星期一, 8月 2, 2021

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我想看看画画能引起的化学反应–专访吴林仙娜。

从2011年开始,林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品,2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》,向艺术史致敬,我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求,让人想起了未来派,但同时,你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起? 速度是我思考了很久的东西,但就我与未来主义的关系而言,我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前,我的作品主要是以人为主,但当我画的以人为中心的构图越来越多时,我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分:脸、手、脚、躯干。很简单,但也正是因为如此,我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年,我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后,在2015年左右,人们开始说我的作品是"未来主义式的",我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时,我对它并不感兴趣,只是知道大家都在说它,但我对它并不了解。本来我也不太懂,但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面,但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本,关于这个主题的文献并不多,但在研究的过程中,我了解到他们似乎是专注于速度主题的人,我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联,您的意图是什么? 它更像是一个宣言,一个意向声明,说:"我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言,所以我像米莱哈人一样,把宣言做成传单,分发出去。当时,周围的人对此颇感兴趣。他们说:"你要怎么做呢?对于我来说,我的心情是战斗的。我想,这就是我要做的事。当时,我一直在画画,但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想,如果我没有用空间去接近它,我就无法获胜。 他以未来主义运动为由,转向装置。您的事业起步比较早,但从一开始您的主要精力就放在了绘画上,是吗? 我是2010年进入大学的,第二年开始逐渐工作,所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项,这就是它的开始。但是,在我做装置的那段时间,我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷",但我内心却觉得,我花了那么多心思,为什么要把他们当成插画?但我觉得,"我花了那么多心思,你为什么要把它当做插图?就算他们说的再酷炫什么的,到最后也只是被消费。那时候我就在想,我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说,空间艺术是人们评价和认知的对立面,而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移,这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事,但我渐渐地想画画了。或者说,我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足,现在还在继续,但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且,我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧,比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里,"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话,当时我有一种感觉,这是已经做出来的东西。