星期五, 3月 5, 2021
Home News 是不是和《宠物小精灵》类似?纸上艺术故事第三部分--完整

是不是和《宠物小精灵》类似?纸上艺术故事第三部分–完整

解决的办法是,他们都在进化。本文是纸艺系列的最后一章(目前),也是第一篇。第一部分&.2然后我们再看看他们的进化。另外,如果能跳到链接上,就更有意思了。

树蛙留下脚印 ED:2/5 by Yojiro
OmuraH 20 x W 15 x D 7 cm
了解详情

第一部分 – 小时候我们认识和玩过的纸的魅力,在”成长”的过程中被遗忘,变成了一个无聊的物件。然而,我们可以通过纸艺术家重新发现这种魅力,他们向我们展示了”纸不仅是一种包含艺术的媒介,而且也可以是一种施展创造力的材料本身”。

第二部分– 纪念人类与纸的关系,已经有4000多年的历史,即使在无纸化时代,也不会在一夜之间消失。厚度不到一毫米的纸张,随着发展,已经具备了不可思议的艺术品质。纸张来源于植物,具有生物能量。正是这种有机的能量,”在艺术家与艺术之间,在艺术与我们之间起到了催化剂的作用。

我们来看看纸艺的另一个方面。它的进化可能会像神奇宝贝一样给我们带来惊喜,它的成长超出了我们的想象。不过,对于我们这些热爱艺术的人来说,”目标是成为00级大师!”。而我们却被刺激的推倒了。

六叶银河蜻蜓 ED:4/5by
大村洋次郎H 28 x W 31 x D 17cm
详情请点击这里

进化1型”糯米邦”不忘本

PW015 / 迷失在沙漠中 作者:
StudioMieH 61 x 宽 81 x 深 2cm
点击这里查看详情

,当我抓到蝌蚪一样的神奇宝贝Nyoromo时,我相信它会进化成绿色青蛙一样的形态。但它的最终形态–虬龙,腹部仍是蓝色的漩涡,本质上是一只蝌蚪。同样,一些纸艺也强烈地忠于自己的本源,声讨纸张的原始存在。荷兰平面设计师和园林建筑师StuidoMie创作了一个名为PaperWork的系列。顾名思义,尽管作品很简单,几乎完全由纸片和纸片组成,但其惊人的艺术演变却能让观者大跌眼镜。

PW024 / 颤动模式 作者:
StudioMieH 65 x 宽 51 x 深 0.5 厘米
点击

这里查看详情

她的作品似乎是从抽象和极简主义的DNA中演化出来的,她的作品给观众留下了这样的疑问:”难道不是要在彻底去除元素的过程中找到冲击力吗?她的作品似乎对艺术的先入为主的结构和美学进行了刺探。极简主义艺术大师弗兰克-斯特拉说:”看到什么,就理解什么。”我不禁从园林设计师和自然环境的角度来解读她的作品。(也不知为什么,当我看到她的作品时,耳边就会听到美国前卫作曲家约翰-凯奇的音乐。

如果你曾经踏入过迷宫花园,你可能已经注意到,当你试图识别模式时,你的眼睛会被形状和阴影所迷惑。在StudioMie的作品中,我们体验到了从人造迷宫中游走出来,进入自然森林的不可预知性,以及结构上排列的纸片所产生的不确定的影子。在冠状病毒锁定期间,她问道:”当一个模式或系统意外地变得不稳定时,会发生什么?系统是恢复、转化还是消退?并成功地将其升华为PW024/摇摇欲坠模式的简单而有力的作品。

进化类型2:”Gyarados”:大力的体能转换。

就像从无奈弹跳的锦鲤王到飞翔的水龙加亚拉多斯的戏剧性跳跃一样,大村洋次郎的第二类作品让你不禁要问,它是如何从相同的DNA(在这种情况下是纸)进化而来的。他的作品充满了生命力,但令人难以置信的是,如果没有他的雕塑天赋,那就只是一张纸。一只迷幻色彩的蜥蜴正准备捕捉猎物,一只六叶蜻蜓飞向星光灿烂的银河系。屡获殊荣的艺术家的想象力和技巧将它们变成了非凡的纸艺变体。

当然,从经典的毛毛虫到蝴蝶,还有一些演变,但我们不想剥夺你在这个庞大而多样的艺术世界中寻找和收藏你的最爱的乐趣。希望大家努力完成自己的画册,成为一名”00″高手。

