星期三, 10月 20, 2021
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毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以”剪出瞬间的故事”为立场的彩绘油画和她称之为”雕塑”的画框组成的。

 

 

我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为”雕塑”,并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。
-一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。

 

我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?
-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。

 

例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识?
-不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像”我们来做吧”。

 

我到达了框架,作为一种”突出”的手段。是意外吗?
-不,逻辑就在那里。所以…我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。

 

将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。
-我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。

 

老人与海III》
油画/水干画/混合媒介,布面,52×42cm,2019年,私人收藏。

 

你以”画布之外”为理念创作的第一件作品是什么?
-在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以…我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。

 

如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种”切出故事的作品方式”,换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要?
-是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。

 

鲸鱼与海浪
油/水干画/混合媒介,布面,35×45,2019,私人收藏。

 

所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。
-是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。

 

从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像?
-主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。

 

听起来,你的重点是人物的记忆。
-不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。

 

关井靖
油/水干画/木板,30.5×61×5.5cm,2020年,私人收藏。

 

假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的?
-这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得”哦,我想画这个”的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。

 

比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢?
-这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。

 

夜光昆虫
油画/水干画/混合媒材画板,53×53cm,2020年。

 

谈到你的笔记时,你说你写下了”你想画的东西”,这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗?
-基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。

 

涤荡负。
-是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?

 

山茶花画廊个展装置图,2020年。

 

我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观?
-我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。……。我的预科学校的一位老师说过:”哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。”当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。

 

当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣?
-不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。

 

山茶花画廊个展装置图,2020年。

 

这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的?
-这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。……。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:”如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。

 

在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位?
-我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。

 

夏侯惇
油画/水干画/树脂画布,162×162cm,2019年。

 

你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架?
-也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。……。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。

 

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Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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纪念展 限时销售页面 本网站为索丽欧限时在线销售网站。 请从以下作品中选择你喜欢的作品购买。 在本网站只能用信用卡支付。 *请务必在付款页面输入作品编号。 Soryo A1尺寸(限量30个签名)无框:10,000日元(不含税)含运费 索里奥A1尺寸(限30份签名)带框架:20,000日元(不含税),含运费。 您可以选择框架的颜色:白色、黑色、银色或金色。请在付款页面注明颜色。 参展作品 Soryo A1尺寸(限量30份)无框:10,000日元(不含税)含运费。 索里奥A1尺寸(限30份签名)装帧:20,000日元(不含税)(含邮费)。 镜框颜色:可选择白色、黑色、银色或金色。请在付款页面注明颜色。 关于soryo 生于东京八条岛。迁居东京成为神道士,接触到浦原宿的文化。 他受到横尾忠则美术馆作品的影响,高中时从老师那里得到的艾欧作品集,以及小学高年级时玩的RPG电子游戏世界观的影响。为了保持日常压力下的心理健康,他一直在iPhone上制作图形。 2017年7月 我从偶像的脸上剪出了四个部分:轮廓、眼睛、鼻子和嘴巴。 我将偶像脸部的四个部位(轮廓、眼睛、鼻子、嘴巴)剪下来,用福禄寿喜的手法制作了一个想象中的偶像女孩。 2018年8月"KIMERA"个展,将"头"、"上半身"、"下半身"等部分用各种材料汇集在一起,组合成一个个鲜活的生命体 。 2019年的一天 我把作品装在手提箱里,在路边卖的个展【移动个展】。 2019年8月 在一栋废弃的建筑中展示了一件作品,并测试了"作品在现实世界中"和"作品在数据上"的时间限制【半永久个展】。 关于TRiCERA TRiCERA是支持日本艺人拓展海外业务的平台。TRiCERA将负责支付和交付网站上的艺术品。 点击这里查看隐私政策 点击这里获取更多关于特殊商业法的信息