我也在想,如果只有我一个人谈速度,是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利,也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说:"谢谢你的一切。从现在开始,我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么,但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面,这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时,我感到反感和恼火,当我把它称为速度主义时,我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上,绘画与插画融合的尝试一直在进行,但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗?我想知道。不,这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先,我画的东西重要的是线条,这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近,我一直在做数字绘画,当我做数字绘画的时候,质感几乎变得无关紧要,这让线描的特点更加明显。在这个世界上,颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了,我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式,最后还是会有一条线,以及你用这条线做什么。从某种程度上来说,这和学习一种形式类似。 我想问你,你当初画画的行为是怎样的? 这是很正常的,或者说是一个很普通的故事,我画画的时候大家都很开心,我觉得很有意思。我的父母是酒农,我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里,当我给顾客画像时,他们很高兴。那是很有趣的,我现在仍然喜欢做。 对你来说,绘画或画画是否有类似于装置的意义? 我想是的与其说是想画点什么,不如说是因我画的东西而发生的事情,我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景,但你所接触的文化中是否有很多画画的内容? 在这方面,我觉得是漫画。漫画对我很重要,我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画,还有动画。不过我觉得重要的是,线路是移动的。 然后是音乐... 或者说,声音。在我们的日常生活中,基本上都有声音。你喜欢的不是歌手,而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度,速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP,那场比赛中的摩托车可以跑得非常快,我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛,就像一个速度很快的物体从你面前经过,你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音,你能感受到,也能明白,这就是速度。我想,我的图片有追求速度形式的倾向,但另一方面,也有"什么是速度"的问题。比如,有时也叫光速,但没有人见过这个速度。我们知道,速度会越来越快,也会越来越慢,我们每天都能感受到。但首先什么是速度?我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘,很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物,不是吗?例如,有人说,城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的,但是你有没有想过这个问题? 我有一种感觉,如果人群中人多,速度就快,如果人少,速度就慢。10年前我刚来东京时,这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界,乐在其中。