日曜日, 5月 29, 2022
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ドイツのアートメディアがコンテンツを無償で提供

Gruner + Jahrが運営するドイツの老舗美術雑誌 Art – Das Kunstmagazin は、自らのウェブサイトにて自社発行の雑誌約40冊あまりをオンライン上で無料提供すると発表した。

Das Kunstmagazinは1971年創刊、主に現代アートのジャンルを撮り扱う。メディア活動のほか、有力なキュレーターを顕彰するコンテストの開催など業界へのコミットメントは高い(同賞からはフランクフルト・アム・マインの近代美術館の館長 スザンヌ・プフェッファーが出ている)。

Art – kunstmagazinの最新号
出典:https://www.art-magazin.de/heft/107-art-04-2020


同誌の編集長であるティム・ゾンマーは「素晴らしい写真と巧緻かつ平易なテキストによって読者の家庭にアートを届けることは、常に私たちが強みとしてきたこと」とコメント。このプロポーザルと自分たちの本分が合致している旨を語った。

今回の取り組みは現況の新型コロナウイルスによる美術館、ギャラリーの閉鎖などアートへのディスアクセスな状態が続いていることへの対抗策の一つだ。ドイツのアート業界も日本そしてその他の国々同様にウイルスの二次的被害を受けている。

ドイツといえば最近では約500億ユーロのアーティストやフリーランサーへの経済支援を発表して注目を集めた。のみならずグリュッタース外相による「アーティストは(民主主義社会にとって)必要不可欠名ばかりではなく、生命維持に不可欠」という言葉も喝采を受けた。

ティム・ゾンマー(編集長)
© Henning Kretschmer

さて、もちろん日本でもオンライン・ビューイングの配備をはじめとしたwithコロナへの対応策が進んでいる。「新しい状況には、新しい道具」をということだろうか。それも大事だが、今回のArt – Das kunstmagazinのように持ちうるリソースの活用を工夫する方向も考えてもいいだろう。こんな時だからこそ、20年前の展覧会、あるいは雑誌などをプレイバックしても面白いかもしれない。

