金曜日, 1月 28, 2022
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アートと食の甘いマリアージュ − 渡辺おさむの作品に見る

食への愛とは世界に不変の物であろう。

どうやらアメリカでは7月は料理月間であるらしい。様式は違えども料理は芸術であるし、両者とも私たちの生活を豊かにするという点は世界共通の認識だ。

海外では寿司やラーメンしか知られていないが、日本は食の伝統や文化が比類無いほど豊かな国である。また、レストランで見る「食品サンプル」のディスプレイは、よだれが垂れる程のリアルさとその珍発想で人気を博す。

今回は、アートに食べ物(スイーツ)を取り入れた個性的な日本人作家の作品をお届けする。

人前で愛を表現することが敬遠されている日本だが、食への愛については過剰な程に公にされていると見える。海外在住の筆者は、日本の友人らがインスタグラムで食べ物の写真をお披露目しているのを頻繁に見かける。自宅であろうがレストランであろうが関係ない。私としては彼らの胃袋事情には興味がなく、近況を知りたいだけなのだ。残念ながら、今さらフォロー解除はできないし、どうしたものか。

海外で大人気のデート相手を探すTinder系のアプリでも、日本では顔写真の代わりに食べ物の写真が溢れていて、もはやUberEatsのメニューよりも充実している。今日のデートはオムライスさん、明日は焼肉さん、と選ぶのが楽しみなのだろうか。そんな私の戸惑いはさておき、スイーツデコレーションアートのパイオニア、渡辺おさむの紹介に戻るとしよう。

MARIA
20 x 20 x 51cm

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渡辺は自身の作品を「フェイク・クリーム・アート」と呼ぶのだが、確かに例のお菓子づくりで使う、袋から絞られたクリームで出来ているのだから納得だ。ただ、ケーキの上にクリーム製の聖母マリア像を優雅に建立するなんて、誰が想像したろうか。お釈迦様なんて、甘い誘惑を纏いつつも、世俗的な考えに邪魔されることなく涼しげに禅に浸っている。クリームは実際は樹脂で出来ているが、レストランの食品サンプルのように、彼の再現力(美味しそうな偽のキャンディー、果物、カップケーキ)には、抗いがたい魅力がある。筆者もこの記事を書くだけで口がヨダレで溢れそうだ。

Happiness
17.5 x 13 x 24cm

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芸術とパティシエの才能を用いたスイーツアートを通して人々に幸せをもたらすことを使命とする彼曰く、「インスピレーションの源は、パティシエであり製菓学校の教師である母」であるという。印象派の大家であり、仕立て屋の息子でもあったピエール・オーギュスト・ルノワールが服を描くことに長けていた事実を鑑みても、親からの影響には合点がいく。そのルノワールの著名な肖像画「レースの帽子をかぶった少女」を、渡辺が味わい深いオマージュ作品としたのも偶然ではないと思えてくる。味覚では理解できないとしても、視覚で楽しませる料理の達人による逸品であることは疑いの余地がない。

Happiness
47.8 x 41.8 x 7cm

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アジアと西洋文化が融合する土地、日本。歴史的にも日本人は、火縄銃やカメラ、自動車など高品質に改善された製品を産出している。文化や芸術も例外なく融合し変質し輸出してきている。渡辺おさむのユニークなキッチンで、西洋のアートと製菓術が日本の独創性とカワイイムーブメントとの幸せな出会いを果たしたのだ。

Sweet Island
44 x 33 x 4.4cm

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Isaac Ishimatsuhttps://www.tricera.net/
1988年東京生まれ田舎育ちフランス在住。勉学や仕事には秀でるも、型破りな個性派として、生真面目な教師や上司を当惑させる多彩な日本時代を過ごす。極貧の子供時代からの夢である海外生活実現のため、カナダへ渡り貿易会社等で活躍。現在は語学習得と教授、TRiCERA勤務に勤む。陶芸工房での勤務経験、カナダの大学での音楽学習に、写真や芸術等幅広い関心を持ち、時代観察と文化比較の観点から、アートと日常生活の接点を書き出す。

