星期一, 10月 18, 2021
Home Curator’s Eye 续雨~最熟悉的不凡之道。

续雨~最熟悉的不凡之道。

 雨对于人类来说,可能是最熟悉也是最不平凡的东西。

 而这一不平凡的事件也催生了无数的电视剧,并以小说、绘画等各种形式在人们心中泛起了涟漪。

 日本人对宇多川广重的《大桥晚照》从教科书上就很熟悉。你知道吗,这幅据悉是梵高临摹的作品,是世界上第一幅用线条描绘雨的作品。(有各种不同的理论。)在此之前,雨在绘画中一直是用伞和光线在湿地上的反射来表现的。然而,当”大锤头的晚上”横渡大海时,世界上雨的形状被更新了。

 在本文中,我们要介绍的是几位艺术家,他们追求的是一种新的雨的表现形式,以取代150多年前的名画《巨锤头的夕阳》。

漆艺

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Sousyu Kikuchi

香雨I
19.3 x 19.3厘米
Kameu
Ⅱ19.3 x 19.3 cm
.

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Kiho Ujie

雨水正在上升
80.3×65.2厘米

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Kayoko Tamino

在那个雨天
161 x 73.5 cm

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Sai Seinan

湘乡八景-湘乡夜雨
145×80厘米

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LOCO


雨季
的开始
45.5 x 38 cm
雨,十一月
153 x 45.5 cm
雨,十一月
653 x 45.5 cm

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Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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艺术家介绍[由亲戚的作品]。