画出残缺的形体之外的美–专访沙美希。

1997年出生于东京的沙美越是一名画家,2020年毕业于武藏野美术大学油画专业,从2016年左右开始,她用丙烯和钢笔画出脸部和身体爆裂和溶解的畸形女孩,反复折叠和形成。我们采访了Same Hoshi,了解了她的作品背景和她至今的心路历程,正如她所说:"可爱的东西即使被分解,也能保持可爱的一面。     三越,你主要是以创造和崩溃为主题来画女孩子的脸。除了让脸部和眼睛变形外,还故意让脸部和眼睛塌陷。你能谈谈这一点吗?   恐怕是感觉上的问题,但说到图案,最主要的原因是可爱。我从小就喜欢画像公主一样的女孩,但受父母的影响,我从90年代左右就开始看动漫和玩电子游戏,通过这些,我逐渐喜欢上了畸形的角色。 ,也许是我的作品倾向的缘故,经常有人问我是不是喜欢动漫。但实际上,我对动漫或漫画类型本身并没有那么强烈的感情,我只是喜欢那些短头的畸形女孩的可爱。 ,另一方面,我不仅对可爱感兴趣,还对这种可爱的状态感兴趣。他们很可爱,但他们的可爱就像要融化了一样。回不来的事实让这种美德更加浓厚,也许只是一种感觉,但我真的很喜欢这种状态。 ,并不是我有上瘾的爱好,而是我觉得肢解、爆裂、解体的可爱有一种别样的可爱,我觉得我可以把"可爱"用一种不复杂的方式表达出来。我想,我们可以用一种简单的方式来表达"可爱"。     圣诞蛋糕2020 29.7 x 42cm Giclee纸上印刷版:50张。   点击这里查看SAMEHOSHI的限量版印刷品。   有的画作中,不仅脸部,而且身体本身也已经垮了。除了可爱度的崩塌,你对变形的身体也感兴趣吗?   就像你说的,除了性格化的女孩和她们的解体,我还对乱七八糟的面孔、解体的身体、硬物与软物的碰撞和飞散感兴趣。不是我喜欢怪诞的东西,而是我觉得这些方面很美。 在作品《AKIRA》中,有一个角色的身体被改造的场景,我特别喜欢这个场景。事实上,这是我唯一看的场景(笑)。(笑)也许是因为我喜欢看运动中的东西,比如魔女的变身场景。 ,所以我一直想画一个会变化形状的身体,但直到遇到马多野爱的作品,我才真正有机会画出来。   爱麦当娜也用了融色,但这就是瓦解的来源。   是的,是这样的 有很多时候,我会拿到一根冰柱,然后说:"哦,就是它了。"我有一种发现或东西凑在一起的感觉,但从那时起,我开始研究女孩的脸和崩溃的身体的照片。     2015年,《联合》,116.7×91cm,描纸,油画和钢笔,画布。   在形成你现在的画作时,你是否有参考过其他艺术家的作品?   然后是大槻嘉娜。我经常受近代艺术家的影响,但我觉得大树老师对畸形女孩脸部各部分的安排真的很出色,她画竖眼的方法很有帮助。   你们两个都是很有影响力的艺术家,但你要摆脱他们的影响是不是很难? 不,真的是这样。我很容易受到别人的影响和熏陶,而自己的性格又容易模仿别人,所以我很担心。 ,但是,你们两个都是独一无二的,所以,比如艾-麦当娜的女孩,皮肤颜色不同,阴影使用荧光色,以及其他视觉上独特的部分,比如在眼睛里放字母,我禁止使用,或者设定"我不这样做"等规则。我试着不通过制定规则来遵守它们。   除了畸形的女孩和她们身体和脸部的分解性,我觉得你作品中的线条和颜料的质感是另一个特点。   我想这两件事可能是我自己的喜好。我一直很喜欢画线的行为,我想我开始做我现在的画是因为我想画细线。我喜欢不经意间画出的线条自然而然形成作品的奇妙,也喜欢不经意间画出线条的时间。 ,至于涂料,我喜欢它们作为一种材料给我的安全感。以前我经常用大量的颜料,让画面看起来凹凸不平,但近距离看我的作品,粗糙感很突出,我有点担心这个问题。经常有人说"数码好"、"摄影好",现在我用砂纸修饰表面。   但物质感重要吗?   这很重要......是的。我现在也在尝试使用数字媒体,但更多的是二次创作,我想我的脑子里某个地方正在转换渠道。手中有工作的时候,我觉得更安心。我喜欢画布的重量,当我从侧面,或从一个角度,或当我拿在手里看它时。   你是怎么从小就喜欢上绘画的? 你一直喜欢画画吗?   其实我上的是设计类的高中,所以对画画比较熟悉,学了三年设计,但是设计就是用来和人交流的,你要画得越漂亮越好。我有些不适应。 ,有很多作业要求,比如:"只要把它做得漂亮就可以了"。涂料不能突出,笔画不能留下。如果我把线条弄得太晃,他们就会很生气。即使是交作业的时候,也会有人对我说:"你的作品看起来像一幅油画。"我不希望自己处于一个必须画得一模一样的境地......这更让我痛苦。     2016年,《联合》,41 x 41cm,油画和钢笔,画布上。   点击这里查看Samehoshi的限量版印刷品。   你决定从那里转到美术吗?   不,我当时根本没有想到。初中的时候,我就想做绘本家,我很喜欢酒井驹子,但这也是我去设计学院的原因。我以为会比普通高中更有利。 ,但到了选择职业道路的时候,我决定去做美术。我和朋友去试听一个美术预科学校,那里有一个油画课程的摊位。 太美了!也就是在那时候,我在高中三年级的时候决定去学油画。   你从学生时代就开始活动了,不是吗?你到底是什么时候开始的?   在活动方面,是在2016年大学一年级的时候,我以现在的名字"同慧"发表了自己的作品。我应邀参加了一个群展,也就是在那里,我第一次以"同慧"的名义展示了我的作品,然后是在上面画了线条的丙烯画。 ,在这之前,我的作品甚至都不是女孩的作品,都是比较抽象的,我心里也没有一个具体的形象。我是在画线条,但我用的是油画颜料,而不是现在的丙烯颜料,我只是单纯地享受颜料的质感和画线条的行为。   我知道你以前是用油彩画的,但现在你用丙烯画。   并不是说我根本就不画油画了,而是我根本就应付不过来。我很喜欢油画的生涩,表情的深度和重量,但速度不适合我。...

