星期四, 3月 4, 2021
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出乎意料的多面手;家中的抽象画 pt.2

与经常听到的抽象画的偏见,他们是好的博物馆或画廊的墙壁,但不适合你的家,他们实际上是完美的艺术装饰你的房间在一个有品位的方式。单独来看,抽象作品往往看起来有点挑战,但比起更具象的作品,它们更容易融入房间。当你看过这些例子后,你马上就能想象自己把喜欢的作品挂在家里的墙上。

这就是了 (点击照片或描述查看详情)

水族人 Anja Stemmer 60×70厘米

如果你还不服气,当然还有更多的例子。点击这里该系列的第1部分的系列。

寻找未被定义的真相;抽象艺术在家中–第一部分

如果你读过第一部分,你就会明白,作为智慧生命,我们寻求一切的解释。所以我们总是对”未知”和”无法解释”产生质疑和幻想。而现在,这种追求已经变成了当代艺术。

火风暴 早川五郎 72.8 x 60.6厘米

抽象艺术的多变性。

抽象艺术是理想的家居装饰品的原因有很多。首先,抽象艺术不像具象绘画那样定义自己或所在的房间。相信大家都有过在酒店房间里批评一幅画或一张照片品位不高的经历。那是因为那个特别的东西不符合你的胃口。另一方面,对抽象事物的理解和喜欢是抽象的。这个原因,让你想说:”这到底是什么?”这为你可以用任何风格任何品味来装饰任何房间,竟然没有不自然的感觉做出了很大的贡献。

对自己的品味要有信心! 你是几何图案和颜色的爱好者吗?

几何学 Hugo Auler Jr. 92 x 122厘米
TAMBORESJose mª Palacin Calvo 80 x 60厘米

瑜伽房里更有禅意?这个怎么样?

冥想 (3)Thar Gyi 122 x 122厘米
无题(4)南南 61 x 61厘米

你想在优雅的房间里摆放复古家具吗?还是乡村风格的房间,亲切自然?没问题!抽象画容易混搭。

第13号浪潮Takaaki Mano 53 x 65厘米

如果独特是你的一切,那么使用不寻常材料的抽象艺术如何?

Mottainai 5:21 Merete Lassen 28 x 35厘米

你喜欢简单美、简约美吗?这简直是华丽的。

R小姐 Kanako Sasaki 27.7 x 15.8厘米
摘要#720-3Yoon Joo 108 x 79厘米

在TRiCERA上还有更多的抽象艺术作品。你会发现你可以看上一整天,永远不会厌倦。不要忘记订阅我们的电子报,以获得更多有趣的发现。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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他的绘画介于日本和西方之间。

Sachi Oizumi在澳大利亚生活和工作,她先是学习油画,然后开始学习日本画。她的作品特点是西方油画与日本传统绘画风格的结合。在日本以外的地方生活了很久,她说自己是"一半日本人,一半外国人"。正是这种对其他文化的敏感,使他能够创作出多样化的作品。 您是如何开始学习日本画的? -我搬到澳大利亚后,就开始了日本画。我在墨尔本的一家古董店发现了一幅日本画,觉得很美。虽然我自己也是日本人,但我发现自己在不在日本的时候,客观地看待日本。所以当我在国外生活时,我注意到了日本绘画的特点。 我认为,日本画不仅是绘画的表现形式,也是一个生命体。也许是因为我使用的是有机材料,但我认为有机世界是日本画最吸引人的特点之一。 萨曼莎夏至,116×116cm。 油画和日本画的绘画材料和技法是不同的。你是怎么习惯他们的? -是的,我有。我作画的方式有了很大的改变。对于油画,灵感是很重要的,我靠的就是这个。但日本画需要很大的耐心。准备工作就是一切,每一步都要明确。这就像下棋一样,你要提前想好,画好。不仅仅是过程发生了变化,我对工作的态度可能也发生了变化。 要改变你的方法和创作方式,一定是很困难的。你是怎么适应的? -是的,这可能是困难的。但当我搬到澳大利亚后,有一段时间我根本无法画画。我大概有七八年的时间根本画不出来。 澳大利亚的自然环境很丰富,所以当我不能画画的时候,我会收集昆虫。也许正因为如此,我对日本画的有机方面产生了兴趣。从有机事物和自然环境的大框架来看,我到现在为止的灵感创作感觉非常自恋和渺小。 一株亚洲梅,14×18厘米 这是否让你重新思考你的工作? -是的,我觉得我可以看到一个更广阔的世界。从此,我开始问自己:"什么是真正的绘画? 我当时认为,我是把我20多岁的作品和60多岁的作品进行比较,20多岁的作品更好。这让我意识到,我需要更认真地面对我的绘画。 你的主题和主题是什么? -蜥蜴经常来我家,所以我就把它们画下来,作为图案。我认为我的绘画世界是比较抽象的。我经常在前景中使用有机物,这样就可以在背景中看到世界。我经常用金子,因为它很有说服力。 丛林花园,72×100cm 请告诉我们您今后的活动。 -我对日本画没有什么经验,所以想多学习。在日本画中,技巧是非常重要的,所以我想提高自己的技巧。另外,虽然我自己是日本人,但长期生活在国外,所以我变得更"半"而不是"满"。我喜欢像丸山大拙那样的传统老画,所以我想把日本的文化传播到国外。

