日曜日, 5月 29, 2022
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Quick Insight Vol.2 – 浅間明日美 –

浅間明日美は、刺繍という技法を通して自分自身を、世界そのものを理解しようとする。「私は本能的なものと作品の間に立つ、器のようなもの」という浅間にとって、自分が捉えた根源的な感覚をスケッチし、布に縫い付け、その行為を繰り返す刺繍は、一つの祭儀的な意味がある。今回は制作の背景から現在の作風になった経緯について話を聞いた。


浅間さんは刺繍を使った絵画を制作していまね。刺繍はどこで学ばれたんですか?

実はまったくの独学なんです。誰かに習ったわけでもないし、専門的なルールに則っているわけでもない。自分なりの方法を模索し、見つけながらやっています。ただ独学なので、自分なりのルールはありますけど、でも知識として体系化はしていない。だからたまにワークショップを依頼されることもあるんですけど、教えることが出来ないんです

刺繍を始めたきっかけはなんだったんでしょうか?

元々はイラストレーターとして活動していたんですけど、 刺繍へ移ったのは、子供の病気がきっかけです。看病のために活動をお休みしていたのですが、でも制作はしたかったし、表現もしたかった。だけどペインティングの時間と場所を捻出することは難しかったんですね。どうにか生活に地続な方法で制作が出来ないか、と考えました。そしてたどり着いたのが刺繍だったんです。針と糸だけあれば、極端な話、台所でも出来てしまいますから。  

本歌取りシリーズ-バッカス-

33 × 33cm, 刺繍・布・パネル

 

刺繍を続けている点はどこにあるんでしょうか?

一番は性に合っているからだと思います。刺繍は、それこそ同じ行為の繰り返しなんですね。同じような手の動かし方を繰り返していく。その反復よって自分のエゴを離れるというか、ある意味、瞑想に近い感覚があると思っていて。儀式のようなものかも知れませんね。刺繍という行為によって真理に近づける気がするんです。


その表現の方法は、表現の中身にも影響を与えていますか?

そう思いますね。私の作品は社会的でも、何か政治的なメッセージがあるわけでもない。コンセプチュアルでもない…と思います。もっと抽象的な、自分自身の存在確認をしている感じです。縫っている時だけ自分を感じる、という身体感覚です。でも、そこにエゴはない。すごくシンプルなレベルでの存在確認なんですね。

冬ガール

25.8 × 31.8cm, 刺繍・布

 

エゴイズムのなさが大事なんですね。

私はどちらかというとインスピレーション型なんですけど、そうなると、頭に降ってきたイメージをどれだけ丹念に、どれだけ丁寧に自分の外に出すことができるかが大事になって来るんです。どれだけ純度が高い状態で作品化できるか。そこが重要なんです。作品のテイストも無垢さのようのなものを重視しているかも知れません。

本歌取りシリーズ-ジュリアーノ-

33 × 33cm, 刺繍・布・パネル

 

 

つまり浅間さんは、インスピレーションと作品の間に立つ存在なんですね。

だからこそ、私自身のエゴとか、好きだとか嫌いだとか、そういうことは前に出したらダメだと思ってます。自我が入ると濁ってしまう。怒っていても、浮かれていてもダメ。評価されたいとか、こう見えるだろうなとか、そういうことを考えてもダメで。作品が濁ってしまう気がするんです。

シュルレアリスムの方法論に「自動筆記」という、描き手のエゴを消すための手法があります。それに近いですね。

私の場合は「インスピレーションがちゃんと形になるように案内する」感じでしょうか。実体のないイメージを、刺繍という方法で実体化させる。反復的行為で、ゆっくり、形を与えていく。そういう時に自分の好みとか、そういうのは入れないですね。自分の頭で考えるよりずっといい作品が出来ますから。「思いつく」→「スケッチ」→「キャンバスに刺繍」といった感じの流れです。

忍者

31.8 × 25.8cm, 刺繍・布

 

最後になりますが、浅間さんにとって制作するとはどういうことを意味するんでしょうか?

インスピレーションと作品の間に立って、精神的なものから物体的なものへと変換される、その流れのお手伝いをする感じです。新鮮なアイディアをいかにそれを丁寧に掬い上げることができるか。そこが勝負です。

昔は「アーティストじゃなくてシャーマンだね」と言われてコンプレックスに感じていましたけど、今は気にならない。むしろアイデンティティになっているのかなと。でも、だからこそ自分の心身には気を使います。具合悪かったり精神的に悪かったりすると、良い作品は出来ない。私自身、いい器になっておくことが大事なんです。