不要忘记订阅ArtClip通讯,以获得更多有趣的发现。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

Most Popular

You Might Like

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

肖像中的社会扭曲

以人为本、以情感人的方法。 比方说,你在博物馆里逛藏品。你是那种会仔细看普通人像部分的人,还是像笔者一样快速走完的人?这个地方让我觉得很不舒服。因为墙上的画像让我想起了校长办公室的那面墙,在那里,我因为天真无邪的不当行为被骂了几个小时。尽管如此,还是有一些作品和苦涩的回忆一样让我着迷,我不由自主地停下脚步,看看模特和艺术家们永恒的叙事,以及无法忽视的存在感。 看来不是只有我一个人觉得普通人的肖像特别有趣,特别有戏剧性。比如,荷兰黄金时代画家约翰内斯-维米尔的名作《戴珍珠耳环的女孩》,启发了特雷西-舍瓦利耶写出了同名小说,销量超过500万册,甚至被拍成了电影。就像雕刻在拉什莫尔山上的美国总统的脸庞无所畏惧却又无法接近一样,无论被渲染得多么美丽,都会被典型的特权阶层所吸引,这就有些难能可贵了。 一张好的人像作品应该具有吸引我们进入模特、艺术家和观众之间的奇怪三角关系的力量。我们不需要害怕对它的感情。今天《TRiCERA》中的一些肖像画描绘的是普通人,尤其是那些来自扭曲的社会层面的人。我们准备好潜入那个扭曲的层面了吗? 请系好安全带。这将是一次非常私密和情绪化的飞行。 "我希望它能尖叫"--詹姆斯-厄利。 出生于英国的詹姆斯-厄利是当今最有前途的超现实主义画家之一,曾获得2019年伦敦双年展一等奖。 他说,他经常代表问题人物,"提高人们对无家可归、精神健康和战争等问题的认识。出乎意料的是,他的不拘一格的模式,其人性和宁静的积极意义远大于悲伤和疲惫的消极意义。 到了所谓的"普通人"那里,喊的是这些"不幸的人"和我们没有区别。每个人在生活中都有想要隐藏的问题。 但在他们的情况下,他们只是因为没有社交服装遮挡而暴露。 这个男人的脚底,吸引了观众的目光,象征着我们极力掩饰的生活艰辛和污点,也唤起了观众暴露在其中的尴尬。 2015年,当我搬到被称为世界上最宜居城市的加拿大温哥华时,无家可归者饱和的景象让我感到震惊。毕竟,就在一条日夜熙熙攘攘的游客街上,一个街区的距离,就是世界上最大的无家可归者区。生活在他们中间,我没有受到任何直接的伤害,但间接的伤害却很大。他们中很多都是同龄的青年男女,每次从他们身边走过,我都会心疼。 用微薄的积蓄和打工来支付房租、食物和昂贵的学费,我在东京市区的生活一天比一天艰难。在我勉强维持生计的时候,一位同龄的加拿大朋友向我讲述了她的秘密往事。她告诉我,她的情况和我一样,但是摔了一跤,无家可归了几个月,然后住进了收容所。在外界看来,她很美,也很开朗,但在她的伪装下,她隐藏得很好。那天之后,无家可归不再是别人的问题。这种认识和恐惧成了我离开市区的动力,但最终成为我离开市区的催化剂。 有一天,在我逃避了多年的悲惨现实之后,一个来自蒙特利尔的无家可归者,名叫让-马克,让我去那家商店为他买这个。平时他只会问我要几个硬币,但他很友好,年龄也差不多,所以我接受了他的提议。当我们一起走过接下来的几个街区时,他高兴地与我分享了他的个人故事。几天后的晚上,我又在街上看到了他,我们聊了几句。我不能为他做什么,但我有时会想他现在怎么样了。 当我在Early的亲密画像中看到Jean-Marc羞涩的笑容时,我感动得泪流满面。我只能认为,艺术家一定有一颗充满同情和怜悯的心,以及分享和承受他们的悲伤的力量。在这幅画中看到的不是慈善,而是他不加修饰的人格,才会有真挚的笑容。早期将现实中瞬间的欢乐作为艺术来延续,照亮了那些被忽略的生命。 这些并不是唯一反映社会扭曲的画像。 在年轻一代中,要求自己独一无二(和别人一样)的压力越来越大。他们在与生俱来的个性珍贵和社会认可的个性流行之间努力寻找自己。拉法-马塔在他的艺术和文字中恰如其分地指出了这一矛盾。 曾超把当代中国社会的意识形态冲突描绘成一个人的肖像。他说,一个群体是受中国社会主义的影响,而另一个群体则是受中国古代哲学道家的影响。他为这些人物穿上象征社会主义的服装,并将他们的头颅换成他的道家图案"临时山石"。动感的笔触与油彩的对比,让人惊叹。 镜子里反射的影像是我们自己的,还是别人看到的影像?我们看到的不确定性问题是清水美乐迪作品的主题。他说:"我们通过别人向我们展示的形象来理解和定义自己。因此,别人是我们的镜子。这幅自画像是将各种社会的镜子中的自己的各种形象打上马赛克。 肖像所代表的内容可能与人们容易理解的不同,例如,在一幅山水画中。不过,正因为有这种模糊性,所以从字里行间可以自由欣赏作品。作为观众,我们的感受是什么?画家是如何诠释模型的?而模特的眼睛里反映的是什么呢?从个人情感的角度出发,欣赏人像是一件好事。 我的一个同事又写了一篇关于肖像的文章。"人为什么要画脸? 他还从技术角度分析了许多其他作品。如果你对这个话题感兴趣,别忘了订阅ArtClip通讯。