倡导者Arte Povera逝世

一直以来,博物馆关闭、展览取消或推迟等阴霾的消息层出不穷。这是传奇评论家和策展人Germano Celant(1940-2020)去世的消息。 塞兰特1940年出生于意大利。在热那亚大学学习艺术史后,他开始了自己的编辑生涯,并于1967年举办"Im Spazio"。 Arte Povera运动在意大利语中的意思是"贫穷的艺术",用报纸、绳索等日常和粗糙的材料呈现作品,塞拉诺的成就部分在于他让世界了解了意大利极简主义和那个时代年轻艺术家的潮流。 他曾在古根海姆博物馆和威尼斯双年展担任策展人,是世界上最著名的策展人之一。我祈祷他的灵魂安息。

宠物变成了画

 动物过去不过是食物和工具。现在,每天都会给人类治病。  日文的英文有一个词叫"Animal Therapy"。是指通过与动物的接触,减少内在的压力,恢复心理健康的做法。虽然学术上的证据不多,但生活在现代日本这样一个宠物重地的国家,人们对与动物接触的积极作用是毋庸置疑的。  有趣的是,很多人在视频网站和社交网站上观看别人的宠物。这不是为了娱乐,而是为了治病。单看这情况,似乎即使人类是虚拟的动物,也可以进行动物治疗。  本文探讨的是拉斯科和阿尔塔米拉洞窟壁画中所描绘的动物与艺术的关系,据说这两幅壁画是艺术的开端。 英加-马卡洛娃 / 英加-马卡洛娃。  Inga Makarova是一位艺术家,她的作品涉及的动物范围很广,从典型的宠物动物如狗和猫,到危险的昆虫如蜜蜂,以及外来动物如变色龙。她善于抓住每一种动物的生物特征,提取与人类文化的共同点。  狗经常被描绘成图案,也许是因为马卡洛娃对狗的情感依赖。色调鲜艳毒辣,但她对狗的喜爱却表现在小小的身躯上,有些可爱。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Airi Kumori  熊森是另一位对动物有深刻洞察力的艺术家。  然而,除了马卡洛娃对动物的宠爱凝视,抽象的程度也更上一层楼,这或许是因为在他的脑海中正在进行着对动物形态的解构。  他巧妙地运用复杂的几何线描与简化的图案、静态与动态的形象的二元对立,描绘了以动物为基础的动物和神灵。日本人在日常生活中遇到的各种动物,经过改造,时而琅琅上口,时而惊恐万分,每个动物的特点都被夸张地表现出来。  值得一提的是,艺术家还把通常被认为是无意识的动物,当作和人类一样具有明确意识的生命,以创造一种人物形象。在西方也能看到动物的特征,但即使在这方面,日本人特有的夸张的面部表情和奔放有力的笔触,也让人联想到鸟兽的漫画。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Yuko Hizume  有的艺术家采取与以上两位艺术家不同的方法来画动物。胧胧就是其中之一。  胧胧描绘了身着经典日式和西式时装的智慧、野性、坚强的女性之美。两侧是我们很少能直接看到的动物,如老虎、仙鹤、汪星人等。据说,这种画风是来自于对母亲和动物的感恩之情。  图案中的两位女性都有着端庄的外表,她们的精神力量隔着屏幕向我们袭来。而动物正是作为一种媒介,通过它向我们传递这种灵性的功能。老虎更增添了力量,而蜥蜴则加速了女性不羁的印象。  纵观希泉的作品,我们可以共同感受到自然人与动物的形象,两者之间的关系会在观者心中得到重申和重新思考。 点击这里查看艺术家的详细信息  由于宠物热潮空前高涨,2003年家中饲养的宠物数量超过1900万只,超过了15岁以下儿童的数量。动物不仅仅是食物和工具,而且越来越有机地融入人类社会,如何对待动物这个问题,答案或许就在艺术之中。

