日曜日, 5月 29, 2022
Home Curator’s Eye 画家とキャンバスと向こう側

画家とキャンバスと向こう側

「画家という位置と、キャンバスという位置と、その向こう側という位置に向けていくつもの層を体感しながら、その向こう側に手を届かせたいというか、向こう側を見てみたい」
キャンバスを切り開き、ステンドグラスや鉱物などをコラージュ的に画面へと配置していく画家 佐々木成美。複数のマテリアルによって重層化した彼女の絵画世界は、本人曰く「あくまでもキャンバスを掘り進める作業」に近いという。
今回、代官山のLOKO GALLERYにて大学院卒業後初となる個展が開催されたことを機に話を聞いてみた。


Tulip, Night
Oil on Canvas/Ceramics, 42× 33cm, 2018

まずは今回の個展と作品について簡単に説明して頂けますか?

-構成としては、この1年半ほどやってきた中から選りすぐった作品を中心に並べました。大学を出たのが1年半ほど前で、そこからの個展も初めてだったこともあったので。
作品の方は、そもそも「これは彫刻なのか、立体なのか、絵画なのか」とよく言われるんですけど、私の中では絵画として描いてるし、発表していて。これまでずっと絵を描き続けてきて、絵画とは何なのかについて、もう一度自分の中で丁寧に探ってきた期間があって、あまり意識はしていなかったのですけれど、今回はそれが作品とか展示として外に出てきたのかな、という印象です。


編まれた芝
Oil on Canvas/Stone, 50 × 32.5cm, 2018

それは描くという行為そのものをですか? それとコラージュ的要素が目立つ作品だと思うのですが、これもその結果として出てきたものですか?

えっと…、キャンバスを切ったりコラージュのように何か組み合わせたりする方向へ決定的に変わったのは2017年ぐらいです。そのタイミングで、実は半年ほどフランスに留学していた時期があって、そこが結構大きな起点になっていて。 そもそも近代の芸術を研究しにいったんですけど、中でも宗教施設にすごく興味が沸いて。向こうはキリスト教の教会もあればイスラムの寺院もあって、それからユダヤ教もあって、色んな情勢からミックスされた施設もあって。そういう所で装飾美術を見ることに興味があったんですけど、いくつか行くうちに何か強烈に、ひとが生きる上で求める、或いは求めざるを得ない精神構造とそれに伴ってくる産物っていうものが、それぞれは当たり前だけどイコールで…ということに夢中になって。描くことというのは、まだ上手く言葉には出来ないんですけど、もしかしたらそういう欲求に近いのかもしれないなと。でも、その欲求が達成されるにはそれだけじゃなくて、なにか違う、こう…自分の手に負えない大きな力が働くように、待たなければいけないというのは、本当によく感じました。それで作品が変わってきたかな。

その結果からキャンバスを切ったりが始まったということですか?
-そうですね。具体的に因果関係みたいなのは言葉に出来ていないのですけど、最初は組み合わせることからはじめて、それこそある種の装飾のようにキャンバスを埋めるみたいな行為を、色んな素材で。

素材にもバリエーションがあるようで、それでいて共通項があるようですが。

そうですね、その素材も、一応は自然に近いものを選んでいます。木とか陶器とか、あとはガラスですね、ステンドガラス。そういうものが混ざった状態というか、それはいつもいいわけじゃなくて、全然よくないなと思うこともあるんですけど、その組み合わせをしながら自分で待っているということをしていて。キャンバスを切るようになったのはそれからなんですけど。

それは、その混ざった状態に対しての対処法として?

-描いてて待てなくなるというか。どうしようもない、飽和した状態に絵を描いているとなることがあって。で、それをどうにか大きくひっくり返すようなことがしたい…というか、ひっくり返したい欲求を持つときにキャンバスを切るんですけど…。
でも、切るとめちゃくちゃ驚くんですよ、自分でも。自分で切ってるのに(笑)。あ、切っちゃったって。
それでも切ると強いというか、戻れない感じがして。一気に世界が変わってしまったような、それこそ天変地異が起こったなと思うんです。そうした一つの状況が壊れちゃうような、本当に丸きり変わってしまうようなことがあるけれど、でもそれが大きなきっかけになるというか。ゼロになるわけではなくて、こう…、ある形のあったものが壊れて現状回復されつつも違う要素が組み込まれていくし、それによって絵の中の組み換えが活性化してくる。でも、その天変地異的な状況を何とかしていく中で立ち現れてくる絵画というのが、もちろんそれは自分が求めているものだけれど、でも自分が求めている以上に美しかったりする。で、その状態自体が、私はすごくこの世界そのものに似ているなと思うところがあって。世界というのも色んな規模があって、すごく大きなところでいうと宇宙構造に似ていてと思うこともあれば、その問題を縮小して、いまこうして話している対人関係にも世界というものはあるなと。その関係とか在り方っていうのを、私は絵を描く時に分かっていきたいと思う。

