星期三, 10月 20, 2021
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工艺对当代绘画有什么影响?

我的目标是超越时间。”将装饰和工艺运用到绘画中的京森康平说。我们和他聊了聊他的想法和创作。

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京森,你的绘画创作是以装饰为背景的吧?在我们开始之前,我可以问你一些事情吗?
-我以当代装饰设计师的头衔工作,但我牢记自己是在用自己的方式诠释和更新历史上的诸多装饰文化。从这个角度看,我的作品可能会以绘画的形式,以一种新的方式介绍装饰文化,不分国家和地区。从某种意义上说,语言在当代艺术中很重要,尤其是在观念作品中。但至少我自己的作品,我希望它能让人看了就能被感动,而不是靠文字。

马尼装饰笛-版本
2/5-27.3cm x 27.3cm

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你以前是做平面设计和服装的。这对你的工作有影响吗?
-是的,这是一个影响,也是一个重要因素。在色彩搭配上,我想我在欧洲学习时尚的经历起到了作用。我的作品也是数字化的,所以我试图超越二维绘画的界限,结合多种技术和材料,比如材料的选择、数字和模拟的融合,来增强作品的力度。

阿玛尼后立镜-版本2/5-。
27.3×27.3厘米

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能否介绍一下你们的生产流程?
-先是草图,再是数字模拟,然后是作品的CG图。
然后,我用适合材料的印刷技术将作品打印出来,用矿物颜料和UV树脂进行染色和立体加工。

这是一个复杂的过程。
-是的,但这种方法的好处是可以创造机会。
经由过程数字仿真,创造出意想不到的元素。你不会被自己的想法束缚,但你可以把从自己的想法中解放出来的想法融入到你的制作中。

你的作品中有很多系列,每个系列的重点是什么?

-现在我大概有五个系列。
例如,”A-UN”系列包含了克服族裔群体之间歧视和偏见的希望信息。
另一个重要的系列是”JAPAN BLUE”系列。本系列采用靛蓝染色。本次系列活动的主题是”肯定不完美”。
我相信,一切被认为与社会格格不入的东西都是个性。
多样化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。
所以我觉得很日本。



Tomollow珠宝桨-版本
3/5-27.3 x 27.3cm

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你有什么信息或目标想通过你的作品传达吗?
-我的信息是承认和接受不完美。我的目标是”超越时代”。
这个目标我想了很久。这可能是节目中最重要的东西。
最近,我一直在思考普遍性的问题,从装饰意义上讲,是不是你看了之后就会有这样的感觉?
一个单项设计包含了很多技术、密度、时间和参与人员的精力。每个人看到它都会觉得:”太好了!每个人看到它都会觉得:”太好了!我想你能感觉到它。
我喜欢那些让我感动的东西,不用解释,我觉得这很好。



你对未来有什么打算?
-我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。
具体来说,我想把有田烧瓷器和德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与我的装饰画相结合。我相信这样做可以提升作品/物品的价值、实力和能量。
此外,我们希望通过与各地区的合作,将能够留给日本未来的技术和传统保存下来,并将不断发展的传统传承下去,超越时间的限制。

梵文-联合国/梵文-A版
2/3-33.3 x 33.3cm
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Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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漫画如何作为艺术传播?Shueisha的漫画艺术”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”已经开始。

