星期五, 1月 28, 2022
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C-DEPOT: 日本当代艺术单元

C-DEPOT是一个由70年代和80年代左右出生的同一代日本年轻艺术家组成的艺术家团体。他们的作品涉及各种类型,包括绘画、雕塑、媒体、视频和音乐。C-DEPOT的创始人之一Yuji Kanemaru谈到他建立这个团体的经验时说,为了扩大这个团体,我们继续发掘其他有才华的年轻艺术家。在过去的17年中,他一直参与该团体的运作和活动。他向我们介绍了C-DEPOT的挑战、成功、不同的项目和未来。

内容

启动C-DEPOT

问:当你创办C-DEPOT时,周围是否有其他艺术家团体?

答:我看到一些人在艺术家团体中工作,但我不认为一直有一个像C-DEPOT这样的大团体……如果有一个像C-DEPOT这样的团体,我就会加入它……

问:你认为你的小组有多成功?

答:2002年,互联网刚刚开始流行,我认为这是一个新的机会。然而,当我们试图利用互联网发起一个新的运动时,我们遇到了技术问题,无法实施。所以我们决定把重点放在展览上。

问:C-DEPOT在头五年里有什么变化?

答:直到2012年,我们每年都有一个展览,在横滨红砖仓库和表参道的Spiral之间交替进行。2012年是我们开始这个团体的第10年,我们决定结束它,因为我们认为不会再有机会继续每年的展览。最后一次展览是在两个场地同时举行的。在这段时间里,我们增加了人数,预订了两个场地,并在最后放了烟花。在那之后,我们转向与公司合作,并与他们走得更近。我们没有按照自己喜欢的方式组织展览,而是开始收到请求。随着我们这样做,我们开始收到越来越多的公司的支持。然而,即使我们从公司获得了财政支持,也不足以支付展览的费用。最后,决定由艺术家们来支付展览费用。如果可能的话,我们希望在一个好的场地做演出,艺术家们不必承担费用。

C-DEPOT的成员

问:你邀请来自不同类型的艺术家,这很有意思。

答:是的,就是这样。我在东京艺术大学的设计系学习。这个设计部门不是一个统一的部门,它就像一个小型的大学,通常被称为小型的geidai。大学有许多不同的系是很常见的,但东京艺大的设计系却因为有学生在许多不同的媒体工作而被嘲笑。有些人说,设计系不是一个设计系。当我还是一个高中生的时候,我看到了Geidai的毕业展,认为这个部门是最有趣的,我想去那里学习。我认为C-DEPOT这个由不同流派的艺术家组成的团体的想法,是受到这个部门对不同媒体开放的启发。

青山健一的天空中的城堡 3

问:小组成员之间是如何相互影响的?

答:当你在一个小组工作时,有一种竞争感。例如,成员可能对其他成员下一步的工作感兴趣,想做一个比自己的作品更大的作品。这种竞争精神可以起到激励作用,创造协同效应,鼓励成员继续创造工作。他们也可能感觉到与其他艺术家的联系,并合作完成新的作品。我认为我们以一种积极的方式相互影响。

金山弘毅猎头

答:我认为用一个小团体来经营一个大活动是很难的。但也很难让这个群体继续下去。你必须让这个小组继续下去,确保它不会变得单调,不会陷入困境。随着时间的推移,成员的思想和想法可能会发生变化,这可能会很困难。虽然我们的艺术技能随着时间的推移而成熟,但也有一些领域的艺术技能在下降。我觉得自己多年来经历了维持一个团体的困难,在C-DEPOT工作了15年后,我一直在思考如何保持动力,如何创造一个让成员感到精神振奋和活跃的环境。

问:经营一个团体有哪些挑战?

问:是什么吸引了艺术家加入C-DEPOT?

答:小组的每个成员都有自己的艺术形式,他们在这种形式中磨练自己的技能,但如果他们只集中于一种艺术形式,艺术家的视野就会变得非常狭窄。在这样的时候,看看其他类型的艺术,换位思考,被其他形式的美所感动,可以让你客观地看待自己和自己的作品。你可以注意到诸如 “我有这种思维方式 “或 “我认为这也很美 “的事情。即使我们有不同的价值观,即使我们说不同的语言,我们也能理解对方,因为我们是艺术家。能够与其他艺术家在一个基本的层面上联系起来,这很有趣。

展览经验

问:2012年到目前为止,什么样的观众参观了你的展览?