但10年后,这种速度就会变得很压抑,你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏,现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技,很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面,一切都是那么的天衣无缝,无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度,大家就已经很沮丧了吧?不过,这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统,速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到,不是吗?我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野,自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年,他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"(清版与画廊/2015)和"速度之神"(WISH LESS画廊/2019)。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

我们这个时代还剩下什么”画”–专访东真美。

Azuma Manami以美丽的女孩形象和玩具为主题,通过旋转的运动将时间停留在画布上。结合简单而经典的时间主题、油画的绘画技法和象征日本当代文化一部分的美丽少女形象,阿祖玛的作品直截了当地展现了绘画媒介的广泛适用性和当今时代绘画的可能性。在这次的采访中,我们和Azuma谈论了他的作品背景和他至今的职业生涯。 你一直在创作暗示时间和运动的绘画,以旋转的美女形象为主题,但在你的主题中也有未来主义等西方潮流的感觉。能否介绍一下您目前的作品? 从学生时代开始,我就一直想把运动限制在画中,起初我是想捕捉模糊和摇摆。当时,我用玩具而不是人物,或者用长时间曝光拍摄的真正的旋转木马作为我绘画的基础。 但我当时画的更多的是抽象画。我无法将自己心中的概念完全表达出来,部分原因是我的技巧不够,所以我很迷茫。我在尝试用延时动画的方式来表现人物的旋转,因为我喜欢动画和漫画,所以我想:"为什么不把人物旋转起来,并以此为主题呢?于是我就想:"为什么不把人物旋转起来,以此为主题呢?我想,我可以通过改变今天的主题来表达旋转是时间从过去到未来的流动,而不仅仅是可见的物理旋转,立体派和未来派在做什么。 得知你曾经画过抽象画,我有些惊讶。 考虑到我现在的风格,这可能会让人感到惊讶(笑)。(笑)这是我自己的问题,或者说,这根源于我自己的情结。我真的不擅长画画(笑)。总之,我不太擅长画画。从高中预科到大学初期,我一直想认真地画画,但还是画不出来。我不知道如何画油画。身边的人都喜欢画画,他们用干净的画布看起来很开心。但我做不到,我喜欢用色彩工作,所以在某种程度上我选择了抽象作为逃避的地方。最后也很难做到这一点(笑)。 美好的一天(双尾) 29.7 x 42cm, 纸张Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看我的作品 你现在正在研究具象画。是完全相反的方向,不是吗? 我想我的转折点是到达我现在的生产方式。这几乎就像一种解放。现在,我把将成为我的主题的人物放在转盘上,旋转它们,给它们拍照,然后在电脑上合成,创作出绘画作品。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"这样的问题。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"的问题。意识到这一点,对于我这样的人来说,在绘画上是一个很大的发现。 将自己的品味和情感与确立概念和主题后的画作分开,有什么意义吗? 可能有......或者说,有。我一开始就不善于自我表达。我不是那种没有轨迹就能画画的人。我很精确,我很认真。正是因为我不能自由地画画,所以我才会精心设计和画画。最近我也在想,这也是好事。情感性和叙事性的作品是有讲究的,但就我而言,我认为是要把自我消灭到极致,把纯粹的形式追求到极致。我使用的数字,尽量与自己的兴趣相去甚远。我想防止自己的爱好和情感掺杂在里面,所以我真的想把注意力放在最纯粹的人物形象方面。最终,我觉得如果大家看了我的作品,觉得有趣就好。 我不知道这是不是一种令人不快的说法,但就你那些雕刻整齐的作品而言,是不是很难在数字和实际绘画之间划清界限?我觉得您的作品有一个生命线,就是用油彩作画。 的确,大家可能会想:"为什么不直接用电脑绘图呢?"但我认为,当你看到实物时,你看到的笔触和手绘的痕迹也是趣味的元素。我想这也是我继续画油画的原因。