近日,树艺社启动了名为"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的项目,该公司迄今出版的漫画将以限量版多本的形式在国内外销售。漫画作为海报等复制品发行的情况也有,但在日本,还没有将漫画作为艺术品开发的例子。在电商网站上线的同时,我们与项目总监冈本正文和运营当代艺术跨境电商网站TRiCERA.net的Iguchi Yasushi进行了对话。一个当代艺术的跨境电商网站。 如何看待作为艺术的"漫画"? 井口靖(Iguchi)很抱歉,首先作为一个漫画迷,我对这次采访感到非常高兴(笑)。 冈本正志(冈本):非常感谢您(笑)。 井口:我想谈谈树枝社正在启动的"树枝漫画-艺术遗产",以及漫画作为艺术的可能性。请问你是怎么想到要把漫画发展成艺术的? 冈本:如果追溯到项目的开始,其实是在2007年左右开始的。当时有一个运动,就是要把书生漫画数字化存档,但当时还没有智能手机,也没有什么动力去做什么新的数字数据。我希望用它来制作《Galaga》的漫画,也希望用它来翻译和海外出版。那时候,"数字档案"这个名词,或者说这个概念本身,还很新鲜。 井口:目标是树叶社出版的所有漫画吗? 冈本:几乎都是。 井口,就像一个巨大的数字... ...(笑)。 冈本:我会的(笑)。舒伊莎每年推出800本左右的新漫画,所以现在大约有300万页。当时,我们使用了以色列制造的最好的扫描仪来建立高质量的档案。随着时间的推移,随着智能手机的革命,利用档案数据制作数字漫画成为可能。但有些美术画得很好,我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我想可能会以不同的形式发布,不仅仅是漫画、平板电脑或智能手机,也可以用不同的媒介发布。 我明白了所以你的意思是说,你用艺术作为一种方式来输出你所创造的档案。我觉得有趣的是,即使是同一幅画,在画里和在漫画里看起来也不一样。漫画是有故事的,体验是非常流畅的。但是艺术,尤其是二维艺术,基本都是固定在墙上的,所以我觉得在体验上有很大的区别。 冈本你说的对,漫画是一种时间性的艺术形式,所以如果你把它拿出来作为一个画面来看,你会有不同的看法。比如说,即使是《ONE PIECE》的读者,也会觉得"有这样的场景吗"?例如:我想,当漫画挂在墙上的时候,面对漫画,和漫画相比,会有不同的发现。 井口:根据漫画的内容,创造不同的体验。 冈本,没错从保存原作漫画的角度出发,这个项目一开始是为了存档,但我不想只把它们数字化就完事了,也不想只做单纯的复制品。我想通过不同的体验来传承漫画和艺术家的创作,我想这就是意义所在。 作为艺术,我们如何创造价值? 井口:另一方面,这个比较实际,但我觉得"把漫画当艺术来卖"会有很多问题。当代艺术产业有一个现有的结构,如何在这个结构中创造一个定位的问题。而更重要的是,与漫画相比,艺术市场本身就很小。对于进入不同市场的行业,你有什么想法? 冈本:先说一些数字吧,根据USB的报告,全球艺术品市场约为7亿日元。根据USB的报告,全球艺术市场约为7亿日元,日本艺术产业为3590亿日元,如果专注于艺术,则约为2580亿日元。这个数字其实我很熟悉。事实上,2020年日本数字漫画的销售额将超过3400亿日元,这与之大致相同。从这个规模来看,我想不难制定出在5年或10年后将"漫画艺术"发展到100亿日元左右规模的愿景。 井口:如果从漫画整体上考虑,应该是规模很大的。 冈本:没错,就算是树枝一个人在创作《一品》和其他几部漫画,他们也绝对会手忙脚乱。如果再加上其他出版社的作品,市场规模可望增长。 井口:而且,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是跨境EC吧?考虑到海外市场更大的艺术市场,我认为这是一个敏锐的决定。 冈本:非常感谢您的评价。但我也不想和"艺术市场"中现有的流派对着干。艺术有很多不同的流派,不管是绘画还是雕塑,我不想在市场上和他们竞争,抢走他们的市场份额。我不想和他们竞争,抢走他们的市场份额。 我更愿意和其他流派合作。例如,你可以与工艺美术师合作,制作一个漆画框。如果你想把你的作品作为一个艺术作品,作为一个日本的创作来呈现的话,我觉得和其他流派的合作很重要。 井口:在将漫画拓展到其他艺术类型的同时,我认为要与现有的艺术产生共生关系,创造新的价值。 冈本是的,这就是我认为有趣的地方。到现在为止,已经有了海报和复制品。但从来没有把漫画作为艺术品来开发的想法,以保证艺术品的质量。当然,这对树德社来说是第一次,我想这对行业来说也是一个新的东西。 井口:你刚才说"作为艺术",但从这个意义上讲,我觉得用区块链发证是很有意思的,或者说,它在某种程度上是直指问题的核心。作为一个从事艺术的人(笑),我可以想象,当人们听到区块链和证书时,他们可能会想到分销、价值形成和抵押品。(笑)我可以想象,当他们听到区块链和证书的时候,他们会想到发行、价值形成、抵押品,这次我觉得会作为一个多作品来发展,到时候就必须要谈版号管理。 