答:我们选择了两个吸引大量游客的热门场所。当然,我们推广了自己的展览,但横滨红砖仓库和螺旋都是人们来见我们的地方。特别是 “螺旋 “是一个带有咖啡馆的艺术综合体,所以我认为那些了解新运动和新趋势的人都会来看展览。我们还在艺术杂志上做广告,所以我们能够吸引艺术界的人。另外,该组织的成员还向他们个人认识的人发送了电子邮件。

问:展览中给人印象最深的地方是什么?

答:我们收到了项目的邀请,我们接受了采访,并在电视上做了报道。

所有这些小事都发生了,现在回过头来看,我可以看到我们的展览是网络和传播关于这个团体的消息。由于我们作为基础工作的活动,我们得到了信任,现在有机会接受委托。

改变方向

问:2012年之后呢?

答:我们想卖掉我们的作品,所以我们宣布我们将带着价格标签展出,以鼓励人们购买。与此同时,我们希望有一个以艺术家为重点的艺术博览会。我们曾设想过一个像Design Festa或GEISAI那样规模的艺术博览会,但这并不可能。相反,在2014年,我们在涉谷西武百货公司的8楼举办了一个大型展览,从2012年开始,我们的努力不断汇集,终于开始看到成果,与涉谷西武百货公司这样的大公司合作举办展览。

从那时起,我们开始接受各种委托。例如,在建造与羽田机场直接相连的皇家公园酒店时,我们要求C-DEPOT为每个房间创作艺术装饰品。C-DEPOT的成员共同创作了套房内的艺术装饰品和大厅内的大型绘画。大厅里的画是永久存在的,今天仍然可以看到。酒店的性质和它的许多限制对我们来说是一个很好的学习经验。

另一方面,当我们与另一家公司,即汐止的东京公园酒店合作时,我们在想做什么方面有更大的自由,我们每年做四个展览,每个展览持续两到三周。酒店的主题是 “日本之美”,因此展览以日本的四季为主题。

Wondimensiontoys战后的狗

也是在2011年,我们花了一年时间为六本木的一家咖啡馆RANDY创作室内装饰,每两个月更换一次艺术作品的主题,并举办艺术家的个展。我们有很大的自由度,并在作品上贴上价格标签供人们购买。看到咖啡馆的顾客对我们接下来要展出的东西感兴趣,这很有意思。不幸的是,这家咖啡馆在2018年关闭。

自2013年以来,我们参加了 “新池袋蒙巴纳斯西口展”,这是一个在车站西口举行的艺术活动,目的是吸引人们到丰岛区。这个地区被称为池袋蒙帕纳斯,是C-DEPOT的办公室所在地。从大正时代(1912-1926)结束到战争结束,画家熊谷森一和小说家江户川蓝波等年轻作家聚集在这里,从事艺术活动。本次活动的目的是通过艺术来突出这一文化历史。该活动已经举办了13年,C-DEPOT也参与了特别项目。

例如,在一个展览中,主题是木偶。来自宫城县的木偶工匠Yajiro用木头做了木偶,艺术家在上面画了画,以加深宫城县和丰岛区的交流。该活动的目的是加深宫城县和手岛市之间的交流,销售木偶的收入被捐赠用于支持东日本大地震的恢复。此外,整个城市还安装了各种艺术作品。

艺术旗帜已被放置在城市公园、消防站和证券公司的窗户上。

我们还被委托做其他各种工作,如公司办公室的艺术装饰。我们并没有从这些活动中获利,但我们感到我们周围的情况正在发生变化。公司需要艺术,最近公司正在寻找艺术来区分他们的业务和活动,我认为这是一个非常好的事情。客户在与C-DEPOT联系时,期望我们能创作出各种艺术作品,并期望我们能在某些方面帮助他们。渐渐地,我们变得更加出名,我们开始接受委托,在项目之间没有休息。我们一直在寻找在国外展示我们工作的方式,所以我们很感谢有机会成为TRiCERA的一部分。

在最初的五年里,我们刚刚开始这个团体,我们没有得到社会的认可,所以我们冒了很多风险,做了很多实验。我们的许多成员现在已经是30多岁和40多岁。我认为我们所做的所有努力都得到了回报,每个艺术家和整个团体都真的成长了。当然,我们仍然有问题,但由于我们的经验,我们能够避免问题并解决问题。

小组的概念

问:”一群接近社区的艺术家 “的概念是否已经改变?