参考:https://www.art-magazin.de/

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

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「全てのアートプレイヤーにとってパートナーでありたい」 そう話すのは、日本初のアート管理サブスクリプションサービス「美術倉庫」を展開する株式会社between the artsの代表取締役CEOの大城崇聡さん。もともとアートコレクターだった大城さんは「コレクションを管理してくれるスキームが日本にない」と感じたことをきっかけに事業を立ち上げた。 現在では元麻布にアートコレクターのための展示スペースも構えるbetween the artsの起業の背景、抱える課題意識について代表の大城さんに話を聞いた。 「自分も使ってみたい」がきっかけに まずは起業の経緯についてお聞きしたいと思いますが、もともと大城さん自身はアートコレクターだったそうですね? もともとファッションが好きで、その延長と言いますか、7年くらい前から作品をだんだんと買い始めました。ストリートカルチャーに繋がりのある作家さんが多かったですね。当時はKYNEさんとかまだまだ出始めの頃だったかな。だから、最初は一介のコレクターでした。仕事も不動産関係。職業的にはアートとは全然違うところにいました。 起業は2020年ですが、コレクターからアートビジネスのプレイヤーに至った経緯はなんだったんでしょう? 一重には「もし存在したら、自分が使ってみたいサービス」を思いついたことですね。1人のコレクターとして現在の事業のようなサービスがあったらいいなと感じたんです。だから最初はごくごく個人的な思いつきです。 というのは、実際に私もコレクションの保管や管理に悩んでいたから。日本の美術業界を「作品を購入する側」、言い換えると「作品を保有している側」から見ると、少し痒いところに手が届かないというか、実は足りない部分って意外と多いんじゃないかなと感じていたんですね。 何となく想像はつきますが、保管場所についてですか? そう、どのコレクターにも共通する悩みです。コレクターの性と言いますか、やはり作品をたくさん買うし、たくさん保有するわけです。当然ながら家の壁は埋まっていく。やがて「飾る場所がない」という問題に突き当たる。 私自身もそうだったし、だから当時は倉庫も検討したんですが、でも少し高価な印象があった。いわゆるビックコレクターには妥当な価格かもしれませんが、サラリーマンコレクターのようなクラスにいる自分には合わなかったんです。 それでも作品は欲しい。 まさしく(笑)。 これはとあるコレクターの方から聞いた話ですが、その方曰く「何を持っているか分からなくなってこそコレクターだ」と(笑)。 それは極端な話だと思いますが、でも自分を例に考えると、やはりインテリアのように飾ることを想定して買っていないことは事実なんですね。「欲しい」と思ったら買う。そこには実用的な目的意識はない。家の壁に合うとか、他の家具に合うとかではなく、自分がその作品に納得し、欲しいと思ったら買う。だからある意味では家の中に置く場所がなくて当然だと思うんです。 作品は展示に貸出をしたりするので、中には家にある方が稀という作品もありますよね。 でも一方で危険だなと思うのは「あれ、あの作品って持ってたっけ?」となること。つまり自分のコレクションの把握が不可能になってしまうことは危ないと思っていて、それは作家さんへのリスペクトという点でもそうですが、その後の購入やコレクションの形成にも支障をきたしかねない。 「飾る場所がないこと」と「コレクションを把握してないこと」は別問題ということですね。 おっしゃる通りです。現実にたくさんの作品を保有するコレクターはいて、しかも作品を買い続けている。でもコレクションの数が多くなればなるほど、その把握は困難になる。 極端な話ですが、その究極系がコレクションの散逸ですね。 そう、でもせっかく形成したコレクションがそんなことになってしまうのは勿体ないというか、悲しいことだと思うんです。文化的な損失はもちろんですが、アーティストにとっても悲しむべきことだし、コレクターにとっても資産が失われることを意味してますから、誰にとっても歓迎すべきことではないですよね。 私自身もその問題に直面しかねなかったし、そう考えると危ういな、と。だから最初は「あったらいいな」なんです。自分のコレクションを適切に管理してくれるサービスがあったら良いな、と。自分も使ってみたいという、その気持ちが今の事業を始めたきっかけですね。 「不動産は管理会社があるのに、アートにはない」 先ほどのお話だと、between the artsさんの事業は作品を預かるだけではなく、「コレクションの把握を手伝う」ような、ある意味では資産管理に近いニュアンスを感じますね。 いや、まさしくそこが重要なポイントです。私たちがしたいことは「作品を預かって保管する」だけではない。その先にあるコレクションの管理を見ているし、そここそが今の日本のアート業界にとってまだまだ不足している部分だと思ってます。 作品を預けることと、作品を管理することにはどういう違いがあると思いますか? ここのニュアンスは複雑です。倉庫を借りて作品を預ける、これはほとんどお客様だけで完結してることだと思うんですが、でも「コレクションの把握」は満たされていない。