星期五, 3月 5, 2021
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英国艺术家Nicholas Hatfull在亚洲的首次个展”Thermals of the Mind”将在THE CLUB举行。

装置视图,Nicholas Hatfull《心的温度》,2019 ©️Nicholas Hatfull。 由THE CLUB提供,照片由KEI OKANO拍摄。 Thermals of the Heart最近在THE CLUB开幕。这是英国年轻艺术家Nicholas Hatfull的首次个展。这是Hatfull在亚洲的首次个展。Hatfull出生于1984年,2011年就读于英国皇家学院学校。 THE CLUB是一家位于东京银座的当代画廊。此次展览将展出哈特富尔的14件最新作品。 Hatfull目前在伦敦生活和工作。Hatfull目前在伦敦生活和工作,并在全球范围内活跃,重点是欧洲。他曾参加过伦敦Saatchi画廊的群展,其作品被美国著名收藏家Beth Rudin DeWoody收藏。 Hatfull从日常生活中看到的物体和场景中汲取灵感,比如冰激凌、高速公路、挂在晾衣绳上的衣服等。有趣的是,他用一种独特的透视方法来处理这些物体和风景,用iPad的草图和喷漆将图像倒在画布上。他之所以这样表现画面,是因为这些画面成了记忆的碎片,勾起了人们的怀旧之情。 装置视图,Nicholas Hatfull《心的温度》,2019 ©️Nicholas Hatfull。 由THE CLUB提供,照片由KEI OKANO拍摄。 哈特福尔也深受小津安二郎电影的影响。 “风吹草动,风吹草动,风吹草动的洗衣机,小津安二郎过渡序列中反复出现的小插曲……”。而在我的记忆中,特别是夹杂着他的彩色电影,以及被褥套、衬衫、毛巾的画面。 装置视图,Nicholas Hatfull《心的温度》,2019 ©️Nicholas Hatfull。 由THE CLUB提供,照片由KEI OKANO拍摄。 哈特福尔将电影中的场景与自己对物体和风景的观察相结合,创造出既不真实又有某种亲切感的想象风景。哈特福尔如梦似幻的画作刺激着我们的感官。 试图在这些画作中寻找现实的线索,也许会提供一个愉快的旅程。我们不知道如何划分现实和幻觉。哪些是真实,还有哪些是幻觉?与小鸠的想象力相比,电影中的场景可以归为真实。但是,电影场景也是虚幻的,因为它们是非虚构的,是由人导演的。 本次展览将有助于我们开拓视野,增长见识。 “心的热度”展览从6月29日持续到8月24日。博物馆开放时间:上午11点至晚上7点。欲了解更多信息,请访问http://theclub.tokyo。 文章作者:Jeongeun Jo 生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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在法国举办的数字艺术专业博览会

专注于数字和当代艺术的艺术博览会"当代与数字艺术博览会"(CADAF)宣布,鉴于新型冠状病毒的影响,今年将改用网络形式。 作为2019年推出的新兴博览会,CADAF是唯一一个致力于数字艺术和当代艺术的彩色艺术博览会。此前在迈阿密和纽约举行,今年的线下活动因受新型冠状病毒的影响而放弃,改在2020年6月11-13日在线上举行,地点在巴黎。 数字艺术显然是随着互联网的发展而开创的艺术方法或媒介之一,而现在随着流明奖等国际奖项的出现,数字艺术也越来越受到重视。初始成本低,且兼容区块链等最新技术,这可能是进步之一。 此次,CADAF方面公布了约50位艺术家和15家画廊的参展名单,但具体内容尚未透露。现场将是一个虚拟的白宫式展台,参观者可以免费进入。首席执行官Elena Zavelev表示,"数字艺术艺术家展示作品的平台还没有建立起来。"但以目前的情况来看,这一类型的崛起会不会加速? 参考资料来源:https://cadaf.art/