英国艺术家Nicholas Hatfull在亚洲的首次个展”Thermals of the Mind”将在THE CLUB举行。

装置视图,Nicholas Hatfull《心的温度》,2019 ©️Nicholas Hatfull。 由THE CLUB提供,照片由KEI OKANO拍摄。 Thermals of the Heart最近在THE CLUB开幕。这是英国年轻艺术家Nicholas Hatfull的首次个展。这是Hatfull在亚洲的首次个展。Hatfull出生于1984年,2011年就读于英国皇家学院学校。 THE CLUB是一家位于东京银座的当代画廊。此次展览将展出哈特富尔的14件最新作品。 Hatfull目前在伦敦生活和工作。Hatfull目前在伦敦生活和工作,并在全球范围内活跃,重点是欧洲。他曾参加过伦敦Saatchi画廊的群展,其作品被美国著名收藏家Beth Rudin DeWoody收藏。 Hatfull从日常生活中看到的物体和场景中汲取灵感,比如冰激凌、高速公路、挂在晾衣绳上的衣服等。有趣的是,他用一种独特的透视方法来处理这些物体和风景,用iPad的草图和喷漆将图像倒在画布上。他之所以这样表现画面,是因为这些画面成了记忆的碎片,勾起了人们的怀旧之情。 装置视图,Nicholas Hatfull《心的温度》,2019 ©️Nicholas...

艺术在家–时尚装饰的简单指南

艺术为空间注入生命 还记得当你离开电影院,回到现实中时,或者当你度假回来时,那种令人振奋的感觉吗?用原创的艺术品来装饰你的家,其实和那些效果是一样的,那就是让你从枯燥乏味的套路中释放出来,让你充满了活力。 很多人可能突然进入了智冠时代,发现自己家里的环境并不适合。有时候,我们的"新基地"设备不完善,无法应付所有的工作、饮食和休闲,因此,适当地升级一下。不难看出,艺术是一个很好的开始。 如果你有印刷的艺术品复制品,这时候正是体验原作力量的最佳时机,如果你没有收藏历史也没关系。这是开始的最好时机。 为什么是原创艺术? 原创作品和电影演员一样,有自己的个性和魅力。在细节中,记录着艺术家的心路历程,比如油画中颜料的层次、色彩的交融、情感的笔触都在诉说着故事。换句话说,原画中还蕴含着一种生命的能量。 是否显得难以选择? 为你的房间选择合适的艺术品并不复杂。让我们分五个简单的步骤来看一下。 前三个步骤 第一步是思考房间的目的。比如,我会想象"客厅的温馨气氛"、"餐厅的振奋气氛"、"卧室的沉稳"、"儿童房的创意"。这个有目的的心情目标会像北极星一样指引我如何将艺术与室内设计相匹配。 二是要考虑风格。简单来说,让-弗朗索瓦-米勒的名作《落耳》对于客厅来说,搭配现代风格的茶几和黑色的皮沙发,并不是很有风格。相反,如果你想统一房间的精致氛围,那就不用说了,你应该选择一件时尚的艺术品来展示。 第三步是色彩协调。这听起来可能令人望而生畏,但不必畏惧,只要问自己这样的问题,就能很快解开谜底。"你最喜欢的地毯、窗帘、沙发颜色或地板颜色是什么?哪些颜色的存在感强?等等。而答案很简单:一致性。只要注意色彩的搭配,就能轻松打造出具有凝聚力的造型。 我们再来看一个例子。上图中的房间(1)是一个氛围轻松的客厅,(2)从家具的设计和材质来看,风格随意自然。(2)从家具设计和材料来看,风格随意自然。然而,淡雅的艺术和房间的共同颜色蓝灰色、坐垫的黄色、木质材料的棕色,却又是相通的。如果没有艺术作品,这个房间可能会显得很分散,但现在却因为这件作品而变得和谐起来。 第四步:寻找好玩的演员 既然场景已经设定好了,那么就可以进行有趣的艺术搜索了。每一件作品都是独一无二的,就像一个演员一样,表达着主人的性格。在上面的例子中,从客厅里那张轻快的图片可以想象出主人的热情个性。当你看到它时,很容易找到适合自己的作品,所以我希望你能解放思想,从直觉上而不是理论上寻找它。例如,我会选择下面这款作品作为儿童房,因为它的创意和随性的个性,大胆的色彩和不同材质的混搭。 最后一步:掌握空间 最后一步是了解房间。不管你信不信,艺术的加入可以让有限的空间"视觉扩张",因为在大城市里,豪华的空间很难得到。原因就在于光学错觉。通过在空间中加入平行线,可以营造一种扩张感。我建议在横向开阔的空间,比如沙发上方,挂一块横向的长方形,在狭窄的空间,比如走廊,挂一块纵向的。这间餐厅,看起来就像一条死胡同,如果没有挂毯,会显得很拥挤,但垂直的线条让它有了深度。顺便说一句,这也是一个很好的色彩协调的例子,供参考。 色彩在空间感知中也起着一定的作用,浅色调和风景的艺术品一般都能提升扩张效果。另一方面,较深或较鲜艳的色调能集中眼睛的注意力。 比如,在小卧室里,一幅山水画,简单的色彩搭配,就能瞬间营造出一种空间感,让人忍不住想深吸一口气。 去哪里找? 我们生活在一个便利的时代。如果参观艺术画廊似乎太吓人,不用担心,还有网上市场。与传统的画廊相比,它们通常提供更广泛的价格和风格,你可以在闲暇时用方便的过滤器和关键字搜索来浏览。你可以搜索:TRiCERA.NET就是其中之一,它以东京为基地,介绍世界各地从年轻到经验丰富的各个阶段的艺术家。受益于艺术产业日益数字化,发现一件新的喜爱的艺术品从未如此容易。 ArtClip还将发表对一位美国客户的采访,这位客户本身就是一位爱好收藏家和艺术家。如果您有兴趣了解更多关于她在TRiCERA的购物经验,她为什么要为自己的家购买艺术品,以及她是如何选择的,请不要忘记订阅我们的新闻通讯。