与亲戚职业相近的人并不少见。尤其是音乐人和运动员的地位非常突出,在统计上有一定的关联性。可以预料的是,有很多人的父母是艺术家,在很多情况下,可以看到父母作品的影响。   然而,即使亲属不是艺术家,也会间接影响作品的创作。有时它们可以成为图案和灵感的来源。他们往往可以成为一个有抱负的艺术家的催化剂。以至于近亲的职业是艺术家创作过程中的一个重要组成部分。   在本文中,笔者想从侧面探讨这些亲属的职业与作品之间的关系。   父亲:贸易公司员工   Saori Kanda   当Kanda还是个孩子的时候,由于父亲是贸易公司的员工,她在巴格达(伊拉克)和迪拜(阿联酋)待过一段时间。在异国他乡的生活中,她接触到了世界的美丽和日本的魅力。    她自称是"会跳舞的画家",她的艺术表演是以用全身感受音乐的波浪来作画为理念。身体本身也成为画作的一部分,在大屏幕上翩翩起舞。画家动态创作的笔触具有生命的活力,生生不息,消消不息。他们的循环就像一个生态系统。    肢体表现的作品与白贺和夫、杰克逊-波洛克的动作画一脉相承,而用灯光、音乐、舞蹈、香道、服装、发型、化妆、舞台艺术等充实空间的表演,作为独特的表演艺术受到高度评价,被评为世界遗产/冲绳此外,这里还被注册为世界遗产/冲绳中城遗址。他们还曾在奈良的天河台弁天神社、冈山的黍光彦神社、台湾、上海、香港等地进行献纳舞蹈表演。美国、瑞士、法国、哈萨克斯坦、印度、缅甸、菲律宾等。她还曾被邀请到日本。    她在世界各地旅行,吸收与当地人的接触,并以舞蹈家和画家的身份精力充沛地展示她的作品,超越了国家和种族的界限,但我们可以认为她的成长经历与她原有的经历密切相关。     点击这里查看更多康达的画作。   https://www.tricera.net/artist/8100114   父亲:铁匠   Hiroko Tokunaga    童年时代的铁匠--"单造"的存在,似乎塑造了德永独特的创作态度。上大学时,她的专业是油画,但在探索了通过"做东西"而不是"画画"来表达自己的可能性后,她找到了雕刻丙烯板的方法。这就是她的极限。她现在的作品有一种当代"高大上"的感觉,但同时它又不仅仅是艺术。此外,它还让我们感受到一种更基本的制作行为。    也许是因为我知道她的父母是铁匠的缘故,但我不禁觉得铁匠和德永的作品和创作有共同之处。从远处看,她的作品很现代,很整洁,但同时也很没有人情味,很冷漠。它们就像铁匠刚刚锻造完成的铁制品。    不过,近距离看,这些切割出来的点和线却呈现出不同的面貌。它们非常精致,但人们可以肯定地看到人类技艺的痕迹。这些作品的温情,似乎体现了铁匠世家事业代代相传的内在匠心精神。有。通过观察点与线的"堆积",观者"感知"到她从美术到"造物"的所有感觉,以及通过这种过渡获得的点与线的"连接",这是她在大学时代用画笔所体会到的。     点击这里查看德永宏子的其他作品。   https://www.tricera.net/artist/8100373   姐姐:服装商人   Shimpei Ishikawa    石川的姐姐是学时装的,所以在她青春期的时候,周围都是时装杂志。他在杂志T台上看到的模特都是对称的。艺术模特作为一个艺术家,一定会牵动石川的心弦。此后,在他的图案中开始出现类似模特的身影,即使是现在,石川对模特的兴趣也很高。这与他的工作基础有关,即"感受和想象"。    他经常用衣服遮住模特的脸和身体,使其变成与人体原形不同的形态。它已经完成了。通过人为的穿衣行为,他们就像娃娃一样变成了"被制造"的零件。不过,在跑道上行走的双腿是人类原形的一部分,可以说是"造与不造"。这两种元素的并存,撼动了观者模糊而又生动的"感觉和想象"。这两部分的并存,撼动了观者模糊而又生动的"感觉与想象"。因为有"作"的部分,所以"作或未知"的部分有一种空白。 这样一来,就鼓励我们这些模型的观众发挥想象力。    石川在他的作品中再现了一模一样的东西。人为操纵的作品形式与观者无意识的形象共存,相互影响。他的作品,是通过实践完成的,其本质是一种创作过程。他创作的前提是里面有一个人,故意给观者留下想象的空间。手被握住了。观者会自觉地意识到,有手的作品是"被制造"的部分,没有手的作品是"被制造或未知"的部分。与作品的互动关系是以前后左右为界限的。 不仅如此,它还会让我们重新考虑什么是意识。   对石川来说,用木块雕刻人的行为和衣着的结构是他作品中的自然元素。这是一个结,是我们看似奇怪的行为。然而,"感受和创造"的心理功能可能隐藏在我们的日常生活中,隐藏在时尚模特身上,出乎意料。     点击这里查看更多石川慎平的作品。   https://www.tricera.net/artist/8100381

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不管各自的立场如何不同,对山水画的看法一般都停留在"画出山水来"这一点上。 本文介绍的樱井麻衣、田野绫香、尼尔等人的作品,在物理意义上与真实的风景有距离,但在画面上展开的画面却伴随着他们的情感,获得了一种全新的形式。 艺术家细腻地解读着生活在山水中的事物的情感、记忆、征兆和痕迹,并将它们与他们的思想运动和内心现实混合在一起,创造出一种新的景观,这种景观不是现实的复制,而是与艺术家的目光交织在一起。 樱井朝日(1996-, 日本) 时间的变化(正午)19 x 33.3cm画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 变化的时间(夜)19 x 33.3cm,画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 海岸(宽)22 x 54.6cm,画布丙烯45,000日元。 点击这里查看作品 Neil Tomkins(奥地利) 蓝房子36 x 46cm,画布丙烯165,000日元。 点击这里查看作品 蓝色灯塔140 x 171cm,画布丙烯473,000日元。 点击这里查看作品 火树街95 x 89cm, 压克力画布308,000日元。 点击这里查看作品 忠野绫香(1992年至今,日本) 融化的太阳63 x 55cm 木板、日本纸、矿物颜料128,600日元 点击这里查看作品 还在旅途中》35 x 50cm 木板矿物颜料 日本纸68,500日元 点击这里查看作品 倒影之夏34.5 x...