市野胜三:从传统到当代艺术的一步之遥。

"我想利用丹波烧特有的淳朴自然的泥土"。 Katsuiso Ichino 市野胜藏是市野家的第七代传人,在兵库县制作日本六大古窑之一的丹波烧。陶器起源于平安时代末期(794-1185),距今约850年。 1926年,日本哲学家柳宗吉和他的朋友们发起了被称为"民艺"的日本民间艺术运动。柳宗吉的想法是向世界介绍日本的日常艺术和手工艺,例如由不知名的工匠制作的陶器、纺织品和漆器,这些东西在艺术史上一直被忽视。柳氏收集了300件丹波器,并写了一本关于其美的书。在柳宗吉的努力下,丹波烧作为餐具的历史在90年前得以重现。一野胜造将丹波烧的技术作为当代艺术的新风格,将继续柳宗吉的"民艺"运动。 丹波烧的历史--丹波烧手艺人的家族。 粘土艺术 丹波烧的表现形式 从简单的餐具到当代艺术 在哪里可以买到一野胜祖的作品? 历史--丹波烧家族的手艺人。 炭化的"水刺",由一野胜藏创作。 丹波烧的历史有多长? 丹波烧的历史可以追溯到850年前,其起源可以追溯到平安时代后期(794-1185)。他们在山谷的山中建窑,制作实用的餐具。它一直在家族中传承,一直在制作时代要求的陶器,同时不断挑战新事物。我们感受到了这段珍贵的历史。力求做出这个时代才能做出的、只有我们自己才能做出的、独一无二的陶器。 你在20多岁开始培训陶艺师之前是做什么的? 我是跟老师学习西画的。我还学过一年的雕塑。我就读的大学并不是艺术类院校,而是关西学院大学,我的专业是经济学。 您出生于传统的丹波烧手艺世家,并追随祖先的脚步成为丹波烧艺人,为什么会选择这条路? 小时候,陶艺是我身边一直存在的东西,我对它并不感兴趣。但是,在我20多岁的时候,我在东京师从一位用陶瓷创作的艺术家。受此启发,我决定在家乡丹巴的窑洞里尝试制作当代陶艺。此后,我继续创作。 用粘土创作作品 丹波烧的特点是什么? 它的特点是泥质简单,质地朴实。丹波烧的限制不多,随着时间的流逝,形状变化自如。历史上的丹波烧反映了制作时代的需要。丹波烧的特点是,它是反映时代潮流的陶器。 一野胜宗的碳酸八角形"Mizunashi"(茶道用水容器)。 丹波烧为什么会盛产陶器?丹波烧的泥土与其他泥土有什么不同? 我想是因为这一带有丰富的适合制陶的泥土。属于山地土壤,含铁量高。...