冈本:没错。这正是让我认识到这个项目潜力的初衷。我不想被人认为是在卖复制品。在这种情况下,我需要设计一种方法来管理这些版本和发行它们,或者说是一种逻辑,让它们作为艺术品在市场上流动。从这个意义上说,Startburn的区块链系统是一个很大的催化剂。 井口:我觉得你刚才说的有一点,"作为艺术的分配"是非常重要的,我觉得当代艺术是一个系统而不是一个流派。但是,当我这样想的时候,虽然可能是重复我前面所说的,但是在版画、照片等可以复制的作品的发行过程中,版本管理,或者更具体地说,市场价值的管理就变得非常重要。 冈本:我想你是对的。 如果我们能通过这个问题,那么我认为已经奠定了基础。在今天的当代艺术中,有一种倾向,那就是接受原本来自外界的人,比如KAWS。所以街头艺术、波普艺术或插画已经成为一种流派。也许我说得太夸张了,但我认为新类型的漫画有进入这个领域的基础。如果我说这样的话,可能又会被别人骂我说的太多了(笑)。 冈本:没有,但我明白你的意思。但这也是为什么要用心创造价值的原因。包装、运输也是如此,当然还有证书。 井口:在法国,漫画据说是第九艺术(笑)。但正如你所说,当代艺术是一个机制的世界,是有规则的。你按照"礼仪"或者说商业惯例来做,很隐忍,我觉得你对这个项目很认真。 冈本但如果从这个角度来谈,另一方面,我想避免与当代艺术,或者说与美术的核心对接。我意识到漫画的背景,美术方面有现有的方法和技巧。我认为,试图强迫自己去顺应这一点是不好的。当然,我一点都不忽视,这也是为什么我们要讨论区块链证书... ...我想把它确立为更广泛意义上的艺术,我认为有必要思考它本身的背景和价值。 我明白了另外,在价值方面,这是我个人的观点,但我认为,价值是一种被感知的东西,当一种共同的价值,或者说认可被创造出来的时候,它就会成长。当这种共同价值增长时,整体价值就会诞生。我对漫画艺术如何创造艺术价值非常感兴趣,我认为这里面有很大的潜力。 以"漫画艺术"的方式来传承漫画。 井口:说到问题的核心,或者说说得更深一点,您觉得这个《修真漫画-艺术遗产》和复制品最大的区别是什么? 冈本:最大的区别是研究和修复。其实,原创漫画作品褪色、变质的速度非常快。它们比油画要脆弱得多。这是因为以周、月连载为基础的漫画原画,为了适应生产速度,往往使用容易干燥的染料油墨。这些油墨是漫画的表现力所在,但它们也会很快褪色和变色。另外,还有很多因素会损坏纸张,比如粘贴成绩单的粘合剂。 井口:我明白了,所以你没有让原图持续时间更长的想法,因为你认为它会被打印出来。 冈本是的,没错。我听说有的档案专家说,档案的寿命不超过100年。即使它们被存放在适当的设施中,也是如此。所有的漫画原画都在以持续的速度恶化。所以,我在做这个作品的时候,就研究了一下原来的状况是什么样的,一边做一边还原。 井口:不只是简单的印花吧? 冈本:没错。而且与漫画不同的是,原图是放大而不是缩小。所以,如果你从摄影到印刷都没有做好,最后得到的东西是无法欣赏的。从生产到发行,一切都要经过严格的控制,所以我们不能简单的说我们是做复制品。 井口:把它做成艺术,我们就把它留下来。 冈本通过把它们作为图片留下,换句话说,作为给人一种与漫画状态不同的体验的东西。如今,我听到纸质原件在拍卖会上被卖出高价的故事,但原件却没有被及时保存下来。我们有数字档案,但原纸只怕是越来越差了。所以这个项目如果产生了资金,可以用于研究艺术品原件的存放,当然也可以返还给艺术家。 井口:你可以为漫画家创造一个新的活动领域。 冈本那正好,漫画的世界也越来越艰难了。艺术家仅靠稿费和版税谋生是很难的,但如果能把自己的画作当做艺术,也许就能看到不一样的可能性。今后,我想把新漫画家的画也变成艺术品。 井口:这样一想,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的目标就很明确了吧?漫画的传承,以及漫画家的新可能性。 冈本:漫画毕竟是日本重要的产业和文化。我们要在适应时代的同时,思考如何传承,我想这也是一直把漫画送出去的书生社不得不重视的问题。我想仔细地,当然也想挑战地建立漫画作为艺术是否可行的问题。 冈本正志 - 冈本正志 昭和漫画-艺术遗产"的导演。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。先后在女性杂志和女性杂志门户网站工作,参与漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。他还将《周刊少年Jump》等漫画杂志的制作环境数字化。转入数码部后,先后推出了"漫画工厂"和"SSDB(树艺社综合数据库)"。 太井口 大学毕业后,他加入了一家老牌的音响设备制造商,并在亚太区总部开始了他的职业生涯。2015年加入耐克日本公司,2017年担任日本直营店供应链经理,参与全球项目,并在日本启动和执行多个新项目。2018年11月1日,他成立了TRiCERA公司。 网站网址https://mangaart.jp/