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この記事について・「STRAYM(ストレイム)」は「100円から買えるアート」を提供するアートの分割保有型のサービス・「誰もがアートを買える世界」「アート市場の活性化」「転売時のアーティストへの利益還元」がミッション・広告/証券/テクノロジーのスペシャリストがチームメンバー SMADONA株式会社は「100円から購入できるアート」をコンセプトにしたプラットフォーム「STRAYM(ストレイム)」を2020年の末に正式ローンチすると発表した。  同社は2019年12月、広告などクリエイティブ業界に携わった長崎幹広をCEOとしてサービスをスタートさせた。アーティストのヒロ杉山ほか証券やwebシステム開発のプロフェッショナルなどでメンバー構成される同社の課題感は、主に2つ。・「アート購入者が一部の富裕層に偏っていること」・「日本アート市場の伸び悩み」 そして、そのソリューションとして同社が提案・開発・運営するのが、近年国内外に登場している「アートの分割保有」だ。 では、何が特徴か。 ネームバリューの高い作家/作品となれば悠に100万円を超えるアートは、必然的に、(借金でもしない限りは)その価格に見合う所得のある人々を買い手として流通する。が、そうして一部の人々の間でのみ流通することで評価の担い手もまた寡占的になってしまうことへの懸念が、同社の課題感の一つ。 「STRAYM(ストレイム)」では作品それ自体ではなく、作品に付随するオーナー権を販売対象とし、それを複数人が100円という少額から購入できるシステムを構築する点が特徴。「富裕層」以外の人々も作品購入ができる仕組みによって上記の課題を解決する狙いがある。 「少額から購入できるアート」を増やすことは、必然的に購入者の拡大に、そして市場それ自体の拡大につながる。「STRAYM(ストレイム)」のもう一つの課題である市場活性化へのソリューションだ。 一方、同サービスによって解決を目指すさらなる課題が、転売時におけるアーティストへの還元。アメリカ・中国・スイス・日本など西洋諸国を除く先進国では、現在、オークションなどにおける転売時の作家への利益還元が法的に保障されていない。「STRAYM(ストレイム)」ではサービス内にてこれを仕組み化し、オーナー権のリセールによって発生した利益の数パーセントをアーティストへ還元することで再分配の平等性を図る。転売において疎外されていたアーティストをその当事者にする考えだ。 今後は2020年の正式ローンチを目指し、21年にはサービスのアプリ化と英語他対応、22年には海外拠点の設置をマイルストーンに事業を進め、またオークションハウスと連携した施策も実施していく。「アートの買い方」をゲームチェンジさせる「STRAYM(ストレイム)」の取り組みは、経済を軸にしたアートの関係者図式を、大きく変化させるかもしれない。 参照URL:https://fundinno.com/projects/131