“100日元就能买到艺术品的系统”将如何改变世界?Straym是艺术的游戏规则。

关于本文・"STRAYM"是提供"100日元起就能买到的艺术品"的分割所有权艺术服务・"任何人都能买到艺术品的世界"、"艺术"。SMADONA的使命是"创造一个任何人都可以购买艺术品的世界","振兴艺术市场","在转卖时将利润返还给艺术家"。・团队成员是广告、证券和技术方面的专家。     SMADONA公司宣布,在2020年底正式推出基于"100日元就能买到的艺术品"概念的平台STRAYM。    该公司于2019年12月推出了这项服务,首席执行官长崎美弘曾在广告和其他创意行业工作。该公司的成员包括艺术家杉山宏等证券和网络系统开发方面的专业人士,主要有两个问题。 ・"艺术买家偏向少数富人"・"日本艺术市场增长乏力"。作为解决这一问题的方法,该公司提出、开发、经营"艺术品所有权分割",近年来在国内外出现了。         它有什么特点? ,名气大的艺术家的作品,价格超过100万日元,难免会被卖给收入与价格相称的买家(除非他们负债累累)。不过,该公司的一个顾虑是,如果艺术作品只在少数人中传播,评价的人也会变成寡头垄断。   STRAYM的特点是不出售作品本身,而是出售作品所附带的所有权,并构建了一个可以多人购买的系统,价格仅为100日元。该系统的独特之处在于,只需100日元就可以让多人购买作品,其目的就是为了解决上述问题,让"富人"以外的人也可以购买作品。     增加花少量的钱就能买到的艺术品,必然会导致购买者数量的增加,进而导致市场本身的扩大。这就解决了STRAYM的另一个问题,也就是盘活市场。   另一方面,该服务旨在解决的另一个问题是转售时对艺术家的利润回报。在美国、中国、瑞士、日本等发达国家,除西方国家外,目前艺术家的作品在拍卖会上转卖时,并没有法律保障其获得利润回报。在STRAYM中,服务的结构是将所有权转售产生的利润的百分之几返还给艺术家,以确保再分配的平等性。我们的想法是让那些在转卖过程中被边缘化的艺术家成为当事人。     该公司的目标是在2020年正式推出该服务,阶段性目标是在2009年提供英语和其他语言的服务,并在2010年建立海外基地。 STRAYM改变游戏规则的"如何购买艺术品"的方法,可能会大大改变以经济为核心的艺术参与人的面貌。   参考网址:https://fundinno.com/projects/131