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艺术品慈善拍卖在中国。艺术能为科罗娜的灾难做些什么?

 艺术对人类有用吗?    思考的方式有很多,但考虑到它的实际功能,可以说是无用功。如果要我用最近新闻中流传的方式来形容,我会说这是"不必要的、紧急的"。    在电晕灾难发生后,日本政府对从事文化艺术的专业人士的补贴受到了不小的批评。文化艺术的"无谓而急"论甚嚣尘上。当德国和世界各国都在为文化艺术提供慷慨的支持时,日本却一反常态。然而,我们日本人需要知道的是,在像现在这样的危机时期,艺术可以以意想不到的方式对社会有用。    据美国艺术杂志《ArtReview》报道,中国一批博物馆和文化机构决定向100多所受冠状病毒大流行影响的学校提供预防卫生用品。这笔资金将来自HOW博物馆、艺栈、现代传媒集团(ArtReview和ArtReview Asia为其成员)、ART021ArtReview》和《ArtReview亚洲》是其成员)、ART021以及80多家国内外知名艺术机构和画廊(包括Hauser & Wirth、Edouard Malingue、BANK、Perrotin和Lisson)。捐赠的艺术品、版画和珍稀藏品的义卖所得,将由慈善机构上海宋庆龄基金会用于购买儿童口罩、数码体温计、消毒剂等防护物质。      拍卖会将于3月2日(版画、版画和收藏品)、3月3日(当代艺术一)和3月4日(当代艺术二)开始,每场拍卖将持续两天。虽然何迅、aaajiao、尹秀珍、Lorna Simpson、Gregor Hildebrandt、Esther Mahlangu等人的作品已经被捐赠,但拍卖会还在寻求个人艺术家、赞助人和企业的捐赠。    主办方在募捐活动的声明中说:"疫情确诊病例不断增加的背后,是未感染者的贫困生活。面对这场疫情,我们向那些在医疗战线上奋战的人们致敬。他们为抗击病毒所做的勇敢努力,使我们处于更安全的境地。我们希望通过我们的艺术,让大家看到,在这个困难的时代,艺术具有激发勇气的力量,我们必须要做的事情,让我们能够在这个充满不确定性的时代,向往更好的生活。     虽然最近解除了紧急状态,但"和科罗娜在一起"的生活还将继续,隐居的生活方式很可能在未来一段时间内继续。在这种情况下,电子游戏、漫画书、电视等娱乐方式,让我们感到娱乐,是因为艺术家们用一生的时间和支持他们的人,培育出了坚实的文化艺术土壤。    我相信,生活的丰富性就隐藏在艺术这种"不必要的、紧迫的"东西里。   参考资料来源: https://artreview.com/news-27-february-2020-auctions-coronavirus-pandemic/ 版权所有,ArtReview。