答:不,这个概念没有改变。相反,我认为这个概念正在成为现实。然而,有一个挑战:我们想要更多。我们的成员希望有一个更好的阶段,或者他们希望看到更好的结果,所以我们一直在思考下一步应该怎么做。

问:”基于社区的艺术家集体”,你是指在城市中实施艺术还是组织艺术活动?

答:我认为重要的是要争取让艺术在我们的日常生活中无处不在。我认为在我们每天去的地方有艺术是件好事。此外,由于我们是一个艺术家团体,我们总是在思考如何创造一个环境,让艺术家能够继续创作,我们努力使之成为现实。

就我这样的画家而言,正是因为我的前辈们为我铺平了道路,我才得以成为一名职业画家,谋生并在这个世界上走自己的路。但对于从事媒体艺术和三维艺术等新流派的艺术家来说,情况就不同了,他们的作品不是为了销售,而是为了体验。这就是为什么我们要为艺术家创造机会,让他们继续创作和谋生。我认为这非常重要,我希望C-DEPOT成为一个可以创造这种机会的地方。


科西嘉腿部力量

这就是为什么我们专注于增加艺术品的销售,但我们也相信,提供艺术可以有多种形式,例如提供表演或为各种活动提供艺术。因此,我们希望通过组织各种适合艺术家专长的项目,与社区建立联系。

最近,我们收到了越来越多的请求,要求为儿童举办讲习班。我觉得越来越多的父母希望他们的孩子能够体验文化教育。

甚至我的妻子也在寻找这些讲习班,以便带她的孩子去。他们没有参加传统的绘画课程,而是似乎对独特的艺术流派很着迷。

C-DEPOT与丰岛区合作,在每年暑假期间组织为期五天的研讨会。我们相信儿童的艺术教育是非常重要的,所以我们开始思考我们能为此做出什么贡献。我们的研讨会非常受欢迎,我们不需要做广告,很多人都会报名参加。我们发现,对这些讲习班的需求非常大。

展望未来

问:您对未来的愿景是什么?

答:C-DEPOT是以维也纳分离派为模式。在维也纳分离派有一栋叫做 “分离派大楼 “的建筑,我们曾经在那里举办展览。我们希望创建一个大的艺术中心,让成员们可以聚在一起,进行各种活动。

问:您对TRiCERA有什么期望?

答:我们希望提供高质量的艺术,如果我们得到了结果,我想我们会得到更多的会员,他们会更加活跃。我们有很多成员,但只有大约一半的人持续活跃。我希望那些有良好记录但目前不活跃的人能够加入我们,并感到他们从我们的工作中受益。出于这个原因,我认为我们的海外活动非常有吸引力。

更多C-DEPOT的艺术
(A-Z)

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Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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我们为什么要画脸? 关于肖像画。