結局は自己管理の話ですから。 作品の保管だけではなくて、本当に必要なのは「自分が何を持っているのか?また、それらの価値はいまどうなっているのか?」を知ることだし、作品を持ち続けるということには色々なイベントも伴う。その全体をカバーしてくれるサービスやプレイヤーが日本には欠けていると思うんですね。 倉庫での保管の様子 細やかな発想だと思いますが、着想源はどこにあるんですか? 不動産の管理会社ですね。 もともと私がその業界にいたことが大きいのですが、不動産にはアセットマネジメントという考え方があり、保有している不動産を管理する仕組みが出来ているんですね。 不動産もアートも高単価ですよね。でもなぜか後者には資産管理という観点が欠けている。正直に言うと、アートは全体的に不動産よりも管理体制が雑な印象が否めなかった。事業として本腰を入れてやろうと思ったきっかけの一つはそこですね。 不動産とアートで似通っている部分もあれば、その反対もあると思いますけど、戸惑うことはありますか? 大きい違いとしては法律でしょうね。不動産は法整備がされていて、そちらを主なルールにして事業展開すれば大きな間違いは犯さない。けれどアートにはそれがない。でも全くルールがないわけではなく、諸先輩方が培ってきた不文律の決まりはある。事業として展開していくにあたってはいわゆる業界の掟のようなものには気を遣いますね。 例えばアートの仕事を始めようと思った時、アーティストが所属するコマーシャルギャラリーの方向には行かないようにしようとは考えていました。もともとは「アートもちゃんと管理した方がいいよね」という、1人のコレクターとして思ったことを実現したいだけなんです。 業界のポジショニングには気を遣われているんですね。 ポジショニングというか、単に「もっとアートの世界をよくしたいよね」と思っているだけです(笑)。 課題が多い領域ですし、競合しあうのではなく、手を繋ぎあう方が優先されるべきだと思うんですね。 だから、基本的には全てのプレイヤーにとってパートナーになりたい。現実問題、これがすごく難しい発想だというのは分かります。でもコレクションの管理にはまだプレイヤーがいないし、そう競合し合うこともない。ギャラリーからお客様へのサービス提案のひとつにうちが入れたら嬉しいし、みんな困ってる領域ですから。 これも理想ですが、私たちが関わることで作品のバリュエーションが上がってくれれば良いと考えています。それは資産的な意味だけではなく、文化的な側面でもそうですね。 具体的にはどういう意味でしょうか? データをおさえることですね。個々の美術品にはそれを制作した作家さん、タイトルやサイズ、どこで買ったのかなど、様々な情報がある。作品の情報だけではなく、その来歴も重要な情報です。作品をお預かりすれば、例えば美術館への貸し出しなど出入りはある。その情報をしっかり管理する必要はあると思います。 自分のコレクションの把握や管理ができない状態を回避するには、そのデータを適切に管理することが必須になってくるでしょうからね。 他にもコレクションを展示するスペースもオープンされましたね。日本でもコレクターがオープンな姿勢をとることが増えた昨今のニーズをおさえている印象があります。 「自分のコレクションを見せる」という願望はあると思うんです。私自身がそうだし(笑)。なぜなら良いと思って買っている作品だし、それを同じ価値観を持っている人たちに共有したいというのは自然な気持ちだと思います。 港区元麻布にオープンさせたレンタルアートギャラリー「between the arts gallery」では、特定のコレクターにクローズアップしたコレクション展などを定期開催しています。自宅や倉庫に作品を眠らせておくよりもずっと健全な楽しみ方だと考えていますね。 レンタルアートギャラリー「between the arts gallery」 それも一つのコレクション管理のあり方ですね。 おっしゃる通り、自分が持っている作品をどのように管理するか、そこには展示のような動きを与えることも選択肢にある。そういった幅広いコレクション管理のあり方も提案していきたいと思っています。 重要なのはあくまでも美術品、アート作品を扱っているということ。不動産やその他の資産と同様の部分はあっても、アートの特質はおさえなくてはいけない。 日本のアート業界には色々なところに、色々な課題はあると思います。一つの会社が全部を解決することは難しいですが、私たちが取り組むのはあくまでも「コレクション」という領域にある問題。アートはインテリアとは違います。適切な管理は絶対に必要だと信じています。 大城崇聡 | Takatoshi Ogi 株式会社between the arts CEO/Founder 一般社団法人日本アートテック協会 代表理事 不動産テックカンパニーの創業に携わり、東証1部上場を経験。クラウドファンディング事業やトラベルテック事業などの新規事業の立ち上げや事業拡大を牽引。2020年1月、株式会社between the artsを起業。自身のアートコレクターとしての実体験を元に、アート作品の管理、保管、流動性に関する問題点を解決するため、日本初のアート管理サブスクリプションサービス「美術倉庫」を展開。歴史の長いアート・美術業界にテクノロジーをもたらし、日本のアート市場拡大への貢献を目指す。

