星期三, 10月 20, 2021
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无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办”NO BORDER”群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。

 

享受”不可知性”的艺术

本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。
无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。

当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权
,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。

 

关于参展艺术家 – 兴趣点

 

平田直哉|平田直哉

平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为”雕塑是具有空间性和时间性的东西”,他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:”数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。

 

 

先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3

 

 

 

畑直之 – 畑直之

旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。

 

 

g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10

 

 

 

西木俊介|西木俊介|西木 俊介

西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。

 

 

日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画

 

 

 

忠野绫香 – 忠野绫香

忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了”我们人类有一天会消失”的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野”永恒的缺失/事物总有一天会消失”的主题,产生了一种很感伤的效果。

 

 

还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸

 

 

 

曾超

出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是”气势表现的多少”,他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画

 

 

KS190829 2020 53×53cm 布面油画

 

 

 

尼尔-汤姆金斯 – 尼尔-汤姆金斯

尼尔-汤姆金斯痴迷于实际景观与观者情感之间的关系。他认为,人们通过风景来观察自己的情感,当人们看到或记住一个风景时,自己的情感就会掺杂其中。

 

 

晨曦》2019年46×36cm布面丙烯画

 

 

 

嘉兴赵–嘉兴菜

身在韩国的Gahyo Choe的作品很有意思,她从零开始创造空间,说得很简单。她把自己做过的梦画成草图,然后通过拼接来建立风景,并涂上一层很薄的颜料来表现梦的质感。在绘画的背景下,它更像抽象画,但它也是具象的,我在梦中描绘视觉。在我看来,你画了一条很微妙的线,就像梦想和现实的关系。

 

 

自由世界#1 2019年 65×53cm 水粉、油画粉画、布面。

 

 

 

了解艺术

 

不管是绘画还是表演,我觉得艺术有一点是无法逃避的,那就是它是你能看到的东西。视觉信息是非常强大的。都说人与人之间百分百是表里如一。但我认为,艺术是通过对象的语言来讲述创作者的情感、思想、历史、社会状况等。当然,如果作品在视觉上是完整的就可以了,但我觉得如果你能欣赏到作品背后实际存在的思想,那就更有意思了。

比如,”毕加索的这幅画为什么会这么乱?如果换个角度看,作品的机制就像一个谜语。也许,艺术之谜的乐趣之一就是找到自己的解谜方式。

 

作者简介

 

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式",是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥,你一直以"死"和"生"为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的? -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。 我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:"你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。     不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。   还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术? -这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画,你还对什么感兴趣? -我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。 ,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以,你从那里去艺术?-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。     通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现? -我曾经认为"艺术=自我表达",但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:"艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。 ,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。 ,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西? -是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着"你现在就应该死",观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。   在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗? -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。 ,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展,重点是"活的自己"。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗? ,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