プロフィール

1977年岩手県出身。2000年に駿河大学・法学部卒業。大学卒業後、セツモードセミナー研究科、AIT(アーツ・イニシアティブ・トウキョウ)アーティストコースなどでイラストレーションを学ぶ。2014年より美術家として活動をスタート。主な展示にテラダ倉庫 ART STAND EXIBIHION(2015)、New York Ashok Jain Gallery(2016)、spiral take art collection(2017) 、art formosa台北(2018)など。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年東京都出身。大学でインド哲学を学んだ後出版社に勤務し、アート雑誌と神社専門誌の副編集長として雑誌及び書籍の企画・編集に携わる。2019年にスタートアップ企業である株式会社TRiCERAに参加、日本初の現代アート専門の越境ECの開発及びアーティストのマネジメント、自社オウンドメディアの立ち上げを担当する。特技は速筆で、雑誌時代には1ヶ月で約150ページを1人で取材・執筆した。

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ARTIST CONNECT – ichigomochi → gorioshi_densetsu

TRiCERA ARTにアーティストとして参加された方を紹介しインタビュー後に紹介いただいた別のアーティストを紹介していく企画 ARTIST CONNECTについて 本企画は、最近TRiCERA ARTに参加された方へインタビューを行い、お話の最後に、まだTRiCERA ARTを知らない人から既にTRiCERA ARTに参加されている人も含めて、知っているアーティストを紹介していただく不定期企画。 今回はgorioshi_densetsuさんとお話をさせていただきました。 gorioshi_densetsuさんと作品について教えてください。 「ごりおし伝説」としてアーティスト活動を始めたのは2014年で、当時は学生でした。 もともと感情表現が苦手で、愚痴も言えないタイプだったんですが、口に出すとわがままと思われてしまうようなこと、文字にすると言えないようなことも、絵にすれば自由に表現することができるように感じるんです。 女の子は描いてて楽しいし、かわいいモチーフが好きなので入れやすいです。いつもペンとノートを持ち歩いて、描きたい時に描いています。特に、寝る前とか、自分の中で一悶着あって落ち着いた後とかに、もやもやした気持ちを書きたくなります。 昔は「吐き出したい」気持ちが強かったけど、今は「残しておきたい」という気持ち。 過去の絵を見たりすると、その時の気持ちを思い出すことができるんですよね。 デジタルではなく、アナログで描いています。ボールペンの線の感じが好きです。色がまだらに出るボールペンを使ったりすると、予想ができなくて面白い。あとは、水彩鉛筆や色鉛筆を使ったりします。色は蛍光ピンクが好きです。飽き性で、描いてるうちに色んな色を足したくなって気がついたらカラフルになっています。 gorioshi_densetsuさんの作品一覧はこちら タイトル:だれかの目を通して、初めて自分の輪郭が見えた気がした。  サイズ:6.3 X 18 cm | 作品の詳細はこちら “福音がきこえた気がしたときの絵。少女の瞳が鏡のように反射して覗き込んだものを映し出している。自分では気がつけない自分という存在を改めて確認させてくれるような素敵な作品である。” タイトル:本の森 サイズ:19.3 X 29.7 cm | 作品の詳細はこちら “本の好きなところ、読書する時間について、を描いたもの。カラフルなディテールに作者の思いが文字としても表現されている。異なる状況での描写がまるで迷路のようであり、見るたびに新しい世界を見せてくれる。” 今後挑戦してみたいことはありますか。 最近は、写真の上に描いてみること、動画を作ってみることに挑戦しました。デジタルツールなども活用して新しい表現も試しているところです。あとは、「本の森」のように、一人を中心に描くというよりも、作品の中に物語が散らばっているような作品も積極的に作っていきたいと考えています。 TRiCERA ARTに参加しようと思ったきっかけはなんですか。 TRiCERAについてはいちごもちさんから連絡をもらって初めて知りました。 登録後、固定費用などなく使用できたり、アーティストがアクセスできるマイページがあったりアーティストの人が活動しやすいサービスだと思いました。