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描绘了人的形态之美。毕津加的历史和现状是怎样的?

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艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

瓦尔达-凯瓦诺在小山富雄画廊举办个展。

Varda Caivano,"无题",2019年,亚麻布上的水性油画(水粉和水墨),90.9×57.6厘米(画框:150.9×117.6厘米),©Varda Caivano,Courtesy of。小山富雄画廊 小山富雄画廊欣然宣布,将于10月11日至11月9日举办伦敦艺术家Varda Caivano的个展。卡伊瓦诺1971年出生于布宜诺斯艾利斯,自2000年代初起一直在英国居住。这将是她在小山富雄画廊的第四次个展,她将展出自己的最新作品。 在她的艺术实践中,绘画过程本身就是她最关注的。凯瓦诺在关注工作过程的同时,也关注物质性。她的作品围绕着"绘画"的基本特征:色彩多样、笔触丰富、层次分明。在这次展览中,她将绘画的范围扩大到强调作品内部空白的作品。与以往的作品在整齐排列的画布表面作画不同,他强调无色空间,并尝试使用粗麻布。正是因为有了边幅,才使得有限的画布空间有了无限的可能。因此,她作品的边际激发了观众对边际之外的想象力。可以说,她的作品在保持自己独特风格的前提下,以多种表现方式发展。 瓦尔达-凯瓦诺个展(2019)装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺,由小山富雄画廊提供。 瓦尔达-凯瓦诺个展(2019)装置图 ©瓦尔达-凯瓦诺,由小山富雄画廊提供。 只专注于所画之物,与她以往的作品并无完全不同。她的主题依旧,只是改变了有效或多样的表达方式。物质性也很突出,因为凯瓦诺注重的是"过程"。她作品中的"过程"是什么?可以是重复的决定和观察,比如做什么样的拼贴画。也可能是想到在画布上配色。 因此,她的作品成为涉及物质性、她的关注和时间的过程痕迹。她的时代痕迹和关注点似乎不是具体的描写(描述)。凯瓦诺自己认为她的作品如下。 "我认为绘画不是作为表象,而是作为诗歌和音乐背景下的一种呈现。" (Varda Caivano采访"。激发想象力的无限画作》,采访者岛田小太郎,艺术科技,2017年2月)。) 此次展览是艺术家自2016年以来在小山富雄画廊举办的第四次个展,还将展出她的9幅最新画作,以及新的装帧作品,包括拼贴画、素描和纸上绘画。此外,新作品中使用的色彩也较之前有所改变:2016年在日本举办的个展中,之前的"灰画"系列主要使用了灰色,而新作品则较之前表现出了红、黄、绿等更为鲜艳的色彩在这个新的系列中,我们可以看到红、黄、绿等更加鲜艳的色彩。 一句话,她的作品并不是停滞在画布上,而是像诗歌或音乐的意境一样,似乎有一种流动的节奏。她以新的方式呈现她的作品,特别是通过使用框架和刻意的边框,将她流动的主题表现得淋漓尽致。 Varda Caivano的个展 日期:2019年10月11日星期五至11月9日星期六)...