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寻找未被定义的真相;抽象画在家里–第一部分。

作为一个虚构的存在 你有没有用望远镜仰望天空,发现宇宙的奥秘?就像孩子们对任何事情都不会停止问"为什么"一样,我们人类也有着无比强烈的好奇心和异常丰富的想象力。在大多数文明中,我们都会寻找神灵或神灵不在,或者我们仰望满天星辰的图画,讨论是否有外星人。是什么促使我们相信地球是平的,海水会流到另一边?它是对"未知"和"无法解释"的东西的幻想。 在家探索奇迹 艺术,就像外星人的存在一样,已经成长为我们不一定能理解的稀有事物。这也是为什么当代艺术对很多人来说如此有价值、有吸引力的原因之一。如果你想营造一种中性的氛围,既能刺激你的日常生活,又能让你的家人和客人感到放松,在各种艺术形式中,购买一幅抽象画是最好的选择。你永远不会厌倦探索抽象的不确定真相,别人也会在它的美中感到宾至如归(如果他们和你一起探索,甚至会更开心)。 在本文中,我们将以安雅-施特莫尔的抽象艺术作品为例,展示抽象画与房屋是如何相辅相成的。更多的艺术家将在下一期中出现,但与此同时,想要了解如何协调艺术与家居的读者应该读一读。这样一来同时,。家居艺术--时尚装饰的简易指南 可见它是多么的适合。 最简单的方法是从你所选择的颜色中选择一种。 最简单的技巧是从你的房间或家具中选择一种颜色,并与艺术搭配。 就这样 点击图片了解更多详情! 在家就能享受所有令人叹息的细节。 谁说抽象画与日式房间不搭? 一对更优雅! 想了解更多有趣的发现,别忘了订阅我们的电子报。

英国艺术家Nicholas Hatfull在亚洲的首次个展”Thermals of the Mind”将在THE CLUB举行。

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KIAF SEOUL 2019,韩国最大的国际艺术博览会之一。