コラージュに話が戻しますが、こうした重層性を持たせるのは、意識して?
-制作中は意識しないんですけど、確かに私の作品はすごく重なっている、層になっていることが多いし、描いた結果を見てみると「あ、大事なんだな」と思うことは多いですね。というのも、キャンバスって絵を描く前に見ると、白くて壁みたいに見えるんですよ。何か幕というか、何かが隠してある幕のようにも見える。で、その描く時になにを求めているのかというと、多分、私の中ではキャンバスの奥に何かがあるんじゃないかと。
…描く時に触ることがあるんですけど、キャンバスを。白いし何もないし、でもその奥にその何かがあって、何かに繋がるかもしれないと感じる。その奥側に行きたいんだけれども、でもキャンバスっていう壁がすごく厚くて。 そこに行くためのアプローチを続けていくんですけど、そういう時に奥行きっていう構造はすごく重要で。
画家という位置と、キャンバスという位置と、その向こう側という位置に向けていくつもの層を体感しながら、その向こう側に手を届かせたいというか、向こう側を見たい。 だから、ちょっと掘り進めている感じに近い。このキャンバス材を突き破って向こう側に到達したいと思うので、だから結果として重層的にならざるを得ないところはあるかな。

掘りすすめる/重層化させるにあたって、自然に近い素材を選ぶのが重要?
-単純に素材との相性もあるんですけど、石とか土にすごい興味があって。…凄く抽象的な言い方ですけど、石とか土のどうにもならない感じというか、どうにもならないけれど、石とかは時間が経っても変わらないようでありながら磨くと姿形を変える、石が石を産むっていうこともあるし、その沢山の可能性というか、意味というか、石にしても木にしても、それぞれが秘めている力がある気がして想像力が膨らみやすいなと。
ガラスについて言えば、使うようになったのも教会を見に行っていた影響なんですけれど、 ステンドグラスってキャンバスみたいに壁に設置されていて、空に向かって立っていて、ステンドグラスの奥側からくる光によって照らされて色彩がこちら側にやってくるっていう、それに何とも言えない情動が湧き上がる仕組みがあるなって思って。
かつ壁画の人に聞いたんですけど、ステンドグラスを切るのってシスターの修行にもなっているらしくて、何かの霊性を秘めながら切ったり貼ったりしていくっていう成り立ちも気になるところで。その機能もそうだし、その背景自体にも意味がある気がして、私の中では特別な素材ですね。

例えば《柔軟なコスモス》等はどこか風景画にも感じられるのですが、そこに先程のたどり着きたいとおっしゃっていた『キャンバスの向こう側』を想定することは可能ですか?
-正直、まだ私の言葉ではうまく表現できていなくて。何か凄く…、タッチしたいんだけど何かは分からなくて、明確に私の言葉では言えなくて、便宜上ギャラリーの方から『形而上的なもの』と形容してもらったんですけど、私の中ではまだしっくり来ていなくて
でも風景というのはひとつ、的を得ていて…、個展タイトルが「・/♯ La la la la la la la la la la………. Do do do do do… Ah ah ah..」なんですけど、あれを横から見ると田んぼと地平線と月みたいに見えないかあと思っているんですけど(笑)
私のアトリエの裏に田んぼがあって、よく行き詰ったときに散歩をするんですけど、それがけっこう広い田んぼなので、しかも背の高い建物がないので空がよくパーンと見えて、向こう側の空と地平のラインも見えて、その上に月があってというときに、その田んぼにいながら月を見上げるというのが、キャンバスのこちら側にいながら向こう側に向けて絵を描く感覚と似ているなと思って。ある種その世界観、風景感、その田んぼと地平と月っていう風景感自体が、絵の構造と似ていると考えています。それが何を示すことが出来るのか、これからより考えを深めていきたいです。

インタビューは以上になります。今日はお時間を頂きありがとうございました。
-ありがとうございました。

佐々木成美 Narumi SASAKI
1990年広島県出身。 2014年東京藝術大学美術学部絵画科油画卒業。 2016年ナント芸術大学(フランス) 留学。2018年東京藝術大学美術研究科油画専攻大学院修了。
主な個展 2014年“wonder world 佐々木成美個展” / トーキョーワンダーサイト渋谷。2014年“佐々木成美 個展” / 東京都庁。
主なグループ展 2018年 “アートアワード丸の内2018” / 丸の内行幸地下ギャラリー 2018年。“藝大アンダーグラウンド” / Echika Ikebukuro Gallery 。2014年 “東大宮ヤングアーティスト” / 東大宮コミュニティーセンター。 2014年“小林正人×大庭大介 研究室交流展” / 京都造形大学 2013年。
主な受賞歴 2018年アートアワード丸の内。2018年高橋明也賞。2018年メトロ文化財団賞。2013年トーキョーワンダーウォール賞。2013年上野芸友賞。
主なスカラシップ 2017年神山財団芸術プログラム。 2017年広島スカラシップ。 2017年 ジャッソ学生交換留学支援機構

佐々木成美
「・/♯ La la la la la la la la la la……….  Do do do do do… Ah ah ah..」

会期 2019年10月4日 – 11月2日
会場 東京都 渋谷区 鶯谷町 12-6
LOKO GALLERY
時間 11:00 – 19:00
閉廊日 日/月/祝
アクセス 東急東横線代官山駅正面口徒歩6分
URL http://lokogallery.com/