QUICK INSIGHT Vol.14 ダーク・ポップ|ボウル太郎

多くの問題を抱える現代のリアリティを シュール且つポップに描く日本の若手作家, ボウル太郎 制作を始めたきっかけはなんでしょうか。 作品を制作し始めたきっかけは、入学した高校が美術学校だったという事です。最初はあまり制作にあまり真剣ではなかったのですね。そんな時に高校展という学生コンペに応募することになり、下絵に悩んでいました。いくつか描いてみたのですが、先生に面白くないと言われたりしたので参考にするためにM.Cエッシャー(1898- 1972)の個展を観に行くことにしました。エッシャーの作品を目の前にした時に雷が頭に落ちる衝撃を受け「今、絵を描ける」という感覚が降りてきました。その時にエッシャーに体を乗っ取られたと思い、その次の日から絵が変化し自由に描ける様になり、下絵も面白いと言われる様に変わったんです。それから作品に対して本気で人生を賭けて挑んでみようと思いました。 ボウル太郎という名前の由来はなんでしょうか。 私の本名は朝井というのですが、ブラジルの料理で、アサイーボウルというのがあるんです。これは、果物のアサイーのスムージーに他の果物や蜂蜜などを加えたものなのですが、このアサイーボウルの名前から取ってボウル太郎になりました.芸術と聞くと気構えてしまう人が多いし、硬い名前の芸術家の方などは名前のイメージに引っ張られて、絵も硬くなってしまうのかなと思っていて、なので自分は絵を自由に描いてますという事を表したくて、こういう名前にしたんです。 作品詳細ページはこちら 影響を受けたもの、自身にとってターニングポイントになっていると思うものはなんでしょうか。 先程も紹介したM.Cエッシャーもターニングポイントになっているのですが、絵を更に変えてくれたのはキース・ヘリング(1958-1990)です。彼の作品はポップで、オシャレで、現代的で、描かれたもの一つ一つにストーリーがある所にとても刺激を受けました。また、彼のポップアートの商業的な部分がとても素晴らしいと感じて、Tシャツなどにしたときにオシャレになる作品を作ってみたいと思わせてくれました。なので彼には確実に大きな影響を受けたと感じています。 作品詳細ページはこちら 現在の制作のテーマについて教えてください。 制作のテーマは「物語」です。私の作品は一つの絵画の中で、物語を展開するような構成にしています。私は小説などを書くのも好きで、その中でも物語を構成するのが特に楽しいと感じています。どのような作品を作るにせよ、自分の制作する全てのものにおいて「構成」はとても大切にしています。また、漫画や小説は沢山の枚数で人に伝える事をしているメディアなので、その連続性において、物語の流れを説明するのが絵画よりも容易だと思っています。ですが、絵画は一つの画面にその物語の全てを入れ込まなければなりません。そうでなければ、文脈のない、なんの意味も中身も無い物になってしまうと感じています。そのため、私は「一枚の絵画の中で物語を伝える構成作り」をテーマに制作をしています。 作品詳細ページはこちら 「物語」というキーワードを持って作品を制作されているということですが、主題や、描いているものは、「現実」的なものが多いように思います。「現実」と「物語」の関係についてどのように考えますか。 絵というのは誰かに見てもらうことを前提に描いているものなので、物語の中に現実的な要素を入れ込むことで、彼らの感覚に近いものを作品の中に感じ取って欲しいと思っています。ただ、現実味がありすぎても絵画は面白くなく、一方で、フィクションなどの物語性が強すぎても分かりづらくなると思っていますので、その間の絶妙なラインを出せるように描いています。 作品詳細ページはこちら 手法や色彩の影響もあるでしょうが、全体に少しダークな印象を受けます(ブラックユーモアのようなものに近い雰囲気かもしれません)。そういった印象についてご自身はどのように感じますか? 自分はまだ18歳で、一年の間に思考が変わっていきます。私もですが、人々の中でブラックな、ダークな気持ちは、特に今の時代にはとても強くなってるように思います。これまでは人々のそんな部分に共感できるものを描いていましたが、大学1年生になってもっと幸せな事も描こうと思える様になりました。きっとこんなふうに描きたい議題は一年ごとに変わるのだと思いますが、人間の悲しいと感じる部分や報われない気持ちに寄り添える絵を描ける様に一年一年精進していこうと考えています。 作品詳細ページはこちら  次に実現したいと思っている作品のアイデアがあれば教えてください。 今は白黒の大きな作品が多いのですが、これからは色を付けた大きな作品なども制作してみたいなと思っています。今までは銅版の作品を白黒で制作していたのでこれからは沢山新しい技法を試して、自身のキャパシティーを増やしていこうと思っています。 ボウル太郎 コンセプト ボウル太郎のファンタジー作品には、オートマティスムという技法が使われています。この技法は、いわゆるシュールレアリズムである。画家エッシャーやエゴン・シーレの影響を受け、遠近法の誘導や真の人間性を追求する世界に魅せられている。彼のコンセプトは「人に自由を伝えるアート」。これからも、誰もが享受できる自由を伝えるアートを作り続けていくだろう。 経歴 2003年生まれ。2018年 高校に入学2018年 大阪府高等学校美術工芸品展 優秀賞2018年 佐渡版画甲子園 佐渡市長賞2019年 大阪府立高等学校美術工芸展 優秀賞2019年 二科展入選 今回ご紹介の作品はTRiCERAで扱っています。