第18届韩国国际艺术博览会举行   9月26日至29日,韩国最著名的艺术博览会之一的KIAF(韩国国际艺术博览会)在韩国首尔举行。     今年,作为KIAF的第18届,来自17个国家的175家画廊参加了此次活动。据官方介绍,此次活动约有8.2万人参观,销售额达到310亿韩元。这比去年增长了30%以上。虽然很难直接感受到网站的高销售数据,但似乎普通访客的数量明显增加。尤其是在年轻一代。这可能是由于当代艺术已经成为潮人文化的一部分。年轻一代往往更喜欢当代艺术。他们喜欢表现自己最近喜欢什么,喜欢什么。目前还不清楚访客数量对整体销售的影响程度,但似乎有一定的影响。   作为首尔最著名的艺术博览会之一,KIAF ART SEOUL 2019不仅通过参与的画廊提供了当代艺术作品,还提供了个人项目,亮点部分,各种关于热点问题的谈话计划和特别展览。今年,KIAF准备了名为"历史中的浪漫主义--韩国现代主义绘画"的特别展,以揭示韩国当代艺术家的风采。     这个项目的目的似乎是为了实现博览会构成的多样性。然而,由于许多画廊都展示了李宇焕、刘永国、白南准等当代顶尖艺术家的作品,因此,画廊展台和项目之间不可能有明显的区别。 不过,也有一些优秀的画廊坚持韩国当代艺术,引进年轻新鲜的艺术家,呈现实验性作品。仿佛是为了证明这些画廊的显赫地位,很多画廊的作品下面都贴着红色的标签。这或许是一种确认,不再有导致顶级当代艺术家出售的确定性。       参展画廊   参展画廊 许多国际画廊都参加了韩国最重要的艺术博览会--KIAF。PACE画廊继去年之后第二次参加,Lehmann Maupin今年也是第一次参加。今年,Lehmann Maupin首次参与,专门从事亚洲市场的Whitestone Gallery也参与其中。     有了这么多国际画廊的参与,KIAF有潜力进一步发展。挑战性的作品并不意味着没有市场,但我们希望看到更多的实验性作品。不要仅仅满足于标题,它是韩国最大最著名的艺术博览会。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

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东京青年艺术场景#001

1.一流酒店角落里的当代艺术画廊 "MEDEL GALLERY SHU"位于东京银座帝国酒店广场,是一家于2018年4月开业的当代艺术画廊。 该画廊至今已举办了70多个展览,主要是年轻艺术家的作品。很多有潜力的艺术家被引进,有的在展览后成为专属艺术家。 基于"一切有价值的东西都是艺术"的理念,时装、配饰、珠宝与艺术品一样出现。这是一个充满新气息的画廊。 2.安井孝之:融合了绘画和雕塑的艺术家。 最近,MEDEL GALLERY SHU介绍了一位将绘画和雕塑融合在一起的艺术家--安井高之助。 安井的绘画和雕塑有着共同的"皱纹"质感,安井以当代模特为主题,象征着现实与理想的二元对立之间的一些东西,创造出一种模糊了绘画与雕塑之间界限的表达方式。 本次展览中,艺术家将以罗丹的情人和雕塑家卡米耶-克劳德尔为主题。她通过符号化事物之间空间的技术,呈现出一种奇观,这种奇观就像一种情感,基于历史的差距,我们这些生活在当下的人,也看到了过去。 与商业不同,我们生活的日常世界并不是黑白分明的。安井的作品以艺术的形式戏剧性地表现出来。 安井隆之介,《神逝》,2020年,石膏/棉布/丙烯/木板,163.5×132.5cm。 安井隆之助,水库,2020,石膏/棉布/丙烯/木板,137×91.5cm。 3.AZUSA NOZAWA:波普而清新的画作,犀利地提到了性的周围环境。 MEDEL GALLERY SHU计划在展览中介绍她的作品,值得关注的艺术家是野泽谅。她的特点是在"贴纸炸弹"的基础上,用技巧在屏幕上窄窄地画出不成熟的男孩和女孩。 贴纸炸弹是一种在汽车或摩托车上贴纸的技术。虽说是源自街头文化的类型手法,但野泽却用这种手法将自己童年时收集的杂物填满画面。...

TRiCERA很高兴为大家带来一场群演《走进蓝泉》。

TRiCERA很高兴地宣布从1月30日开始为期一周的群演"走进蓝泉"。本次展览将展出正在接受美术教育的学生和正在初步接受美术教育的学生的作品。 虽然每个人的到来时间因人而异,但从青年到成年,每个人的社会、心理、身体都会发生变化。青春期是嫉妒、憧憬、愤怒、厌恶等情绪无法控制的时期,也是精力不济的时期。   通常艺术作品可能会表达这样的精神。但是,它往往是计算、思考、发现的结果,未必是自然的表达。   在本次展览中,我们征集了已经或即将接受美术教育的人的作品。这些作品是一个系统的艺术体系所不能包含的纯粹创造力的体现,也可能是创作者生活中精神的反映。   希望大家能通过作品欣赏到年轻艺术家们清晰而真挚的叙述。   概要期间:2021/1/30(周六)-2021/2/6(周六)地点:TRiCERA博物馆东京都港区高轮3-22-5高轮大厦SDS※为防止新的冠状病毒感染扩散,本次展览只接受预约。 请使用以下表格进行预约。 ,我们对可能给您带来的不便表示歉意。   点击这里预订您的访问    