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

Most Popular

You Might Like

deTaka|無常の世に光る人生表現、鮮烈と洗練。

現役の歯科医であるdeTakaは、ある日、デヴィット・ボウイの死が報じられた日のこと、不意に、唐突に、作家として出発を決意したという。友人親族の葬儀が続いた頃のだった。 作家としては京都芸術大学を2018年に卒業し、2019年にはニューヨークjadite galleryにてグループ展にも参加している。人生の儚さと無常さの悟りから、後世に残る表現を志す彼は、敬愛するデクーニングやピカソ、マティス、セシリーブラウンの影響下、荒々しいタッチに色合いとマチエールの味わい深さが共存した、力強く大胆な作品を手掛ける。 アクリル画を主たる表現の舞台とするdeTakaの懐は深く、mixed mediaやデジタルでの表現においても個性が光る。ジャクソンポロックのように床置きで描き、シリーズとして「東洋の詫び寂び」対「西洋のポップさ」を展開する背景には、学生時代の英ロックの影響に、有限たる人生への畏敬、または歯科用具も制作に使用する柔軟性と、彼ならではの人生経験がある。今後ますます、かのミュージシャンの如く洗練と鮮烈を観る者に届けることであろう。 アーティスト詳細はこちらから

「西洋の外見と東洋の内面を併せ持つ」START ARTIST vol.1 ~ Zeng Chao

TRiCERA発のオークションイベント「START」第一弾の出展作家の"なぜSTARTに出展したか"を主軸にしたインタビュー、ならびに新作の紹介を行います。 オークションイベント「START」とは 2021年2月に行われた「START」。アートに携わる様々な人たちを「セレクター」としてゲストに招き、それぞれの視点からアーティストを選び、そしてその魅力を伝える言葉と共に、その作品をオークション形式で販売いたしました。「アートをこれから始める」という方にも分かりやすい設計を行い、またオークションがはじめての方、オンラインではじめてアートを買う方など、様々なひとたちの「スタート」になるような企画となっております。 作家紹介 曾超 (Zeng Chao) 1985年、中国、湖南省生まれ。 東京造形大学大学院 造形研究科 博士後期課程 造形専攻 美術研究領域修了。 「START」に参加したきっかけ 私がモチーフとして描いている「仮山石(かざんせき)」は中国で伝統的に使われている"庭石"です。そういった古来からある中国のスタイルを現代の技法を用いて表現し、過去と現代を混在させた作品になります。新しくアートに興味を持たれる人に、こういった新旧が折り重なるコンセプトの作品をお見せできればと思い参加いたしました。 「START」では著名人からセレクトされた作品が出展されましたが、TRiCERA ARTの発足当時から親しくさせていただいているTRiCERA社代表の井口さんに選出していただきました。 「START」に出典した作品について 作品名:KS191004 サイズ:53 × 53cm 技法:キャンバスに油彩 作品のタイトルには「仮山石」のK、「皴法(しゅんぽう)」のSという二つのキーワードで構成されている。 「皴法」とは、墨のタッチにより山や岩の質感を表しており、筆を滑らかに滑らせることによって描く山水画における技法である。 「仮山石」は、中国、江蘇省で見られる、自然の力によって複雑な形の凹凸や様々な穴がついた岩のことである。 START展に出典した「KS191004」は、「KS」シリーズの作品であり、モチーフは「仮山石」という庭石であり、中国の庭園造形の歴史を象徴するものある。 このシリーズはスノーボードをイメージして、「仮山石」を筆を滑らせて執筆しており、KS191004は背景との明暗を強調して、世界の万物は気から生じるという中国の伝統的な考え方を文字通り表現した作品となっている。 既存作品の紹介 作品名:Self Portrait 3 作品サイズ:530 × 460 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 360,000円 購入はこちらから 現在の中国の思想はヨーロッパからの影響が強く、外見は西洋に様変わりしてきている。しかし、中国の本来のアイデンティティは精神性であり、内面には強い気の力を秘めている。 今回紹介する「Self Portrait 3」という作品にはそんな彼の意図が込められている。 顔になっているのが、「仮山石」という曾超の作品の代名詞とも言えるモチーフを作品にしたものであり、中国のアイデンティティを表している。 この作品の人物像はスーツと赤色のネクタイを身につけているが、スーツは西洋の文化、赤いのネクタイは社会主義を象徴しており、伝統と現代、東洋と西洋の組み合わせに社会主義が入り混じった正に現在の中国そのものを表現している。   作品名:KS191025 作品サイズ:1940 × 1940 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 1,250,000円 購入はこちらから 今日の中国においては、都市化が進み、以前には見られなかったような経済とテクノロジーの価値を中 心とした街の風景があふれている。それでも今なお伝統的な「仮山石」が都市の中の庭園にたたずんでいる。 現実の仮山石の形を単に再現するのではなく「気刀」や「気筆」による様々な筆致を強調し、そこに制作者としての独特な感性を追求するものである。それによって画面上での筆法によって生み出された形象の中に「気」の生成の現象を重ね、「皴法(しゅんぽう)」と「気韻(きいん)」と自己の制作の複合的な関わり合いを実現することを目指したものである。   作品名:KK130925 作品サイズ:910 × 910 mm 技法:キャンパスに油彩   作品価格 320,000円 購入はこちらから 仮山石の「形似」(現実対象物のリアルな再現)だけを追求するために行われるのではない。「気韻」という概念と自己の制作において見出される表現上の現代的な観念の関わり合いを通して、「気韻」...