出乎意料的多面手;家中的抽象画 pt.2

与经常听到的抽象画的偏见,他们是好的博物馆或画廊的墙壁,但不适合你的家,他们实际上是完美的艺术装饰你的房间在一个有品位的方式。单独来看,抽象作品往往看起来有点挑战,但比起更具象的作品,它们更容易融入房间。当你看过这些例子后,你马上就能想象自己把喜欢的作品挂在家里的墙上。 这就是了 (点击照片或描述查看详情) 如果你还不服气,当然还有更多的例子。点击这里该系列的第1部分的系列。 寻找未被定义的真相;抽象艺术在家中--第一部分 如果你读过第一部分,你就会明白,作为智慧生命,我们寻求一切的解释。所以我们总是对"未知"和"无法解释"产生质疑和幻想。而现在,这种追求已经变成了当代艺术。 抽象艺术的多变性。 抽象艺术是理想的家居装饰品的原因有很多。首先,抽象艺术不像具象绘画那样定义自己或所在的房间。相信大家都有过在酒店房间里批评一幅画或一张照片品位不高的经历。那是因为那个特别的东西不符合你的胃口。另一方面,对抽象事物的理解和喜欢是抽象的。这个原因,让你想说:"这到底是什么?"这为你可以用任何风格任何品味来装饰任何房间,竟然没有不自然的感觉做出了很大的贡献。 对自己的品味要有信心! 你是几何图案和颜色的爱好者吗? 瑜伽房里更有禅意?这个怎么样? 你想在优雅的房间里摆放复古家具吗?还是乡村风格的房间,亲切自然?没问题!抽象画容易混搭。 如果独特是你的一切,那么使用不寻常材料的抽象艺术如何? 你喜欢简单美、简约美吗?这简直是华丽的。 在TRiCERA上还有更多的抽象艺术作品。你会发现你可以看上一整天,永远不会厌倦。不要忘记订阅我们的电子报,以获得更多有趣的发现。

收藏的乐趣是什么?

兽医阿能最近刚买了一件他新喜欢的艺术家的作品。他与我们分享了他与艺术家见面和购物的经历,通过采访,他也有了一个我们没有想到的愉快发现。那么,他发现了什么? 你是第一次买艺术品吗? - 这是我第二次或第三次购买艺术品,但我第一次在TRiCERA购买。 你为什么选择艺术家武田宏树和他的作品? - 我很喜欢他的作品和他画的动物。他的作品色彩斑斓,美轮美奂。我也被他的创意所吸引,比如海龟背上的花。 您是从哪里通过社交媒体或广告了解到TRiCERA的? - 我唯一使用的社交网站是Instagram,但有一天我在浏览时,偶然看到了他的一篇作品。我就是这样知道武田先生和TRiCERA的。 您为什么决定从我们这里购买?是因为作品吸引了你的目光,还是有其他原因? - 好吧,其实一开始我还以为这个帖子只是网络上的帖子/照片,不知道是卖艺术品的。所以一发现真的可以买到,我就跳上了网站。我喜欢他的艺术,所以我很高兴。 我很荣幸能够帮助你发现你最喜欢的艺术家。您在我们网站的购物体验如何? - 这很容易,我没有任何问题。另外,在我购买的时候,工作人员给了我建议,所以也很有帮助。 是的,我们花了很多精力去帮助和指导我们的客户。 - 哦,我明白了。其实,你知道,我很想再买他的作品。我是狮子座,所以狮子片也不错。其实,我最喜欢背上有花的海龟,但尺寸不合适。比我想要的小了点。 比如,我在和艺术家商谈所需作品的尺寸时,谈是否可以做委托工作。 - 能否做到这一点? 如果是这样的话,我很想有一件和我买的那件尺寸差不多的衣服。 我还不知道是否可以,但如果可以,请告诉我。 - 是的,我很乐意!这将是我最大的荣幸。 你前几天做的作品是买回家还是作为礼物送给别人? - 我把它放在家里。我喜欢在家里摆放艺术品,因为当我看到艺术品时,我会感到平静和快乐。我认为它对我有积极的影响。

无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办"NO BORDER"群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。   享受"不可知性"的艺术 本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。 无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。 当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权。 ,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。   关于参展艺术家 - 兴趣点   平田直哉|平田直哉 平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为"雕塑是具有空间性和时间性的东西",他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:"数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。     先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3       查看工作细节   畑直之 - 畑直之 旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。     g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10       查看工作细节   西木俊介|西木俊介|西木 俊介 西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。     日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画       查看工作细节   忠野绫香 - 忠野绫香 忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了"我们人类有一天会消失"的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野"永恒的缺失/事物总有一天会消失"的主题,产生了一种很感伤的效果。     还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸       查看本作品的详细信息   曾超 出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是"气势表现的多少",他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画。     KS190829 2020 53×53cm...