「Huang Xoo Veen (Xoo)を知るための6つのポイント」

Huang Xoo Veen (Xoo)のアート作品はどれもパステル画のような柔らかいタッチで描かれているが、全てアクリルで制作されている。特徴としてマチエール(仏:matière)と呼ばれる「絵肌」や「素材の質感」のような物は殆ど感じない。幻想的で滑らかなタッチだ。「宇宙の体の器官と人間の体の器官は似ている」と表現するHuang Xoo Veen。今回は宇宙という美しく壮大なテーマを中心に、抽象的な表現を加えながら自身の感性を表現し続けるその作家性を読み解いていこう。 1.経歴 子供のころからアートには多大な興味を示していたが、学生の時に参加したコンテストで受賞したのをきっかけに、画家になりたい!という想いが強くなった。大学に入学するも、家庭の事情で7年間の休学。「二度と絵を描くことは無い」とまで思っていた。しかし時が経ち7年ぶりに大学4年生に再編入。心の中の傷を表現するあまり、先生には「憂鬱で、陰鬱で、グロテスクだ」と表現されてしまうような絵しか描けなかった。30歳で卒業した後に大学院へ進学。美しいものが好きでは無かったが、たまたま夜空を見た時に、月や星の美しさに目覚め、宇宙へ好奇心を抱き始めた。その時から作品に宇宙を取り込むようになった。 2.アートとコミュニケーション 誰しも自分が辛く感じた出来事を人に話したい、感情移入して聞いて欲しいと願っている。大学時代のHuang Xoo Veenは、その心の傷を作品に表現していた。自分の心の傷を癒したい、見てもらいたいという一方的な感情をぶつけるような絵であったことが感じ取れる。大学院への進学も「人とコミュニケーションが取れるような絵を描きたい」という願いを持つようになったからだ。会話はキャッチボールと言われているが、一方的に相手にボールを投げるような事をしてもそれは会話とは言えない。今では「宇宙」という壮大なテーマを含めて描くことで相手と同じ土台のテーマを作り、作品を通して私達とコミュニケーションを取っている。 3.作品への探求心の強さ 一度はアートから離れようとしたが、向き合う覚悟を決め再びアートの世界に戻っている。そこから作品への深い情熱や探求心を感じる。家庭の事情があったようだが、例え年月が経っていたとしても、自己表現やアートを諦めずにいても良いという勇気が貰える。苦しい経験も、次に生み出す作品への大切なステップ。諦め無ければ、空白の期間の出来事も全て作品をつくる素材としてステップアップできる。アートを制作するうえで人生に無駄な部分は無いと考えさせられた。 4.コズミックアーティストとは 主なコンセプトとして、宇宙・夜空・死・細胞・胎児などを挙げて、自分のことを「コズミックアーティスト(cosmic artist)」と名乗っている。作品の中で「宇宙」を様々な側面から捉えて、別の多種多様な要素と組み合わせている。例えば、宇宙と社会問題を組み合わせた「Ardent-Rising」という作品がある。Huang Xoo Veenは現代社会では同じように利点があっても男性の方が優遇されるという「男女格差」を感じ、それでも輝きたいという願いを込めて、宇宙の中に銀河のような赤い花を咲かせている。宇宙の静かで雄大な輝きと、自分の中にある果てしない願いを重ねて表現しているようだ。 5.Huang Xoo Veenが持っている感性 宇宙と不屈の精神を重ねた作品で、名前を「Immortal」という。宇宙は今も永遠に膨張し続けていて、銀河は消滅したり新たに合体したりを繰り返している。その宇宙の様子と、困難な瞬間に直面しても再び蘇る精神を、宇宙のように「繰り返し動き続ける」という点に重ね合わせて表現している。宇宙を科学的な側面で見ながらも、人間の心情に重ねて1つのアート作品にしようという発想には驚かされる。 「Again」という作品では、輪廻を思わせるようなキャプションが載せられている。宇宙には始まりも終わりも無く、それは人生もある意味で同じ。強い生命力を感じるような赤い光を持つ星が、絵の中で銀河の中心に描かれているのも興味深い。今度は「宇宙の不滅性」と、人生を巡る「輪廻の不滅性」を重ね合わせている。難しいテーマである生命を、巧みに宇宙と結びつける独特な感性が発揮されている。 6.作品に込められたメッセージ 美しく幻想的な絵はもちろんのこと、テーマと宇宙の共通点が何なのか考えたり、宇宙の様々な深い魅力を見つけることができるのは作品の魅力の1つだ。 作品に込められた強いメッセージ性。それを感じながら作品を通して共感したり、深く考えたりすることで、Huang Xoo Veenの言葉にじっくりと耳を傾けていきたい。