ミッドセンチュリーな部屋をつくる、6つのアート作品

1.ミッドセンチュリーとは何か 直接的に訳すと「世紀の半ば」という意味があります。ミッドセンチュリーな部屋とは、1950~1960年代の欧米をイメージしたインテリアのことです。昔から愛されているテーマであり、レトロやノスタルジックのような印象を与えます。モダンさも兼ね備えており、ヴィンテージなインテリアや、当時はそれまでに無かった「新しい素材」として人気だったプラスチックなどの椅子を部屋に取り入れることが多いです。 2.ミッドセンチュリーはアートが不可欠 ミッドセンチュリーな部屋では、壁を飾ることが必要不可欠です。シンプルなデザインや幾何学模様、パブリックパネル、ノスタルジックな印象を与えてくれるアート作品との相性がとても良いという特徴があります。アート作品を飾るうえでレトロな雰囲気を演出するために「木製の額に入れる」という裏技もあります。複数個購入して並べて飾りたいという場合は、同じテイストの作品で統一感を出すのがオススメです。 3.ミッドセンチュリーな部屋をつくる6つのアート作品 3-1.「Space Cloud - 8th Planet」 夕焼けの空でしょうか、もうすぐ夜になってしまう空の移り変わりの色彩が美しく、非常にノスタルジックな雰囲気にさせてくれるアート作品です。自然というモチーフなこともあり、空を覆っている雲のオレンジ色はビンテージさ溢れる木のインテリアによく馴染みます。デジタルプリントによる作品のため、雲などのディテールが細かく映されており、シンプルな部屋の中でも埋もれず目を惹く存在感になります。 3-2.「Lover」 全体的にはベタ塗りでシンプルな構成ですが、顔料を用いており、女性が着ているスカートや隣の植物のような模様の部分が、複雑なモザイク模様になっている面白い作品です。背景にグランジテクスチャのようなかすれた表現があるため、真新しさを感じさせず、レトロな雰囲気にピッタリです。ミッドセンチュリーな空間では、ポスターのようなシンプルなデザインとの親和性が高いため、部屋に導入しても違和感を感じさせません。女性が両目を閉じて凛と立っている様子や落ち着いた配色からは、大人っぽいモダンなテイストも感じ取れます。 3-3.A.I. 美しい幾何学模様が画面いっぱいに描かれているのが特徴的なアート作品です。幾何学模様はシンプルですが、簡単にモダンな空間を演出してくれます。全体的に緑色で描かれており、木のインテリアや、濃いブラウンが多くなりがちなミッドセンチュリーな部屋とも相性が良いです。緑色を微妙に変化させており、その効果でキラキラしているように見えるアクリルの表現もミッドセンチュリーの1つの要素である「新しい素材」の印象を与えます。部屋に存在している質感を偏らせないことで、部屋のインテリアのクオリティも上がります。 3-4.「肖像画3号」 肖像画ですが民族的な独特のタッチで描かれており、マチエールと呼ばれる絵の具の盛り上げを利用した技法が用いられています。民族的な要素は温かく、ヴィンテージな印象を与えやすいため、ミッドセンチュリーの空間をつくるのによく用いられています。顔が大きく描かれたアート作品は部屋に導入するのが難しい一面がありますが、この作品では遠くを見つめた柔らかい表情で描かれているので、威圧感を与えません。それでも気になるという場合は、周りに小さい作品を飾ることで顔の印象を下げることができます。 3-5.「New York City」 ニューヨークのビルを直線を上手く用いながらデザイン的に描いており、ビルをグレーなどの決まりきった色で表すのではなく、カラフルな色を使って表現しているところが珍しい作品です。線だけで見ると幾何学模様のように見えますが、ビルには月や空、向かいにある建物などが反射して写っている様子がユニークに描かれています。欧米であるニューヨークの街並みと、シンプルなデザインのアート作品はミッドセンチュリーとの相性が非常に良いです。 3-6.「Festival 3」 画面いっぱいの鮮やかな赤と黄色がインパクトを与えているアート作品です。「様々な生命のかけらが世界を構成している様子」を描いたという、作者であるHANHYONIのパワフルな感性が発揮されています。部屋を落ち着いたダークトーンで統一することが多いミッドセンチュリー。そこに差し色としてパワフルで鮮やかな印象を与えるアート作品を飾ることで視点を集め、部屋の印象を明るく変えてくれます。2つで1セットの作品になっているため、並べてみたりあえてアシンメトリーにしてみるなど、飾り方も楽しめるでしょう。 おわりに ミッドセンチュリーな部屋は一見難しそうに思えるかもしれませんが、アート作品を壁に飾ることで簡単につくることができます。モダンさも兼ね備えており、性別を問わず長く愛されているテーマです。是非、ヴィンテージ感溢れる温かい空間にアート作品を取り入れてみてください。

3分で学ぶAniko Henczの魅力

必見アーティストの魅力をギュッと3分でお届け   絵の具でのどかな町や風景を描き出す現代アーティスト 「 Aniko Hencz 」の魅力をクイックにお届け。   現在TRiCERA ARTでは、世界126カ国以上から、4,000人を超えるアーティストと約52,000点のアート作品を掲載中です。その中から、今見逃せないアーティストをキュレーターがご紹介いたします。     作家の特徴 架空の村をキャンバスに描くハンガリー人アーティスト ハンガリー・ブダペストを拠点に活躍 主な使用色:ブルー、グリーン、イエロー 自然や田舎の風景、都市の建物の複雑なアングルからインスピレーションを受ける       Quiet Village W 30.00cm x H 40.00cm x D 1.50cm #絵画 #アクリル画 ¥41,400 +税 (税込¥45,540) 作品を見る   作品のユニークさ   キュビズムの影響を受けた半抽象的な風景画 架空の家、抽象的な木々や茂みが共存し、 互いの美しさを際立たせています。 落ち着いた暖色系の色彩、シンプルかつ大胆な筆致。   Living at the ocean W 50.00cm x H 40.00cm x D...

