水曜日, 10月 20, 2021
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Yutaka Kikutake Galleryでの展覧会レビュー「爪が欲しくて」展


Installation View, Nerhol ‘For want of a nail’, 2019 ©️Nerhol
Photo: Shintaro Yamanaka (Qsyum!)
Courtesy of Yutaka Kikutake Gallery

6月6日から7月13日まで、Yutaka Kikutakeギャラリーでは、アーティスト・デュオ「ネルホール」の作品展「爪が欲しくて」を開催します。

ネルホールは、日本の若手アーティストYoshihisa Tanaka and Ryuta Iidaの二人からなるアーティスト・デュオです。2007年にTanakaとIidaが現代社会の問題をどのように提起し、共有していくべきかを議論したことがきっかけでスタートしました。

今回のYutaka Kikutakeギャラリーでは、大分県別府市をモチーフにした作品を展示します。ネルホールは昨年夏、別府で行われたレジデンスプログラム「KASHIMA」に参加しました。このプログラムでは、日本の温泉地として有名な別府の歴史や、明治初期から第一次世界大戦、第二次世界大戦までの歴史についてリサーチを行いました。

ネルホールの研究は、別府に住む人々のオーラルヒストリーから、温泉の地域資源や自然環境、歴史とともに発展してきた文化的側面まで多岐にわたっています。

その研究成果は13点の作品となり、滞在中に滞在した葵の家や別府公園、各商業施設の壁面などに展示されました。今回の東京・Yutaka Kikutakeギャラリーでの展示では、上記のような東京のためのプロジェクトとして考案された新作も発表します。また、新作はレジデンスでの研究をベースにしています。


Installation View, Nerhol ‘For want of a nail’, 2019 ©️Nerhol
Photo: Shintaro Yamanaka (Qsyum!)
Courtesy of Yutaka Kikutake Gallery

彼らの作品の面白いところは、それぞれのストーリーがあることだ。例えば、「金さんの肖像」は、地元の人である金さんとの会話からインスピレーションを得て制作されたものです。「キム氏の肖像」の裏話は以下の通り。ネルホルは、朝鮮戦争で兵士として戦った人たちが帰国後に韓国焼肉店を開いた話や、第二次世界大戦後に日本に移住してきた在日韓国人の生活にまつわる話を聞かされていました。様々な背景を持った人々の歴史や生活を感じさせてくれるような、今では現地の人となった在日韓国人移民の話を聞いて生まれた作品です。


Installation View, Nerhol ‘For want of a nail’, 2019 ©️Nerhol
Photo: Shintaro Yamanaka (Qsyum!)
Courtesy of Yutaka Kikutake Gallery

また、「Wild Guppy」と「Metronome」は、別府の動物たちの話や経験から着想を得たものです。別府の川には熱帯魚が生息しているという話を聞いたネルホルは、境川の下流でグッピーを探そうとしたところ、発見しました。グッピーは南米原産の魚とはいえ、地元の魚となっていました。環境の変化に適応したため、見た目はメダカのようになってしまったグッピーですが、熱帯魚としての特徴であるお腹の色の鮮やかさは健在でした。さらに、ネルホールは「メトロノーム」を通して、個人的な体験と地元の動物に関する記憶を組み合わせています。1,200頭以上のサルが生息する高崎山に生息する野生のサルを見に行ったとき、親猿が子供が死んだ後も何週間もかけて子供を抱っこしたり抱っこしたりしているのを見ました。この行動は、状況を受け入れられなかったことによるものでした。帰り道、ネルホルはサルの行動を思い出しながら、サルの心臓の鼓動と同じリズムに合わせたメトロノームの静かな音を聞いていた。


Installation View, Nerhol ‘For want of a nail’, 2019 ©️Nerhol
Photo: Shintaro Yamanaka (Qsyum!)
Courtesy of Yutaka Kikutake Gallery

作品に秘められた物語は、生と死、アイデンティティ、環境の変化への適応などを考えさせ、「オリジナリティとは何か」という問いを投げかけてきます。地域、自然、動物、人間など、見落としがちな対象からの問いかけを、ネルホールはそれぞれのモチーフに着目してきました。物語だけでなく、彫刻や重ね刷りの作品は、私たちに視覚的な旅へと誘ってくれます。Yutaka Kikutakeギャラリーでは、2016年の「Strange Attractor」展からネルホールの展覧会を担当しています。私たちの生活にまつわるモチーフに焦点を当て、社会に問いかけることが現代美術の重要な課題とされているように、それぞれのモチーフを用いたネルホールの作品は、創意工夫を凝らした経験と研究に基づいたものであり、今後もYutaka Kikutake画廊での発表が期待されています。