我还是喜欢绘画的物质性,我觉得插画和绘画的区别就在于我对这种物质性是否特别。 MASATAKA当代的装置景观 从特殊性来说,另一个东西就是概念。你试图在一个平面上捕捉时间和运动。这个想法是什么时候开始的? 也许是源于我个人的性格,我无法忍受事物恶化的方式。我无法忍受东西变旧或变脏的想法。有些人对旧东西会有感情,对于皮具,我认为你可以通过使用它们来对它们产生感情,但对我来说,东西在全新出包的时候是最棒的,我想让它们保持这种状态。他们被划伤或弄脏,太痛苦了。这就是为什么我总是用新的人物作为主题,但最近我一直在尝试通过将其制作成绘画来限制它们。 你能告诉我们你的绘画背景吗?你是小时候开始看画画还是画画的? 直到进入大学,我才开始认真地观察艺术,或者说对艺术的历史有了认识,但我开始画画的时间更早。其实,我妈妈是个漫画家,但时间很短,从我上高中到她生下我为止。也许这就是为什么我一直认为,最终我必须成为一名漫画家。这不是我被迫做的事,也没有其他原因,但我有这个模糊的想法。所以我从小就开始画漫画,但还没到投稿或在杂志上发表的程度,更多的是一种爱好。但一路走来,我自然而然地发现,我并不是真的想画漫画,我想做的是画画。 在你的画中引用人物方面,即使不是他们的原形,也是你感受亚文化背景的一个点。你是否知道当时的绘画场景? 是的,我意识到引用漫画和动画的绘画趋势,但在我的情况下,它更个人化。我不能在空白的画布上作画,只好准备一张蓝图,我决定用一个熟悉的人物作为图案。所以与其说是意识到当代艺术的语境,不如说是我内心与绘画自然互动的延伸。 随着工作越来越多,你有没有什么感触,或者说你自己的工作有什么地方是你思考的? 我经常思考我的工作,但最近我经常思考活动本身。特别是关于继续我的活动。这是因为大家在大学毕业后就不再画画了。即使继续,也会停止。由于每个人的情况不同,我想这是不可避免的,但我想在学生时代,大家都在同一个画室里画画,一起努力。但现在我一个人画画,班里的画师越来越少。就像我之前说的,我不认为我适合做一个艺术家。我是认真的,没有蓝本我是不会画画的,我从小在普通家庭长大,没有特别特别的背景。我身边有很多人更喜欢画画,更适合做艺术家,但他们因为各种原因放弃了,不知为何只剩下我一个人。我认为这是一个非常奇怪的情况。也许这就是我为什么这么坚定的原因。这就是一个字的决心(笑)。(笑)我想,"我还是继续走吧。我画画很久了,一直画不好,但是我考上了研究生,一直在坚持,所以我不知道我有什么收获,但是如果我继续画下去,也许会有收获。就像画画一样,继续画画可能是一场更孤独的战斗。 简介1988年出生于神奈川县横滨市,2013年在城北艺术设计大学获得美术硕士学位。2013年,她获得了福泽一郎奖。主要展览包括:Roentgenwerke的"Meiklichkeit 4"(2013)、Nichido画廊的"未来展"(2016)、MASATAKA CONTEMPORARY的"ICON"(2019)。此外,他还在纽约和香港的许多艺术博览会上展出。

Quick Insight vol.1 – Yuta okuda-

活跃于日本和台湾的亚洲艺术界,Yuta okuda试图通过生物和花卉来描绘和肯定自然秩序之美。菊地TAKEO KIKUCHI的时装设计师转为艺术家,我们采访了他的活动和背景。 首先,你能给我们简单介绍一下你的工作吗?我的作品是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了生物,在有意识的层面上,我把它们变成了汉尼亚、玛丽莲、科迈努等等。 我想不自觉地描写的题材总是花和活物,由此我试图在一幅作品中表达两个矛盾的主题,如美与丑、爱与妒、生与死。我的图案总是活生生的东西,我根据食物链的概念,画出自然秩序的美。 智慧 743×607,2019,颜料墨水/肯特纸业。 点击这里查看她的作品。 你以前是一个时装设计师,是什么让你成为一个艺术家?我想这是因为我有强烈的愿望,想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。商业设计师是不需要有个性的。我们需要以一定的方式,按照一定的时间表来做某项设计。但这是有压力的。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。 那你是不是马上就开始画画了?不,一开始我只是在家里涉猎画画。现在回想起来,当时的照片似乎很密集。我好像在发泄我的负面情绪。我根本没想过要给人看。一点儿也没有。可以说,这是我的毒素(笑)。 紫玫瑰(粉红x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你是怎么开始做职业艺术家的?有人认可我的工作,我的画。