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在香港巴塞尔艺术博览会上会面   从媒体和贵宾的私下观摩开始,香港巴塞尔艺术展于3月27日至31日举行。 尽管艺术博览会的主要功能和目的是销售艺术品,但为"展览功能"而呈现的"邂逅",却让参观者可以像在博物馆里欣赏艺术品一样,大尺度地欣赏艺术品。今年的"邂逅"集中展示了亚洲艺术家的作品,如李卜、汐田千晴、赵赵、米杰客栈和Pinaree Sanpitak等。 参加《邂逅》的12位艺术家中的5位。     '塞尚.., 莫兰迪 ,漱玉'展览作为一个舞台,为   除了这个著名的艺术博览会,香港巴塞尔艺术博览会还在香港艺术周中,在Pedder和H.Queen's等专门的艺术建筑中,以及在Art Central等艺术博览会上,举办了许多引人注目的展览。亚洲艺术家是今年香港艺术周的亮点,来自世界各地的画廊展示了亚洲新锐艺术家和20世纪艺术家的作品。展览的题目是"塞尚、莫兰迪、桑榆",但只要关注欧洲两位艺术家之一的桑榆就够了。策展人曾方志给出了选择三余的理由。   桑榆的画风与塞尚、莫兰迪的画风极为相似,但他的画风基本上是东方的,用油彩画出心中的水墨。     正如他自己所言,选择桑榆参展的原因是值得注意的:他想和另外两位十九、二十世纪的欧洲顶尖艺术家一起,利用这次展览的机会,让公众关注桑榆。特别是在这个时代,在作品的方法和材料上,欧美的艺术家和亚洲的艺术家并没有太大的区别。不过,在亚洲艺术家的作品中,肯定能感受到一种独特的魅力。它可能来自各种社会、政治和环境背景。   本次展览以香港画廊为背景,由塞尚、莫兰迪、桑榆、曾芳志和高古轩共同策划。无论如何,我可以理解这场运动和它关注亚洲艺术家的意图。   G它的主角是来自海外的亚洲年轻艺术家。     在香港巴塞尔艺术展上,参与的画廊之一Capsule Shanghai展出了1984年出生、常驻纽约的台湾年轻艺术家黄海新的作品。由于是首次参加巴塞尔艺术展,她的诙谐作品吸引了很多人的关注。在今年的香港巴塞尔艺术博览会上,她的作品描绘了巴塞尔艺术博览会的风景,但她的作品却对巴塞尔艺术博览会和艺术市场进行了幽默而精彩的嘲讽。     在香港巴塞尔艺术博览会之后的第二大艺术展--香港中环艺术展上,同样出现了1975年出生、常驻慕尼黑的中国画家徐海新。慕尼黑的Galerie Andreas Binder画廊与其他艺术家一起展出了她的作品。根据她的简历,她在德国慕尼黑获得了硕士学位,并以艺术家的身份常驻那里,但也有像黄海心这样的情况,她常驻纽约,但代理中国的一家画廊,徐海鹰则在国外留学,代理当地的一家画廊。徐海英,曾在国外留学,代理当地一家画廊。 无论亚洲艺术家是如何获得在香港展出的机会,有一点是明确的:许多国际画廊对来自不同背景的年轻亚洲艺术家感兴趣。   青年艺术家在TRiCERA上   超过100位艺术家参加了TRiCERA,不仅有经验丰富的艺术家,还有许多才华横溢的年轻艺术家。我们想介绍其中的一个作品,沼田真奈美。曾获"第72届日本女子美术协会"大奖,并赴意大利留学。   沼田真奈美所著的《时间卖家》。   每周都会有新作品上传,请大家多多关注。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

为什么要购买日本艺术品”与其他亚洲艺术品市场的统计数字相比。

从世界艺术品市场的统计数据比较看日本艺术品的巨大价值。 在拥有世界第三大GDP的日本,艺术市场的规模很小,这在艺术界竟然不为人知。为此,日本艺术品市场的价值被低估。然而,就像股市一样,这意味着在日本艺术品市场上有很大的投资价值。   根据东京艺术协会发布的数据,2016年日本艺术品出口额约为350亿日元,日本在全球艺术品市场的份额为3.1%,而美国为40%,中国为20%。由此可见日本艺术品市场的上升潜力。   所以,你可能会想知道你应该投资什么样的艺术品和哪些艺术家。一般来说,我们往往只关注名家,因为他们的风险低。然而,投资知名作品比购买年轻的、不知名的艺术家的作品风险更大。例如,以下关于亚洲最受欢迎的艺术流派之一--韩式单色运动Dansaika的统计数据显示了近期全球艺术市场的波动。 上面的数据图是以'丹泽华'的代表艺人金焕基、李宇焕、全相华、朴瑞波、尹贤根、河忠贤六人为基准。   艺术品投资者为何投资著名流派和著名艺术家:可交易性。   ,很多人倾向于用"主义"投资名家,主要原因是基于可交易性的安全性。不过,从上图可以看出,投资著名流派和艺人并不是最安全的方式。近来,试图更深入地研究艺术史价值,以便不只关注"趋势"。因此,越来越多的声音在问:"这种'主义'是否认真地代表了我们的社会、身份和时代?这种趋势意味着,主流作品中的"信托价值"正在变成一种无抵押、无担保的资产。   不过,相对低调的艺术家的作品,其价格很可能会大幅上涨,艺术价值也会被挖掘出来,除非他们退出艺术家生涯。此外,考虑到日本艺术市场的价值被低估,对投资于年轻的、不知名的日本艺术家的乐观态度也不足为奇,他们正在努力寻找具有艺术价值的身份。   中国的泡沫曾经占到全球艺术市场20%的份额,将像韩国的丹青一样慢慢破灭。与其他已经发展起来的亚洲市场相比,日本的艺术品市场具有发展潜力,并且已经显示出安全性。   TRiCERA.net的建立,是为了将日本的新兴人才与世界联系起来,他们通过展览和奖项在世界范围内崭露头角。如果您想为您的投资组合购置一件独一无二的艺术品,请不要错过这100多位艺术家的作品,他们的作品有可能在未来带来巨大的回报。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她毕业于东京艺术大学,是TRiCERA的成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