記事を書いた人:Jeongeun Jo
韓国出身、日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。アーティストとしても活動しています。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

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「僕の目標は時代を超えること。歴史を超えて残ってきた、人類が築いてきた装飾文化を解釈し、アップデートして絵画に変換することで、誰もが『wow!』と言ってくれる作品を創っていきたい」と語る京森康平は「装飾」を手掛かりに、藍染など日本工芸の文脈から制作するアーティスト。今回はその考えと制作について話を聞いた。 アーティストの詳細はこちらから 京森さんは装飾性をコンテキストから絵画を制作していますね。まずはその辺りから伺ってもいいですか。-私は現代装飾家という肩書きで活動していますが、歴史上に数ある装飾文化を自分なりに解釈し、アップデートすることを念頭に置いています。だから、その文脈で見れば、私の作品は絵画という形で、国や地域にかかわらず、装飾文化を新しいフォーマットで紹介しているものかもしれません。現代アート、特にコンセプチュアルな作品は、ある意味で言葉が重要です。だけど私は、少なくとも自分の作品に関していえば、目で見た時、言葉に頼らずとも感動できる仕事にしたいとは思っています。 作品の詳細はこちらから 京森さんは、一方でグラフィックデザインや服飾の仕事に携わっておられましたね。その点は、作品に影響していますか?-影響しているし、大事な点でもありますね。色の組み合わせにおいてはヨーロッパで服飾を学んできたことが生かされていると思います。また僕はデジタルで制作するという事もあって、いかに平面絵画の枠にとどまらないかを大切にしていて、マテリアルや素材の選定、デジタルとアナログの融合など複数の技法や素材を組み合わせることで、作品の強度を高めたいと考えています。 また、日本のグラフィックデザインは浮世絵にルーツがあって、版画の技法や分業で制作するスタイルについては意識して作品に取り込んでいます。 作品の詳細はこちらから 制作の流れについて伺ってもいいですか?-まずはスケッチ、それからデジタルでシュミレーションします。素材をつなぎ合わせたりして、偶然的に生まれて来る想定外の要素は重要ですね。それからCGで作品を描き、マテリアルに応じたプリント技法で出力し、染色したり岩絵の具やU Vレジンで立体的に加工するというのが、大まかな流れです。 作品にはいくつかシリーズがあるようですが、今現在、特に重要なものはありますか?-今は大体5つくらいのシリーズがあって、例えば『A-UN』と言うシリーズは、民族間の差別や偏見を超えることへの願いをメッセージとして込めています。もう一つ重要なのは、「JAPAN BLUE」という、藍染を使ったシリーズ。話は少し飛びますが、僕は社会不適合とか、全部個性だと思っていて。多様性な社会とは、そもそも、そうした既成の枠組みに合わない性質を取り入れたものだと思うし。だから、このシリーズでは不完全性の肯定がテーマにあって、自分では非常に日本人的だと思っていますね。 作品の詳細はこちらから 「視覚的な感動」が言葉と時代を超える力になる、ということですか?-現代アートという世界は、今までずっとコンセプチュアル・アートという、コンセプトや言葉を重視する流れが強い。しかも、欧米中心の。それを日本人の僕が、しかもグラフィックデザインや服飾をバックグラウンドにしている僕が出来ることを探っていきたいと思います。世界のどこにいるか、どういう仕事か、どういう民族かなどは関係なく、誰が見ても「Wow!」と言って貰える作品をつくることが時代を超えることだと思っています。 今後の展望があれば教えてください。-今後の展望としては、日本の伝統工芸の文脈を、装飾という観点からアートに活かしたいなと考えています。具体的には、有田焼や徳島の藍染めなど歴史と伝統が育んできた技術を日本の強みと捉え、自らが描く装飾的な絵画と融合させる。それによって作品/モノとしての価値、強度、エネルギーをより高められるのではないかと考えています。また、それぞれの地域と共創していくことで日本の未来に残せる技術や伝統を守り、さらに進化した伝統が継承されていくことで時代を超えて次の未来に繋がれれば良いなと考えています。 京森康平の作品はこちらから