6件艺术作品创造一个破旧的时尚房间

1.破旧的时尚和室内设计的含义 寒酸 "一词的意思是 "用过的","别致 "的意思是 "别致 "或 "优雅",而寒酸时尚是两者的结合,意思是 "陈旧但优雅和有品位"。破旧时尚的室内设计通过融入鲜花、蕾丝和古董等物品,给人以女性化和迷人的印象。这种室内设计在妇女中特别受欢迎,也在年轻人中引起了关注。整个房间倾向于用明亮的颜色装饰,如白色、奶油色和粉色。这个主题显示了女性的平静和优雅。 2.破旧的时尚和艺术之间的联系 因为物品的选择在破旧的时尚空间里特别重要,所以在墙上展示艺术品是非常常见的。关键是要选择使用大量白色来与房间融为一体的作品,选择给人以优雅感的作品,选择含有粉色的作品来增加色彩。另一个技巧是选择一件设计简单的艺术品,并将其陈列在一个古色古香的框架中,以吸引人们的目光。 3.六件艺术品创造一个破旧的时尚的房间 3-1. "银" 这幅作品的灵感来自一面随着时间流逝而变得浑浊的旧镜子。为了显示旧金属的纹理,使用了哑光漆和金属银漆。正如其主题所暗示的那样,它有一种古色古香的感觉,而银色使它很容易与白色的房间融合在一起。在破旧的时尚中,很难从家具和其他室内装饰品中选择旧金属的纹理,但通过这种艺术品的装饰,很容易将画的纹理融入房间。 3-2. "旅程" 这是一幅具有可爱气氛的艺术作品,用粉彩和鲜艳的颜色绘制。它的可爱气氛创造了一种女性化的氛围,并使房间的印象更加明亮。如果你追求太多古代的东西,你可能最终会有太多的厚重感,但你可以通过装饰像这样的流行艺术作品来减少厚重感。白色和粉色非常相配,这些作品即使对初学者来说也很容易介绍。 3-3. "无题(19-39)" 这件艺术作品的特点是结合多种材料来表达画面的皮肤。虽然它是一幅抽象画,但它的画风是有设计感的。在破旧的时尚中,它非常适合于具有豪华感的房间,特别是在国外的室内装修中。这幅画的整体色调是黑暗和平静的,这增强了白色和明亮房间的印象。作品的表面经过清漆处理,保护了油漆,并使其易于清洁。 3-4。"你的头衔3" 这幅画展示了一只独角兽优雅地站着,同时有一种女性的气息。这件作品非常适合那些想在破旧的时尚房间里创造一个温暖的、类似咖啡馆的氛围的人。它还与白砖墙很相配,白砖墙往往有一种温暖的感觉。通过留下强烈的笔触和不均匀的填充,你可以在画的表面感受到人的手的温暖。推荐给那些喜欢女性化和少女气息的人。 3-5. "抽象花(粉色x紫色)" 花朵被抽象地画了出来,粉红色的背景给这件作品带来了女性化的氛围。 表现为黑色条纹的茎,大胆而简单,但如果你仔细观察屏幕上的花朵,你可以看到用墨水绘制的精致而详细的图案,这也是一件非常注重细节的作品。由于其长而窄的尺寸,它可以以充分利用房间空间的方式展示。以植物为主题的艺术品与破旧的时尚空间相得益彰,而且容易装饰。 3-6. "Hono Badi Nei, 2016年" 这幅画有一种独特的气氛,但它是一幅有趣的作品,其中使用了各种表达方式,如用点和影子来表达形状,用大量油彩稀疏地涂抹在上面画图案。颜色是优雅和平静的,它们与融入植物的房间相匹配。在暗淡的浅蓝色或灰色墙壁上展示也是不错的,这在破旧的时尚房间里很常见。这件作品的大尺寸使它成为房间上方空间似乎缺乏的一个有用的兴趣点。即使你有一个大的空间,东西不多,你也可以通过展示这些作品中的一个,给它带来它所缺乏的影响。 总结 一个破旧的时尚房间的特点是,房间里的每件物品都能极大地改变房间的印象。尝试充分利用我们提到的要点和艺术品来创造你理想中的破旧风格的房间。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展将在东京Perrotin举行。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展不仅将在PERROTIN画廊举办,还将在亚洲举办。     纽约艺术家Emily Mae Smith在Perrotin画廊的首次个展。"阿瓦隆"。这是她在Perrotin画廊的首次个展,也是她在亚洲的首次个展。在这次在Perrotin画廊举办的个展中,Emily Mae Smith用她的画作讲述了自己的故事。   她的作品显示了一个完善的自我探索和概念化的过程,以及作为一个艺术家的成熟的技术能力。她的作品融合了各种主题,并经常从西方艺术史和流行文化中汲取灵感,包括象征主义、新艺术图形和迪士尼动画。在她的艺术家生涯中,她发现很多艺术场景都是由男性创造和设计的。在她的作品中,她以一种尖锐的讽刺方式重新利用这些主题,指出了艺术和日常生活中普遍存在的性别歧视和男性权力结构。不过,作为一名称职的艺术家,她并没有将图案照本宣科,而是巧妙地处理。她作品中的主题和表现方法都是具象的。       她创作了口舌等身体部位的特写,最终如梦境般飘走。在她的作品中出现的扫帚就像超现实主义的幻想,但又有些熟悉。很多人都知道,1940年迪士尼的一部老动画片《幻想曲》中,有一把扫帚似乎是活的。在《清洁工和我》中,扫帚部分出现在画面中,但只有扫帚的上半部分在画面中,这就出现了男性生殖器的形象。同时,扫帚还可以象征女人的工作、家务,以及画家的画笔等工具,这就开启了广泛的含义。     从《拾穗者奥达利斯克》中,我们或许还能认出让-奥古斯特-多米尼克-英格雷斯的艺术史名作《大奥达利斯克》,它对我们来说,看似完全陌生,却又耳熟能详。   从视觉上看,她的作品给我们一种画面感。海报,作为艺术作品,它们让人联想到虚幻主义、风景画和超现实主义绘画。包含了很多主题和跨流派。瞬间,陌生的或熟悉的,历史的参考,或作为当代艺术作品的陈述。诠释艾米丽的作品还有很大的空间。最终,她的作品运用各种主题,揭示象征意义,主题集中。从艺术史、文化现场到当代艺术。   1979年出生的Emily Mae Smith目前居住在纽约布鲁克林,并在法国第戎的Consortium博物馆和康涅狄格州哈特福德的Wadsworth Atheneum博物馆举办过个展。   这将是她在日本东京和Perrotin的首次个展,如果你在东京 ,从2019年8月28日到11月9日,一定要去看看 。   Emily Mae Smith "Avalon"   日期和时间:2019年8月28日(星期三)至11月9日(星期六)。 时间:上午11时至下午7时。 周日、周一和公众假期休息。免费入场。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