Don't Miss

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

弗朗西斯卡-博尔戈–光影的阴影

意大利艺术家弗兰西斯卡-博戈(Francesca Borgo)以泥土、自然的色调创作抽象的风景画。她从周围的大自然中获得灵感,用丙烯颜料、石膏和丙烯树脂与沙子混合,增加了质感效果,丰富了她的表现力。     绘画一直是她的爱好。这激发了她的想象力和表达人类和地球不同未来的愿望。在经历了一段时间的病痛之后,她被关在家里,开始与色彩和画笔进行"每日约会",并感觉到与自己的接触越来越多。   她的作品用深色、稀释的颜色来塑造整体效果,用金属颜料来制造光的反射。这些一起形成了光影的对比。最近她开始探索新媒体,用笔和平板电脑进行数字绘画创作。这种技术可以让她表达自己内心世界的冲突。   她积极参加欧洲各地的博览会和展览。她的作品还被美国、英国、日本、瑞士、西班牙、马耳他和意大利的私人收藏。向下滚动查看她的空灵抽象风景画。                                       查看Francesca Borgo的艺术作品

铃木淳~艺术是脉动的~用圆珠笔画出生活。

铃木淳对艺术的态度,被他形容为"我只想和圆珠笔较量",就像拿着刀的武士一样,可靠而清爽。她的父亲是个陶艺家,母亲是个画家。   她的父亲是个陶艺家,母亲是个画家。铃木小时候熟悉美术,自然而然地开始画画。他被大友胜博的漫画《AKIRA》中细腻的笔触线条所吸引,开始抄袭学习。同时,他也受到了西方音乐专辑封套和六七十年代艺术海报的影响,正如他所说,他的修养不仅造就了各种细致入微的设计,还造就了优秀的构图和平衡感。   他主要用肯特纸和圆珠笔来表达自己的想法,除了画出让人头晕目眩的细线和圆点外,他还尝试在不同的纸张上作画,并进行剪贴,以扩大自己的范围。他在艺术中表达了爱情、生命的能量、异界、生死等大主题,亲切而充满了意外。她将自己的生活凝结成一幅幅圆珠笔画,并通过自己的内心与观者产生联系的创作历程还在继续。   点击这里查看艺术家详情                

艺术与食物的甜蜜结合-渡边大作

对美食的热爱是世间不变的。 显然,7月是美国的烹饪月。尽管烹饪的风格不同,但烹饪是一门艺术,两者同样丰富了我们的生活。 虽然在国外只以寿司和拉面闻名,但日本是一个有着无比丰富的饮食传统和文化的国家。此外,在餐馆里看到的"食品样品"展示,也因其令人流口水的真实感和不寻常的创意而受到欢迎。这一期,我想和大家分享一位独特的日本艺术家的作品,他将食物(甜食)融入到他的艺术中。在日本,人们往往羞于在公开场合表达自己的爱,但在爱吃方面,人们似乎过于公开。在国外生活,经常看到日本朋友在Instagram上炫耀自己的美食照片。不管是在家里还是在餐厅。就我而言,我对他们的肚子不感兴趣,我只想知道他们在做什么。可惜,我现在不能取消关注他们,我不知道该怎么办。 即使是在海外非常流行的Tinder类找对象的应用,在日本也是用食物的图片代替杯子的照片,不再像UberEats的菜单那么丰富。不知道他们是不是很期待今天的约会选择乌米饭,明天的约会选择烧肉。抛开我的疑惑,我们再来介绍一下糖果装饰艺术的先驱渡边大佐。 点击这里查看他的作品详情 渡边称自己的作品为"假奶油艺术",这是有道理的,因为它是用奶油从袋子里挤出来的,就像制作糖果一样。然而,谁又能想到,用奶油做成的圣母像会优雅地竖立在蛋糕上呢?佛陀身披甜美的诱惑,但他却冷静地沉浸在禅宗中,不被世俗的思想所干扰。奶油其实是用树脂做的,但就像餐厅里的食物样品一样,他的再创作能力(看起来很好吃的假糖果、水果、纸杯蛋糕)有着不可抗拒的吸引力。写这篇文章的时候,我觉得我的口水都快流出来了。 点击这里查看作品详情 他的使命是用他的艺术和糕点天赋,通过甜品艺术给人们带来幸福。鉴于皮埃尔-奥古斯特-雷诺阿是一个裁缝的儿子,也是伟大的印象派画家,他擅长画衣服,父母的影响可想而知。渡边选择雷诺阿的著名画像《戴蕾丝帽的女孩》作为对艺术家的品味致敬,绝非偶然。毫无疑问,这是一位让人赏心悦目的烹饪大师的精品之作,即使无法用味觉来欣赏。 点击这里了解更多作品信息 日本是一个亚洲文化和西方文化融合的国度。历史上,日本人生产了高质量的改良产品,如燧发枪、照相机、汽车等。文化与艺术也无一例外地被融合、被改造、被输出。在Osamu Watanabe独特的厨房里,西方的艺术和点心与日本的创意和卡哇伊运动有了幸福的邂逅。 点击这里查看更多我的作品 想看更多渡边大作的艺术与美食幸福感的朋友,可以到TRiCERA.NET领取菜单。如果这篇文章吸引了您的味蕾,请订阅我们的电子报。 有关渡边治的更多信息。此处

