星期四, 5月 6, 2021
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窥探美国当代艺术的流变–美国艺术家特辑。

当你想到美国艺术或艺术家时,你会想到什么或谁呢? 8月是美国艺术家欣赏月,这是发现新的美国出生或在美国的艺术家的好时机。

二战结束后,此前一直标榜全球影响力的欧洲国家无力保住自己的实力,美国奋起直追。不仅在政治、金融领域如此,在艺术领域也是如此,美国文化的弘扬和输出比以往任何时候都要大。尤其是波普主义、极简主义等艺术运动对当代艺术的发展进程产生了深远的影响。

Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Donald Judd, Frank Stella……。诸如此类,不胜枚举。正是由于他们的存在,我们才能享受到今天的艺术。美国的政治形象在我们这些非美国人看来,可能没有那么高尚,也可能没有我们现任总统希望的那么伟大。

但幸运的是,世俗的事务对我们享受艺术创作没有影响。让我们带着来自希望与梦想之地的光辉艺术,踏上快乐的逃亡之旅。

Brian Schorn

禅院片断 26×14厘米

A.C.D.

年轻的Serena 92 x 61厘米

赛斯-金

不请自来的客人通过。 76.2 x 76.2厘米

劳伦斯-李

双雷 30.48 x 30.48厘米

Edward Burden

她的妆容很完美 30.4 x 30.4厘米

现金-库珀

Sandra Mack-Valencia

Carl Goss

Clint Imboden

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

C-DEPOT: 日本現代美術ユニット

C-DEPOTは、70~80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか? A:アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Q:自分のグループはどのくらい成功したと思いますか? A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q:C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか? A:2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q:様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A:そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか? A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか? A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか? A:メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか? A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか? A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2~3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q:「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか? A:いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q:「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか? A:日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Q:今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q:TRiCERAに期待することは何ですか? A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

迈克尔-托恩斯,”纸上绘画1995-2019″

8月24日至10月12日由田口美术公司举办。     田口美术很高兴在今夏和秋季举办德国画家Michael Toenges的个展。Michael Tenges是德国画家,生于1952年,常驻勒沃库森。他的一些作品被科隆的科伦巴博物馆和瑞士的阿劳博物馆收藏。虽然他主要活跃在欧洲,但此次"纸上绘画1995-2019"个展是他的作品首次在亚洲亮相。本次展览的一个独特之处在于,所有展出的作品都是在纸板上绘制的小件作品。据画廊介绍,这些小型作品并没有像其他大型作品或布面油画那样受到关注。虽然纸板上的小作品被认为是准备性的和零碎的,但它们值得注意,因为它们是他对色彩进行实验和斗争的证据。本次展览展出了他从1995年的旧作到为本次展览准备的最新作品。       Toenges通过在木板和画布上层层叠叠地涂抹油彩来探索色彩的多样性。滕格斯说,他主要关注的是色彩的安排、对比和构造,而不拘泥于形象和形式。他专注于探索色彩和颜料的物质性,他认为这是绘画的基本要素。   腾博会登录通常不提前准备草图,在没有参考图像和计划的情况下进行绘画。Tenges的绘画是自发的,没有任何特定的形象,但同时他研究了历史上其他画家使用的色彩构图,如乔托、弗拉-安杰利科、波提切利和戈雅。从不断的研究中获得的知识积累,似乎让他能够毫不犹豫地作画。   事实上,他的作品看似是一次创作,只是因为没有计划性,但从技术上讲,这个过程是将颜色涂在木板上,让其干燥,然后不断重复这个过程。这样一来,他的绘画可以说是艺术史上对色彩运用的长篇研究。   由于他的作品具有快慢两种速度的特点,我们也能感受到两种魅力。首先是它们一下子就抓住了我们的注意力,就像天格画画时毫不犹豫的那一刻。第二,就像他努力的过程一样,让我们在他的作品前久久驻足,你可以在田口美术慢慢欣赏他的作品,直到10月12日。   迈克尔-托恩斯,"纸上绘画1995-2019"   日期:2019年8月24日(星期六)-10月12日(星期六)。 开放时间:下午1时至7时 周日、周一和公共假期休息 >     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