QUICK INSIGHT Vol.13 Norris Yimの描く人間社会の苦痛と美しさの共存

現在に生きる人間の複雑な内面を表象するような抽象的なポートレートを描くNorris Yim。現代社会のディストピア的な側面に寄り添いながら制作を続ける作家が見つめる現代を生きる人々の苦悩と美しさとは。  制作を始めたきっかけはなんでしょうか。 自己忍耐のための修練の一つとして、大学の環境・インテリアデザインコースの1年に在籍していた時に絵を描き始めました。在学中に学習と研究を通して、視野が広がっていくことで、いろんな絵画を描き、自身のスタイルを研究しました。そして、何かが人生よりも長く残るようにと、残りの人生でも絵を描き続けることを決意しました。 現在の制作のテーマについて教えてください。 資本主義と偽善的な生活に迎合する上で、人々は生きていくための本来の外見を捨て、新しい顔が古い顔に取って代わるようになったような状態だと思います。たとえ厚化粧をしても、偽善と生への恐れから、そうした新しい自分でさえも、さらに新しい自分になるために忘れてしまうのです、こうした感覚をもとに、社会の哀れさや悲しさを表現する抽象的なポートレートのシリーズを生み出しました。 それらの抽象的な顔料は、作品の基礎を形成する私のダークサイドな部分と気分を表しています。 《Destruction of Dark Chaotic》2021 W 60 x H 60 x D 1.6 cm 作品販売ページはこちら 3. 影響を受けたもの、自身にとってターニングポイントになっていると思うものはなんでしょうか。 私のターニングポイントはウィレム・デ・クーニングの作品や技法に出会ったことです。 巨匠のドキュメンタリーを研究しているうちに、ウィレム・デ・クーニングの作品に出会いました。彼の絵画技術から「力強さ」「軽率さ」「自由」を学びました。 私は、それらを意図的にやるのではなく、自由な方法で抽象的なことをしてみたいと思っています。その結果として、絵を描く過程で私は下書きなしで絵を描くようにしていますし、描くことができます。 《Nameless 3321》(2021) W 70 x H 90 x D 1.8 cm 作品販売ページはこちら 人物の抽象化にはどういった意味があるのでしょうか。またどういったプロセスで抽象化を行いますか? カラーパレットは、美しさと痛みの間のアイロニーを示しています。つまり、私たちが抱える痛みとストレスを意味します。 記憶喪失、混乱、アンバランスな生活。見ているのに見えないとき。想像力のない思考、魂のない生活。マルチタスクになればなるほど、特に顔や内面の記憶においては、輪郭がはっきりしていても、細部がはっきりしなくなります。この絵は、忘れていく過程や手の届かないところにある思考を表しています。 "目の前に顔があるのに、それが何なのかピンとこない" そう言った感覚を表現しています。 抽象化のプロセスについて、最初は、その場で選んだ色を流し込み、パレットナイフでテクスチャーを作るのが好きです。この工程における、遊び心や自由さは私に満足感をもたらします。その後は、ミキシングパレットを使ってテクスチャーを重ね、ポートレートの奥深さを表現していきます。 最終的にケーキチューブを使って独特のテクスチャーを作り、耳や首などの細部のシャープさを強調していきます。 《Nameless -...

Don't Miss

世界の景色をあなたに

世界の景色をあなたに   家の中でも旅行ができるということをご存知でしたか?コロナで外に出ることが難しくなっても、風景や街模様を描き続ける人々の手が止むことはありません。 彼らの目を通して、私たちは世界中どこにでも行くことができるのです。                 Half Moon Run - Winter Solstice Slumber by Marie Delany W 64 x H 55.5 x D 2 cm キャンバスにアクリル JPY ¥52,000 +税 Australia 見ているととても心が落ち着く作品。海のさざなみの音が聞こえて、雲の流れる様子が想像できるような臨場感がある。Marie Delanyはオーストラリアの作家。金と青のアクリル絵の具で生命感と静けさを表現した作品を制作している。         MARMARIS MARINE ON SUNSET by Dina Aseeva W...