如果你是第一次购买当代艺术,版画是你的不二之选!-高清晰度印刷艺术品-。

TRiCERA很高兴地推出由13位来自不同国家的艺术家所创作的限量版高品质版画。与DNP的技术合作销售我们希望你会喜欢我们希望您能享受到艺术家直接创造的图像的力量,这只有通过印刷品才能体验到。 结合本项目,我们将提供。我们会把照片装裱起来,然后送到您的手中。   *限时活动至11月30日*由于大家的要求,我们将延长期限至12月31日!如果您想享受此优惠,请在购买后回复我们给您发送的邮件。     。 关于该印刷品 A. 欣赏完整的当代艺术:10万日元(不含税)。 B.广泛的当代艺术:(A3)5万日元(不含税)、(B3)3万日元(不含税)。 C.熟悉当代艺术入门:(A3)15,000日元(不含税)。 版画--可供多人欣赏的艺术。 DNP的技术创新                 关于该印刷品   共有13位艺术家带着不同的材料、技术和主题参与了这个项目,他们各自准备了以下三种类型的印刷作品。   A. 欣赏全面的当代艺术 除了A2(42 x 59.4cm)的大尺寸外,版画还将附带一个版号和艺术家的签名。此外,作品的真实性由使用最新区块链的证书永久保证。 加上尺寸、签名和版号,价格为10万日元(不含税),但推荐给想欣赏和收藏的朋友。 。   B.对当代艺术的广泛品味 除了A3尺寸(29.7×42.0厘米:用于风景),还有B3尺寸(36.4×51.5厘米:用于风景),上面印有版号和艺术家的签名数据。 A3尺寸的价格为30000日元(不含税),B3尺寸的价格为50000日元(不含税)。你可以根据家里墙面的大小选择自己喜欢的尺寸。 。   C.熟悉美术是一门入门课程 尺寸为A3(297×420cm:如果是风景画),价格为15000日元(不含税),推荐给想安心开始艺术创作的朋友。当然,这是一件有版的美术作品。 。             A. 欣赏真正的当代艺术   在此介绍三位艺术家:神子加奈、土田圭介、西川美穗。他们都是了不起的艺术家,他们从自己独特的角度思考绘画。   Kana Kamitoko   1995年出生于鹿儿岛,神童加奈在以洋酒为主题的同时,一直在探索日本的美感。她从明治时期的浮世绘和江户画的色彩和构图运用中看到了日本艺术的一个完美体系,她将日本原有的美学元素与当代的感觉相匹配,进行绘画创作。 在江户时代(1603-1868),洋海是画家们的主要题材,但伴随着明治维新的西化,洋海在日本美术界消失了。神子先生回顾了日本艺术的历史,并创作了一些作品,说明日本原本有一些优秀的东西。     Kana Kamidoko《A-Un》原画价格(参考):900,000日元   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看作品购买页面       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。土田圭介一贯以"心"为主题,但并没有直接引出"心",而是试图通过科幻的世界观来讲述一个故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《青花之翼》原画价格(参考):250万日元。   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看购买页面       Miho Nishikawa   她是一个追求"能看到的和看不到的"的艺术家。 当她开始画的时候,对于如何完成作品并没有一个明确的想法,但是在她画的时候,作品会发生变化,在她认为完成的那一刻,作品就完成了。所以她自己往往在完成后才意识到这一点。 ,西川的画作描绘了一个暧昧的世界,从某种意义上说,西川的画作是文艺的皇道。此外,她还因登上松吉直树的《Hibana》封面而闻名。/su_quote]     西川美穗《红黑》原画价格(参考):50万日元。   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看购买页面             B.对当代艺术的广泛品味       Hironobu Naito   据说在众多的动物中,只有人类才有祈祷的行为。内藤先生的作品试图在画作中再现人们突然感受到的神性和神秘感。 ,表现沉默的深蓝色是他作品的特点,但他使用的颜料是矿物颜料。同时,它还可以获得哑光的颜色,这与油画颜料是不同的。/su_quote]     内藤广信《蓝月亮》,原画价格(参考):20万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       Harumi Takahashi   通常情况下,声音是不能用眼睛看到的。高桥女士试图用绘画的方式来表达只能用耳朵捕捉的声音。换句话说,声音是由物体振动产生的现象。她通过在屏幕上画满声音,来描绘声音的外观。/su_quote]     高桥春海《变色龙熊猫》原画价格(参考):65万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。土田圭介一贯以"心"为主题,但并没有直接引出"心",而是试图通过科幻的世界观来讲述一个故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《木板上的祈祷》原画价格(参考):32万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       Cos Cos   绘画的主要流派之一是"肖像画",即画人的脸。科科斯做的是素描脸部等细节工作,但却专注于一个人脸上出现的能量颜色,而不是真实的描绘。一个人的脸上有喜、怒、哀、乐等丰富多彩的情绪,他的魅力之一就是敢于直接表达这些情绪。/su_quote]     Koscos《运动中的对称;觉醒》原画价格(参考):418,000日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)             C.熟悉当代艺术是入门课程       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。虽然土田圭介始终关注"心"这个主题,但他并没有直接引出"心",而是试图通过科幻世界观来讲述故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《孤军奋战》价格(参考):20万日元。   打印15000日元(不含税)。   点击这里查看作品购买页面       Ayaka Tadano   田野女士是一位对"人们如何看待艺术"感兴趣的艺术家,她的作品有趣的地方或许在于,她画的风景画能唤起观者心中的记忆和情感。通过描绘每个人似乎都在某个时刻见过的普通风景,她有能力让观众面对自己的记忆和过去。可以说,这件作品注重的是作品与观者之间的关系。/su_quote]     绫波忠野《融化的太阳》原价(参考):128,000日元   打印15000日元(不含税)。   点击这里购买作品       Choko Beniko   长子的画有一个特点,就是她试图描绘人们突如其来的情绪。人们发脾气,或喜或悲,但都是迟早会消失的。她试图在绘画中捕捉"消失的情感高峰"。画这些瞬间有一种脆弱的美,有点像看一朵即将凋零的花。。     Choko Beniko"Monogatari。原画价格(参考):224,000日元。   打印15,000日元(不含税)。   点击这里查看购买页面       Jura...