当我的负面情绪完全表现出来的时候,也有人说:"我喜欢你的作品"。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这绝不会发生在一个商业设计师身上。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在那个时候,我看到我的一些朋友是艺术家,我很嫉妒他们的作品,所以我想,我也应该这样做。但如果我要做的话,我想把它当做一个专业的事情来做,而不是作为一个爱好,我不想半途而废。如果我要做,我想做得彻底。 你说你的作品是一种自我投射。你从一开始就有这样的立场吗?刚开始的时候,都是"不停地画"。我会画三天,睡半天,就想把它画出来。我画了三天,睡了半天,就把所有的东西都放出来,当我把所有堆积的东西,所有的东西都放出来的时候,我终于可以看到概念了。这就是"自我投射"。 这与时尚完全相反。在时尚界,化妆的概念是第一位的,然后你再从那里建立起来,但我在艺术界做的是发现自己,展示最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。 抽象花束(深蓝色x紫色) 33.3×24.2厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 以自己的经验为基础的工作,是不是很难得到意见?前三年我就跑出来了(笑),30年的人生,三年就跑出来了。(笑)但我认为这是我生命中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要接受各种事物,做出新的东西。 最近,您的作品中多用了苏米墨。这种变化是有意为之吗?我的工作确实发生了变化,因为它还与我有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。虽然会变,但我可以说的是,我现在做的事情没有任何谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸,能对自己有多诚实。所以如果你从这个角度去想,我想我可以肯定地说,我做的事情没有错。另一方面,我一直在努力更新我的材料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土。因此,我决定,苏米墨是最适合我的天性的。 抽象单花 (萨克斯 x 紫) 36×14厘米,画布上的丙烯和颜料墨水。 点击这里查看作品 你已经找到了新的目标和新的挑战,现在你的目标是下一步。你对这个目标是否已经有了具体的想法?我的作品是一种自我投射,所以我对未来的憧憬又不是全部都很清晰。我可以说的是,我还是不骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。现在我终于习惯了空虚,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。了解了环境和自己的变化,我会把它们融入到我的画作中去。无论事情如何变化,对我来说,只要不骗自己,没有疑惑,坦诚相待就好。因为对我来说,画画就是要把最赤裸裸、最真实的部分表现出来。 简介在伦敦留学后,她获得了ISTITUTO MARANGONI伦敦时装设计学院硕士课程的文凭。回国后在时装品牌"菊地TAKEO KIKUCHI"担任时装设计师。离开公司后,她开始不是作为时装设计师,而是作为艺术家"yutaokuda"工作。她用细腻的线条和斑点,以花朵和生物为主题,画出食物链等自然秩序之美。有时,我用欺骗的手法把矛盾的两面都画出来,如生与死、美与丑等。目前,她正积极在国内外举办个展和联展。 点击这里查看奥田雄太的作品。

看着被压抑和消逝的自己。斋藤拓海访谈

斋藤拓海画的是公园里的游乐场设备、房间的一角、路边等日常场景,带着些许虚无缥缈的感觉。她说:"随着年龄的增长,我发现自己被压抑了。"她将唤起自己童年感悟的风景和与之相关的物品,转化为女孩的形状,并将它们画在画布上。在这次采访中,我们和斋藤谈了她至今为止的职业生涯,以及她的作品背后的背景,她的作品是基于她自己的情感本质。     斋藤先生,你主要表现的是女孩的画作,结合场景,看起来像是日常生活的快照,但我能不能先问一下你的作品背景,它们在你的画作中是怎样的关系?   我的画中有的有女孩,有的没有,但女孩更多的是一种情感的存在,它把我和过去的自己联系在一起。 ,很多风景都让我想起了童年。当我看到一些能让我想起过去的东西,比如风景或物品,我通常会记下来,或者用相机拍下来,这就成了我作品的基础。     等候室》,2020年,29.7×42cm,纸本Giclee印刷,版本:50   点击这里查看斋藤拓海的作品。   换句话说,这个女孩是作为前斋藤先生本人的隐喻出现的。