Feature Post

C-DEPOT: 日本現代美術ユニット

C-DEPOTは、70~80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか? A:アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Q:自分のグループはどのくらい成功したと思いますか? A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q:C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか? A:2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q:様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A:そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか? A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか? A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか? A:メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか? A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか? A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2~3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q:「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか? A:いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q:「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか? A:日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Q:今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q:TRiCERAに期待することは何ですか? A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

小川五郎:从现实中创造幻觉。

"我的作品中没有色彩,一切都只是一种幻觉,因为你看到的只是一种棱镜效果。"   金属棱镜 小川五郎       2011年,小川五加入日本艺术团体C-DEPOT。他最著名的是利用哈勃太空望远镜拍摄的银河系图像的全息塑料薄膜,创作三维装置。 在这次采访中,我们和他聊了聊他的艺术起源,他的作品对他的意义,以及他对色彩媒介的持续尝试。为保证篇幅和清晰度,本次采访进行了轻度编辑。 打破了传统雕塑的规则。 全息电影艺术。打造多彩幻觉的透明艺术。 大胆迈向未来 在哪里可以买到小川五郎的作品 打破了传统雕塑的规则。 "我的雕像如果仅仅是违反规定的话,是不会被大学接受的。" 你是如何发展成为今天的艺术家的? 当我进入东京艺术大学时,我还没有任何与现在工作相关的想法。姐姐在另一所大学学习艺术,我也想成为一名艺术家。我知道雕塑人形是我成为艺术家需要做的事情,所以当时我投入了很多精力。 但我很快意识到,我不想被传统的雕塑规则所束缚。例如,我做一个女人的雕塑时,雕像必须是独立的,但我挑战了这一点,把她雕塑成靠在墙上的样子。这个"站"让我很不舒服,因为破坏了规矩还不足以被大学接受。从那时起,我就努力去自由地创造我想创造的东西。 哪些艺术家影响了你? 我在学生时代没有喜欢的艺术家,但现在我特别喜欢奥拉维尔-埃利亚松,因为他在东京原博物馆的个展给我留下了深刻的印象。他是一个非常聪明的艺术家,他研究自然界的结构和起源,然后在他的作品中重建这种结构。我觉得他的做法和我自己的做法有些相似。我受他的影响很大。 我也受到Jeppe Hein的影响,他的作品有:Waterflame,一个在顶点不断燃烧的火焰的喷泉;360° Presence,一个大型金属球体在白色立方体艺术空间中滚动,破坏墙壁的装置。这种工作对我影响很大。