石井野夫:晚开的奇迹,给世界带来微笑。

对于一个在Instagram上建立了5.2万狂热粉丝群的艺人来说,石井野夫的了解并不多。他每天发布高质量的作品,却没有任何形式的关注,这足以说明他的魅力。毋庸置疑,他是一个晚辈,但这可能就像一座休眠的火山爆发,喷出大量岩浆。他的创造力从未减弱,并继续绽放。   然而,他的多产只是其中一个因素,他即使到了晚年,仍然是个孩子般的天才。因为石井野夫天真无邪的好奇心,才是他的幽默主题和各种绘画、荒诞陶艺、老式陶艺技术的关键。他看似古灵精怪的幽默感,却被他身上少年的甜美浪漫主义所平衡,即使是开性玩笑,也能被接受。   以及石井用纸墨的画法,用笔干净自由。伊西认为,只有当艺术家本人享受创作时,观众才能享受他的作品。所以当我们看到他的作品时,可以放心地微笑。这对我们来说是一种宣泄,也许对他来说也是一种与癌症斗争的经历。他每天都在用自己的艺术解放52K+粉丝的心。   要在TRiCERA.Net上看到更多石井野夫的作品,请点击这里。     P.S.希望他的粉丝们能懂日语,因为有些标题是奥义噱头,我想他们看到后会更加欣赏他的作品。   See You16 x 22 cm   日文标题是"Jar Ne",意思是像英文"See ya"一样的随意尊称。它玩的是"罐"字(虽然是茶壶),两边有两个人在说"再见"。   37 x 26 cm     https://www.instagram.com/p/B9dgr9uJF7t/?utm_source=ig_web_copy_link   https://www.instagram.com/p/B3iqawTJ0aV/?utm_source=ig_web_copy_link       https://www.instagram.com/p/BwLIpVCJnnK/?utm_source=ig_web_copy_link     更多有趣的发现,别忘了订阅ArtClip通讯!

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画家、画布和另一边。

我想向对方伸出手,或者说,我想看对方,同时体会画家的位置、画布的位置、对方的位置等多个层次。 佐佐木成美是一位将画布剪开,将彩色玻璃、矿物等材料以拼贴的方式排列在画布上的画家。她说,她的绘画世界,是用多种材料层层叠加的,类似于"挖掘画布"。 在代官山LOKO GALLERY研究生院毕业后的首次个展上,我们对她进行了采访。 郁金香,夜 油画/陶瓷,42×33cm,2018年。 首先,您能给我们简单介绍一下您的展览和作品吗? -至于作文,我主要选取了自己近一年半来的作品。我从大学毕业大概一年半了,这是我大学毕业后的第一次个展。 经常有人问我,我的作品是雕塑、立体作品,还是绘画,但在我看来,它们是绘画,我把它们作为绘画来呈现。我画了很久的画,有一段时间我又在自己的内心仔细地探索什么是绘画,我并没有真正意识到这一点,但这次我的印象是,它已经作为一个作品或一个展览出来了。 草编 油画/石头,50×32.5cm,2018年。 这是关于绘画行为本身吗? 另外,我觉得在你的作品中,拼贴的元素很突出,这也是一个结果吗? 嗯......大概是在2017年左右,我明确地转向了切割画布和拼贴等结合的事情。其实那个时候我在法国留学了半年左右,这对我来说是一个挺大的起点。 我去那里学习现代艺术,除此之外,我还对宗教设施产生了浓厚的兴趣。在那边,有基督教教堂、伊斯兰教寺庙、犹太教寺庙,以及各种情况混合的设施。我对看这种地方的装饰艺术很感兴趣,但当我去了几个地方之后,我就被这样一个事实所吸引,那就是人们为了生活所追求或不得不追求的精神结构以及与这种结构相配套的产品都是一样的。我很着迷,当然,他们每个人都是平等的。我还不能真正的用语言来表达,但我想,画画可能就接近于这种欲望。但是为了让这个愿望得到满足,不仅仅是这样,还有一些不一样的东西,比如说......我真的觉得,我必须要等待一个我无法控制的大力量来发挥作用。我想我的工作就是这样改变的。 所以你因此开始剪画布等? -是的,它是。我还没能用语言表达出具体的因果关系,但一开始我是把东西拼凑在一起,然后我开始用各种材料填充画布,就像某种装饰一样。 材料似乎有差异,但又似乎有共同点。 是的,我选择的材料都是贴近自然的,有一点。木头、陶瓷,还有玻璃、彩绘玻璃。这样的东西混合在一起,也不一定是好的,有时候我觉得一点都不好,但是我在等自己去做这样的组合。这时我就开始剪画布了。 是作为处理这种混合事情的一种方式吗? -当我在画画的时候,我已经迫不及待了。有的时候,我在饱和状态下画画,却无能为力。当我想把它颠倒过来的时候... 或者说,当我想把它颠倒过来的时候,我就把画布剪掉。 但是当我切开的时候,我真的很惊讶,连我自己都很惊讶。虽然我自己也在剪(笑)。(笑)我说:"哦,我切了。...