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采访奥田裕太,谈真诚与自我投射的绘画。

冈田雄太说:"我所做的事情没有任何谎言。我们与这位使用微型画和水墨的画家聊了聊他的作品,包括他尊重真诚至上的态度。     在我的印象中,你画了很多基于微型绘画技巧的活物画。 - 我所有的作品都是基于无意识的自我投射和自我诠释。在无意识的层面上,我想到了一个个生物,而在有意识的层面上,我把它们变成了概念性的作品,比如汉尼亚、玛丽莲和科迈努。 ,在我的潜意识里,我想描绘的题材永远是花和活物,并由此表达出美与丑、爱与妒、生与死等两个矛盾的主题,浑然一体。题材总是活生生的东西,我以"美丽的食物链"的概念来描绘自然秩序之美。 这几年您作品的表现手法逐年变化,从只有线条的计算型微缩画到利用线描与巧用水墨模糊的作品。我想,环境和心态的变化对你的工作影响很大。另外,我觉得你之所以画细线画,可能是你的气质问题。     你是设计师出身,是什么启发你成为一名艺术家? -我成为艺术家的原因有很多,但我确信第一个原因是因为我非常想成为一名艺术家。因为设计师和艺术家的本质是完全不同的。 作为一名设计师,我是一个很有创意的人,在图案上花了很多心思。但商业设计师是不应该有个性的。你必须按照一定的设计、一定的方式、一定的计划进行工作。这比我想象中的压力更大。所以我觉得一开始真的就是"我只想画我想画的画"。   那你是不是马上就开始画画了? -不,一开始我只是在家里画画。更是一种缓解压力的方式。我只是画了又画。现在回想起来,那个时候的图纸看起来非常密集。我想这更接近于绝望的印象,或者说是一种不可思议的强烈感。这确实是一种缓解压力的方式,我觉得自己的负面情绪得到了释放。我根本没想过要给别人看。一点也不。可以说,这是我自己的毒素(笑)。   即便如此,你能把自己的作品呈现出来,说明你是以职业艺术家的身份开始的吧? -有人认可我的工作,我的画。在我的负面情绪充分展现的时候,也有人说"我喜欢你的作品"。这是一个惊喜。这是个惊喜,说白了,让我感觉很好。这在商业设计师身上是不会发生的。在时尚界,你要编造一些东西,但在绘画界,你是赤裸裸的。我很高兴能把自己的这部分表现出来,并得到赞赏。就在这段时间,我看到一些朋友是艺术家,我很羡慕他们的作品,心想,我也想成为艺术家。所以,也许是嫉妒让我想成为一个艺术家。不过,如果我要做的话,我还是要以专业的态度去做,而不是作为一种爱好,我要放下任何半点感情。如果我要做,我就要做得彻底。     你说你的作品是自我投射。你从一开始就有一个固定的过程,比如"无意识→有意识"? -刚开始的时候,都是只顾着画画。我会画上三天,然后睡上半天,就是想把它画出来。当我把所有积压的事情,所有的事情都释放出来的时候,我终于能够看到这个概念了。这就是"自我投射"。 ,这是与时尚相反的。我在艺术中做的是发现自己,展现最真实的自己。如何裸露自己,如何将自己的这部分展现出来,是很重要的。我想看看我的经验是如何输出的。   但如果是根据自己的经验来输入,是不是很难? -我前三年就跑出来了(笑)。30年的人生在三年内跌入谷底。但我认为这是我人生中最重要的30年。我想我可以再深挖一下。回想这三年来,我的真性情是什么,我的底子是什么。所以从现在开始,我要吸收很多东西,创造新的东西。我觉得我现在正在进行第二次创业。     近来,除了早年的微型画外,还增加了使用水墨等材料的作品。这种变化是有意为之吗? -我的工作确实会改变,毕竟,因为它与我的身份有关。即使让我画出与过去一模一样的图画,无论是物质上还是精神上,都是非常困难的。事情确实会发生变化,但我可以说的是,我现在做的事情没有谎言。我真的没有任何怀疑。就像我前面提到的,我的画就是要让我能有多赤裸裸,对自己有多诚实。所以,如果你从这个角度考虑,我想我可以向你保证,我现在做的事情没有错。 ,另一方面,说到制作和技法,我首先要做的是大而多产的作品的点。过去,能画能吃本身就是一种幸福,但现在,部分原因是我把眼光放得更高了,我想在今后的创作中更注重作品的数量。除此之外,比如说,我一直在努力更新我的资料。我尝试过水彩、铜版纸、油画、日本画、泥土等多种画种。因此,我认定水墨是最适合我的天性。     经过三年的创作和展示,你把自己的工作安排得井井有条,你也找到了新的目标和挑战。你心中是否已经有了具体的目标? -我的作品是一种自我投射,所以我的未来愿景也不是都很清晰。我可以说的是,我没有骗自己。我想在工作中赤裸裸地坦诚相待。所以我想充分利用我自然而然的经历。 ,正如我前面提到的,在无意识的层面上,我的绘画总是在指涉花和生物,指涉它们的美与丑、生与死。我想看什么,我想看什么,我想以画作的形式来描绘谁,都逐渐清晰起来。现在我终于习惯了空旷的空间,我想我还有很多工作要做,吸取不同的经验,并把它们提炼成画。也许画作会不断变化。今天的我和刚开始画画时的我不同。所以气氛可能没有以前那么精辟了。但我觉得有的地方变了也不是坏事。相反,我想思考如何在理解和融入环境和自己的变化的同时,做出属于自己独特的画作。不管怎么变,对我来说,只要不撒谎,不质疑,诚实地对待自己的活动,就可以了。因为对我来说,画画就是要把最赤裸的部分,最诚实的部分展现出来。