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

花神子的限量版版画将发售。

TRiCERA很高兴地宣布出售Kana Kamitoko的限量版作品。 接待期2021年1月25日(周一)13:00--2021年2月8日(周一)00:00■获奖者通知。2021年2月15日(周一)之前,将通过电子邮件通知获奖者■申请方法请在报名表上填写必要的项目,报名前请务必阅读注意事项。 销售说明(*1)] (1)作品由艺术家签名并编号。(2)本作品为抽奖作品,可能无法获得心仪的作品。(3)不能选择版号。(4)从发售日(预定2021年2月15日)起,大约需要一个月的时间才能发货(*2)。(5)以下规格为生产前规格,可能会有变化。(6)每人最多可申请2件。(7)确认中奖后,为了客户的方便,我们不接受取消。 1 一旦提交申请,即视为您已同意"须知"部分所述的条款和条件。2 由于新的冠状病毒扩散而宣布进入紧急状态的影响,可能会延迟交货。 | 狐狸附身力》|宇和子加奈《狐狸附身力》。 ©️ Kana Uwatoko / TRiCERA, inc. 艺术家:宇和子加奈作品名称:狐狸附身立绘版:30幅图像尺寸(作品人物尺寸):176 x700mm纸张尺寸(纸张尺寸):196 x 720mm技术:胶版印刷、全息图处理签名:艺术家签名价格价格:55,000日元(不含税) 点击这里申请

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这是关于人类的动物,或者动物的世界。

莱昂纳多-达-芬奇的《带着女巫的女士》--不用说,这是一幅著名的作品,画作的尺寸为54.8厘米×40.3厘米,画中一位长相优雅的女子怀抱着一只女巫。据说,奥古京是纯洁的象征,但在14世纪和5世纪,它也是贵族中的重要宠物。 人与动物共存的历史源远流长,早在拉斯科时代,人们就对动物进行了驯化,有时对动物进行抚摸,有时作为狩猎伙伴与动物共处。古埃及人给动物取名,古希腊人有为死去的狗挖坟立墓碑的习俗,主人会在坟上刻下留言,表达自己的悲痛。 点击这里查看作品详情 尽管历史悠久,但主要是在17世纪和8世纪,动物才开始成为绘画的主题,成为一种潮流。动物和植物经常被作为自然史的一部分进行说明。然而,直到17世纪,Frans Snyders和George Stubbs等艺术家才开始将动物作为他们绘画的主要主题。 那么人们为什么要画动物呢?首先是动物的象征性使用,如达芬奇。虽然不是真正的动物(至少我从来没有见过),但比如独角兽,在15世纪的绘画中被用作表示女孩纯洁的图案。 这种象征主义的观点会让我们读出一种关于画中动物存在的故事。例如,SELUGI KIM以女孩和动物为主题的作品。 点击这里查看作品详情 在她的画作中,女孩不是和她的朋友、家人、学校老师或米老鼠在一起,而是一只火烈鸟。她说:"以文化和爱情的名义,我们的社会有很多伪装。 点击这里查看作品详情 动物的"形象"呢?比如《小红帽》、《三只小猪》等故事中,狼总是一个反派。而当你听到"狼"这个词时,你可能不会想到一个好的道德家。刈谷随口提到了这个故事所创造的狼的命运。由于人类编造和讲述的故事,狼已经被人嫌弃了。从公正的角度来看,刈谷描绘了某种图像操纵的结果,以及那些继续固定这种图像的人。 点击这里查看作品详情 那从宠物的角度来看呢?我们是如何描绘我们的宠物,我们的不同类型的家庭的?他们的故事呢? 萩原画中的宠物,从某种意义上说,是对当代社会风气的一种窥视。作品中所描绘的狗"我们用的是植物洗发水",一定是经常用植物洗发水清洗自己。 点击这里了解详情 另一方面,也有一些作品是从宠物的角度出发的。久保重太郎的画作就是这样一个例子。他从"宠物受到的过度爱护有时是片面的"的角度来描绘武装动物。当然,我们愿意相信,在大多数情况下,爱是给得恰到好处的,但当爱不到位,甚至不再是爱和培养的对立面时,宠物连给当地派出所打一个电话都做不到。 他作品中的猫和兔子反抗人类,拿起武器,进行反抗,获得自由。久保的绘画代表了想象力的产物,他们描绘了一个"如果"的世界,一个通常看不见的世界。 点击这里了解详情 当然,动物也有自己的世界,人类也不一定都在其中。长沼所描绘的银幕上狮子和松鼠自在的世界,是一个完全属于动物的世界。动物们都生活在自己的世界里,有自己的规则。在现实中,这种情况是很少见的。这是因为人类掌管着每一个地方。从这个意义上说,它是有些悲哀的,似乎有纯洁的东西会引起人们的渴望。 点击这里了解详情 画动物,就像画丛林,有自己的故事要讲。不妨在家中的一面墙上布置一个不同的动物世界。...