アジアンアーティストが台頭、香港アートウィークにアジアンアートパワーが炸裂

香港のアートバーゼルでの出会い プレスやVIPゲスト向けのプライベートビューイングを皮切りに、3月27日から31日までアートバーゼル香港が開催されました。 アートフェアの主な機能や目的は美術品の販売であるにもかかわらず、「展示機能」のために発表された「エンカウンターズ」では、まるで美術館で作品を鑑賞しているかのように、膨大なスケールの美術品を楽しむことができました。今年の「出会い」では、 Lee Bul, Chiharu Shiota, Zhao Zhao, Mit Jai Inn, and Pinaree Sanpitak.などのアジアのアーティストの作品を中心に紹介しました。 エンカウンターに参加した12人のアーティストのうち、5人が参加しています。  ‘セザンヌ, モランディ,サニュ’の舞台としての展覧会。 アートバーゼル香港は、この有名なアートフェアとともに、香港のアートウィークでは、ペダーやH・クイーンズなどのアート専門ビルや、アートセントラルなどのアートフェアで、多くの注目すべき展覧会が開催されました。今年の香港アートウィークの目玉はアジアのアーティストでしたが、世界のギャラリーがアジアの新進作家や20世紀のアーティストを紹介していました。展覧会のタイトルは「セザンヌ、モランディ、三友」となっていたが、ヨーロッパから来た二人の作家のうち、三友に焦点を当てれば十分だった。この展覧会の学芸員である曾芳志氏は、三友を選んだ理由を次のように述べている。  「三友の画法は、セザンヌやモランディの画法に著しく類似しているが、彼の画法は本質的に東洋的であり、心の中のインクを油で描く」1。  本人も述べているように、三友展に三友を選んだ理由は注目に値する。19~20世紀のヨーロッパを代表する二人の作家とともに、今回の展覧会の機会を利用して、世間の目を三友に引きつけようとしたのである。特に今の時代は、作品の方法論や素材という意味では、欧米を拠点とする作家とアジアを拠点とする作家の間には、それほどの違いはありません。しかし、アジアのアーティストの作品から感じられる独自性は確かにあります。それは、様々な社会的、政治的、環境的背景から来ているのかもしれません。   セザンヌ、モランディ、三遊、曾芳志、ガゴシアンのキュレーションによるギャラリー香港を背景にした展覧会である。とにかく、アジアのアーティストに注目する動きとその意図がよくわかりました。  G海外を拠点に活動するアジアの若手アーティストを特集しています。 アートバーゼル香港では、参加ギャラリーの一つ「カプセル上海」に、1984年生まれでニューヨークを拠点に活動する台湾の若手アーティスト、ホアン・ハイシン(Huang Hai-Hsin)が登場しました。アートバーゼルデビューということもあり、彼女のウィットに富んだ作品が注目を集めました。今年のアートバーゼル香港で発表された彼女の作品は、アートバーゼルの風景を描いたものでしたが、彼女の作品は、アートバーゼルやアートマーケットをユーモラスに、そして見事にバカにしたようなものでした。   また、アートバーゼル香港に次ぐ第二のアートフェアとされるアートセントラル香港では、1975年生まれでミュンヘンを拠点に活動する中国の画家、徐海英さんが目撃されました。ミュンヘンを拠点とするギャラリー「Galerie Andreas Binder」が、他のアーティストと一緒に彼女の作品を紹介してくれました。履歴書によると、彼女はドイツのミュンヘンで修士号を取得し、そこを拠点にアーティストとして活動しているそうですが、ニューヨークを拠点にしながら中国のギャラリーを代表している黄海新のようなケースもあれば、海外に留学して現地のギャラリーを代表している徐海英のようなケースもあります。 アジアのアーティストがどのように香港で取り上げられる機会を得たとしても、一つはっきりしていたのは、多くの国際的なギャラリーが様々なバックグラウンドを持つ若いアジアのアーティストに注目しているということです。  ヤングアーティスト on TRiCERA TRiCERAには100名を超えるアーティストが参加しており、経験豊富なアーティストだけでなく、才能豊かな若手アーティストも多数参加しています。その中の一人、Manami Numataの作品をご紹介します。彼女は「第72回日本女性美術協会」で大賞を受賞し、イタリアへの留学経験もあります。 <a href="https://www.tricera.net/en/id81000560001.html" 毎週新しい作品をアップしていますので、ぜひチェックしてみてください。 記事を書いた人:Jeongeun Jo韓国出身、日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。アーティストとしても活動しています。

寺床まり子|記憶の景色に魅せられて

絵を描くことは寺床まり子にとってライフワークであり、過去現在そして未来へと絶え間なく続く営みだ。幼少期から絵画に親しみ、今日までその道から視線を外さずに今日の立ち位置まで歩んできた。三重県に生まれ、名古屋造形短期大学で洋画を専攻。「多くの素晴らしい画家や先生に出会う過程で、その影響が自分を作家として育ててくれた」と語る。 寺床の洗練された抽象画は、日本のみならず世界の美術界でも高い評価を得ている。自由美術協会に所属しつつ、これまでに埼玉県立近代美術館、東京のギャラリーや、ソウル・Kepcoアートセンターなどで個展を開催し、2022年11月にはニューヨークのArtifactでの個展開催も決定している。また、グループ展参加も多数、米国での発表にアジアのアートフェア参加と精力的な活動を繰り広げる。   作品のテーマを「記憶の色」と説明するように、彼女の絵画は、観る者に人生の心温まる瞬間を思い起こさせる。水、山、空、植物などの自然の色や街の色を、美しい色彩の重なりを巧みに用いて表現していく。それは彼女の個人的な記憶でありながらも、鑑賞者をも、美しいデジャブのような「記憶の風景」に誘い込み魅了する。 アーティスト詳細はこちらから

現代アートは遊び場になり得るのか?