我们在表现形式上受对方的影响并不大,但我们有一个共同的目标,那就是用作品打动观众的心灵,吸引观众的注意力。 如果让我说出一个对我有影响的日本艺术家,我会说我觉得吉冈德仁的作品是一个很好的例子。我特别认同吉冈德仁的做法,即深入研究日常生活中产生的琐碎思想和灵感,并将其转化为艺术作品。 "...基本主题是'幻觉与现实'"。 金属棱镜 小川五郎       你想通过作品表达的主题是什么? 我很高兴很多人觉得我的作品在视觉上很有吸引力,但根本的主题是"幻觉与现实"。我的作品最重要的特点是代表幻觉的色彩和代表现实的复杂基色。 全息电影艺术。透明的艺术,创造出丰富多彩的幻觉。 "我觉得,存在但难以辨认的形状的想法很适合我的工作。" 说说你现在的全息电影艺术风格是怎么形成的? 我喜欢看哈勃太空望远镜拍摄的照片,我在寻找一种不同于天文馆的新方法来表达宇宙。在这个过程中,我不断地寻找合适的素材,大约在研究生毕业的时候,我发现了一部特别的电影。从那时起,我就开始尝试如何在作品中使用该片。这种膜就像一张薄薄的贴纸,所以只能贴在透明丙烯酸树脂的表面。 然后我开始设计表面。第一阶段,我以玻璃球为基底,贴膜,经过反复试验,才有了今天的风格。 如何选择这种透明材料和全息膜的组合? 我在大学学雕塑的时候就注意到了这一点。雕塑家总是深深地关心一尊雕像的细节,但如果表面是透明的,这些细节就看不到了。透明雕像与高细节的矛盾是我在研究生阶段研究的主题之一。我觉得,一种存在但很难被注意到的形式的想法很适合我的作品。 另外,我的作品看上去是彩色的,但实际上不是。你在我的作品中看到的颜色,只是亚克力基底的折射和光线在一定角度反射后产生的反射。表面复杂的细节都是透明的,所以看不清楚形状,但我的作品中没有颜色。我的作品中没有色彩,都是一种幻觉,因为它只是一种棱镜效果。 熔融棱镜 小川五郎(黑底)       薄膜本身没有颜色,但通过气相沉积制成的一层薄薄的金属粉末可以反射蓝色、红色等各种颜色的光。我的作品在月光下看是完全透明的。在阳光下,你可以看到光谱的颜色。在黄光下,可以看到暖色,但在荧光灯下,波长不足以显示我作品的颜色。在阳光下最好,但对于室内照明来说,LED是最好的看色方式。 在一个光源多的地方,光线效果不好,颜色也很散乱。最好是在黑暗的背景下用聚光灯观看。 熔融棱镜 小川五郎(白底)       除了光源外,根据安装环境的不同,颜色也会有所不同。例如,白色背景会产生柔和、苍白的色调,而黑色背景会产生较暗的色调。 当光线反射或通过胶片时,一张胶片会产生两种不同的颜色。除平静或平整的表面外,通过薄膜的光的颜色在许多类型的表面形状上都会明显而明亮。为此,我尝试着加入大量的边缘和起伏,使色彩更加鲜明。 我的作品是建立在无数次的实验基础上的,这三个元素的组合:胶片的种类、透明的基材、表面的细节和形状,我尝试了很多这三个元素中的两种组合,然后再把它们组合起来进行创作。 如何形成丙烯酸树脂基体? 我用手磨机粗略地切出形状。即使是最细微的起伏也会改变颜色,所以最后的抛光是用粒度为100到2000的砂纸和抛光剂手工完成的。 我一般不会用实际题材,但如果有特殊要求,我会用。有一次,有人让我做一只鹿,我就做了一只鹿的形状。有一次,有人让我做一个茶道的物品,于是我做了一个小糖罐。 胶片和丙烯酸树脂的形状结合在一起,可以表达出无限的创意,这很有意思。 您的作品的颜色是如何随着观察角度的不同而变化的? 颜色完全变化,仿佛是一件光艺术作品。不过,由于我对光的研究采取的是科学的方法,所以我认为我所追求的和印象派大师们所追求的差不多。 上图就是一个很好的例子。同样的棱柱并排排列,但根据角度不同,可以看到完全不同的颜色。 这种亚克力材料会随着时间的推移而变质吗? 我使用的是建材中常用的丙烯酸树脂,所以应该没有问题,除非是放在很恶劣的环境中。 大胆迈向未来 "...我想在外太空举办一个展览。" 您现在创作时注重的是什么,未来想尝试什么? 目前,我正在研究颜色如何随着丙烯基的膨胀而变化。一开始我用的是玻璃球,但玻璃球的折射率是恒定的,所以我是用亚克力树脂来雕刻,让它更有趣。对我来说,一个展览就像一个实验结果的集合。我也会做实验,看看把多个作品放在一起会发生什么。 今后,我想把我的作品融入到日本的园林中,比如踏脚石。我还想做桌子等家具。在类似的类别中,我想做吊灯,我也对彩色玻璃感兴趣。 至于展出我的作品,我想在外太空办个展览。我也想有一天做一个像中国长城那样的大型展览。从太空中可以看到的大型装置。 我对空间展览特别感兴趣。目前还没有其他艺术家在空间里展出过自己的作品,所以我很想尝试一下。 哪里可以买到小川五郎的作品 在TRiCERA,我们有小川五郎的作品我们的许多产品。其他C-DEPOT艺术家我们还介绍了