QUICK INSIGHT第13卷 诺里斯-严的人类社会愿景是痛苦和美丽的地方

诺里斯-严的抽象肖像画表现了生活在当下的人们复杂的内心世界,以及生活在当下的人们的痛苦和美丽,艺术家继续探索当代社会的二维码。 是什么启发你开始创作艺术? 作为一种自我坚持的纪律,我在大学的环境和室内设计课程的第一年就开始画画。在学习期间,通过学习和研究,我的视野得到了开阔,这使我以不同的方式作画,研究自己的风格。然后我决定在我的余生中继续画画,希望有些东西能比生命本身更长久地陪伴我。 你目前工作的主题是什么? 我认为,在迎合资本主义和虚伪的生活中,人们为了生存而放弃了自己原来的面貌,新的面貌取代了旧的面貌。这种感觉促使我创作了一系列的抽象肖像画,表达了对社会的怜悯和悲伤。 这些抽象的颜料代表了我的黑暗面和我的情绪,构成了我作品的基础。 黑暗混沌的毁灭,2021年 宽60×高60×深1.6厘米 点击这里查看我的作品销售 3. 你受到什么影响,你认为什么是你的转折点? 我的转折点是我遇到了威廉-德库宁的作品和技术。 我在研究一部关于大师的纪录片时发现了威廉-德库宁的作品。他的绘画技巧教会了我 "力量"、"无思想 "和 "自由"。 我不想刻意去做这些事情,而是以一种自由的方式,以一种抽象的方式。因此,在绘画过程中,我尝试并能在没有草稿的情况下绘画。 无名氏3321》(2021年)。 宽70×高90×深1.8厘米 点击这里查看我的作品 人物的抽象化有什么意义?你的抽象化过程是什么? 色调说明了美丽与痛苦之间的讽刺。这意味着我们都带着痛苦和压力。 记忆丧失、混乱、生活不平衡。当我们看到,但不能看到。没有想象力的思维,没有灵魂的生活。我们的任务越多,轮廓就越不清晰,细节就越不明确,特别是在对面孔和内心生活的记忆中。这幅画代表了遗忘的过程和遥不可及的想法。 "有一张脸在我面前,但我无法确定它是什么"。 这就是我想描述的感觉。 关于抽象的过程,一开始我喜欢在现场倒入我选择的颜色,然后用调色刀创造纹理。这个过程中的游戏性和自由给了我一种满足感。然后我用调色板将纹理分层,创造出肖像的深度。 最后,我使用蛋糕管来创造独特的纹理,并强调细节的清晰度,如耳朵和脖子。 无名氏 1820 (2021) 宽30×高40×深1.6厘米 点击这里查看我的作品销售 有两种类型的抽象:暴力和猛烈的笔触以及温柔和柔和的笔触。它们之间有什么区别?这些差异对你自己的世界观和表达方式有什么意义? 在之前的风格中,颜色更加强烈,类似于霓虹灯,这矛盾地代表了画面气氛的黑暗。我还认为,颜色的苍白色调代表了由于受到疯狂社会的影响而产生的心灵变化。这两笔反映了当时的情绪。他们都代表我的黑暗,但我们的脸色越深,就越标志着我们正在经历的痛苦。 前一个版本...