为支持东京的年轻艺术家而举办的展览

第21届"1_WALL"图形展。 2019年"第21届"1_WALL"图形展"装置图 ©️嘉德花园。 由嘉德园提供。 年轻的艺术家们总是渴望有机会不仅能创作自己的作品,而且能向世界展示自己的作品。艺术竞赛为年轻艺术家提供了举办群展、个展和资助的机会,是年轻艺术家展示作品的一种方式。在东京,在众多的艺术比赛中,每年都会举办一个有趣的比赛,叫做"1_WALL"平面展,发掘35岁以下的天才艺术家。 第21届"1_WALL"平面展将在东京嘉德花园举行。画廊由综合人力资源服务商Recruit Holdings, Inc.运营。本次展览将展出6件通过二次筛选的入围作品。第一轮评审主要是对所有参赛者的作品集进行评审,第二轮评审则是通过第一轮评审的平面设计师与评委进行一对一的讨论。在第21届联展中,举办了"1_WALL",6位入围者每人分配一面墙。 2019年"第21届"1_WALL"图形展"装置图 ©️嘉德花园。 由嘉德园提供。 将从6名入围者中选出一名大奖,获奖者将有机会在一年后在嘉德园举办个人展览,并获得30万的资助。本次终评将在9月3日联展期间进行。六位入围选手将对自己的作品进行展示,由评委进行点评。最后的放映也将对公众开放。 本次展览给人的印象是,21世纪的"1_墙"是建立在多元化的基础上的。作品包括摄影、绘画、装置、油画、版画,甚至是以平面设计为基础的作品。在画廊空间的中央,陈列着艺术家们的作品集,显示器上也可以看到去年第20届"1_WALL"平面展的最后放映。您可以在终映后看到第21届"1_WALL"平面展的终映。 据有关人士介绍,筛选委员会对那些在作品发展中表现出进步的艺术家给予高度评价,而不是像样的成绩。他们表示,从进展中可以看到本次大赛的入围者和获奖者的关键激情,支持日本年轻的激情艺术家。 田中芳树,《感觉像在观光》,装置景观,"第21届"1_WALL"。图形展",2019年©️嘉德园由嘉德园提供。 真由美幸子,《城市绿洲》,装置景观,"第21届"1_WALL"图文。展",2019 ©️嘉德园提供。 通过第二轮筛选的6位入围者分别是:加濑彻、近藤大辅、近藤玛雅、田中芳树、毛生、梅见幸子,他们都呈现了不同的作品。近藤大辅创作画作。近藤大辅通过聆听音乐来表达他的灵感;近藤玛雅创造了想象中的世界;田中芳树将文字、图画和雕塑结合在一起的装置,灵感来源于她在香港的驻场艺术家计划。安装工程。小美的画作代表了不同类型的房间和不同的人的时间;梅由美的《城市绿洲》将自然景观和城市物件进行了结晶和结合。 第21届"1_WALL"平面展。 日期:2019年8月27日(星期二)至9月28日(星期六)。...