艺术与技巧–从装裱到储存。

我想买艺术品,但我不知道怎么装裱。我买了艺术品,但不知道怎么存放。在本文中,我们将为大家讲解购买或保存艺术品时不知道的事情。 如何与艺术共存--从装裱到修复。 100万元的画怎么买-分期付款可以吗?没有吗? - 如何长期与艺术共存--买来的作品能卖吗? 错了吗? - 如何与艺术共存--从装裱到修复。 其实,我是第一次买艺术品。而且是第一次! 哦,那很好。你买的是什么作品? 这是一幅画,画廊的人问我:"它没有装裱。我一时糊涂了。我一时糊涂了。"嗯...。什么是框架?我想。 这是你的第一次,是真的。 是的但首先,有的画是有画框的,有的画是没有画框的,对吧?有什么不同? 最大的区别在于作品。有画布或木板上的画,也有纸上的画。所以我把它们放在框架里,方便悬挂。 哦,所以你还把照片和印刷品裱起来,因为它们是纸? 是的,在许多情况下。镜框有不同的类型,有的带镜框,有的只是亚克力或玻璃镜框。如果你问买作品的店家:"我想把这件作品裱起来,你有什么建议吗?我相信他们一定能指导你。 我买的画是在纸上画的,所以还是裱起来比较好。到底该如何"挂在墙上"? 我妈说:"既然是纸,为什么不挂在墙上呢?但我真的不放心。 方法有很多,比如将金属支架固定在墙上,或者使用一种叫做画栏的装置。我不建议直接粘贴,因为会损坏作品。 那...你说的连接金属配件或装置是什么意思?你一定要在墙上开个洞吗? 我们是租的,所以我有点担心... ...我怕房东会说:"恢复原样!"。我怕... 有一种方法,就是在墙上贴上特殊的橡胶膏,避免损坏墙面,这叫"粘虫"。 我明白了但是,如果我不想展示,该怎么办? 我可以把它放在衣柜里吗? 有些作品的湿度不好,所以需要注意。纸张对湿度特别敏感,耐久性低。湿度、温度、阳光、虫蛀等因素并不局限于纸张,但它们是你在存放艺术品时需要注意的敌人。一般情况下,最好在下面铺上木地板,尽量不晒太阳。如果是纸质的,你应该把它们放在一个盒子里。 嗯。你不能把它们放在仓库里吗? 当然,仓库是可以的。但你要检查他们是否专门从事艺术工作。重要的是要检查他们是否专门从事艺术工作。你还应该检查他们是否采取了防潮和防虫措施。剩下的就看你和你的钱包了。 即便如此,也有被损坏的时候。孩子撞到了,或者地震了....。我家里有聚会,所以有很多人过来。 还有一些修复师,就是专门修复艺术品的人。但首先,你应该询问你购买作品的画廊或艺术家。最了解作品的是艺术家和画廊。 买一幅100万日元的画--可以分期付款吗?没有吗? - 我刚买了一幅画,其实我还想买第二幅... ... 你出现了"收藏病"的症状。我买了第一辆,还想再买一辆。你想要什么? 我想要一幅油画... 这很好。 虽然是一百万日元,但是... ... 我明白了我明白了 说实话,我不可能马上一次性付清。"那就攒钱吧!但这是独一无二的物品,所以有可能会被卖掉。 所以我不知道该怎么办... ...分期付款可以吗? 这取决于画廊,但在某些情况下是可能的。在大多数情况下,画廊会替您保管您的作品,直到您完成付款。你为什么不先问问画廊? 他们不会觉得你是个小气鬼吗? 这种情况经常发生,我很欣赏这种"不能马上付款"的感觉。我觉得你还想要它,这很好。所以我们先问问他们。 艺术品时间长了--我可以卖掉我买的作品吗? 没有吗? - 比如,当人们觉得想把自己的作品送给别人时,该怎么办? 你是说"我的作品怎么卖"? 是,长官...难道还错了吗? 买了作品后卖掉是好是坏,有很多思路,答案要看人。但这并不意味着你做不到。更多的是"哦,你不想要? 我想要它!如果能在一个认为"我想要它!"的人手里,也许是一件好事。 我明白了 对了,"买卖已经买过的作品"叫二手货。另一方面,"直接从艺术家或画廊购买"被称为初级。 换句话说,是二手的还是新的? ...嗯,这很相似,但它和服装、电子产品不一样。 但你可以"卖作品"本身吧? 有很多方法,比如把它放到拍卖会上,或者和你买它的画廊谈谈。我觉得最好的办法是问画廊,你在哪里买的。 有什么样的拍卖会?你不能随便买东西吧? 专门做艺术品的拍卖会可能是最好的。佳士得、苏富比、菲利普斯是最著名的,但日本也有SBI艺术拍卖和新和拍卖。 就是那个卖掉巴斯奇亚特的人,对吧? 那是纽约苏富比拍卖行,对吗?这就是纽约苏富比,真正的家,比如美国职业棒球大联盟。 能不能卖到这样的地方? 嗯,这并不容易。我觉得最好的办法是问画廊,你在哪里买的作品。画廊应该能够在你购买、保留或出售你的作品时帮助你。 在TRiCERA,您可以购买来自世界各地的艺术家创作的艺术品。如果你不喜欢你看到的东西,你可以退回。你为什么不把艺术带进你的日常生活? 您可以从以下地方查看您添加到愿望清单的作品点击这里请看一下。