数字是真实的代名词吗?关于平田直哉所追求的新雕塑”地方”。

平田直哉的作品,是将从网络上收集到的材料在虚拟空间中进行组合创作,在他看来,这就是"雕塑"。他说:"我做的是传统的雕塑。"我们谈到了他的方法论和作品,更新的雕塑既不厚重也不沉重,它的存在是需要固定在空间上的。 平田先生,你是在虚拟空间里创作雕塑的。这些雕塑没有厚度和重量,没有传统的空间尺度。自己的活动只认"雕塑家",不是吗? -从意识上讲,我自称是一个雕塑家和艺术家。我主要是追求"形式",考虑当代雕塑史的观点。我实际做的事情,至少在我看来,和做雕塑的人一直在做的事情没有什么不同。我是在做形式,但唯一不同的是,我的方法是在虚拟空间的世界里。 先知 33 x 27.5厘米 我联想到雕塑是一种受材料和空间限制的体裁,但这种过滤器是否妨碍了我的创作? -说实话,我一开始也不知道为什么要用视频作为我现在的输出方式。当我不确定的时候,通常是因为我没有足够的信息。我看了很多书,教我的老师也说过"雕塑是涉及到时间和空间的东西"。如果你把这种时间化和空间化作为雕塑的要素,那么我所做的事情就满足了雕塑的要求。我现在的作品是以视频和二维图像的形式输出的,我觉得这些图像的输出方式适合我自己的雕塑表达。 但你是怎么想到要在虚拟空间里进行雕塑的呢? -我在本科四年级左右开始从事数字工作。我看到我的一个学长,他当时是个有点宅的人,在玩3DCG软件,我马上就想,就是这个了。我觉得它能很好地解决我当时面临的问题,更多的是我有一种预感,我可以用它来做雕塑。 但其实在这之前,有一段时间我是在用实景影像工作。在我所在的学校,三年级的时候,我们有一个自由的生产期,但当时我的材料有问题。换句话说,我没有资金去获得这些材料。雕塑是很昂贵的,当我面临这个问题时,我想用的材料大多被排除在外。 晚餐 33 x 36.6厘米 解决的办法是视频? -是的,没错。我依稀记得,当时影响我的马修-巴尼把他的录像作品称为雕塑,我想,我明白了。所以只要能保持雕塑感,我就不用限制我的产量。于是我试了一下,但质量很差。我对自己很失望。同时,我又想:"这还不够好。我一直很欣赏国外的艺术家,我想创作出这种水平的作品。就在我做这个事情的时候,我看到了相关的3DCG软件,所以就觉得,就是这个了。 你的作品是通过从网上搜集素材进行创作的,换句话说,就是用数码现成的产品进行拼贴式的创作。你在这方面有什么打算? -这并不是什么打算,而是一开始的方法问题。我不认为我做的事情与传统的雕塑家有什么不同,但当你以数字方式创作雕塑时,很难将其与现有的电影或游戏划清界限。换句话说,挑战在于如何让作品在当代艺术的背景下发挥作用。 ...