风景也起到了让我们回忆过去的作用,但无论哪种情况,过去都是关键点。   随着年龄的增长,我觉得自己一直在压抑。随着年龄的增长,我觉得自己被压抑了,一些曾经拥有的东西渐渐消失了,或者说我觉得自己越来越失去了自己。这是一种很不愉快的感觉。   但这些景与物让我想起了以前的自己。比如踩自行车时落叶的味道,比如雨后的味道......我可以通过这些日常的事情来回忆过去的事情。我真的无法用言语表达,但我觉得我的记忆又回来了。就像"这和那个时候一样"。   这种压抑是否意味着你被社会关系所牵制?   细微的差别是相似的... 也许。我渐渐地不习惯在一个群体中,但我发现自己也会跟着去做。即使我的朋友们会说"我们一起回家吧"、"我在那里等你"之类的话,也是有点尴尬。当然,我不认为这是恶意的或什么。   对于我来说,初中和高中是一个空白期,几乎没有能让我记住的事件。真的,没有什么让我不明白的原因。在你成长的过程中,你要面对很多的社交、限制,以及你必须要忍受的事情。但我觉得如果我试图去适应这些,我内心的一些东西就会逐渐消失,我感到很有威胁。我觉得我正在失去我的身份。     朋友,2020年,45.5×38cm,布面油画。   从这个意义上说,你的作品在某种程度上几乎就像一种记录,它不是简单的风景或女孩的描写。   如果我想留下一些东西,那更多的是一种情感,而不是一道风景或一些我能看到的东西。那些不描写女孩的风景,以及诸如此类的东西,都能让我和过去联系起来,所以即使我不描写人,我也想让它看起来像他们还在那里的痕迹。   所以我觉得人们往往认为我画的是风景和女孩,但我不想画情境。   接着说说你的背景,斋藤先生,你是学日本画的。你是不是一直想成为一个日式画家?   不,我一开始更像是一个插画师。我在初中和高中的时候属于漫画社,但我一直在画插画而不是漫画。我画过一段时间的女生图,但当时只是插图。   但我和身边的其他孩子一样,对它一无所知,我看的书里有我喜欢的插画家的插图,但我并不喜欢。所以我才会半途而废。   从高中一年级开始,我就有一个模糊的想法,就是想上艺术大学,我想这有一部分原因是因为我是画插画的,但我选择了日本画,因为我觉得我可以用二维的方式来表达自己。我喜欢的是平面的表达方式,而不是活泼的美术风格,从高考开始,我就真的不擅长画立体画。我也很不擅长画素描。   现在你用的是丙烯和油,但我觉得你在处理材料的时候,语法是很不一样的。   本科的时候,我用的是日本的画材,但是用矿物颜料的时候,就会被问到"为什么要用矿物颜料"这样的问题。但是,当我使用岩井谷的时候,就会被要求赋予意义,比如"你为什么要用它?"。另外,我从本科开始就一直在画女孩子,但我觉得如果用日本的绘画材料来画,就会被认为是美画的范畴。并不是我想走这条路,当我想到我想画什么的时候,我用丙烯颜料来画是没有问题的。所以我改变了很多,从绘画材料到绘画方式都有很大的改变。   以前我画头发和脸部的细节比较多,但现在转为画风简单,平面感比较强。我以前画的画也差不多,我试着把我以前在笔记本上画的东西做成表象。因此,我做起来就不那么痛苦了。   但我认为,我给自己设定的规则,或者说是限制。我尽量不做那些我不能做的事情了。我试着让颜色变浅,有些地方我用彩色铅笔层层叠叠,有些地方我试着加强某些方向的颜色,因为它们变得太模糊。     遗忘》,2020年,31.8 x 41cm,布面油画。   你是什么时候开始把现在的风景和女孩的结合带入画面平面的?   大约两年前。我想是在我本科毕业的时候吧。当时我加入了从照片上剪下来的风景,画面有点乱,但我决定把它定格在我童年的时光里。   我决定把它设定在我的童年时代,我想让它变得更复杂,或者说,我想让它变得更混乱。我是一个很平淡的人,所以我往往是片面的。我试图让它更难理解,更复杂。我想,这让人们不止一次地想看。但我觉得我最近画的太多了,因为它是。   你对工作和自己之间的紧密联系有什么抵触吗?   是你的作品太个人化了吗? 我以前也有过这样的烦恼,或者说,我现在还时不时地想...   我不知道我画的是不是太私人化了。但我也一直在想,有像微普艺术家,也有像纳威哈艺术家,还有经常画个人的东西和身边的东西的人。当我想到我想画什么样的作品,或者说画什么样的作品可以让我不觉得压抑,我想这就是我的方法。剩下的就是信念的问题了,我想。   你喜欢画个人生活的艺术家吗?   我是这么想的我喜欢那些用日常用品和日常生活的碎片来画个人的,或者说是随意的作品的艺术家。我喜欢前几天在渡云的青木先生,西村雨,还有丹尼斯、维拉德等老艺术家......。   我也喜欢莫兰迪。我总是把他的美术书放在身边。我也喜欢纳碧派。我觉得它们在主题和主题方面非常有帮助。还有,我不是画家,但我喜欢青山静夫。