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西村幸子:日本萨满教书法家访谈录

"我觉得和神灵有联系,我注重表达人物的意义。" Yukiko Nishimura 西村幸子是一位艺术家、书法家、设计师和企业主。她是国际知名的礼服设计师,是国际小姐和地球小姐的官方设计师。她还拥有一家名为"Ar.Yukiko"的婚纱公司。她不断用自己的艺术才华鼓励和激励人们。本期《TRiCERA》将介绍西村女士的书法作品。在这次的专访中,你将了解到西村女士的成长经历、她所使用的汉字,以及她与神灵的联系。 西村先生使用的汉字。 他与众神的联系 西村的书法作品 在哪里可以买到西村由纪子的艺术作品 西村使用的汉字 "这是日本现在使用的汉字的原形。" 西村幸子的财富 我从未见过有人画古汉字书法。你是怎么开始的? 遇到一位只画古汉字的书法老师,我就爱上了它。此后,我开始学习和制作原创作品。 什么是古汉字? 大约在公元前3200年,也就是纸张发明之前,中国古代就开始使用,是日本现在使用的汉字的原始形态。在中国古代,统治者接受神谕,古文字被刻在兽骨和龟壳上。 西村幸子的《龙》。 你觉得它的魅力在哪里? 因为是象形文字,所以即使不懂汉字的人也能理解其含义。另外,因为和萨满教有关系,所以有我的书法作品的人经常说,这些作品有一种神圣的力量,能改变一个房间的气氛。 与神的联系 "这些经历让我画出了我认为带有神圣力量的书法。" 你在做书法的时候有什么情绪? 我感觉到与神灵的联系,注重表达字母的意义。我的作品的独特之处在于笔触优雅而又有力,在书法中表达字母,犹如神来之笔。 今天画古字对你有什么意义? 从16岁到22岁,我在神社当了7年的宫女。我还在一所大学学习过神道教和萨满教,日本80%的神社首席祭司都受过教育。我觉得自己与神有很强的联系,觉得自己能够通过工作与神对话。这段经历让我画出了书法,我相信书法蕴含着一种神圣的力量。...

人像的正面和背面

池田绫子是一位以肖像画形式输出情感的画家。她不以表现对象的细节为目的,如颜色、轮廓等,而是反映她的情感、思想和她自己内心的运动。绘画是一种自我表达,她用绘画的形式来勾勒自己的精神。 看来你的很多作品都是肖像画。首先,请您解释一下您的作品? -我的作品取决于我当时的心情,所以我并不总是有一个特定的主题来画,但我经常画肖像。但是,我经常用当时的感受表达来画肖像。 我从小就喜欢画画,以前经常画人。我还是喜欢画人,这不是故意的,但当我想到要在画中直接反映自己的情感来表达时,我觉得风景和抽象画不适合。不知道为什么,我觉得人像摄影是直接表达自己情感的最好方式。 鲜艳的R_02,53×45.5cm。 你作品中的人是用随意的颜色画出来的,而不是用写实的手法。这些图案是虚构的吗? -不,想象力不是我的专长,所以我画画的时候有一套原型。但是当我看到完成的作品时,却和我的形象不一样,所以有时候我在想,原型是否有用?身体各部位的颜色是在看图片的时候决定的,所以有时候皮肤的颜色是随机的,比如绿色。就像我之前说的,我的感受反映在我的画作中,所以当我看到完成的作品时,我当时的感受又回来了。我只有在完成一幅画的时候才会被说服,而不是在我工作的时候。 献给P_07,19.5×25.4厘米。 你是不是一直想成为一名画家? -没有,但我从小就喜欢画画。我不能像漫画那样编故事,但我会画画,所以我决定去读美术学校。学校的倾向是叫我画全身,但我觉得脸更有趣。在学校里,我主要学的是插画,但随着学习的深入,我对"客户工作"的兴趣越来越小。我想画我想画的东西。 你说你的作品反映了你当时的情绪。但是你想画的东西会不会因为图案的不同而改变呢? -这要看情况,但我没有真正的流程。我想我在忙于其他事情的时候往往会画肖像。所以我觉得我在通过画画来释放自己的情绪。 去年秋天,我捡到一只麻雀,和它相处了大约两天,不知为什么,我觉得有一种冲动,想画一些肖像以外的东西。所以当时我画的是脸以外的图案。也许这个主题会改变,也许不会,这取决于我遇到的人或我对未来的看法。