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迷人的缅甸艺术

如果听到"缅甸艺术家"这几个字,你的脑海里会浮现出一位画家,那你一定是个严肃的艺术怪胎。  据缅甸当地一家报纸报道,缅甸正式注册的艺术家只有1000人,非注册艺术家有6000人。此外,缅甸只有两所大学设有艺术专业。此外,虽然有国家博物馆,但还没有建立公共艺术博物馆。要想接触最新的艺术,唯一的办法就是在私人经营的小型艺术馆里走走。虽然亚洲在艺术结构上落后于世界其他地区,但从日本的角度来看,这是不可想象的情况。 在本文中,小编要介绍的是江河画廊代理的10位艺术家的作品。 Aung Thiha 点击这里查看更多关于艺术家的信息 大夫图图 有关艺术家的更多信息,请点击这里 觉林 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Kyee Myintt Saw 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Maung Aw 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Mor Mor 有关艺术家的更多信息,请点击这里 南南 有关艺术家的更多信息,请点击这里 倪波宇 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Thar Gyi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Zaw Win Pe 点击这里获取更多关于艺术家的信息  缅甸是一个热带国家,是一个多民族的国家,是一个历史悠久的国家,有很多面孔,比如佛教渗透到日常生活中,还有长期的军事政权,有一些艺术家创作了非常独特的作品。本文为大家提供了一个关注他们的机会。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展将在东京Perrotin举行。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展不仅将在PERROTIN画廊举办,还将在亚洲举办。     纽约艺术家Emily Mae Smith在Perrotin画廊的首次个展。"阿瓦隆"。这是她在Perrotin画廊的首次个展,也是她在亚洲的首次个展。在这次在Perrotin画廊举办的个展中,Emily Mae Smith用她的画作讲述了自己的故事。   她的作品显示了一个完善的自我探索和概念化的过程,以及作为一个艺术家的成熟的技术能力。她的作品融合了各种主题,并经常从西方艺术史和流行文化中汲取灵感,包括象征主义、新艺术图形和迪士尼动画。在她的艺术家生涯中,她发现很多艺术场景都是由男性创造和设计的。在她的作品中,她以一种尖锐的讽刺方式重新利用这些主题,指出了艺术和日常生活中普遍存在的性别歧视和男性权力结构。不过,作为一名称职的艺术家,她并没有将图案照本宣科,而是巧妙地处理。她作品中的主题和表现方法都是具象的。       她创作了口舌等身体部位的特写,最终如梦境般飘走。在她的作品中出现的扫帚就像超现实主义的幻想,但又有些熟悉。很多人都知道,1940年迪士尼的一部老动画片《幻想曲》中,有一把扫帚似乎是活的。在《清洁工和我》中,扫帚部分出现在画面中,但只有扫帚的上半部分在画面中,这就出现了男性生殖器的形象。同时,扫帚还可以象征女人的工作、家务,以及画家的画笔等工具,这就开启了广泛的含义。     从《拾穗者奥达利斯克》中,我们或许还能认出让-奥古斯特-多米尼克-英格雷斯的艺术史名作《大奥达利斯克》,它对我们来说,看似完全陌生,却又耳熟能详。   从视觉上看,她的作品给我们一种画面感。海报,作为艺术作品,它们让人联想到虚幻主义、风景画和超现实主义绘画。包含了很多主题和跨流派。瞬间,陌生的或熟悉的,历史的参考,或作为当代艺术作品的陈述。诠释艾米丽的作品还有很大的空间。最终,她的作品运用各种主题,揭示象征意义,主题集中。从艺术史、文化现场到当代艺术。   1979年出生的Emily Mae Smith目前居住在纽约布鲁克林,并在法国第戎的Consortium博物馆和康涅狄格州哈特福德的Wadsworth Atheneum博物馆举办过个展。   这将是她在日本东京和Perrotin的首次个展,如果你在东京 ,从2019年8月28日到11月9日,一定要去看看 。   Emily Mae Smith "Avalon"   日期和时间:2019年8月28日(星期三)至11月9日(星期六)。 时间:上午11时至下午7时。 周日、周一和公众假期休息。免费入场。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