銀座柳画廊: 東京の洋画の道標

銀座柳画廊に足を踏み入れる 銀座柳画廊オーナーのインクルーシブミッション 日本の芸術的評価の強化 銀座柳画廊で紹介されたアートを購入する場所 銀座柳画廊に足を踏み入れる 東京には様々な文化の中心地がありますが、その中でも銀座は芸術性の高さでは群を抜いています。銀座柳画廊をはじめ、銀座には都内でも有数のアートスペースが数多く存在しています。銀座にあることを誇りとし、その壁の中での個展は、日本でのアーティストの道を永遠に変えてしまいます。 1994年から日本画家による洋画の発信基地として、ゆったりとしたモダンな空間で、ゆったりとした時間を過ごしていただけるようになっています。 ギャラリーに一歩足を踏み入れると、オーナーの野呂 好彦氏が作家の美学を個人的に評価してセレクトした、日本の現代美術家の洋画作品が目に飛び込んできます。風景やポートレート、静物などの具象的な題材を油彩で描いたオリジナルの作品が多く展示されており、独特の温かみのある表情を見せてくれます。 風景画の岡野宏、フレスコ画の有田巧、肖像画の廣田稔、島村信行......これらは、野呂氏との長年にわたる強い絆から、銀座柳画廊でもたびたび紹介されてきた作家たちです。また、風刺画で人気の福永明子や精密な風景画で知られる松沢真紀など、女性作家の注目を集めています。 この他にも、最近入室した北尾玲子・ボンタンなどの新進気鋭の作家を中心に、マティス、ルノワール、ダッフィー、シャガール、ピカソ、藤田晃司などの世界的な印象派の古典的な画家や、東洋的なテーマや技法を重視する日本の著名な画家の作品を随時展示していきたいと考えています。 銀座柳画廊オーナーの包括的な使命 野呂さんのアートへの情熱は、ギャラリーの金銭的な成功だけではありません。野呂さんは10年以上前から「銀座ギャラリーツアー」と称して、銀座の画廊で同時に開催されている展覧会を案内し、アートにしかない創造と発見への情熱を取り戻すことを目的としたイベントを開催しています。 ツアーではどうしても競合する画廊に足を運ばなければならないが、野呂さんは「日本のアート産業を活性化させること」を最終目標にしているため、顧客を失う可能性を気にしていない。銀座の豊かな芸術文化を継承していくためには、多様性が重要だと考えており、その多様性をアートコレクターと共有するために、他の画廊の存在を歓迎している。 日本では、個人で美術品を収集することはあまり一般的ではありません。家にアートがある家庭は全体の3割程度と言われています。私は日本人の心に個人的なコレクションの考え方を植え付けたいと思っています。欧米では逆で、美術品がない家庭は珍しい。だからこそ、私のギャラリーでは質の高い作品を集めるようにしています。 あるお客さんから「アートのおかげで自殺願望がなくなった」という話を聞いたことがあります。本当のアートは、見る人の心に直接語りかける力を持っています。もっと多くの人にアートを体験してもらいたいと思っていますので、私のギャラリーでは優れた技術を持つアーティストを紹介し、日本のアート界を盛り上げていくことに力を入れています。 野呂さんが日本の芸術文化を盛り上げたいという思いの背景には、彼の生い立ちがあります。美術商の家系に生まれ、美術の美しさに囲まれて育った野呂さんは、その人生経験を誰かに伝えたいと考えています。 3歳の頃、両親に連れられて、小磯良平のアトリエや軽井沢の脇田和や伊藤清長など、時代を代表する洋画家の多くの名画家や芸術家たちと長い時間を過ごすなど、恵まれた環境の中で、私は絵の師匠や芸術家たちと出会うことができました。私の家の伝統では、一族の一人一人が芸術家との強いつながりを築いていたので、とても親しくさせていただきました。 野呂さんは、生まれながらにして様々な意味で芸術鑑賞の才能を持っていたが、日本文化によくあるような家業を継ぐことを両親に頼まれたことはなかった。大学を卒業して商学部を卒業した野呂さんは、最初は大手商社への就職を考えていた。就職活動をしているうちに、美術業界が自分を呼んでいることに気づき、日本とフランスで活動を続ける国際的なギャラリーのディーラーとして働き始めた。その後、家業を継ぎ、数年後には銀座のギャラリー梅田東京店の店長に就任。3年間のギャラリー経営を経て、東京のアートシーンの中心地に独立することを決意。 優れた作品に囲まれた生活で培われた美術の知識を武器に、優秀な画家を集め、日本の芸術家の新しい拠点を作った。 日本の芸術的評価を高める 野呂氏は、日本には国際的に注目されるべき優秀なアーティストがたくさんいると強く信じています。その最大の障害の一つは、日本政府によるアーティストへの支援の不足と、芸術作品を購入する際の税制上の優遇措置の欠如だと考えている。そのために、野呂氏は日本のアーティストを代表して政治家に積極的に働きかけています。 しかし、野呂氏は希望を信じている。2020年の東京オリンピック、2025年の大阪万博を控え、アーティストとそのアウトプットを支援する動きが活発化している。この2つの国際的なイベントは、日本のアートにとって分岐点になるかもしれません。すでに香港では、日本のアーティストの現代アート作品がオークションに出品されるケースが増えてきています。 国際的に見ても、日本のアートマーケットは未開拓の可能性を秘めています。日本はアジアで最も長い洋画の歴史を持つ国であるため、様々なスタイルのアーティストがまだ発見されていません。日本の伝統工芸文化の豊かさも、日本のアートシーンが国際的に注目される理由のひとつです。 銀座柳画廊で紹介されたアートを購入するには このエキサイティングな時代に、野呂氏と銀座柳画廊は国際的な成功のチャンスを待っています。日本の現代美術を世界に発信することを使命とし、日本の現代美術を世界に発信していくために、野呂氏とのパートナーシップを誇りに思っています。 銀座柳画廊への行き方 営業時間 月~金:10:00~19:00 土曜 11:00 - 18:00 駿台・祝日。定休日 住所 104-0061 東京都中央区銀座5-1-7 数寄屋橋ビル3F TEL:03-3573-7075 FAX:03-3573-7076