艺术与电影–由场景和图像引导的电影和绘画之间的共鸣

在这篇文章中,我将把两件事放在一起:电影和艺术。 一部电影有很多元素,如图片、音乐、故事等。 一部电影有很多元素,如图片、音乐和故事,每个人可能有不同的观点,对一部电影有不同的感受。 因此,即使我们说要把它们都搭配在一起,我们也需要首先决定如何搭配它们。 你需要首先决定。首先,你需要思考构成一部电影的元素。 我们将尝试把它们应用于各种艺术。 剪切、场景 → 绘画、摄影 场景、序列->视频艺术 声音(BGM)->声音艺术 演戏,演员的身体→表演 剧本、情节 → 小说、文学、诗歌等。 布景、演员的身体 → 雕塑 这样来看,我们可以说,电影是一种综合的艺术形式,就像舞台一样。 将电影作为一种综合的艺术形式用单一的艺术作品来表达并不是不可能。 这不是不可能的,但有点困难,所以这次没有把整部电影和作品搭配在一起 这一次,我没有将整部电影与作品配对,而是将作品与电影中给我留下深刻印象的一个场景配对。 所以,我这次要把三部电影配对。...

现代”死亡”的骷髅

 "Memento mori"。在拉丁文中,它是一种劝告,意思是"想到死亡"或"记住你将会死"。  虽然根据时代的不同,它有不同的解释,但它给我们人类提出了很多建议。这个信息不仅用文字表达,也用绘画等艺术形式表达。  在这种情况下,起主导作用的图案是头骨,它直接让我们想起了死亡。静物画的地位比宗教画、历史画低,但由于融入了基督教的精髓,地位得以提升。这就是所谓的凡夫心。几百年后,达米安-赫斯特的雕塑作品《为了上帝的爱》,是现存艺术家最昂贵的单件作品,也是以Memento Mori为主题。这个作品也选择了头骨。  现在,提醒我们注意死亡的最佳主题,是否给已经忘记了"Memento Mori"的现代人一个新的建议?在这篇文章中,我想介绍一些处理头骨的艺术家。 Daisuke Yatsuda 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yutaokuda 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Jun Suzuki 有关艺术家的更多信息,请点击这里