在我开始画儿童画的时候,他对我的影响最大,甚至现在我在觉得自己失落的时候,经常会看他的作品。   你一生都在画插画,在你的画作中,你是否感受到了插画的基因?   ...我不知道但有的时候,人们肯定会说。虽然没有那么明目张胆,但人们确实会说:"你是个插画师。   但最近我觉得两者都有一点。我叫插画,也叫绘画。我画插画的时间肯定很长,所以我觉得有这种感觉并不奇怪。有一些我喜欢的插画家等等。所以最近我一直在想,介于两者之间也是可以的。   介于插画和绘画之间。   我觉得这两者的元素都很好。如果它同时具备这两种元素,那么它可能就有自己的真实性。   你画的女孩脸上没有表情吧?   当我在画画的时候,我很平静。所以我画的人没有表情。那里有一段距离,不是吗?曾有看过我作品的人对我说:"斋藤先生似乎已经放弃了。"我想这可能是真的。我想我已经告诉过你为什么我的作品里会有女孩或者孩子,但我画孩子的原因更像是一种情结......或者说更像是一种渴望。渴望成为一个孩子。   这和我小时候周围的环境有关,也和我现在的样子有关。   有一种感觉,现在的我和小学时的我没有联系。当我看到自己小学时的照片和老师的评语时,我觉得自己亮堂了许多。我心想:"哦,原来是这样啊。环境变了,我也变了,我想有的人一直都是沉默寡言的,但我已经变了。     午后的公园》,2020年,33.3 x 33.3cm,布面油画。   尽管如此,景观或其他东西会引发它复活。斋藤先生的绘画是一种抵抗,是以结构的方式捕捉情感的形式。   但这很复杂,不是吗?正如我前面提到的,很难用语言表达。当我看到一个风景或一个物体这样的东西时,我的感觉和怀旧是不同的,很难向别人解释这是我画的东西。   最后,我认真地走到了这一步,以为自己在某种程度上融入了周围的环境。我想,让自己不至于飘飘然,也不至于改变,但我觉得失去了原来的我,是很悲哀的。我认为,如果它仍然是一种形式,那就很好。     简介   1996年生于东京,2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"(Koenji pocke / 2019 /东京)、"雾"(展览空间CLOSET / 2020 /东京)、"ob策展新华社"(Hidari zingaro / 2020 /东京),他的个展包括"温柔"。岁"(新宿眼科画廊/2020/东京)。   点击这里查看斋藤拓海的作品。

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两位艺术家Neva Epoch和Alessandro Vignola,也就是Delta N.A,已经发展出在同一张画布上共同表达情感融合的能力--将两个不同的灵魂融合在一张画布上。     当他们作为心理学家开始职业生涯时,他们意识到艺术是给他们带来快乐的东西。此后,他一直在创作人像和具象作品,2008年,他举办了第一次个展,这让他有勇气向世界展示自己的作品。他们将自己的作品带到国际当代艺术的舞台上,并在欧洲、美洲和亚洲的画廊和博物馆举办过多次群展和个展。此后,他们的作品被许多私人和公共机构收藏。   Delta N.A的表达方式很独特,在人与自然的符号结构上叠加了几何符号。他们的艺术灵感是通过现代人内心的二元对立来揭示的。                                   查看更多Delta N.A的作品

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 动物过去不过是食物和工具。现在,每天都会给人类治病。  日文的英文有一个词叫"Animal Therapy"。是指通过与动物的接触,减少内在的压力,恢复心理健康的做法。虽然学术上的证据不多,但生活在现代日本这样一个宠物重地的国家,人们对与动物接触的积极作用是毋庸置疑的。  有趣的是,很多人在视频网站和社交网站上观看别人的宠物。这不是为了娱乐,而是为了治病。单看这情况,似乎即使人类是虚拟的动物,也可以进行动物治疗。  本文探讨的是拉斯科和阿尔塔米拉洞窟壁画中所描绘的动物与艺术的关系,据说这两幅壁画是艺术的开端。 英加-马卡洛娃 / 英加-马卡洛娃。  Inga Makarova是一位艺术家,她的作品涉及的动物范围很广,从典型的宠物动物如狗和猫,到危险的昆虫如蜜蜂,以及外来动物如变色龙。她善于抓住每一种动物的生物特征,提取与人类文化的共同点。  狗经常被描绘成图案,也许是因为马卡洛娃对狗的情感依赖。色调鲜艳毒辣,但她对狗的喜爱却表现在小小的身躯上,有些可爱。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Airi Kumori  熊森是另一位对动物有深刻洞察力的艺术家。  