肖像是对特定人物外貌的描绘。在摄影、雕塑等各种输出方式中,以绘画方式输出的称为肖像画。 在近代早期,有一种绘画流派叫"肖像画",描绘皇室和贵族的形象,但随着照相机的兴起,写实绘画逐渐衰落,现在的肖像画是在博物馆里看到的。 在当代艺术中,以人的脸(真实的或虚构的)作为模块的案例很多,如安迪-沃霍尔描绘玛丽莲-梦露脸部的作品。无论是作为图案还是主题,艺术家们对脸部的使用方式多种多样。 Hitoshi Tsuboyama  坪山的"组合肖像"系列,第一眼就唤起了一种疏离感和焦虑感。  坪山受上世纪六七十年代晚期现代主义包括极简艺术的启发,他的画作以美感著称,以自己的空间概念为基础,通过色彩探索新的表现形式。  这部作品的主题是人们对某一事物的鉴别和认识的疑惑和质疑,这也许是它被称为"组合"的原因。脸部像轮廓线一样被划定,并涂上美丽的色彩,似乎在向我们询问一些关于肖像的外观和身份。 点击这里查看作品 Changhee Lee  李的肖像画也不是似曾相识。她一贯选择年轻女性作为主题,她的画作混合了中世纪和奇幻的元素。  李国庆的作品虽然打着肖像画的名号,但却是他内心世界的进步表现。 点击这里查看作品 Antonio Salas Cabrera / Antonio Salas Cabrera  安东尼奥-萨拉斯-卡布雷拉通过重建现有的图像来创作他的作品。他把一张现有的图像放到PC中,经过修剪和改变颜色后,输出的图像呈现出与我们熟知的现有模型不同的表情。  安东尼奥作品中的模特也是一件艺术品,我们可以说是通过双重透视来观察原作的人物,因为作品中的模特也是一个人物。然而,即使双重解释在不知不觉中被剪掉了,但我们意识到我们的意识还是直接捕捉到了模型的身影。安东尼奥以模拟主义为基础的方法,给我们提供了一个关于感知的解释。 点击这里查看作品 代理人X  X探员是一个多媒体拼贴作品,他从美国漫画等现有的图像中汲取灵感,创造出一个独特的存在,虽然他的实验作品中很多人物都是人类,但他的作品种类繁多,令人惊叹。  在未来主义的美学和哲学、达达运动的社会评论以及从波普艺术到超级平面的当代艺术运动之间的独特交集中进行绘画,《<女王>》系列让人想起16世纪艺术家阿奇姆巴德的拼贴画式肖像。然而,当代的思想与数字一代的技术相结合,创造出了一件件和谐的艺术作品,但我们却感到了一种混乱和变态的感觉。 点击这里查看作品详情 A.C.D.  这幅作品在很多直线的运用上让人联想到立体主义,但抽象的方法却是A.C.D.所独有的,它给观者一种硬朗的印象,而高饱和度、高色彩的画作则给人一种温暖的感觉。  尤其是"乐大王子",以简单的线段精确地表达了现代人的脸部表情。 点击这里查看作品详情  人像摄影具有不同于其他领域的味道,因为它们往往表现出艺术家和模特之间的戏剧性。然而,在这个人人都在批量生产人像的时代,人像是描绘面孔的唯一方式,这证明了人的面孔和身份有着密切但不稳定的关系。