Feature Post

采访野田丽马

野田丽马1995年出生于爱知县一宫市,现就读于东京艺术大学漆艺专业硕士课程。我们采访了野田,他谈到了自己的作品和"在这个国家的表达方式",他尝试用昆虫、水果等自然物的具象性,用工艺技术和语境来创作。     我感觉您的很多作品都是以昆虫和香蕉为主题,您能先谈谈吗? -我的作品是以甲虫等昆虫为题材,最近我又以香蕉为题材,用漆艺创作。我想表达的是大自然的每一个故事。内容非常简单。我看昆虫和自然界,我觉得它们和人类不相上下。这真是太神奇了。我们无法与大自然创造的形状和颜色的伟大相提并论。当我想到自己作为一个人,能做什么的时候,我想是表达和讲述自然形态背后的故事。     你用的是漆,但你的技术很多是归功于工艺? -部分原因是我自己在手工艺领域学习过,但我认为,当你想在这个国家创造一种成型的表达方式时,它是一种重要的材料。不管是气候还是文化,我认为漆器的特点和背景是非常重要的。还有就是工艺本身。这种类型,无论好坏,都有很强的材料局限性。可能会有一些弊端,但我认为可以从材料的底层入手,表面处理技术也很出色。有很多工作要做,我觉得对每一件工作(手工)都有很强的责任感。这也是我喜欢它的原因之一。   但你会选择当代艺术的存在吗? -是的,我想把我的作品作为当代艺术来展示。我想我第一次认识当代艺术是在本科四年级。本来,这与流派无关,但我喜欢造型艺术。换一种说法,就是"用眼睛就能完成的事情"。在手工业界,物尽其用的倾向特别强烈。     有什么当代艺术家是你在关注的吗? -给我留下深刻印象的人是Demian Hirst。我不在乎是否时尚,但我认为我受到作品的影响,改变了我对事物的价值取向。赫斯特的作品是一个例子,还有就是《喷泉》。   所以你本来可以学雕塑,但这部分原因是你前面提到的材料问题吗? -是的,就是这样。说实话,我觉得雕塑可能是个不错的选择。但我以为雕塑这个流派太宽泛了,部分原因是它受材料的限制比工艺的限制小。我以为这种手艺是正确的方法,先把它学好。当我想到它是一种表达方式时,手艺似乎很适合。我仍然想把当代艺术作为我的领域,但我并没有打算放弃工笔画的语境。     回到你的表情,你最近开始了一系列的香蕉。有趣的是,你为什么选择这种水果作为主题。 -我决定做的第一件事是毕业项目。说实话,我也没什么动力,只是觉得有一个大金香蕉会很有意思。于是,我去千叶的一个农场看了看实物。这是一个相当大的转折点,因为真实的东西真的很酷。在我大腿那么大的树干上,大约长了两三百个,不顾地心引力。这时我就想,我不应该自己变形。我觉得对我来说太早了,所以我把它带回家了。最近我才开始工作。   是否给我留下深刻印象是标准? -当然,这也是其中的一部分,但是......好吧,这是一个小小的飞跃,但是当我想到什么是艺术最重要的时候,我认为它是积极的。我的意思不是说好听的语境什么的(笑)。(笑)但我认为最重要的是创造出一些让你看到它时感到积极的东西。不是让你感到消极的东西,而是让你感到积极的东西,比如一段美好的回忆或一场胜利或一种欣喜的感觉。我自己也想在作品中创造这种精神气质。     我很好奇你立场的背景。 -大概是从我读本科三年级时的一次柬埔寨之行开始的。我获得了奖学金,去了一个有漆器的地区,虽然那里的贫富差距比日本大得多,但那里的寺庙建得非常华丽,我被他们的宗教意识所感动。我想每个人都有自己感受幸福的方式,但祈祷并不能给你带来什么,也未必能改变你的身体。即便如此,至少在我看来,他们的生活似乎有了积极的改变。我希望我的作品也是这样。   受这种思想直接影响的作品有哪些? -这是甲虫的作品,叫"Vulgarly"。总之,我想做一个真人大小的人偶。我把它想象成一个被祈祷的存在,所以它需要有这个尺寸。但这是我自己的一个化身,或者说我想雕塑一个理想的存在。然后,当我想到在这个国家表达什么合适时,我决定用甲虫,因为日本有一种独特的甲虫。