打造北欧风格房间的六件艺术品

1.斯堪的纳维亚风格的特点 每个人都听说过斯堪的纳维亚的室内设计,不是吗?这种室内设计风格融入了生活在斯堪的纳维亚半岛的人们对生活的思考方式,注重具有简单、低调、艺术形式的物品和强调自然材料的家具。斯堪的纳维亚室内装饰的特点是明亮的,主要是白色的颜色方案,以使房间看起来更明亮,即使天气不好或夜晚漫长而黑暗。 2.斯堪的纳维亚风格和艺术 由于房间的简单性,你可以通过展示艺术品来创造一个更多的斯堪的纳维亚风格的外观。带有几何图案的艺术品,简单的设计和植物与这种风格非常相配。关键是要选择一个能给房间带来明亮印象的作品。另一个技巧是在一个给人以白色印象的房间里用彩色的艺术品作为一抹色彩。 3.6件艺术品打造斯堪的纳维亚风格房间 3-1. 我们来了 这是一部可爱的作品,其中像动物一样的人物被画在一个畸形的世界观中。绘画和线条都是以简单和滑稽的方式绘制的,这非常适合北欧风格的房间。动物图案给人以自然和欢快的印象。这些滑稽画比写实画更容易与其他艺术作品一起展示。它创造了一个具有游戏感的空间,而不给人以硬邦邦的印象。游戏氛围的好处是,它使人们更容易放松和消磨时间。 3-2. 内部和外部 第30号 这件独特的作品是在一张圆纸上拼贴了各种颜色的纸。斯堪的纳维亚风格与圆形物品配合得很好,并将整个房间的圆形室内印象汇集在一起。鲜艳的色彩和平静的色调混合在一起,使这件艺术品很容易与白色的房间融为一体,而且它也是一件有用的艺术品,可以作为一抹色彩。对于包含这些突出颜色的艺术品,一个技巧是在其周围放置几件相同颜色的内饰,使其与房间融为一体,成为一抹色彩。 3-3. 北极光 几何图案与重视艺术形式的斯堪的纳维亚室内装修相得益彰。它给人一种简单和平静的印象,同时也创造了一种现代的氛围。黑白相间的几何图案被稀疏地涂上了红色、蓝色和绿色,这样房间就不会显得单调和沉重。推荐这种艺术品是因为它很容易引入房间,不分性别和年龄;即使是单件作品也能给人以足够的存在感。 3-4. 褪色的蓝色到黑色,边缘有黄色 这幅画有一个美丽的蓝色渐变。如果你仔细观察,你可以看到两侧被涂成黄色,当光线反射时,黄色被反射到背景墙上。这是一个完美的噱头,适用于具有明亮白色内饰的房间。因为它是以非常简单的构图绘制的,所以这件作品很容易融入有很多内饰的房间。即使你想用多件作品来装饰,它的优点是容易引入,因为它们很好地结合在一起。即使你把它摆在带有图案的物品附近,这在斯堪的纳维亚的室内装修中很常见,它也会与它们相得益彰。 3-5. 外太空 我想被带到外太空去!这件独特的作品诞生于艺术家希望被带到外太空的愿望。虽然简单,但水彩笔的触感依然存在,你可以感受到人的手艺的温暖。鸟类是一个与木制内饰很相配的主题。由于其体积小,它可以放在一件家具上并挂在墙上。以这种方式装饰时,在附近放置一株植物或一个可以作为室内装饰的花瓶,可以使艺术品不至于飘离房间,并使其更容易融入其中。 3-6. 甜甜圈 这是一件具有独特纹理和形状的艺术品。背景大部分是黑色的,这可能会给人一种略微黑暗的印象,但黑色有一个积极的方面,它与白色印象的房间很相配。黑色有一种沉闷的格调,所以建议把它挂在白色的砖墙上。各种五颜六色的圆圈是这幅抽象画的重点,但它很容易介绍,因为它是由一个简单的图案代表的。它强调了一个具有平静色调和成熟气氛的斯堪的纳维亚风格的房间。 结束 斯堪的纳维亚风格的房间是基于斯堪的纳维亚人的智慧,他们希望在任何时候都能保持欢快的心情,无论天气或季节。北欧风格的房间里充满了北欧人民的智慧和愿望,而我们生活在日本的人也有同样的愿望。我们为什么不通过介绍艺术作品来实现这一愿望呢?

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