アートアワード東京丸の内2019に関するレビュー

現在の日本の現代美術の動向を示す展覧会。 6月5日から6月20日まで東京・有楽町・大手町エリアの丸の内にて、日本の若手アーティストを対象としたアートアワードの一つとして定着している「アートアワード東京丸の内2019」の第13回展が開催されました。同アワード運営委員会では、日本全国の優秀な若手アーティストを発掘・育成するために、全国の美大・大学院で開催されているディグリーショーを視察してきました。丸の内での本展では、ノミネート作品を展示し、その後、東京で大賞と審査員賞が授与されます。丸の内賞」は、実行委員会賞、審査員賞に加えて、観客の投票によって授与されます。 隠れたアーティストを発掘するだけでなく、丸の内をアートの街として発展させていくことを考えているのも本展の面白いところだ。 丸の内エリアを中心とした大手町仲通りの国際ビル、新東京ビル、新丸ビル、大手町中通りの行幸チカギャラリーで開催されています。 高層ビルに囲まれた東京の中心地である丸の内は、若手アーティストの舞台となり、また、普段はなかなか現代アートを楽しむことができない都会の人々も、気軽にアクセスして展覧会を楽しむことができます。行幸千賀ギャラリーは、東京駅につながる地下歩行者専用道路に建設されました。その後その特別な場所であることを知っているからこそ、「アートアワード東京」だけでなく「アートアワード東京丸の内」という名前になったのです。 その結果、この展覧会は13年間、才能ある若手アーティストと都市生活者、そして街づくりをつなぐものとなってきました。だからこそ、日本の現代美術の動向を示す窓口となる著名な美術賞に注目するだけでなく、その内側にも価値を見出すことができた。 ノミネートされた作品 は、東京・丸の内で展示された全25作品です。アーティストは 以下の大学・研究科から 東京都立大学 美術、多摩美術大学、武蔵野美術大学、東京造形大学、女子美術大学 京都造形芸術大学、京都造形芸術大学、名古屋 芸術大学、京都市立芸術大学、東北芸術大学 やデザイン。また、絵画、彫刻など様々なジャンルのアート作品を制作しています。写真撮影、印刷、インスタレーション。 アーティストにとって、観客にとって、街にとっての価値を考え、日本を代表する現代美術賞として、毎年楽しみにしています。 展覧会の詳細については、http://www.artawardtokyo.jp/2019/ 記事を書いた人:Jeongeun Jo韓国出身、日本在住。東京藝術大学大学院美術研究科を卒業したTRiCERAのメンバーの一人。アーティストとしても活動しています。

「音楽のタイムラインを刻む」START ARTIST vol.3 ~ NAKAMITSUKI

TRiCERA発のオークションイベント「START」第一弾の出展作家の"なぜSTARTに出展したか"を主軸にしたインタビュー、ならびに新作の紹介を行います。 オークションイベント「START」とは 2021年2月に行われた「START」。アートに携わる様々な人たちを「セレクター」としてゲストに招き、それぞれの視点からアーティストを選び、そしてその魅力を伝える言葉と共に、その作品をオークション形式で販売いたしました。「アートをこれから始める」という方にも分かりやすい設計を行い、またオークションがはじめての方、オンラインではじめてアートを買う方など、様々なひとたちの「スタート」になるような企画となっております。 作家紹介 ナカミツキ (NAKAMITSUKI) 1997年兵庫県生まれ。2020年に京都教育大学美術科を卒業。 学生時代から三菱商事アート・ゲート・プログラム奨学生に選抜されるなど、Z世代と言われる年代に生まれ直感的で新しいセンスでキャリアを積んでいる。 既存のルールにとらわれない 多様な価値観を持ち、生活と共にデジタルネイティブとして育った日常的ツール「iPad」で制作を行う。エモい瞬間に五感を解放し、新しいセンスでiPad に直感的に描き切る。アートをデータ化することでどこにでも出現することができる。そして一度作品化された画像は、iPadのデータから削除される。この現代的なスピード感は、これまでにない新しいアートの形を生み出している。 1997年兵庫県生まれ。 2020年京都教育大学教育学部美術領域専攻卒業。 2020年個展開催「エモいは私たちを構成する。」(渋谷ヒカリエ / 東京)。 2021年「 スマホの方が現実。」(「Shibuya Fashion Week 2021 Spring」渋谷ヒカリエ / 東京)、 「FUGA Dining Exhibition」(FUGA Dining / 東京)、 「ブレイク前夜展」(大丸東京 / 東京) 2019年「三菱商事アート・ゲート・プログラム 奨学生展『アートのちから』」(丸ビルホール...