小川五郎:从现实中创造幻觉。

"我的作品中没有色彩,一切都只是一种幻觉,因为你看到的只是一种棱镜效果。"   金属棱镜 小川五郎       2011年,小川五加入日本艺术团体C-DEPOT。他最著名的是利用哈勃太空望远镜拍摄的银河系图像的全息塑料薄膜,创作三维装置。 在这次采访中,我们和他聊了聊他的艺术起源,他的作品对他的意义,以及他对色彩媒介的持续尝试。为保证篇幅和清晰度,本次采访进行了轻度编辑。 打破了传统雕塑的规则。 全息电影艺术。打造多彩幻觉的透明艺术。 大胆迈向未来 在哪里可以买到小川五郎的作品 打破了传统雕塑的规则。 "我的雕像如果仅仅是违反规定的话,是不会被大学接受的。" 你是如何发展成为今天的艺术家的? 当我进入东京艺术大学时,我还没有任何与现在工作相关的想法。姐姐在另一所大学学习艺术,我也想成为一名艺术家。我知道雕塑人形是我成为艺术家需要做的事情,所以当时我投入了很多精力。 但我很快意识到,我不想被传统的雕塑规则所束缚。例如,我做一个女人的雕塑时,雕像必须是独立的,但我挑战了这一点,把她雕塑成靠在墙上的样子。这个"站"让我很不舒服,因为破坏了规矩还不足以被大学接受。从那时起,我就努力去自由地创造我想创造的东西。 哪些艺术家影响了你? 我在学生时代没有喜欢的艺术家,但现在我特别喜欢奥拉维尔-埃利亚松,因为他在东京原博物馆的个展给我留下了深刻的印象。他是一个非常聪明的艺术家,他研究自然界的结构和起源,然后在他的作品中重建这种结构。我觉得他的做法和我自己的做法有些相似。我受他的影响很大。 我也受到Jeppe Hein的影响,他的作品有:Waterflame,一个在顶点不断燃烧的火焰的喷泉;360° Presence,一个大型金属球体在白色立方体艺术空间中滚动,破坏墙壁的装置。这种工作对我影响很大。我们在表现形式上受对方的影响并不大,但我们有一个共同的目标,那就是用作品打动观众的心灵,吸引观众的注意力。 如果让我说出一个对我有影响的日本艺术家,我会说我觉得吉冈德仁的作品是一个很好的例子。我特别认同吉冈德仁的做法,即深入研究日常生活中产生的琐碎思想和灵感,并将其转化为艺术作品。 "...基本主题是'幻觉与现实'"。 金属棱镜 小川五郎       你想通过作品表达的主题是什么? 我很高兴很多人觉得我的作品在视觉上很有吸引力,但根本的主题是"幻觉与现实"。我的作品最重要的特点是代表幻觉的色彩和代表现实的复杂基色。 全息电影艺术。透明的艺术,创造出丰富多彩的幻觉。 "我觉得,存在但难以辨认的形状的想法很适合我的工作。" 说说你现在的全息电影艺术风格是怎么形成的? 我喜欢看哈勃太空望远镜拍摄的照片,我在寻找一种不同于天文馆的新方法来表达宇宙。在这个过程中,我不断地寻找合适的素材,大约在研究生毕业的时候,我发现了一部特别的电影。从那时起,我就开始尝试如何在作品中使用该片。这种膜就像一张薄薄的贴纸,所以只能贴在透明丙烯酸树脂的表面。 然后我开始设计表面。第一阶段,我以玻璃球为基底,贴膜,经过反复试验,才有了今天的风格。 如何选择这种透明材料和全息膜的组合? 我在大学学雕塑的时候就注意到了这一点。雕塑家总是深深地关心一尊雕像的细节,但如果表面是透明的,这些细节就看不到了。透明雕像与高细节的矛盾是我在研究生阶段研究的主题之一。我觉得,一种存在但很难被注意到的形式的想法很适合我的作品。 