Joi Murugavell – 喜びの迷路

オーストラリア出身のアーティスト、Joi Murugavellは、大胆で楽しく、ユニークなキャラクターがいっぱいのカラフルな作品を制作しています。オークランド工科大学でアートとデザインの修士号を取得し、アーティストとしての道を歩み始めました。 2009年に初個展を開催した後、世界各地の展覧会に積極的に参加しています。最近では、国際的に有名な現代アートフェア「アフォーダブル・アートフェア」や、日本最大級のオークションハウスである「シンワ・オークション」にも参加しています。オセアニア地域のみならず、ヨーロッパ、アジア、アメリカでも作品を発表しています。 彼女のアートは抽象的で、明るく、噛みつき、ユーモラスなものが多く、個性的なキャラクターがキャンバスの上で踊っています。彼女のキャラクターは、ただ楽しくて楽しい気分にさせてくれるだけではありません。それぞれのキャラクターは、人間の経験と流動する魂の美しさと痛みを捉えています。             See More Of Joi Murugavell's Artwork

3分で学ぶKazunori Fujiの魅力

必見アーティストの魅力をギュッと3分でお届け 情報社会における仮想と現実を問う現代アーティスト「 Kazunori Fuji 」の魅力をクイックにお届け。 現在TRiCERA ARTでは、世界126カ国以上から、4,000人を超えるアーティストと約52,000点のアート作品を掲載中です。その中から、今見逃せないアーティストをキュレーターがご紹介いたします。   作家の特徴 時代性に左右されない、普遍的なものとは何か 情報化された現代社会を構成する「言葉」や「イメージ」からインスピレーションを得ている 物理的な世界に対して劣化することのないデジタルの存在について考察 情報が循環する世界を現代の風景として捉え風景画を制作している         空ろの間 #47 / Empty Space #47 W 22.70cm x H 22.70cm x D 2.00cm #絵画 #油絵 ¥30,000 +税 (税込¥33,000)   作品を見る   作品のユニークさ 循環していく世界 何層にも混ざり合った雨雲と蜃気楼のように広がる水面 時代背景を映し出している どこか俯瞰するような視点で描かれた静けさ   空ろの間 #22 / Empty Space #22 W 45.50cm...

デジタルはリアルの対義語か?平田尚也が目指す新しい彫刻の「場所」をめぐって。

ネット上から収集した素材を、仮想空間上にアッサンブラージュして制作される平田尚也の作品は、彼曰く「彫刻」として成立している。「あくまでもトラディショナルな彫刻をやっている」という彼の、厚さも重さもない、空間上に固定されることが存在要件でもあった彫刻をアップデートするその方法論や作品について話してもらった。 平田さんは仮想空間における彫刻作品を制作していますね。厚みや重さの無い、従来の空間的な尺度が無い彫刻作品です。ご自身の活動は、あくまで「彫刻家」という認識なんですよね。 -意識的なことで言えば、自分のことは彫刻家であり美術家と呼んでいます。主眼を置いているのは”形”を追求し彫刻史の現代的な見解を考察することです。実際にやっていることは、少なくとも私の中では、これまで彫刻をやって来た人たちと変わらないと思っています。形はつくっているけれど、でもそのアプローチが仮想空間の世界であるという点しか違いがない。 預言者 33 × 27.5cm 彫刻というと物質や空間の制限を受けるジャンルと連想しますが、そのフィルターは邪魔にならなかったのですか? -現在のスタイルのように映像でアウトプットする理由は、正直、最初は定まっていなかった。定まっていない時は、大方いつも情報量の不足から来る。色々と本を読んだり、あとは教わった先生が「彫刻とは時間と空間を伴うもの」と仰っていて。その時間化と空間化を彫刻の要素とするならば、私のやっていることは彫刻の条件を満たしているなと。現在の作品のアウトプットは映像や平面としてやっているのですが、その映像という出力の仕方が、自身の彫刻表現を考える時には合っていると思いますね。 ですが、その仮想空間における彫刻というアイディアはどこから出たんでしょうか。 -デジタルでやり始めたのは、だいたい学部4年ごろから。当時のちょっとグレた先輩が3DCGソフトで遊んでいるのを見かけ、すぐさま「これだ」と思いました。当時の自分が抱えていたものを解決できると思ったし、何よりこれは彫刻がつくれると直感しました。 でも、実はそれに先行して実写映像でやっていた時期があるんですよ。通っていた学校では3年生になると自由な制作期間が与えられるんですが、その時に困ったのが素材の問題で。つまり素材を入手する資金がなかった。彫刻はお金がかかるし、その問題に直面した時、自分が扱いたい素材はほとんど除外されてしまったんです。 DINER 33 × 36.6cm その打開策が、映像だった? -そう、まさに。少しうろ覚えですが、当時影響を受けたマシュー・バーニーが自分の映像作品を彫刻と呼んでいて「なるほど」と。つまり彫刻性さえ保てればアウトプットに制限することはなかったんです。それで試してはみたんですが、しかしクオリティが低かった。失望しましたね、自分に。同時にこれではダメだと思った。もともと海外のアーティストに憧れていたし、自分もそのレベルの作品をつくっていきたかったので。そうこうしている中で出会ったのが件の3DCGソフトだったので、まさに「これだ」でしたね。 平田さんの作品はオンライン上から素材集め、つまりデジタルな既製品をコラージュ的に構成使用して制作されますね。その点は、ご自身の何の意図と結びついていますか。 -意図というより、最初は方法の問題だったんですよ。自分としては従来の彫刻家とやっていることは変わらないつもりでいますが、でもデジタルで彫刻を制作すると、あくまで見え方や見せ方の話ですが、既存の映画やゲームとの線引きが難しくなってくる。つまり、どうやって現代アートの文脈上で作品を成立させていくかが課題でした。 Ouija #2 (The Grantham Tomb) 118.9 × W 84.1cm しかも彫刻作品として。 -そう、その方法が既製品を寄せ集める、つまりアッサンブラージュだった。実際の場合、使用した素材は物質として元の場所からなくなってしまうけれど、でもデジタルの場合は基本コピーだから無くならない。使用した素材が、この世界のどこかでは残っている。それが面白い。私の作品は、つまり世界のどこかで、いつ誰が作成したのか分からないものの寄せ集めなんですよ。ある意味で、それは現代の情報の結晶のように思えるんです。そこに気がついてからはコンテキストの構築は難しくなくなりましたね。 平田さんがデジタルにリアリティを感じられるのは世代的に、ネットの成長が並走的だったこともあるでしょうか。 -確かに私にとっては石とか木材の方が距離があるかもしれない。自分自身を含めて私の世代は、ネットと同時に育ってきた。ある時代の人たちにとっては自然や都市がそうであったように。生まれた頃からテレビゲームがあるし、インターネットがあって、オンラインの世界が構築されている世代だった。だからバーチャルには親しみが持てるし、それは並列的な存在として扱える。鉄や石と同じ列で見ることが出来る素材なんです。 Ouija #5 (Penelope) 118.9 × 84.1cm その素材が存在する場所が、つまり鉄などとは違うだけで。 -まさにその通り。私が扱う素材は、木材などとは違う場所、違う次元に存在している。情報として世界中のネットという場所に所在している。その点だけなんです。作品へのアプローチやそれ自体の成り立ちは、あくまで伝統に沿っているつもりですが、でも仮想空間やその他デジタルな用語や方法はけっこう時事的だし、そこだけ切り取られてしまう傾向にはありますけど。 実際の空間と仮想空間では、存在する情報が違いますよね。重さや手触りなどがそうですが、その点から見た場合の平田さんの彫刻作品のアップデートはどこにありますか。 -アップデートかどうかはともかく、私の作品には厚みが全くない。私の彫刻は内側が虚無なんですよ。これは今までにはあり得なかったこと。厚みを伴わない彫刻なんて無かった。その分というか、彫刻にとって重要なポイントである表面性にフォーカスする必要もありますが、存在の仕方として新しい局面に立つことは出来ると思うし、そうしたいと思いますね。私の作品の本体は仮想空間にあって、展示されているアウトプットされた平面や映像はそのアバターであり、プラトン的に言えばイデアの投影。複数要素を抑えた上で、形をつくる人として何が追求できるかが、つまり今後の課題になるでしょうね。 アーティストページはこちらから:https://www.tricera.net/artist/8100587