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

人像的正面和背面

池田绫子是一位以肖像画形式输出情感的画家。她不以表现对象的细节为目的,如颜色、轮廓等,而是反映她的情感、思想和她自己内心的运动。绘画是一种自我表达,她用绘画的形式来勾勒自己的精神。 看来你的很多作品都是肖像画。首先,请您解释一下您的作品? -我的作品取决于我当时的心情,所以我并不总是有一个特定的主题来画,但我经常画肖像。但是,我经常用当时的感受表达来画肖像。 我从小就喜欢画画,以前经常画人。我还是喜欢画人,这不是故意的,但当我想到要在画中直接反映自己的情感来表达时,我觉得风景和抽象画不适合。不知道为什么,我觉得人像摄影是直接表达自己情感的最好方式。 鲜艳的R_02,53×45.5cm。 你作品中的人是用随意的颜色画出来的,而不是用写实的手法。这些图案是虚构的吗? -不,想象力不是我的专长,所以我画画的时候有一套原型。但是当我看到完成的作品时,却和我的形象不一样,所以有时候我在想,原型是否有用?身体各部位的颜色是在看图片的时候决定的,所以有时候皮肤的颜色是随机的,比如绿色。就像我之前说的,我的感受反映在我的画作中,所以当我看到完成的作品时,我当时的感受又回来了。我只有在完成一幅画的时候才会被说服,而不是在我工作的时候。 献给P_07,19.5×25.4厘米。 你是不是一直想成为一名画家? -没有,但我从小就喜欢画画。我不能像漫画那样编故事,但我会画画,所以我决定去读美术学校。学校的倾向是叫我画全身,但我觉得脸更有趣。在学校里,我主要学的是插画,但随着学习的深入,我对"客户工作"的兴趣越来越小。我想画我想画的东西。 你说你的作品反映了你当时的情绪。但是你想画的东西会不会因为图案的不同而改变呢? -这要看情况,但我没有真正的流程。我想我在忙于其他事情的时候往往会画肖像。所以我觉得我在通过画画来释放自己的情绪。 去年秋天,我捡到一只麻雀,和它相处了大约两天,不知为什么,我觉得有一种冲动,想画一些肖像以外的东西。所以当时我画的是脸以外的图案。也许这个主题会改变,也许不会,这取决于我遇到的人或我对未来的看法。

Feature Post

无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办"NO BORDER"群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。   享受"不可知性"的艺术 本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。 无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。 当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权。 ,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。   关于参展艺术家 - 兴趣点   平田直哉|平田直哉 平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为"雕塑是具有空间性和时间性的东西",他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:"数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。     先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3       查看工作细节   畑直之 - 畑直之 旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。     g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10       查看工作细节   西木俊介|西木俊介|西木 俊介 西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。     日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画       查看工作细节   忠野绫香 - 忠野绫香 忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了"我们人类有一天会消失"的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野"永恒的缺失/事物总有一天会消失"的主题,产生了一种很感伤的效果。     还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸       查看本作品的详细信息   曾超 出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是"气势表现的多少",他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画。     KS190829 2020 53×53cm...

艾米丽-梅-史密斯的首次个展将在东京Perrotin举行。

艾米丽-梅-史密斯的首次个展不仅将在PERROTIN画廊举办,还将在亚洲举办。     纽约艺术家Emily Mae Smith在Perrotin画廊的首次个展。"阿瓦隆"。这是她在Perrotin画廊的首次个展,也是她在亚洲的首次个展。在这次在Perrotin画廊举办的个展中,Emily Mae Smith用她的画作讲述了自己的故事。   她的作品显示了一个完善的自我探索和概念化的过程,以及作为一个艺术家的成熟的技术能力。她的作品融合了各种主题,并经常从西方艺术史和流行文化中汲取灵感,包括象征主义、新艺术图形和迪士尼动画。在她的艺术家生涯中,她发现很多艺术场景都是由男性创造和设计的。在她的作品中,她以一种尖锐的讽刺方式重新利用这些主题,指出了艺术和日常生活中普遍存在的性别歧视和男性权力结构。不过,作为一名称职的艺术家,她并没有将图案照本宣科,而是巧妙地处理。她作品中的主题和表现方法都是具象的。       她创作了口舌等身体部位的特写,最终如梦境般飘走。在她的作品中出现的扫帚就像超现实主义的幻想,但又有些熟悉。很多人都知道,1940年迪士尼的一部老动画片《幻想曲》中,有一把扫帚似乎是活的。在《清洁工和我》中,扫帚部分出现在画面中,但只有扫帚的上半部分在画面中,这就出现了男性生殖器的形象。同时,扫帚还可以象征女人的工作、家务,以及画家的画笔等工具,这就开启了广泛的含义。     从《拾穗者奥达利斯克》中,我们或许还能认出让-奥古斯特-多米尼克-英格雷斯的艺术史名作《大奥达利斯克》,它对我们来说,看似完全陌生,却又耳熟能详。   从视觉上看,她的作品给我们一种画面感。海报,作为艺术作品,它们让人联想到虚幻主义、风景画和超现实主义绘画。包含了很多主题和跨流派。瞬间,陌生的或熟悉的,历史的参考,或作为当代艺术作品的陈述。诠释艾米丽的作品还有很大的空间。最终,她的作品运用各种主题,揭示象征意义,主题集中。从艺术史、文化现场到当代艺术。   1979年出生的Emily Mae Smith目前居住在纽约布鲁克林,并在法国第戎的Consortium博物馆和康涅狄格州哈特福德的Wadsworth Atheneum博物馆举办过个展。   这将是她在日本东京和Perrotin的首次个展,如果你在东京 ,从2019年8月28日到11月9日,一定要去看看 。   Emily Mae Smith "Avalon"   日期和时间:2019年8月28日(星期三)至11月9日(星期六)。 时间:上午11时至下午7时。 周日、周一和公众假期休息。免费入场。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...