为什么要购买日本艺术品”与其他亚洲艺术品市场的统计数字相比。

从世界艺术品市场的统计数据比较看日本艺术品的巨大价值。 在拥有世界第三大GDP的日本,艺术市场的规模很小,这在艺术界竟然不为人知。为此,日本艺术品市场的价值被低估。然而,就像股市一样,这意味着在日本艺术品市场上有很大的投资价值。   根据东京艺术协会发布的数据,2016年日本艺术品出口额约为350亿日元,日本在全球艺术品市场的份额为3.1%,而美国为40%,中国为20%。由此可见日本艺术品市场的上升潜力。   所以,你可能会想知道你应该投资什么样的艺术品和哪些艺术家。一般来说,我们往往只关注名家,因为他们的风险低。然而,投资知名作品比购买年轻的、不知名的艺术家的作品风险更大。例如,以下关于亚洲最受欢迎的艺术流派之一--韩式单色运动Dansaika的统计数据显示了近期全球艺术市场的波动。 上面的数据图是以'丹泽华'的代表艺人金焕基、李宇焕、全相华、朴瑞波、尹贤根、河忠贤六人为基准。   艺术品投资者为何投资著名流派和著名艺术家:可交易性。   ,很多人倾向于用"主义"投资名家,主要原因是基于可交易性的安全性。不过,从上图可以看出,投资著名流派和艺人并不是最安全的方式。近来,试图更深入地研究艺术史价值,以便不只关注"趋势"。因此,越来越多的声音在问:"这种'主义'是否认真地代表了我们的社会、身份和时代?这种趋势意味着,主流作品中的"信托价值"正在变成一种无抵押、无担保的资产。   不过,相对低调的艺术家的作品,其价格很可能会大幅上涨,艺术价值也会被挖掘出来,除非他们退出艺术家生涯。此外,考虑到日本艺术市场的价值被低估,对投资于年轻的、不知名的日本艺术家的乐观态度也不足为奇,他们正在努力寻找具有艺术价值的身份。   中国的泡沫曾经占到全球艺术市场20%的份额,将像韩国的丹青一样慢慢破灭。与其他已经发展起来的亚洲市场相比,日本的艺术品市场具有发展潜力,并且已经显示出安全性。   TRiCERA.net的建立,是为了将日本的新兴人才与世界联系起来,他们通过展览和奖项在世界范围内崭露头角。如果您想为您的投资组合购置一件独一无二的艺术品,请不要错过这100多位艺术家的作品,他们的作品有可能在未来带来巨大的回报。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她毕业于东京艺术大学,是TRiCERA的成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

现象和想象力的冒险。

与绘画不同的是,真实物体或对象的照片的表现力在一定程度上受到主题的限制。选题的方式、光线、位置、艺术家与被摄体之间的距离,或者是完全不做任何改动的自然拍摄方式。看到艺术家如何通过想象力的魔力捕捉现实,这是一种令人着迷的体验。 Kohei Fukushima KEISUKE UCHDA KEISUKE UCHDA 点击这里查看详情 Yoshimitsu Umekawa 点击这里查看详情 Yasuaki Matsumoto 点击这里查看详情 Yumiko Kamoto 点击这里查看详情 Shinya Rachi 点击这里查看详情 JG. Heckelmann 点击这里查看详情

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