无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办"NO BORDER"群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。   享受"不可知性"的艺术 本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。 无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。 当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权。 ,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。   关于参展艺术家 - 兴趣点   平田直哉|平田直哉 平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为"雕塑是具有空间性和时间性的东西",他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:"数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。     先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3       查看工作细节   畑直之 - 畑直之 旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。     g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10       查看工作细节   西木俊介|西木俊介|西木 俊介 西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。     日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画       查看工作细节   忠野绫香 - 忠野绫香 忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了"我们人类有一天会消失"的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野"永恒的缺失/事物总有一天会消失"的主题,产生了一种很感伤的效果。     还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸       查看本作品的详细信息   曾超 出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是"气势表现的多少",他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画。     KS190829 2020 53×53cm...

艺术品慈善拍卖在中国。艺术能为科罗娜的灾难做些什么?

 艺术对人类有用吗?    思考的方式有很多,但考虑到它的实际功能,可以说是无用功。如果要我用最近新闻中流传的方式来形容,我会说这是"不必要的、紧急的"。    在电晕灾难发生后,日本政府对从事文化艺术的专业人士的补贴受到了不小的批评。文化艺术的"无谓而急"论甚嚣尘上。当德国和世界各国都在为文化艺术提供慷慨的支持时,日本却一反常态。然而,我们日本人需要知道的是,在像现在这样的危机时期,艺术可以以意想不到的方式对社会有用。    据美国艺术杂志《ArtReview》报道,中国一批博物馆和文化机构决定向100多所受冠状病毒大流行影响的学校提供预防卫生用品。这笔资金将来自HOW博物馆、艺栈、现代传媒集团(ArtReview和ArtReview Asia为其成员)、ART021ArtReview》和《ArtReview亚洲》是其成员)、ART021以及80多家国内外知名艺术机构和画廊(包括Hauser & Wirth、Edouard Malingue、BANK、Perrotin和Lisson)。捐赠的艺术品、版画和珍稀藏品的义卖所得,将由慈善机构上海宋庆龄基金会用于购买儿童口罩、数码体温计、消毒剂等防护物质。      拍卖会将于3月2日(版画、版画和收藏品)、3月3日(当代艺术一)和3月4日(当代艺术二)开始,每场拍卖将持续两天。虽然何迅、aaajiao、尹秀珍、Lorna Simpson、Gregor Hildebrandt、Esther Mahlangu等人的作品已经被捐赠,但拍卖会还在寻求个人艺术家、赞助人和企业的捐赠。    主办方在募捐活动的声明中说:"疫情确诊病例不断增加的背后,是未感染者的贫困生活。面对这场疫情,我们向那些在医疗战线上奋战的人们致敬。他们为抗击病毒所做的勇敢努力,使我们处于更安全的境地。我们希望通过我们的艺术,让大家看到,在这个困难的时代,艺术具有激发勇气的力量,我们必须要做的事情,让我们能够在这个充满不确定性的时代,向往更好的生活。     虽然最近解除了紧急状态,但"和科罗娜在一起"的生活还将继续,隐居的生活方式很可能在未来一段时间内继续。在这种情况下,电子游戏、漫画书、电视等娱乐方式,让我们感到娱乐,是因为艺术家们用一生的时间和支持他们的人,培育出了坚实的文化艺术土壤。    我相信,生活的丰富性就隐藏在艺术这种"不必要的、紧迫的"东西里。   参考资料来源: https://artreview.com/news-27-february-2020-auctions-coronavirus-pandemic/ 版权所有,ArtReview。