Feature Post

3分で学ぶ丁子紅子の魅力

必見アーティストの魅力をギュッと3分でお届け 今回は、日本画の現代作家「 丁子紅子 」の魅力をクイックにお届け。 現在TRiCERA ARTでは、世界126カ国以上から、4,000人を超えるアーティストと約52,000点のアート作品を掲載中です。その中から、今見逃せないアーティストをキュレーターがご紹介いたします。 作家の特徴 侘び寂びに通じる洗練された画面構成 絵を描く為にジュエリー会社から独立 日本画を通じて女性の心を描く まるで写真の様に心情が変化する瞬間を重視   作品を見る 作品のユニークさ 侘び寂びに通じる洗練された画面構成 天然の岩絵具など日本画ならではの素材を使用 映画のワンシーンを切り取る様な作風 要素を出来るだけ削ぎ落としたシンプルな構成 作品を見る キュレーターコメント 映画のワンシーンを切り取る様な作風 作家の感性が常にアップデートされる作品群 客観性を帯びた絵画手法 宝飾品のデザインから学んだ魅せる力を持つ 作品を見る アーティスト経歴 1991年 埼玉県大宮出身 現在現代童画会 委員 大宮光陵高等学校美術科卒業 女子美術大学絵画学科日本画専攻卒業 受賞歴 第36回 現代童画展 奨励賞 第37回 現代童画展 入選(賞候補) 第38回 現代童画展 現代童画会賞(会友推挙) 第五回 Next Art展 入選 第39回 現代童画展 上野の森美術館賞...