東京にあるユニークなアートスペースでIzumi Katoの作品

Izumi Katoの個展「LIKE A ROLLING SNOWBALL」(原美術館) 現在、東京と香港を拠点に活動する世界的に有名な日本人アーティスト、Izumi Katoは、東京・品川の原美術館、群馬県の原美術館アークで個展を開催しています。 原美術館アークがKatoの作品を総合的に紹介 原美術館では、最新作の69点を展示します。の作品を展示しています。原美術館での「LIKE A ROLLING SNOWBALL」展は Katoの東京の美術館での初の大規模な個展となる「現代美術」。また、原美術館での本展のポイントは は、彼の最新のセンスとユニークな展開をキャッチするチャンスと言えます。美術館の雰囲気 最近の作品は、石や布など様々ですが 版画制作。 Katoの作品は、絵画や彫刻による原始的で神秘的な人間模様の描写で知られています。彼の作品はトーテムを想起させます。また、原始的な精霊が、歪んだ顔や体の形として作品に閉じ込められているようにも見えます。Katoの作品をよく見てみると、彼は常に対になることを追求している。Katoの人型彫刻は、常に男女の作品であり、絵画もまた、二つの別々の作品が一つの作品になるような構成になっています。また、石と綿とソフトビニールで作られた彫刻作品についても、頭と体は石とソフトビニールと綿という全く異なる素材で作られていますが、ある意味では軽さと重さという二つの異なる属性を対にしているようにも見えます。様々な意味でのペアの追求は、儀式的なもののように思えます。 当館では、いくつかの特徴的な作品をご紹介します。ギャラリーⅠで展示されている「Untitled」は、布、革、石、アルミなど様々な素材を使った巨大なインスタレーション作品に挑戦しているKatoの最新作。原美術館という場所の特徴に合わせて、他の作品もよく展示されていました。原美術館の庭園には、自然との出会いをテーマにした作品「Untitled」が2点設置されています。庭園に設置された作品は、美術館の中から見えるように設計されている。 原美術館の場所について 原美術館を訪れたら、東京では珍しい異国情緒あふれる独特の雰囲気に癒されるかもしれません。日本最古の現代美術館のひとつである原美術館は、東京・品川区に位置し、椰子の木に囲まれた庭園の中にあります。この建物は、現在の原美術館理事長である原俊夫氏の祖父である原邦三氏の私邸として1938年に建設されました。設計は、東京国立博物館の本館も手がけた著名な建築家・渡辺仁氏が担当しています。 戦後、フィリピン大使館やスリランカ大使館などで使用された後、1979年に美術館となりました。2008年に大規模な改修工事が行われた後、新しい照明システムが設置され、修理が行われました。 日本で最初の現代美術館の一つとして 20th世紀初頭のヨーロッパ建築様式を取り入れた昭和初期の建築物としては数少ない例の一つです。 しかし、約80年の時を経たことによる維持管理の困難さから、財団は2020年12月31日をもって閉館し、原美術館アークがすべての活動の場となることを決定しました。独特の雰囲気を持つ美術館がなくなる前に、Izumi Katoの最新作を鑑賞できる機会に、ぜひ足を運んでみてはいかがでしょうか。 IZUMI KATO – LIKE A...

アートにおける「青」の物語

私たちの目にうつる生活は、とてつもなく鮮やかだ。 ただ、普段の生活の中、色彩に意識的であるのはアーティストやデザイナーくらいではないか。 ここで一旦、色が我々に与える影響を考えてみよう。例えば赤はアドレナリンの分泌を促進し、黄色はリンパ機能に影響を与えるという。真偽のほどはともかく、色彩がもたらす生理的もしくは心理的機能への影響は、例えば広告などで積極的に応用されている。広告の用途にしたがって、つまりその狙いの違いによって色を使い分けるのだ。 ではアートの世界ではどうだろう? 中でも青は特別と言われ、心理学的には「鎮静」を促すとされるこの色は、例えば印象派の作品では青がよく使われていたし、中世では王族を表す色でもあった。かのイブ・クラインも青に魅せられ、自分だけの色「インターナショナル・クライン・ブルー(IKB)」をも作りだした。青は落ち着きの色であり、高貴の色であるのだ。 もちろんアートにとって色彩は無くてはならないガジェットの一つ。明るさや暗さ、豪華さや清らかさ、特定の色はそれぞれに暗喩するイメージがあり、画家が思い描く世界をアプトプットする重要な手段だ。 日南田の作品もまさにそうだろう。クレヨンとアクリル絵の具、ジェッソをベースに塗り重ねる彼女の作品は、壮大なスケールであることが多く、使用される色は青系統が多い。 作品の詳細はこちらから  ロサンゼルス、トリノ、マイアミ、モンテカルロ、パリなど世界を旅しながら作品を発表してきたアーティストユニット Delta N.Aの作品は、現代人が抱える二項対立がメインのテーマだ。明度の低い青の利用は、うっすらと幻想的な色調、そして思考を促すようなゆったりとした時間へ誘ってくれる。 作品の詳細はこちらから  高橋浩規は日本のデリケートな四季を細やかに描き出すアーティストだ。岩絵具の素材としての美しさを出来るだけ活かすように、色彩の透明感や鮮度を保つことに細心の注意を払っている。岩絵具由来の色彩から紡がれる情緒溢れる画面は、どっしりとした深みのある、けれども決して野暮ったくない仕上がりである。  深みのある青で描かれるもっとも日本的なモチーフの一つ、富士山、そして天の川を自宅の椅子に腰をかけてゆっくりじっくりと、時間をかけて眺めてみるのもいいだろう。 作品の詳細はこちらから アートはモチーフや素材、筆致やコンテクストなど無数の構成要素から成る。しかし、生活と密接な作品を選ぶ際には、色を意識してみることだ。

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