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ミッドセンチュリーな部屋をつくる、6つのアート作品

1.ミッドセンチュリーとは何か 直接的に訳すと「世紀の半ば」という意味があります。ミッドセンチュリーな部屋とは、1950~1960年代の欧米をイメージしたインテリアのことです。昔から愛されているテーマであり、レトロやノスタルジックのような印象を与えます。モダンさも兼ね備えており、ヴィンテージなインテリアや、当時はそれまでに無かった「新しい素材」として人気だったプラスチックなどの椅子を部屋に取り入れることが多いです。 2.ミッドセンチュリーはアートが不可欠 ミッドセンチュリーな部屋では、壁を飾ることが必要不可欠です。シンプルなデザインや幾何学模様、パブリックパネル、ノスタルジックな印象を与えてくれるアート作品との相性がとても良いという特徴があります。アート作品を飾るうえでレトロな雰囲気を演出するために「木製の額に入れる」という裏技もあります。複数個購入して並べて飾りたいという場合は、同じテイストの作品で統一感を出すのがオススメです。 3.ミッドセンチュリーな部屋をつくる6つのアート作品 3-1.「Space Cloud - 8th Planet」 夕焼けの空でしょうか、もうすぐ夜になってしまう空の移り変わりの色彩が美しく、非常にノスタルジックな雰囲気にさせてくれるアート作品です。自然というモチーフなこともあり、空を覆っている雲のオレンジ色はビンテージさ溢れる木のインテリアによく馴染みます。デジタルプリントによる作品のため、雲などのディテールが細かく映されており、シンプルな部屋の中でも埋もれず目を惹く存在感になります。 3-2.「Lover」 全体的にはベタ塗りでシンプルな構成ですが、顔料を用いており、女性が着ているスカートや隣の植物のような模様の部分が、複雑なモザイク模様になっている面白い作品です。背景にグランジテクスチャのようなかすれた表現があるため、真新しさを感じさせず、レトロな雰囲気にピッタリです。ミッドセンチュリーな空間では、ポスターのようなシンプルなデザインとの親和性が高いため、部屋に導入しても違和感を感じさせません。女性が両目を閉じて凛と立っている様子や落ち着いた配色からは、大人っぽいモダンなテイストも感じ取れます。 3-3.A.I. 美しい幾何学模様が画面いっぱいに描かれているのが特徴的なアート作品です。幾何学模様はシンプルですが、簡単にモダンな空間を演出してくれます。全体的に緑色で描かれており、木のインテリアや、濃いブラウンが多くなりがちなミッドセンチュリーな部屋とも相性が良いです。緑色を微妙に変化させており、その効果でキラキラしているように見えるアクリルの表現もミッドセンチュリーの1つの要素である「新しい素材」の印象を与えます。部屋に存在している質感を偏らせないことで、部屋のインテリアのクオリティも上がります。 3-4.「肖像画3号」 肖像画ですが民族的な独特のタッチで描かれており、マチエールと呼ばれる絵の具の盛り上げを利用した技法が用いられています。民族的な要素は温かく、ヴィンテージな印象を与えやすいため、ミッドセンチュリーの空間をつくるのによく用いられています。顔が大きく描かれたアート作品は部屋に導入するのが難しい一面がありますが、この作品では遠くを見つめた柔らかい表情で描かれているので、威圧感を与えません。それでも気になるという場合は、周りに小さい作品を飾ることで顔の印象を下げることができます。 3-5.「New York City」 ニューヨークのビルを直線を上手く用いながらデザイン的に描いており、ビルをグレーなどの決まりきった色で表すのではなく、カラフルな色を使って表現しているところが珍しい作品です。線だけで見ると幾何学模様のように見えますが、ビルには月や空、向かいにある建物などが反射して写っている様子がユニークに描かれています。欧米であるニューヨークの街並みと、シンプルなデザインのアート作品はミッドセンチュリーとの相性が非常に良いです。 3-6.「Festival 3」 画面いっぱいの鮮やかな赤と黄色がインパクトを与えているアート作品です。「様々な生命のかけらが世界を構成している様子」を描いたという、作者であるHANHYONIのパワフルな感性が発揮されています。部屋を落ち着いたダークトーンで統一することが多いミッドセンチュリー。そこに差し色としてパワフルで鮮やかな印象を与えるアート作品を飾ることで視点を集め、部屋の印象を明るく変えてくれます。2つで1セットの作品になっているため、並べてみたりあえてアシンメトリーにしてみるなど、飾り方も楽しめるでしょう。 おわりに ミッドセンチュリーな部屋は一見難しそうに思えるかもしれませんが、アート作品を壁に飾ることで簡単につくることができます。モダンさも兼ね備えており、性別を問わず長く愛されているテーマです。是非、ヴィンテージ感溢れる温かい空間にアート作品を取り入れてみてください。