我想看看画画能引起的化学反应–专访吴林仙娜。

从2011年开始,林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品,2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》,向艺术史致敬,我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求,让人想起了未来派,但同时,你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起? 速度是我思考了很久的东西,但就我与未来主义的关系而言,我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前,我的作品主要是以人为主,但当我画的以人为中心的构图越来越多时,我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分:脸、手、脚、躯干。很简单,但也正是因为如此,我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年,我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后,在2015年左右,人们开始说我的作品是"未来主义式的",我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时,我对它并不感兴趣,只是知道大家都在说它,但我对它并不了解。本来我也不太懂,但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面,但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本,关于这个主题的文献并不多,但在研究的过程中,我了解到他们似乎是专注于速度主题的人,我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联,您的意图是什么? 它更像是一个宣言,一个意向声明,说:"我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言,所以我像米莱哈人一样,把宣言做成传单,分发出去。当时,周围的人对此颇感兴趣。他们说:"你要怎么做呢?对于我来说,我的心情是战斗的。我想,这就是我要做的事。当时,我一直在画画,但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想,如果我没有用空间去接近它,我就无法获胜。 他以未来主义运动为由,转向装置。您的事业起步比较早,但从一开始您的主要精力就放在了绘画上,是吗? 我是2010年进入大学的,第二年开始逐渐工作,所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项,这就是它的开始。但是,在我做装置的那段时间,我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷",但我内心却觉得,我花了那么多心思,为什么要把他们当成插画?但我觉得,"我花了那么多心思,你为什么要把它当做插图?就算他们说的再酷炫什么的,到最后也只是被消费。那时候我就在想,我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说,空间艺术是人们评价和认知的对立面,而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移,这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事,但我渐渐地想画画了。或者说,我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足,现在还在继续,但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且,我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧,比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里,"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话,当时我有一种感觉,这是已经做出来的东西。我也在想,如果只有我一个人谈速度,是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利,也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说:"谢谢你的一切。从现在开始,我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么,但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面,这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时,我感到反感和恼火,当我把它称为速度主义时,我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上,绘画与插画融合的尝试一直在进行,但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗?我想知道。不,这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先,我画的东西重要的是线条,这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近,我一直在做数字绘画,当我做数字绘画的时候,质感几乎变得无关紧要,这让线描的特点更加明显。在这个世界上,颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了,我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式,最后还是会有一条线,以及你用这条线做什么。从某种程度上来说,这和学习一种形式类似。 我想问你,你当初画画的行为是怎样的? 这是很正常的,或者说是一个很普通的故事,我画画的时候大家都很开心,我觉得很有意思。我的父母是酒农,我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里,当我给顾客画像时,他们很高兴。那是很有趣的,我现在仍然喜欢做。 对你来说,绘画或画画是否有类似于装置的意义? 我想是的与其说是想画点什么,不如说是因我画的东西而发生的事情,我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景,但你所接触的文化中是否有很多画画的内容? 在这方面,我觉得是漫画。漫画对我很重要,我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画,还有动画。不过我觉得重要的是,线路是移动的。 然后是音乐... 或者说,声音。在我们的日常生活中,基本上都有声音。你喜欢的不是歌手,而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度,速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP,那场比赛中的摩托车可以跑得非常快,我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛,就像一个速度很快的物体从你面前经过,你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音,你能感受到,也能明白,这就是速度。我想,我的图片有追求速度形式的倾向,但另一方面,也有"什么是速度"的问题。比如,有时也叫光速,但没有人见过这个速度。我们知道,速度会越来越快,也会越来越慢,我们每天都能感受到。但首先什么是速度?我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘,很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物,不是吗?例如,有人说,城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的,但是你有没有想过这个问题? 我有一种感觉,如果人群中人多,速度就快,如果人少,速度就慢。10年前我刚来东京时,这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界,乐在其中。但10年后,这种速度就会变得很压抑,你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏,现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技,很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面,一切都是那么的天衣无缝,无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度,大家就已经很沮丧了吧?不过,这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统,速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到,不是吗?我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野,自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年,他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"(清版与画廊/2015)和"速度之神"(WISH LESS画廊/2019)。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

拉扎罗-乌尔塔多–让我们扭起来! – 我们的生活之谜

有人说:"如果你想受欢迎,就不要把艺术和政治、宗教混在一起。"但这是胡说八道。艺术总是被当权者、赞助人利用和培养。如果没有这种支持和认可,一件艺术作品是无法独立建立起声誉的。从历史上看,艺人通过自由表达自己的政策和喜好,享受到徇私舞弊的好处,只是比较近的事情。   今天,因为这种非常令人回味的特质,当代艺术因其自由表达的理念而受到赞誉。其实,我很感谢这个幸运的自由时代和互联网,让我找到并支持这样来自阿根廷的艺术家。拉扎罗-赫塔多的画作对理解他的人来说是开放的、宣泄的。这些作品和它们的标题,就像一个个谜语和答案一样环环相扣。以他超现实主义的想象力和艺术实现的技巧,简单的亚克力和纸板的材质就足以让我们产生共鸣。   "观众通过解码和解释作品的内在本质,使作品与外部世界接触,并对创作行为做出贡献。" - 马塞尔-杜尚     讽刺,通常用文字来表达,但也有用艺术的形式来表达,是表达干巴巴的幽默和对现实的扭曲的一种方式。我的南美朋友是讽刺大师,他们说:"由于我们的腐败社会,我们已经有了足够的实践,我们可以通过一些笑声来度过一天。"拉扎罗-富塔多的人文和哲学绘画作品浓郁而富有冲击力,就像一杯上好的马提尼酒。有人说:"笔比剑有力。"我必须补充一句:赫塔多表达了人性的混沌、自毁的本质,但却接受了这种本质。   "当我们意识到自己不了解生活、不了解自己、不了解周围的世界时,真正的智慧就会出现在我们每个人身上。" - 苏格拉底             如果你喜欢这位艺术家,你可能还喜欢:...   SEGUTOART   你只需要我的爱 作者: SEGUTOART55 x 45 cm   Endika Basaguren   金星的诞生 作者: Endika Basaguren80 x 130 cm   不要忘了订阅ArtClip通讯,获取更多有趣的发现。

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