金箔的使用也受到寺庙的影响。毕竟,金色是一种吸引人的颜色。     从你说的情况来看,听起来你的作品正在朝着象征性的方向发展。 -是的,确实如此。例如,甲虫是某种力量的象征。就像军阀的头盔一样,我选择代表尊严和力量的图案。从这个意义上说,香蕉也是一样的。我们把它叫做"香蕉系列",首字母"V"和"胜利"是一样的,就像我之前说的,我觉得香蕉所具有的强大的生命感是一种象征。   虽然概念很清晰,但我觉得你的表达方式很简约,但这是否受你对自然形态的感受影响? -我不知道......但肯定有一种尊重。可能是跑题了,不过......我个人认为,所有的生物在诞生的时候都有同样的意义,当我把香蕉和昆虫看成是平等的生物时,我觉得用人类特有的价值感来评判它们,或者用和人类一样的时间感来评判它们,我觉得很不舒服。我不知道用同样的方式表达自己的想法,在人的尺度上是否可以。     这也和我们刚才说的,关于我们人类可以做什么样的表达有关。 -是的,没错。对于香蕉,我是根据真实的东西来塑造的,因为我想表达香蕉生命和生长的证据,因为它是真实的。然后,我就把我看到它时的能量,在受到色彩和形状,以及材料和技术的限制下,思考如何表达它。看事物的方法有很多种,但我觉得昆虫的形状很酷,很美。所以我觉得我不应该取笑他们。     您刚才说的文字和作品之间似乎有很近的距离,您是否意识到这一点? - 我是这么想的,我很高兴你这么想。很高兴你这么想,对图案的感受是一样的,但也如你所说,我希望作品能完整地呈现在眼前,如果是这样的话,我想你第一眼看到它和我想说的话之间的距离应该很短。.我不擅长这种工作,或者说,我个人不太会看抽象画(笑)。压力有点大。我喜欢看一般的东西,但也喜欢能用眼睛完成作品。这就是为什么我喜欢雕塑和昆虫的原因。昆虫是最不紧张的看。   在你的作品中,视觉效果是第一位的吗?-是的,绝对是。形体本身一开始是在草图中完成的,但当我用三维的方式创作时--换句话说,当我雕塑它的时候,除非它有形体,否则我无法把握它。另外,我是那种从一个模糊的想法出发,然后在完成后再巩固概念的人。我是那种用手思考的人。我不太擅长反面。我不太擅长其他方式。我想,文字还不够好吗?     回到你的流派,当你尝试在当代艺术领域工作时,你的工艺背景是否会妨碍你的工作? -这不是一个障碍。但在表达上,从手艺的角度来说,我做了很多鲁莽的事情。主要是在技术方面,比如焊接。但我不想削弱手艺的吸引力,我认为它绝对有潜力。......然而,(手艺)确实倾向于关注技术和材料,无论好坏。在点评中,将使用的技术水平与博物馆等传统工艺进行对比。就像"不,多看看香蕉的灵气!"。(笑)。(笑)但这很好。这就是思维的不同。我觉得有不同想法的人是好事。想表达什么就说什么,互相打击真的很重要。我觉得把自己想表达的东西说出来,面对对方很重要。   这是一个有趣的态度。最后,你有什么想挑战或计划在未来做的事情吗? -现在,我只是在刷题。与其说是新的东西,不如说是我想深入研究一下我目前正在研究的香蕉和我目前的表达方式。现在也是我的毕业项目的时候,所以我在想如何把我想说的东西演化成一种更容易传达的方式,我想现在是完善的时候了。我想和尽可能多的人分享我的工作,所以,是的,我想让它更方便。现在,有些点我觉得:"这个部分不够好。我还想追求一些不像甲虫那样太过浮夸和过分的东西(笑)。     野田龙马野田龙马1995年出生于爱知县一宫市,2014年毕业于爱知县木子高中设计系,2015年考入东京艺术大学工艺系。去年,她在东京艺术大学的毕业展上获得了"鸟居市长奖"。现就读于该校工艺美术研究生院漆艺专业硕士研究生班。 作品页面: https://www.tricera.net/artist/8100422Instagram:https://www.instagram。com/ryoma_noda/?hl=en