Clipyニュース:今週の日本のアートニュース3選

コロナウイルスは日本のアートフェアにも影響を与えています。 ホテル型アートフェア」を展開するAiPHT(ART in PARK HOTEL TOKYO)が、今年の開催延期を発表した。理由は、新型コロナウイルスの拡大を防ぐため。 2016年にスタートした同フェアは、今年で4回目。このフェアで新しいのは、ホワイトキューブとは別の場所でアートを鑑賞したり購入したりできることです。 主催者側は、今年は9月25日~27日まで延期すると言っています。 主催者によると、今年は9月25日~27日に延期するとのことです。また、他のフェアへの影響も懸念されています。Reference: https://www.aipht.artosaka.jp/ 日本最古の公立美術館がリニューアルオープン 1933年に開館した京都市美術館。美術館としては日本最古の建物でしたが、2017年に大規模な改修が行われました。今年3月21日にリニューアルオープン予定です。今回のリニューアルを機に、ファッションやアニメーションだけでなく、現代美術の展覧会、新人作家の発表会、伝統的な現代作家のコレクションなど、様々な用途に対応できるスペースを備えた美術館となります。Reference: https://kyotocity-kyocera.museum/ 京都でアーティストアートフェアを開催 2月29日から3月1日までの2日間、京都市内2会場でアーティストによる現代アートフェア「ARTISTS' FAIR KYOTO 2020」が開催されます。 「アートを気軽に買えるようにする」「次世代のアーティストが文化やアートを発信する場を育てる」ことをミッションとしており、アート界では倫理的な意味合いが強いイベントです。名和晃平をはじめとする有名アーティストが若手アーティストをアドバイザーに推薦しています。ジャマニーズの次世代のアーティストを見たい方は要チェックです。Reference: https://artists-fair.kyoto/