外在和内在的艺术。外来艺术的艺术家

局外人艺术是艺术评论家罗杰-卡迪纳尔在1972年提出的一个概念。换句话说,它是一个技术术语,指的是没有接受过正规艺术教育的艺术家所创作的艺术。  在本文中,我们将介绍ACM画廊所经营的一些艺术家,他们的作品都是这种非常规的、自由的局外人艺术风格。 Takayuki Fujihashi 1963年出生的藤桥,20岁时在新明塾结识了朋友,发现了绘画的乐趣,拓展了自己的世界。 二三十岁时,他在染坊、干洗店积累了实战经验,认真踏实的工作得到了高度评价。此后,她加入了Sora工作室,并在纱织和陶瓷绘画中展现了她的形式感。目前,她独自生活,目标是独立。 点击这里查看艺术家的详细信息 Kaguratani 1971年出生,在冈山县津山市生活和工作。神乐谷总是对自己感兴趣的东西进行调剂,他有一种强烈的愿望,想把自己感兴趣的东西赋予形式,所以他根据自己的兴趣进行油画、水彩、设计、物件等创作。几件作品同时在制作,在他的工作室里还有很多正在制作的作品。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 XL 1967年出生,2006年起成为NPO Swing的成员。初中毕业后,他找了一份泥水工的工作,但被人欺负,离开了公司。他活跃在艺术创作活动"Oretachi Hyogen-zoku"、京都人形交通指南"Anata no Doko, Teishimasu"等多个领域。目前,他正带领Swing在多个领域开展"工作"。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Terai Ryosuke 1985年出生。他对棒球的热情,吸引着身边的动物和事物陆续进入棒球的世界。即使是那些乍一看毫无关联的事物,如果追根溯源,其实也是从棒球开始起步的。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Hironobu Matsumoto 1991年出生的松本,两三岁就开始画画,3岁时被诊断为高功能自闭症。他的许多作品都反映了他当时的兴趣,他通过将这些作品转化为他认为属于自己的图像来进行绘制。他从300支彩色铅笔和约100支水性笔中毫不犹豫地选择颜色。他从不使用尺子、橡皮、修正液,作品精准、细腻、色彩丰富。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 日本首创的外来艺术在世界范围内有了被认可的迹象。他的作品看似陌生,但其内涵却赋予其无边的力量。

3分钟新闻–下一个艺术家从哪里来?

位于新宿的相扑日本美术馆成立于1976年。该馆是东京著名的美术馆之一,收藏了梵高的《向日葵》、高更、塞尚等人的作品,每年举办5次展览。 猎人的盛宴 Shiori Saito 油画/布面,162×194cm,2019年。 这个一直在努力发掘年轻人的博物馆,举办了第八届比赛。以"不分年龄、不分籍贯、具有真正实力的作品"为条件,向全国征集作品。 虽然此次展览因冠状病毒而取消,但此次从全国875件作品中精选出71件获奖作品参展。 展望明天 大槻和弘 布面丙烯,162×194cm,2019年。 我们想通过部分获奖作品的亮点,向大家介绍日本年轻的艺术界。 关于身体的记录 Matsuura Kiyoharu 布面丙烯,162×130.3cm,2019年。

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