IKU→ 個展|「エゴサーチの定理 = ?」を開催

この度、TRiCERA MUSEUMでは、2021年8月28日(土)〜9月11日(土)の会期にて、アーティストIKU→の個展「エゴサーチの定理 = ?」を開催いたします。 IKU→(イク)はファッションを主軸に活動をする一方、より自由な表現を求め絵画制作に没頭、その後渡米しNYを中心に本格的な作家活動を始め、帰国後はKhayah(ヘブライ語で生きる、希望の意)名義での活動を行ってきました。2019年に渋谷で開催された「INVISIBLE ART IN PUBLIC」ではキービジュアルを担当するなど、精力的に活動を行い、近年ますます注目が集まる作家のひとりです。 大胆な筆致で自他の顔を表現し続けてきた彼女は、作品制作のメインモチーフである「顔」を、人間が所有するひとつの「臓器」であると語ります。 刻一刻と変化する「顔」の捉え難さ、認識不可能性とともに、生命を可能にするその野生的な存在感と真実性の探求のプロセスが表現された彼女の作品は、見るものを強く引きつけ、深い感情の渦へと誘います。 彼女の代名詞ともなる「顔」は、日々の心情や実体験から着想を受けながら、 彼女の考える、死生(エロス・タナトス)、他者または自己との関係性、顔という存在の在処などについて考察しているものであります。 今展で主題となる<エゴサーチ>は、現代においての「自己確定の危うさ」を示唆しており、「顔」という機能の不全化に対し更に切り込んでいきます。 「人間や生物がもし一つであったならば、「顔」を意識することはない。また、一つだったら愛も今無い形があるだろう」(作家コメントより抜粋) アーティスト『IKU→』として活動後、同氏国内初となる本個展では、平面作品とならび半立やインスタレーションなど実験的な表現領域を取り入れた新作20数点を展示いたします。 是非この機会にご高覧頂ければ幸いです。 ■ 展覧会情報 IKU→ 個展|「エゴサーチの定理 = ?」 ■会場 TRiCERA MUSEUM (MAP) 〒108-0074 東京都港区高輪3-22-5 SDS高輪ビル 2F ギャラリースペース 新幹線・JR線・京急線 品川駅(高輪口)より徒歩6分 ■ 開催⽇時 2021年8月28日(土) – 9月11日(土) ※28日はレセプションのみ(一般入場不可) ※28日、29日は作家在廊あり ■ レセプション 2021年8月28日(土) 完全招待制 ■ 営業時間 月〜日 11:00-19:00 ※日のみ15:00まで 【ご来場の際の諸注意】  新型コロナウイルス感染拡大予防のため、ご来廊の際には以下の点にご協力ください。 ・マスクの着用と、入口設置の消毒用除菌スプレーにて手指の消毒をされてから会場にお入りください。 ・他の方と十分な距離をとってご鑑賞ください。 ・混雑(複数名が同時に展示スペースにいる場合等)が発生した場合は、お待ち頂くこともございますのでご了承ください。 ギャラリーでは、十分な換気、スペースの清掃、スタッフの健康管理、うがい手洗い消毒、マスクの着用の徹底をいたします。 何卒ご理解とご協力のほど、どうぞ宜しくお願い致します。 ※東京都内の緊急事態の状況等で会期が変更となる場合があります。 (変更の際はメルマガ、SNS等で告知予定) 出展作家 IKU→ (イク) 経歴非公開。 海外での活動期間を経て、現在は金沢を拠点に制作活動をしている。 コンセプト 私は自分と出会いたかった しかし自分であるだけに出会う事が出来ない だけど作品は私の分身である。 私は主に人の顔を描く。 それは唯一自分の身体の中で直接見れない部分だからだ。 また顔は自分、他人のその時の感情で見え方が変わる。 真実の顔はどの瞬間に見えるのか、 果たして顔とは何なのか、、、。 また、私は時間にも興味がある。 一瞬という時も顔では表現出来る。 私の作品のスタイルは毎回変わる。 それは時間と関係する。 今回の紹介の展示はTRiCERAが運営しています。 出品作品や個展詳細についてのお問い合わせは下記までお知らせください。 03-5422-8370 customer_support@tricera.co.jp

アートフェア東京2021に出展します。

この度、株式会社TRiCERAは3月18日から開催されるアートフェア東京2021(以下、AFT2021)にブース出展します。 今回弊社では累計で1億1,500万円の新たな資金調達を実施しましたが、これによりサービスの拡充やサイトデザインの一新の他、私たちのプラットフォームに参加する2400名以上のアーティストをプロモーションするためにアートフェアをはじめとする各イベントに積極的に参加していきます。 来るAFT2021では私たちの「創造力に国境なんてない」というステートメントをリアルの場で体感できるインスタレーションをブースで展開し、またデザインを一新したリニューアルサイトをご紹介致します。この他にも今年の4/1にリリースするより現代美術に特化した完全招待制のECプラットフォームの発表も行う予定です。 アートが好きなひとたちがあらゆる障壁を超えて出会い、繋がることができる世界を目指すTRiCERAのビジョンとその実験/実践を、ぜひともお楽しみ下さい。 フェア概要 会期        : 2021年3月18日-3月21日          (※3月18日は招待者のみ)時間        : 12時-19時          (※最終日は16時まで)会場        : 東京国際フォーラムホールE/ロビーギャラリーチケット  : 4,000円(税込) ...

モノクロには色があるのか?-鉛筆画とドローイングを中心に-

 1560年代、イギリスの北カンパ-ランドのボロ-デール鉱山で良質の黒鉛が発見された。  その黒くなめらかな性質が注目されて、細長く切り、にぎりの部分をヒモで巻いたり、木で挟むなどして筆記具として使われるようになったのが鉛筆である。  その鉛筆によって描かれるのが、鉛筆画であるが、紙と鉛筆さえあれば作品として成立することからその裾野は広い。さらにその性質から必然、似た作品が多くなってしまうが、反面現代のアーティストは有象無象から突出するため独自の表現を模索している。 本記事では、モノクロから織り成される鉛筆アートの最前線をひた走るアーティストを紹介しよう。 土田圭介/Keisuke Tsuchida 作家の詳細はこちらから ファルク・アダン / Farrukh Adnan 作家の詳細はこちらから クニカタ・サユミ / Sayumi Kunikata 作家の詳細はこちらから 永田治子 / Haruko Nagata 作家の詳細はこちらから 柏倉風馬 / Fuma Kashiwagura 作家の詳細はこちらから フジタタカシ / Takashi Fujita 作家の詳細はこちらから

Editor's Choice