Feature Post

「家族の愛」START ARTIST vol.8 ~ Yuu Minamimura

TRiCERA発のオークションイベント「START」第一弾の出展作家の"なぜSTARTに出展したか"を主軸にしたインタビュー、ならびに新作の紹介を行います。 オークションイベント「START」とは 2021年2月に行われた「START」。アートに携わる様々な人たちを「セレクター」としてゲストに招き、それぞれの視点からアーティストを選び、そしてその魅力を伝える言葉と共に、その作品をオークション形式で販売いたしました。「アートをこれから始める」という方にも分かりやすい設計を行い、またオークションがはじめての方、オンラインではじめてアートを買う方など、様々なひとたちの「スタート」になるような企画となっております。 作家紹介 南村 遊 (Yuu Minamimura) 「人は何に向かっているのか」をベースコンセプトに、石や金属、粘土などを素材にして立体作品を制作している。 主なグループ展には「ART FORMOSA」(Songshan Cultural and Creative Park (Art Ile), 台北, グループ展, 2017)、 「ART CANTON」( Guangzhou Liuhua Exhibition & Trade Center (Art...

日本と西洋の間の絵画を描いている。

オーストラリア在住の大泉沙知は、最初は油絵を学び、その後日本画を学び始めました。彼女の作品の特徴は、洋画の油絵と日本画の伝統的な画風を併せ持つことです。日本以外の国に長く住んでいたこともあり、「日本人と外国人のハーフ」と表現しています。異文化への感性を持っているからこそ、多様な作品を生み出すことができるのです。 日本画を始めたきっかけは? -オーストラリアに移住してから日本画を始めました。メルボルンのアンティークショップで日本画を見つけて、美しいと思ったのがきっかけです。私自身が日本人であるにも関わらず、日本にいない時に日本を客観的に見ていることに気付きました。だから、海外に住んでみて日本画の特徴に気がつきました。 日本画は絵画の表現だけではなく、生物でもあると思うんです。有機的な素材を使っているからかもしれませんが、有機的な世界が日本画の魅力の一つだと思います。 Samantha Summer Solstice, 116×116cm 油絵と日本画では画材や手法が違います。どうやって慣れたんですか? -ーーそうですね。作り方が大きく変わりましたね。油絵はインスピレーションが大事で、それに頼っていました。でも、日本画は根気が必要なんですよ。準備が全てで、一つ一つの工程がはっきりしている。先を考えて描くチェスのようなものですね。過程だけでなく、作品に対する姿勢も変わってきたかもしれません。 アプローチの仕方や制作の仕方を変えるのは大変そうですね。どうやって適応したんですか? -そうですね、大変だったかもしれません。でも、オーストラリアに引っ越してきた時に、全く絵が描けなかった時期がありました。たぶん7~8年くらいは全然描けなかったんですよ。 オーストラリアは自然が豊かだったので、絵が描けない時は昆虫採集をしたりしていました。それが影響してか、日本画の有機的な部分に興味を持つようになりました。有機的なものや自然環境などの大きな枠組みを見ていると、それまでやっていたインスピレーションに満ちた創作は、とてもナルシストで小さく感じられました。 