富士与绘画的蜜月关系

 富士山是世界文化遗产,位于现在的静冈县和山梨县之间。  富士山是日本最高的山,自古以来就被尊为神灵居住的山。这不仅是因为它是日本最高的山,还因为它拥有绝美的山脊。另一方面,它也是一座令人敬畏的火山,烟雾缭绕。  众所周知,富士山一直是日本绘画的热门题材。然而,即使在今天,它也不仅仅是自然的一部分,日本人对自然和文化的看法,在一座山中找到了宗教和艺术的价值,似乎并没有减少。本文介绍了一些画庐山的艺术家,他们的作品都是以庐山为题材。 Kenta Nakajima 点击这里查看艺术家的详细信息 Yurino Yama 点击这里查看艺术家的详细资料 Ayaka Aso 点击这里查看艺术家的详细资料 YUKIMI 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Hiroki Takahashi 有关艺术家的详细信息,请点击这里 松崎大辅/河合大辅 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Shinpei Kawai 有关艺术家的更多信息,请点击这里 deTaka 有关艺术家的详细信息,请点击这里  富士长期以来一直在反复地画。富士,但我们对它百看不厌,这是艺术家的杰作,也是日本画坛的骄傲,美丽的神山。

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土田圭介:用铅笔画来表现心理状态

我想做一个永远表达自己内心真实想法的艺术家。   一个挑战 作者:土田圭介       新锐艺术家土田圭介与同时代艺术家的不同之处在于,他的工作方法是使用细腻的垂直线条和22种不同的石墨调色板。在铅笔画方面,现实主义当道,但津田始终没有放弃他的幻想魅力。他的作品旨在唤起个人纯粹的情感之旅,从喜怒哀乐到同情和悲伤。 在这次采访中,我们谈到了津田的想象力的起源,他与主流现实主义的分歧,以及支撑他风格的力量精神。本篇访谈经过翻译,并为篇幅和清晰度做了轻微编辑。 无中生有 探索单色的梦幻世界 以物化的形式表达无形的精神。 土田圭介的铅笔画哪里买? 无中生有 那一刻,我决定要做一个像他一样的艺术家,因为那是我儿时的梦想。 你是如何发现自己是一个艺术家的? 我一直对无中生有很感兴趣,而绘画是实现这一目标的自然途径。 小时候电子游戏非常流行,我对角色扮演游戏及其故事特别着迷。我还读过游戏题材的奇幻小说《地海的故事》和根据热门电子游戏改编的小说《Ys》。 让我记忆犹新的是在学校图书馆里找到的日本漫画小说《阿基拉》,和《地海的故事》一样,我也看不懂它的奥妙,但这也是我喜欢它的原因,因为它奇特有趣。我想这种感觉,这种故事中的神秘感和复杂性的刺激,是我作品的核心。 走马观花 作者:土田圭介       高中毕业后,我在一家普通的公司找到了一份工作,但我觉得自己有些不对劲,我经常对自己的人生产生怀疑。有一天,我我看了Alphonse Mucha的作品展。看过Alphonse Mucha的作品后,我被他的美学意识、技术和他传达思想的方式所震惊。我想成为像他一样的艺术家,这是我从小的梦想。最终,我决定辞去工作,成为一名正式的艺术家。 你为什么选择铅笔画作为你的媒介? 辞去工作后,我在一所艺术学校学习。那段时间,我不断寻找自己的风格,尝试了很多不同的方法。当我在尝试各种艺术形式和技巧的时候,我意识到自己太过沉迷于"艺术"的概念和自己的想法。于是,我决定回归到最简单的纸笔形式,牢记我画的是我心中的东西。 在你的生活中,哪些艺术家和艺术作品对你影响最大? 那应该是Alphonse Mucha和Norman Rockwell。两位艺术家的风格都很简单,但底蕴深厚。我渴望有一天能成为像他们一样的艺术家。 探索单色的梦幻世界 ...我试图表达一种深度的情感。你可以在忧郁的表情中找到温柔和快乐......。 在一天结束的时候 作者:土田圭介       当木下进这样的石墨铅笔艺术家的现实主义作品越来越受欢迎时,木下进的作品却因其幻想的世界观和故事而脱颖而出。