我想看看画画能引起的化学反应–专访吴林仙娜。

从2011年开始,林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品,2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》,向艺术史致敬,我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求,让人想起了未来派,但同时,你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起? 速度是我思考了很久的东西,但就我与未来主义的关系而言,我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前,我的作品主要是以人为主,但当我画的以人为中心的构图越来越多时,我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分:脸、手、脚、躯干。很简单,但也正是因为如此,我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年,我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后,在2015年左右,人们开始说我的作品是"未来主义式的",我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时,我对它并不感兴趣,只是知道大家都在说它,但我对它并不了解。本来我也不太懂,但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面,但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本,关于这个主题的文献并不多,但在研究的过程中,我了解到他们似乎是专注于速度主题的人,我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联,您的意图是什么? 它更像是一个宣言,一个意向声明,说:"我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言,所以我像米莱哈人一样,把宣言做成传单,分发出去。当时,周围的人对此颇感兴趣。他们说:"你要怎么做呢? 对于我来说,我的心情是战斗的。我想,这就是我要做的事。当时,我一直在画画,但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想,如果我没有用空间去接近它,我就无法获胜。 他以未来主义运动为由,转向装置。您的事业起步比较早,但从一开始您的主要精力就放在了绘画上,是吗? 我是2010年进入大学的,第二年开始逐渐工作,所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项,这就是它的开始。但是,在我做装置的那段时间,我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷",但我内心却觉得,我花了那么多心思,为什么要把他们当成插画?但我觉得,"我花了那么多心思,你为什么要把它当做插图?就算他们说的再酷炫什么的,到最后也只是被消费。那时候我就在想,我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说,空间艺术是人们评价和认知的对立面,而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移,这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事,但我渐渐地想画画了。或者说,我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足,现在还在继续,但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且,我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧,比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里,"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话,当时我有一种感觉,这是已经做出来的东西。我也在想,如果只有我一个人谈速度,是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利,也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说:"谢谢你的一切。从现在开始,我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么,但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面,这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时,我感到反感和恼火,当我把它称为速度主义时,我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上,绘画与插画融合的尝试一直在进行,但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗?我想知道。不,这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先,我画的东西重要的是线条,这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近,我一直在做数字绘画,当我做数字绘画的时候,质感几乎变得无关紧要,这让线描的特点更加明显。在这个世界上,颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了,我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式,最后还是会有一条线,以及你用这条线做什么。从某种程度上来说,这和学习一种形式类似。 我想问你,你当初画画的行为是怎样的? 这是很正常的,或者说是一个很普通的故事,我画画的时候大家都很开心,我觉得很有意思。我的父母是酒农,我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里,当我给顾客画像时,他们很高兴。那是很有趣的,我现在仍然喜欢做。 对你来说,绘画或画画是否有类似于装置的意义? 我想是的与其说是想画点什么,不如说是因我画的东西而发生的事情,我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景,但你所接触的文化中是否有很多画画的内容? 在这方面,我觉得是漫画。漫画对我很重要,我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画,还有动画。不过我觉得重要的是,线路是移动的。 然后是音乐... 或者说,声音。在我们的日常生活中,基本上都有声音。你喜欢的不是歌手,而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度,速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP,那场比赛中的摩托车可以跑得非常快,我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛,就像一个速度很快的物体从你面前经过,你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音,你能感受到,也能明白,这就是速度。我想,我的图片有追求速度形式的倾向,但另一方面,也有"什么是速度"的问题。比如,有时也叫光速,但没有人见过这个速度。我们知道,速度会越来越快,也会越来越慢,我们每天都能感受到。但首先什么是速度?我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘,很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物,不是吗?例如,有人说,城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的,但是你有没有想过这个问题? 我有一种感觉,如果人群中人多,速度就快,如果人少,速度就慢。10年前我刚来东京时,这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界,乐在其中。但10年后,这种速度就会变得很压抑,你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏,现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技,很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面,一切都是那么的天衣无缝,无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度,大家就已经很沮丧了吧?不过,这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统,速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到,不是吗?我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野,自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年,他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"(清版与画廊/2015)和"速度之神"(WISH LESS画廊/2019)。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

市野胜三:从传统到当代艺术的一步之遥。

"我想利用丹波烧特有的淳朴自然的泥土"。 Katsuiso Ichino 市野胜藏是市野家的第七代传人,在兵库县制作日本六大古窑之一的丹波烧。陶器起源于平安时代末期(794-1185),距今约850年。 1926年,日本哲学家柳宗吉和他的朋友们发起了被称为"民艺"的日本民间艺术运动。柳宗吉的想法是向世界介绍日本的日常艺术和手工艺,例如由不知名的工匠制作的陶器、纺织品和漆器,这些东西在艺术史上一直被忽视。柳氏收集了300件丹波器,并写了一本关于其美的书。在柳宗吉的努力下,丹波烧作为餐具的历史在90年前得以重现。一野胜造将丹波烧的技术作为当代艺术的新风格,将继续柳宗吉的"民艺"运动。 丹波烧的历史--丹波烧手艺人的家族。 粘土艺术 丹波烧的表现形式 从简单的餐具到当代艺术 在哪里可以买到一野胜祖的作品? 历史--丹波烧家族的手艺人。 炭化的"水刺",由一野胜藏创作。 丹波烧的历史有多长? 丹波烧的历史可以追溯到850年前,其起源可以追溯到平安时代后期(794-1185)。他们在山谷的山中建窑,制作实用的餐具。它一直在家族中传承,一直在制作时代要求的陶器,同时不断挑战新事物。我们感受到了这段珍贵的历史。力求做出这个时代才能做出的、只有我们自己才能做出的、独一无二的陶器。 你在20多岁开始培训陶艺师之前是做什么的? 我是跟老师学习西画的。我还学过一年的雕塑。我就读的大学并不是艺术类院校,而是关西学院大学,我的专业是经济学。 您出生于传统的丹波烧手艺世家,并追随祖先的脚步成为丹波烧艺人,为什么会选择这条路? 小时候,陶艺是我身边一直存在的东西,我对它并不感兴趣。但是,在我20多岁的时候,我在东京师从一位用陶瓷创作的艺术家。受此启发,我决定在家乡丹巴的窑洞里尝试制作当代陶艺。此后,我继续创作。 用粘土创作作品 丹波烧的特点是什么? 它的特点是泥质简单,质地朴实。丹波烧的限制不多,随着时间的流逝,形状变化自如。历史上的丹波烧反映了制作时代的需要。丹波烧的特点是,它是反映时代潮流的陶器。 一野胜宗的碳酸八角形"Mizunashi"(茶道用水容器)。 丹波烧为什么会盛产陶器?丹波烧的泥土与其他泥土有什么不同? 我想是因为这一带有丰富的适合制陶的泥土。属于山地土壤,含铁量高。...