然而,除了马卡洛娃对动物的宠爱凝视,抽象的程度也更上一层楼,这或许是因为在他的脑海中正在进行着对动物形态的解构。  他巧妙地运用复杂的几何线描与简化的图案、静态与动态的形象的二元对立,描绘了以动物为基础的动物和神灵。日本人在日常生活中遇到的各种动物,经过改造,时而琅琅上口,时而惊恐万分,每个动物的特点都被夸张地表现出来。  值得一提的是,艺术家还把通常被认为是无意识的动物,当作和人类一样具有明确意识的生命,以创造一种人物形象。在西方也能看到动物的特征,但即使在这方面,日本人特有的夸张的面部表情和奔放有力的笔触,也让人联想到鸟兽的漫画。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yuko Hizume  有的艺术家采取与以上两位艺术家不同的方法来画动物。胧胧就是其中之一。  胧胧描绘了身着经典日式和西式时装的智慧、野性、坚强的女性之美。两侧是我们很少能直接看到的动物,如老虎、仙鹤、汪星人等。据说,这种画风是来自于对母亲和动物的感恩之情。  图案中的两位女性都有着端庄的外表,她们的精神力量隔着屏幕向我们袭来。而动物正是作为一种媒介,通过它向我们传递这种灵性的功能。老虎更增添了力量,而蜥蜴则加速了女性不羁的印象。  纵观希泉的作品,我们可以共同感受到自然人与动物的形象,两者之间的关系会在观者心中得到重申和重新思考。 点击这里查看艺术家的详细信息  由于宠物热潮空前高涨,2003年家中饲养的宠物数量超过1900万只,超过了15岁以下儿童的数量。动物不仅仅是食物和工具,而且越来越有机地融入人类社会,如何对待动物这个问题,答案或许就在艺术之中。

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对寺田子丸子来说,绘画是她一生的工作,这种活动一直持续到过去、现在和未来。她自幼熟悉绘画,一路走来,没有偏离这条道路,才有了今天的成就。生于三重县,在名古屋造景短期大学主修西洋画。他说:"在这个过程中认识了很多优秀的画家和老师,他们的影响帮助我成长为一名艺术家。   寺田子的抽象画在日本和世界艺术界都享有很高的声誉。作为自由艺术协会的成员,寺多子曾在埼玉现代美术馆、东京的画廊和首尔的Kepco艺术中心举办过个展。他还参加了许多群展,并一直活跃在美国和亚洲的艺术博览会上。   正如她所说,她的作品主题是"记忆的颜色",她的画作让观者想起了生活中的温馨时刻。她通过娴熟地运用美丽的色彩层次来表现水、山、天空、植物等自然界的色彩,以及城市的色彩。虽然这些都是她的个人记忆,但也吸引和迷惑着观众进入一个美丽的似曾相识的"记忆景观"。       点击这里查看艺术家详情                  

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收藏的乐趣是什么?

兽医阿能最近刚买了一件他新喜欢的艺术家的作品。他与我们分享了他与艺术家见面和购物的经历,通过采访,他也有了一个我们没有想到的愉快发现。那么,他发现了什么? 你是第一次买艺术品吗? - 这是我第二次或第三次购买艺术品,但我第一次在TRiCERA购买。 你为什么选择艺术家武田宏树和他的作品? - 我很喜欢他的作品和他画的动物。他的作品色彩斑斓,美轮美奂。我也被他的创意所吸引,比如海龟背上的花。 您是从哪里通过社交媒体或广告了解到TRiCERA的? - 我唯一使用的社交网站是Instagram,但有一天我在浏览时,偶然看到了他的一篇作品。我就是这样知道武田先生和TRiCERA的。 您为什么决定从我们这里购买?是因为作品吸引了你的目光,还是有其他原因? - 好吧,其实一开始我还以为这个帖子只是网络上的帖子/照片,不知道是卖艺术品的。所以一发现真的可以买到,我就跳上了网站。我喜欢他的艺术,所以我很高兴。 我很荣幸能够帮助你发现你最喜欢的艺术家。您在我们网站的购物体验如何? - 这很容易,我没有任何问题。另外,在我购买的时候,工作人员给了我建议,所以也很有帮助。 是的,我们花了很多精力去帮助和指导我们的客户。 - 哦,我明白了。其实,你知道,我很想再买他的作品。我是狮子座,所以狮子片也不错。其实,我最喜欢背上有花的海龟,但尺寸不合适。比我想要的小了点。 比如,我在和艺术家商谈所需作品的尺寸时,谈是否可以做委托工作。 - 能否做到这一点? 如果是这样的话,我很想有一件和我买的那件尺寸差不多的衣服。 我还不知道是否可以,但如果可以,请告诉我。 - 是的,我很乐意!这将是我最大的荣幸。 你前几天做的作品是买回家还是作为礼物送给别人? - 我把它放在家里。我喜欢在家里摆放艺术品,因为当我看到艺术品时,我会感到平静和快乐。我认为它对我有积极的影响。