"今が遊び時" 東京都現代美術館 大人になると、「ゲームをやめろ、おもちゃや友達と遊ぶのをやめろ」などと言われてきましたが、大人になってからも同じようなことを繰り返しているかもしれません。大人になってからも、同じようなことを繰り返し、このような質問をすることがあります。仲間とつるむのをやめようか、もっと勉強して頑張ろうか」とか、そんなことを考えることがあります。 そう、人生は決して楽なものではありません。それは誰にでも、どんな時にも当てはまります。では、「遊ぶ」時間をきちんと持てるのはいつなのか、何かで遊ぶことを心から楽しめるのはいつなのか。仕事や勉強の時間も必要ですが、遊びの時間を過小評価してはいけません。遊びの時間は、自分自身や世界に新しい価値観を見出す機会を与えてくれることがあるからです。 では、現代アートについてどのように感じていますか?美術館やギャラリーに行くと、遊びの時間として感じますか?そうでなければ あなたは現代美術をもっと勉強して発見すべき難しいテーマだと思っていますか?現代美術についてどのように考えていても、「現代美術は難しい」という意見もあります。 東京都現代美術館では、「今、遊ぶ時間」と題した展覧会を開催しています。子どもだけでなく、大人も現代美術の「遊びの時間」を楽しめるように企画された展覧会です。 本展では、Yoshiaki Kaihatsu, Kazuhiro Nomura, team Hamburg, Tanotaiga, TOLTA, Usioの6人のアーティストとアーティスト・コレクティブによる作品を展示します。それぞれの作品は、ゲーム感覚で参加することができます。第一展示室に入ると、壁一面が巨大なキャビネットで覆われている。圧倒的なスケールに加えて、キャビネットがボルダリングのクライミングウォールになっているため、目を引く。観客は作品に圧倒されるかもしれないが、キャビネットの扉を開けると別の展示室につながっている。ユーモラスで楽しい作品のようだが、作家の開発良明氏によると、「受験の壁」は、実は受験のプレッシャーやストレスを表現したものだという。 もう一つの興味深い作品は、タノタイガの「Tanonymous」。Tanonymousは壁一面を無数の仮面で覆っている作品である。作家の無表情な顔をベースにした多数の仮面が、参加型のワークショップから観客によって徐々に多様な顔に変化していきます。ワークショップでは、美術館が用意した素材を使って、無地の仮面を自由にデコレーションします。最終的には、これらの多様な顔のすべてが、'Tanonymous'の作品として展示されることになります。 アーティストのタノタイガは、基本的には美術作品の中で社会システムや価値観を探り、マスメディアや画一化された記号が日常生活の中で持つ力を考察しています。作品タイトルの「タノワイマス」は、作家名の「タノタイガ」と「アノニマス」の複合語です。作家は作品を通して、標準化された社会と現代社会に蔓延する匿名性を批判的に見つめています。観客が好きなように仮面を飾ることで、観客はやがて鑑賞者となり、同時に制作者となる。美術館の中の同じ顔が徐々に様々な顔に変化していく過程で、作家は自分の考えを伝えたいと考えているようです。 友達と遊ぶこと、おもちゃで遊ぶこと、どんな遊びでも、私たちに充電の時間を与えてくれます。展覧会を通して、作家は社会に関するテーマを表現しており、展覧会や美術館は遊び場にもなっています。現代美術が遊び場になるという意味では、展覧会を見る(遊ぶ)価値があると言えるでしょう。観客の参加が作品の一部となり、場合によっては観客の遊びの痕跡が作品の一部として残ることもあるでしょう。 東京都現代美術館では、2019年10月20日thまで「今が遊び時」展を開催しています。参加型のアート作品とともに、観客がアーティストと一緒に遊ぶことができる関連プログラムやワークショップも開催されています。詳細や情報はこちら。https://www.mot-art-museum.jp/en/exhibitions/time-to-play/。 記事を書いた人:Jeongeun Jo 韓国出身で現在は日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。彼女自身もアーティストとして活動している。

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