时间的形状–齐藤拓海、SAMHOSHI、东真奈美、林加奈宇、野泽谅的群演–。

TRiCERA欣然宣布,将于12月19日至2021年1月19日期间,举办斋藤拓实、Samehoshi、东真美、林加奈武、野泽谅五位艺术家的多幅作品联展。     关于本次展览   本次展览的名称取自艺术史学家乔治-库布勒(George Kübler,1912-96)所著的《时间的形状:事物的历史备注》(The Shape of Time:Remarks of History of Things),在解读参展艺术家的作品和活动的同时,也关注了围绕在艺术作品周围的时间。此外,展览还将采用二维媒介之一的印刷术作为观赏体验的提案。   在各个艺术领域中,绘画与版画往往有着熨帖的关系。与绘画相比,版画通过画材等材料和艺术家的笔触、笔画等物理痕迹,具有复杂的信息和结构,版画的功能就像记录一样,将画面提取出来,固定在纸上。   绘画作品随着时间的推移,自然会被划伤、磨损,像融化的冰块一样慢慢磨损。这个事实提醒我们,绘画是一个平面的物体,同时也给我们带来了一个新的欣赏角度,绘画是一种材料,而印刷品是一种媒介,除了作品的物质性和物理性之外,更忠实于图像的记录和传递,各自有不同的时间流动方式。   除了指与艺术作品相关的时间,本次展览还将尝试从时间的角度解读参展艺术家的表达现状。   斋藤拓海在风景中描绘了童年的自己,让他想起了随着年龄增长而消逝的情感。在她的作品中,在一个画面上描绘了现在和过去两种时态,时间的不可逆进展和与之相关的感伤被丰富而安静地叙述出来。   三越在一个女孩的畸形面孔上描绘了不同载体的衰败与生成。本次展览的作品,除了上述的矛盾性特征外,还通过砸蛋糕的方式来探索可塑性崩溃的新方面。   阿兹玛以二条人偶和玩具为主题,通过旋转的运动将时间限制在画布上,进行实验性的绘画创作。他继续用一种视觉语言来介绍与顺序时间、重复时间和运动中的物体有关的考虑。   此外,林嘉宇还一直在研究飞机的速度主题。虽然绘画当然是一个静态的物体,运动作为一种现象并不会出现在画面上,但她一直在解决静止画面上的速度问题,就像未来派所做的那样。   在她的绘画中,Azusa Nozawa使用了贴纸炸弹,这是一种源自于定制汽车和摩托车的街头文化的技术,在这种技术中,贴纸被层层贴上,直到支撑物的表面不再可见。她的画作中,画面层层叠叠,具有多层次的结构,所包含的时间极其复杂,这也是它们区别于插图的地方,也赋予了它们作为绘画存在的意义。   库伯勒试图分析作品本身的风格和系列的流变,但这次展览却在此基础上进行了拓展,以一种反讽的方式来研究时间的流变和艺术作品的物质特性,展出的不是作为创作行为结果的绘画作品,而是作为这一行为记录的印刷作品。本次展览旨在以一种反讽的方式,让人们思考时间的流动和艺术作品的物质性。我们希望你能享受这个机会,通过艺术家们在纸上静静讲述自己故事的画面来思考绘画本身。     关于参展艺术家       Takumi Saitoh     斋藤1996年出生于东京,2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"(Koenji pocke / 2019 /东京)、"雾"(展览空间CLOSET / 2020 /东京)、"ob策展新华社"(Hidari zingaro / 2020 /东京),他的个展包括"温柔"。岁"(新宿眼科画廊/2020/东京)。       点击这里查看斋藤拓海的限量版画作品。       SAMEHOSHI     1997年生于东京。毕业于武藏野美术大学,主修油画,从2016年左右开始用丙烯颜料和钢笔画一个反复折叠成形的女孩。       点击这里查看三越的限量版画。       Hayashi Kanae...

Editor's Choice