你的独特风格追求的是什么? 在任何一部小说中,读者都可以通过文字自由想象人物的面孔和景物,但我的作品却与此完全相反。观者能够通过作品想象故事和情感。 我也希望自己能给观众带来一定的帮助。我不想创作不坚持强势信息或宣扬不必要的说教的艺术,而是要创作能提供情感支持的艺术,就像在你悲伤时,有人默默地陪在你身边。 这就是为什么我试图表达我的情感的深度。因为我相信,悲伤的原因之一是失去了珍贵的记忆。我想描写的是这样一个有深度的世界,即使在悲伤中也有心地善良的人物,即使在寂寞和艰辛的低语中也有欢乐的场景。 你想通过你的艺术表达的信息是什么? 我想创造的是事物的精神,但它们是无形的。所以我对绘画情有独钟,因为绘画是一种最简单的表现形式,排除一切外在物质,只留下光影。铅笔艺术通过画阴影来暗示光线。像我这样简单的艺术,有很多不同的解释。我不想把自己的想法和思想强加于人,而是要表达一些核心的东西,让大家在某些时候能够感同身受。 为什么你专注于建立自己的风格,而不是跟随最近的现实主义潮流? 现实主义已成为铅笔画的主流。这种类型的细节和阴影非常令人印象深刻,但我从来没有兴趣从现实世界中绘制主题。相反,我更愿意从自己的内心汲取灵感。我想我只是喜欢无中生有的想法。 铅笔画比其他任何媒介更能表达什么? 当你近距离看的时候,其实可以看到每一条线,作品的印象会随着你看的角度而改变。通过观察艺术家的触觉,你可以感受到艺术家的激情和精神。 我觉得铅笔艺术很特别,它的工具和材料都是大家熟悉的,但它却有无限的可能性,可以表达任何你能想到的东西。我也喜欢它的简单。就像我小时候用过的一支铅笔,到后来还能用。 除了画画,你的灵感来自哪里? 游戏、动漫、电影、漫画小说、幻想小说、音乐。比起现在,我更喜欢80、90年代的文化。比起流畅的高分辨率游戏,我更喜欢像素化的游戏,比起CGI动画,我更喜欢手绘的cel动画,我更喜欢带背景噪音的卡带。我喜欢这些过去的东西给我的温暖感觉,怀旧是我创作的动力。 异界之风 作者:土田圭介       以物化的形式表达无形的精神。 ...精神是我试图通过艺术表达的核心。 在你的作品中,主题和周围的空白空间似乎有强烈的对比,这是一个有意识的决定吗?这是一个有意识的决定吗? 在我的一些作品中,我有意玩弄细节和周围空间的动态,但有时结果是无意的。我有意识地将这种设计元素融入到我的作品中,因为我想"画"出虚空,或者换句话说,我画的是突出虚空。 在我的作品中,无意的对比来自于没有背景的主体绘画灵感。我不画背景,因为我想把它留给观众的想象力。我的一些作品可能看起来过于简单,但我通常不会画背景,除非这个想法非常适合主题。我的大部分作品都是有背景的,其灵感与主题紧密相连。 你的风格似乎比你同时代的大多数人更平易近人,更悠闲。你希望通过你的作品唤起什么情感? 我们来谈谈对我的画风影响很大的两个人。 上学的时候,我有一个朋友,不管同学们对他有多不好,他总是笑眯眯的,从不反抗。有趣的是,事发时,我才是那个愤怒的人。我很尊重我的朋友,因为她有实力遵守自己的规则,不反击,不像那些参与欺凌的人。 我的另一个朋友在我被全班同学忽视的时候帮助了我,因为他们把我当成了不怎么说话的人。他是唯一一个和我正常说话的人,他帮我度过了在学校的孤独时光。 在这两位朋友身上,我感觉到他们的精神中有真正的力量,而不是权威或显赫的力量。同样的精神也是我试图通过艺术表达的核心。 睡眠之林 作者:土田圭介       曾经有一段时间,我痴迷于艺术必须精致的想法,我试图创造自己的"精致艺术"理念。但由于追求这个想法,我远离了我想表达的东西,也就是我精神的真正力量。 有时我把生死等哲学概念作为我的主题。例如,2011年日本东日本大地震时,我画了它作为对遇难者的纪念。但这样的题材感觉不自然,所以我不打算以后把它作为我的主攻方向。我想描绘的是日常生活中的情感和思想。我想继续做一个表达自己内心真实想法的艺术家。 土田圭介的铅笔画哪里买? 我们很自豪地说,你可以在世界任何地方买到土田圭介的铅笔作品。请看一下他的作品,以及其他日本当代艺术家的作品。