描绘了人的形态之美。毕津加的历史和现状是怎样的?

琵琶是描写美女外貌和行为的画作,是一种涉及女性美的画作。"传神阁"是一个起源于日本的名词,该作品的风格象征着日本女性的美丽。 从浮世绘艺人岸川重信开始,江户时代结束后,传到了竹久梦二和上村庄园。 虽然它没有当时席卷世界的气势,但它是日本画的主要流派之一,可能是日本文化的一种强势。 不过,毕金加的声音有些老气横秋,它已经成为传统文化的一部分,但即使是现在,当曾经作为绘画模特儿的妓女、歌妓、茶馆姑娘已经消失的时候,仍然有人在创作毕金加。 Akihiro Mitsumoto 三本昭广就是其中之一。 虽然他使用油彩和铂金叶作为媒介,而不是日本画中使用的矿物颜料,但他所描绘的女性的外观是比基尼。 三本说:"我不仅要表现人物,还要通过充分利用边角料来表现人物存在的空间。 背景也是值得关注的。女人直接坐在上面的瓷砖和水泥墙让我们看到了她作为建筑师的背景。 点击这里查看作品 Beniko Choji / Beniko Choji 随着性别的变化,人们对女性美的看法也发生了巨大的变化。遇到赵本子的作品,就会有这样的想法。 在她的作品中,她表现的是一个面无表情的单身女性。她之所以尽可能地限制女人的颜色、衣服和其他一个图案,是为了给观众的情绪创造一个空间,鼓励观众沉思。此外,没有背景,目光自然而然被吸引的美女,有江户时代末期以后美女画中出现的"颓废美"的元素。 红与黑的运用,常用来描写性与暴力,加上对女性毒妆与装束的描写,使这部作品乍一看似乎是一部充满张力的作品。但是,如果你花时间去看被描绘的女性脸上的表情,你就会发现,这些画作传达的是一种非常温和的温度,紧张的气氛正在慢慢放松。每次看美女的画作,她的表情都会发生变化,看她的画作永远不会厌烦,震撼着观者的心灵。 点击这里查看作品 Masahiko Konno 到目前为止,我所介绍的艺术家都是在过去的背景基础上,具有传统的风格。然而,也有一些艺术家将现代性的精髓注入到了比心社所拥有的"日本女性之美"中。其中,今野正彦具有极强的现代感。 在江户时代(1603-1868年),美人画并不注重与模特的相似度,而是注重表现哪位浮世绘画家的"风格"。后来,随着时间的推移,人们对现实的追求,女性形象逐渐变得更加真实。 今野进一步更新了风格化的美女画,并把它们当作上传至社交网站的照片来画。这是现代人对日本女性美貌的看法,还是一种巧合?不管怎么说,康野所描绘的新鲜女性都是"活着"的。 点击这里查看他的作品介绍。 从池永康明的人气可以看出,比武大会肯定有复兴的迹象。当你凝视着站在屏幕上的美女们,不知道未来会有哪些艺术家来编织毕金加的历史时,不妨想想这个问题。

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