另外,我的作品看上去是彩色的,但实际上不是。你在我的作品中看到的颜色,只是亚克力基底的折射和光线在一定角度反射后产生的反射。表面复杂的细节都是透明的,所以看不清楚形状,但我的作品中没有颜色。我的作品中没有色彩,都是一种幻觉,因为它只是一种棱镜效果。 熔融棱镜 小川五郎(黑底)       薄膜本身没有颜色,但通过气相沉积制成的一层薄薄的金属粉末可以反射蓝色、红色等各种颜色的光。我的作品在月光下看是完全透明的。在阳光下,你可以看到光谱的颜色。在黄光下,可以看到暖色,但在荧光灯下,波长不足以显示我作品的颜色。在阳光下最好,但对于室内照明来说,LED是最好的看色方式。 在一个光源多的地方,光线效果不好,颜色也很散乱。最好是在黑暗的背景下用聚光灯观看。 熔融棱镜 小川五郎(白底)       除了光源外,根据安装环境的不同,颜色也会有所不同。例如,白色背景会产生柔和、苍白的色调,而黑色背景会产生较暗的色调。 当光线反射或通过胶片时,一张胶片会产生两种不同的颜色。除平静或平整的表面外,通过薄膜的光的颜色在许多类型的表面形状上都会明显而明亮。为此,我尝试着加入大量的边缘和起伏,使色彩更加鲜明。 我的作品是建立在无数次的实验基础上的,这三个元素的组合:胶片的种类、透明的基材、表面的细节和形状,我尝试了很多这三个元素中的两种组合,然后再把它们组合起来进行创作。 如何形成丙烯酸树脂基体? 我用手磨机粗略地切出形状。即使是最细微的起伏也会改变颜色,所以最后的抛光是用粒度为100到2000的砂纸和抛光剂手工完成的。 我一般不会用实际题材,但如果有特殊要求,我会用。有一次,有人让我做一只鹿,我就做了一只鹿的形状。有一次,有人让我做一个茶道的物品,于是我做了一个小糖罐。 胶片和丙烯酸树脂的形状结合在一起,可以表达出无限的创意,这很有意思。 您的作品的颜色是如何随着观察角度的不同而变化的? 颜色完全变化,仿佛是一件光艺术作品。不过,由于我对光的研究采取的是科学的方法,所以我认为我所追求的和印象派大师们所追求的差不多。 上图就是一个很好的例子。同样的棱柱并排排列,但根据角度不同,可以看到完全不同的颜色。 这种亚克力材料会随着时间的推移而变质吗? 我使用的是建材中常用的丙烯酸树脂,所以应该没有问题,除非是放在很恶劣的环境中。 大胆迈向未来 "...我想在外太空举办一个展览。" 您现在创作时注重的是什么,未来想尝试什么? 目前,我正在研究颜色如何随着丙烯基的膨胀而变化。一开始我用的是玻璃球,但玻璃球的折射率是恒定的,所以我是用亚克力树脂来雕刻,让它更有趣。对我来说,一个展览就像一个实验结果的集合。我也会做实验,看看把多个作品放在一起会发生什么。 今后,我想把我的作品融入到日本的园林中,比如踏脚石。我还想做桌子等家具。在类似的类别中,我想做吊灯,我也对彩色玻璃感兴趣。 至于展出我的作品,我想在外太空办个展览。我也想有一天做一个像中国长城那样的大型展览。从太空中可以看到的大型装置。 我对空间展览特别感兴趣。目前还没有其他艺术家在空间里展出过自己的作品,所以我很想尝试一下。 哪里可以买到小川五郎的作品 在TRiCERA,我们有小川五郎的作品我们的许多产品。其他C-DEPOT艺术家我们还介绍了

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