An Asian plum, 14×18cm それで仕事を見直されたんですか? -そうですね、もっと広い世界が見えた気がしました。そこから「本物の絵とは何か」ということを自問自答するようになりました。 その時に思ったのは、20代と60代の頃に作った作品と、20代の頃に作った作品の方が良いという比較をしていたんです。それをきっかけに、もっと真剣に自分の絵と向き合わなければいけないと思いました。 モチーフやテーマは何ですか? -リザードがよく家に来るので、それをスケッチしてモチーフにしています。私の絵の世界はどちらかというと抽象的な世界だと思います。手前に有機物を使うことが多いので、背景に世界が見えるようにしています。金色は説得力があるのでよく使います。 Jungle garden, 72×100cm 今後の活動について教えてください。 -日本画の経験がまだ少ないので、もっと勉強したいです。日本画は技術がとても重要なので、もっと技術を磨いていきたいです。また、私自身は日本人ですが、海外での生活が長くなってきたので、「フル」というよりは「ハーフ」になってきています。円山応挙のような古い伝統的な絵画が好きなので、日本の文化を海外に広めていきたいです。

ジョン・レノン

ジョン・レノン 『ジョン・レノン - このメールを読んでいる者でその名を耳にしたことがない者はおそらくいないだろう。 そう、どんなに奇妙なアイデアでも、人々のための音楽や芸術に転換してしまう、偉大なあの人物である。没後約40年を経てなお、現代の芸術家たちは、類稀なる音楽として、真のヒューマニストとして、ロックな活動家のアイコンとして、尊敬される芸術家として、何よりも愛された人物として、彼を甦らせ続けている』     JOHN & YOKO by Le Closier W 76.00 x H 76.00 x D 1.50 cm キャンバスにアクリル、スプレー、金油 / 即壁掛け可 JPY ¥155,000 +税 United States of America         The Beatles Conspiracy by M. Febriandy W...

遠くにある景色、近くにある心

風景画に関する見解は、それぞれの立場の違いはあれ、一般的には「風景を写しとった絵画」というところに落ち着くでしょう。 今回の記事で紹介する桜井旭、只野彩佳、ニールの作品は物理的な意味では現実の風景とは距離を置き、その画面で広がるイメージは彼らの感情を伴い、全く新しい形象を獲得しています。 アーティストが風景に息づく感情や記憶、ものの気配や痕跡を繊細に読み取り、それらが彼らの心の動きや内実性と混合し、現実の複写ではない、作家のまなざしが絡み合った新しい風景が生まれるまでの歩みに、ぜひ思いを馳せてみて下さい。 桜井旭 / Asahi Sakurai(1996〜, JAPAN) 移り変わる時間(noon)19 x 33.3cm, Acrylic on canvas25,000 JPY 作品はこちらから 移り変わる時間(night)19 x 33.3cm, Acrylic on canvas25,000 JPY 作品はこちらから 海岸(wide)22 x 54.6cm, Acrylic on canvas45,000 JPY 作品はこちらから ニール・トムキンズ /...

Editor's Choice