペアリングしてみました。 この作品は暗闇の中に佇む女性を描いています。女性の妖艶な姿と暗い画面が、キング・クリムゾンの曲の中で踊るレイラを想起させます。 また、画面に描かれた「E=MC2」はエネルギーの計算式を表しており、作品と映画シーンの両者がもつ独特な吸引力を感じることができます。 《E=MC2》(Jan Smeltekop) また、この映画でもう一つ印象的なのは、実家に戻った主人公と家族が食卓を囲んでいるのですが、 両親はあまり彼に興味がなく、ほとんど相手にされていないというシーンです。主人公のやるせなさや苛立ちとともに、 家族というものの歪なバランスが表れているように思います。 このシーンには、Ken Sakamotoの《A Moment》をペアリングしてみました。この作品は人の痕跡が残った食卓を描いており、 その粗雑な雰囲気とモチーフの荒削りな描き方からは、そこに集う人々の関係の危うさを感じます。 それは、彼らがいなくともそこに横たわり続ける「家族や家庭という形式的な現実の空虚さ」と、 映画の中で食卓を去った主人公が最後に道中を共に過ごしたレイラを抱きしめたように、「互いに向き合うこと、 その事実の重み」を想起させます。 《A Moment》(Ken Sakamoto) 2: 花とアリス(2004)x 《7,PM1913.》(MIZUKI)   岩井俊二監督によるこの作品は2015年に前日譚となるアニメーション「花とアリス殺人事件」が公開されたことでも話題となりました。2人の高校生の少女の恋と成長を描いた本作品は、岩井俊二作品特有の淡い光と、どこか不器用な人物たちの日常が印象的です。 朝靄の中の街を描いたMIZUKIの《7,PM1913.》には、映画と近い匂いを感じることができます。また、画面に並んでいるスッと伸びた角度の異なる電柱たちは、映画の最後に蒼井優演じる有栖川徹子がバレエを踊りながら、部屋の中を自由に動いてゆくシーンを連想させます。 《7,PM1913.》(MIZUKI) 3: インターステラー(2014)x 《Cornfield》(Alexander Levich) クリストファー・ノーランによるこの映画は、環境問題が深刻化し、人間が住むことすら困難になってきた地球において、現状を打開するために元空軍パイロットのジョセフ・クーパーが移住可能な惑星を求めて宇宙へと旅立つ話です。この作品には、別の惑星やブラックホール、四次元空間の描写など印象的なシーンが多々ありますが、個人的にはクーパーが出発前に子供たちと過ごした家と、その周りを囲むとうもろこし畑のシーンが印象的です。それは、今の地球上にもある風景であるとともに、近い未来その風景が変わってしまうのかもしれないということを考えさせられます。 Alexander Levichの《Cornfield》はまさにこのシーンと同じようなとうもろこし畑を描いています。そこに人影はなく、映画の中のディストピア的シチュエーションを感じさせますが、人との営みとは関係なく、畑は黄金色に輝いており、地球上の自然界にもお独自の時間、環境があり、彼らはその世界線で生きているのだということを再認識させてくれます。クーパーと彼の娘マーフィーはトウモロコシ畑の前でマーフィーの法則について話します。「起こる可能性のあることは、いつか実際に起こるのだ」と。 《Cornfield》(Alexander Levich) 以上、今回はバッファロー’66(1998)、花とアリス(2004)、インターステラー(2014)の3本の映画について ペアリングをしてみました。このペアリングは、自分が映画やアートを普段どんな視点で観て、どのような要素に反応しているのか明らかにしてくれます。 また、実際にペアリングをしていくと1つの画面の中に映画のもつ多様な要素に意識がはたらき、 作品や映画の新しい一面を発見することができます。他者のペアリングも、映画と芸術作品の新しい見方を知る機会になるのではないでしょうか。           本日紹介した作品はTRiCERA ARTで購入できます

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