艺术与食物的甜蜜结合-渡边大作

对美食的热爱是世间不变的。 显然,7月是美国的烹饪月。尽管烹饪的风格不同,但烹饪是一门艺术,两者同样丰富了我们的生活。 虽然在国外只以寿司和拉面闻名,但日本是一个有着无比丰富的饮食传统和文化的国家。此外,在餐馆里看到的"食品样品"展示,也因其令人流口水的真实感和不寻常的创意而受到欢迎。这一期,我想和大家分享一位独特的日本艺术家的作品,他将食物(甜食)融入到他的艺术中。在日本,人们往往羞于在公开场合表达自己的爱,但在爱吃方面,人们似乎过于公开。在国外生活,经常看到日本朋友在Instagram上炫耀自己的美食照片。不管是在家里还是在餐厅。就我而言,我对他们的肚子不感兴趣,我只想知道他们在做什么。可惜,我现在不能取消关注他们,我不知道该怎么办。 即使是在海外非常流行的Tinder类找对象的应用,在日本也是用食物的图片代替杯子的照片,不再像UberEats的菜单那么丰富。不知道他们是不是很期待今天的约会选择乌米饭,明天的约会选择烧肉。抛开我的疑惑,我们再来介绍一下糖果装饰艺术的先驱渡边大佐。 点击这里查看他的作品详情 渡边称自己的作品为"假奶油艺术",这是有道理的,因为它是用奶油从袋子里挤出来的,就像制作糖果一样。然而,谁又能想到,用奶油做成的圣母像会优雅地竖立在蛋糕上呢?佛陀身披甜美的诱惑,但他却冷静地沉浸在禅宗中,不被世俗的思想所干扰。奶油其实是用树脂做的,但就像餐厅里的食物样品一样,他的再创作能力(看起来很好吃的假糖果、水果、纸杯蛋糕)有着不可抗拒的吸引力。写这篇文章的时候,我觉得我的口水都快流出来了。 点击这里查看作品详情 他的使命是用他的艺术和糕点天赋,通过甜品艺术给人们带来幸福。鉴于皮埃尔-奥古斯特-雷诺阿是一个裁缝的儿子,也是伟大的印象派画家,他擅长画衣服,父母的影响可想而知。渡边选择雷诺阿的著名画像《戴蕾丝帽的女孩》作为对艺术家的品味致敬,绝非偶然。毫无疑问,这是一位让人赏心悦目的烹饪大师的精品之作,即使无法用味觉来欣赏。 点击这里了解更多作品信息 日本是一个亚洲文化和西方文化融合的国度。历史上,日本人生产了高质量的改良产品,如燧发枪、照相机、汽车等。文化与艺术也无一例外地被融合、被改造、被输出。在Osamu Watanabe独特的厨房里,西方的艺术和点心与日本的创意和卡哇伊运动有了幸福的邂逅。 点击这里查看更多我的作品 想看更多渡边大作的艺术与美食幸福感的朋友,可以到TRiCERA.NET领取菜单。如果这篇文章吸引了您的味蕾,请订阅我们的电子报。 有关渡边治的更多信息。此处

日本的秋天与艺术

 过了8月,一直折磨我们的炎热终于缓和下来,我们终于进入了秋天的季节。  都说秋天是运动、读书、开胃的季节。但对于艺术爱好者来说,秋天就是艺术的天下,不是吗?顺便说一句,"艺术之秋"这个词本身在其他国家是没有的,据说是日本独有的。  第一个原因是日本的大型展览,如"日花展"、"日天"、"仁天"等,都是在秋季举行。也有人说,秋天气候宜人,让人们有更多的时间去欣赏艺术。  秋天是一个月朗风清、秋叶飘香的季节。在这样的季节里,不厌其烦地用图片欣赏它们,是多么的优雅。在本文中,我想介绍几幅描写月色和秋叶的作品,这些作品就像日本人的原始风景一样。 Yoshihiko Daichi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Keiko Kobayashi 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Edi Matsumoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Sachi Oizumi 点击这里查看艺术家的详细信息 Hitomi Fujikawa 点击这里查看艺术家的详细信息 千加子音 点击这里查看作品详情 秋 点击这里查看详情

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...