「Huang Xoo Veen (Xoo)を知るための6つのポイント」

Huang Xoo Veen (Xoo)のアート作品はどれもパステル画のような柔らかいタッチで描かれているが、全てアクリルで制作されている。特徴としてマチエール(仏:matière)と呼ばれる「絵肌」や「素材の質感」のような物は殆ど感じない。幻想的で滑らかなタッチだ。「宇宙の体の器官と人間の体の器官は似ている」と表現するHuang Xoo Veen。今回は宇宙という美しく壮大なテーマを中心に、抽象的な表現を加えながら自身の感性を表現し続けるその作家性を読み解いていこう。 1.経歴 子供のころからアートには多大な興味を示していたが、学生の時に参加したコンテストで受賞したのをきっかけに、画家になりたい!という想いが強くなった。大学に入学するも、家庭の事情で7年間の休学。「二度と絵を描くことは無い」とまで思っていた。しかし時が経ち7年ぶりに大学4年生に再編入。心の中の傷を表現するあまり、先生には「憂鬱で、陰鬱で、グロテスクだ」と表現されてしまうような絵しか描けなかった。30歳で卒業した後に大学院へ進学。美しいものが好きでは無かったが、たまたま夜空を見た時に、月や星の美しさに目覚め、宇宙へ好奇心を抱き始めた。その時から作品に宇宙を取り込むようになった。 2.アートとコミュニケーション 誰しも自分が辛く感じた出来事を人に話したい、感情移入して聞いて欲しいと願っている。大学時代のHuang Xoo Veenは、その心の傷を作品に表現していた。自分の心の傷を癒したい、見てもらいたいという一方的な感情をぶつけるような絵であったことが感じ取れる。大学院への進学も「人とコミュニケーションが取れるような絵を描きたい」という願いを持つようになったからだ。会話はキャッチボールと言われているが、一方的に相手にボールを投げるような事をしてもそれは会話とは言えない。今では「宇宙」という壮大なテーマを含めて描くことで相手と同じ土台のテーマを作り、作品を通して私達とコミュニケーションを取っている。 3.作品への探求心の強さ 一度はアートから離れようとしたが、向き合う覚悟を決め再びアートの世界に戻っている。そこから作品への深い情熱や探求心を感じる。家庭の事情があったようだが、例え年月が経っていたとしても、自己表現やアートを諦めずにいても良いという勇気が貰える。苦しい経験も、次に生み出す作品への大切なステップ。諦め無ければ、空白の期間の出来事も全て作品をつくる素材としてステップアップできる。アートを制作するうえで人生に無駄な部分は無いと考えさせられた。 4.コズミックアーティストとは 主なコンセプトとして、宇宙・夜空・死・細胞・胎児などを挙げて、自分のことを「コズミックアーティスト(cosmic artist)」と名乗っている。作品の中で「宇宙」を様々な側面から捉えて、別の多種多様な要素と組み合わせている。例えば、宇宙と社会問題を組み合わせた「Ardent-Rising」という作品がある。Huang Xoo Veenは現代社会では同じように利点があっても男性の方が優遇されるという「男女格差」を感じ、それでも輝きたいという願いを込めて、宇宙の中に銀河のような赤い花を咲かせている。宇宙の静かで雄大な輝きと、自分の中にある果てしない願いを重ねて表現しているようだ。 5.Huang Xoo Veenが持っている感性 宇宙と不屈の精神を重ねた作品で、名前を「Immortal」という。宇宙は今も永遠に膨張し続けていて、銀河は消滅したり新たに合体したりを繰り返している。その宇宙の様子と、困難な瞬間に直面しても再び蘇る精神を、宇宙のように「繰り返し動き続ける」という点に重ね合わせて表現している。宇宙を科学的な側面で見ながらも、人間の心情に重ねて1つのアート作品にしようという発想には驚かされる。 「Again」という作品では、輪廻を思わせるようなキャプションが載せられている。宇宙には始まりも終わりも無く、それは人生もある意味で同じ。強い生命力を感じるような赤い光を持つ星が、絵の中で銀河の中心に描かれているのも興味深い。今度は「宇宙の不滅性」と、人生を巡る「輪廻の不滅性」を重ね合わせている。難しいテーマである生命を、巧みに宇宙と結びつける独特な感性が発揮されている。 6.作品に込められたメッセージ 美しく幻想的な絵はもちろんのこと、テーマと宇宙の共通点が何なのか考えたり、宇宙の様々な深い魅力を見つけることができるのは作品の魅力の1つだ。 作品に込められた強いメッセージ性。それを感じながら作品を通して共感したり、深く考えたりすることで、Huang Xoo Veenの言葉にじっくりと耳を傾けていきたい。

紡ぎ出すことで描く-テキスタイルを用いるアーティスト3選-

テキスタイルの有機的なテクスチャを取り入れることは、時として生活において繊維が担ってきた服飾の歴史的な文脈を作品にもたらすことがある。麻や木綿、ウールなど素材の種類は様々であり、例えば絹であれば、古くはシルクロードの始まりであり、近代では香港の紡績工場の主役は女性であったりと社会問題に紐づき、それぞれの素材にストーリーがある。 一方でその作品の物質的な魅力にフォーカスすれば、特にテクスチャーの点だろう。工業的な進歩により衣料品が大量生産され100年は優に経った現在、その反動からか刺繍や手織物の人気が高まり、アートでも注目が集まっている。この記事ではテキスタイルをアートの応用するアーティスト3名を紹介しよう。 宮坂省吾/Shogo Miyasaka 作家の詳細はこちらから 浅間明日美/Asumi Asama 作家の詳細はこちらから Liberty Worth 作家の詳細はこちらから

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