采访野田丽马

野田丽马1995年出生于爱知县一宫市,现就读于东京艺术大学漆艺专业硕士课程。我们采访了野田,他谈到了自己的作品和"在这个国家的表达方式",他尝试用昆虫、水果等自然物的具象性,用工艺技术和语境来创作。     我感觉您的很多作品都是以昆虫和香蕉为主题,您能先谈谈吗? -我的作品是以甲虫等昆虫为题材,最近我又以香蕉为题材,用漆艺创作。我想表达的是大自然的每一个故事。内容非常简单。我看昆虫和自然界,我觉得它们和人类不相上下。这真是太神奇了。我们无法与大自然创造的形状和颜色的伟大相提并论。当我想到自己作为一个人,能做什么的时候,我想是表达和讲述自然形态背后的故事。     你用的是漆,但你的技术很多是归功于工艺? -部分原因是我自己在手工艺领域学习过,但我认为,当你想在这个国家创造一种成型的表达方式时,它是一种重要的材料。不管是气候还是文化,我认为漆器的特点和背景是非常重要的。还有就是工艺本身。这种类型,无论好坏,都有很强的材料局限性。可能会有一些弊端,但我认为可以从材料的底层入手,表面处理技术也很出色。有很多工作要做,我觉得对每一件工作(手工)都有很强的责任感。这也是我喜欢它的原因之一。   但你会选择当代艺术的存在吗? -是的,我想把我的作品作为当代艺术来展示。我想我第一次认识当代艺术是在本科四年级。本来,这与流派无关,但我喜欢造型艺术。换一种说法,就是"用眼睛就能完成的事情"。在手工业界,物尽其用的倾向特别强烈。     有什么当代艺术家是你在关注的吗? -给我留下深刻印象的人是Demian Hirst。我不在乎是否时尚,但我认为我受到作品的影响,改变了我对事物的价值取向。赫斯特的作品是一个例子,还有就是《喷泉》。   所以你本来可以学雕塑,但这部分原因是你前面提到的材料问题吗? -是的,就是这样。说实话,我觉得雕塑可能是个不错的选择。但我以为雕塑这个流派太宽泛了,部分原因是它受材料的限制比工艺的限制小。我以为这种手艺是正确的方法,先把它学好。当我想到它是一种表达方式时,手艺似乎很适合。我仍然想把当代艺术作为我的领域,但我并没有打算放弃工笔画的语境。     回到你的表情,你最近开始了一系列的香蕉。有趣的是,你为什么选择这种水果作为主题。 -我决定做的第一件事是毕业项目。说实话,我也没什么动力,只是觉得有一个大金香蕉会很有意思。于是,我去千叶的一个农场看了看实物。这是一个相当大的转折点,因为真实的东西真的很酷。在我大腿那么大的树干上,大约长了两三百个,不顾地心引力。这时我就想,我不应该自己变形。我觉得对我来说太早了,所以我把它带回家了。最近我才开始工作。   是否给我留下深刻印象是标准? -当然,这也是其中的一部分,但是......好吧,这是一个小小的飞跃,但是当我想到什么是艺术最重要的时候,我认为它是积极的。我的意思不是说好听的语境什么的(笑)。(笑)但我认为最重要的是创造出一些让你看到它时感到积极的东西。不是让你感到消极的东西,而是让你感到积极的东西,比如一段美好的回忆或一场胜利或一种欣喜的感觉。我自己也想在作品中创造这种精神气质。     我很好奇你立场的背景。 -大概是从我读本科三年级时的一次柬埔寨之行开始的。我获得了奖学金,去了一个有漆器的地区,虽然那里的贫富差距比日本大得多,但那里的寺庙建得非常华丽,我被他们的宗教意识所感动。我想每个人都有自己感受幸福的方式,但祈祷并不能给你带来什么,也未必能改变你的身体。即便如此,至少在我看来,他们的生活似乎有了积极的改变。我希望我的作品也是这样。   受这种思想直接影响的作品有哪些? -这是甲虫的作品,叫"Vulgarly"。总之,我想做一个真人大小的人偶。我把它想象成一个被祈祷的存在,所以它需要有这个尺寸。但这是我自己的一个化身,或者说我想雕塑一个理想的存在。然后,当我想到在这个国家表达什么合适时,我决定用甲虫,因为日本有一种独特的甲虫。金箔的使用也受到寺庙的影响。毕竟,金色是一种吸引人的颜色。     从你说的情况来看,听起来你的作品正在朝着象征性的方向发展。 -是的,确实如此。例如,甲虫是某种力量的象征。就像军阀的头盔一样,我选择代表尊严和力量的图案。从这个意义上说,香蕉也是一样的。我们把它叫做"香蕉系列",首字母"V"和"胜利"是一样的,就像我之前说的,我觉得香蕉所具有的强大的生命感是一种象征。   虽然概念很清晰,但我觉得你的表达方式很简约,但这是否受你对自然形态的感受影响? -我不知道......但肯定有一种尊重。可能是跑题了,不过......我个人认为,所有的生物在诞生的时候都有同样的意义,当我把香蕉和昆虫看成是平等的生物时,我觉得用人类特有的价值感来评判它们,或者用和人类一样的时间感来评判它们,我觉得很不舒服。我不知道用同样的方式表达自己的想法,在人的尺度上是否可以。     这也和我们刚才说的,关于我们人类可以做什么样的表达有关。 -是的,没错。对于香蕉,我是根据真实的东西来塑造的,因为我想表达香蕉生命和生长的证据,因为它是真实的。然后,我就把我看到它时的能量,在受到色彩和形状,以及材料和技术的限制下,思考如何表达它。看事物的方法有很多种,但我觉得昆虫的形状很酷,很美。所以我觉得我不应该取笑他们。     您刚才说的文字和作品之间似乎有很近的距离,您是否意识到这一点? - 我是这么想的,我很高兴你这么想。很高兴你这么想,对图案的感受是一样的,但也如你所说,我希望作品能完整地呈现在眼前,如果是这样的话,我想你第一眼看到它和我想说的话之间的距离应该很短。.我不擅长这种工作,或者说,我个人不太会看抽象画(笑)。压力有点大。我喜欢看一般的东西,但也喜欢能用眼睛完成作品。这就是为什么我喜欢雕塑和昆虫的原因。昆虫是最不紧张的看。   在你的作品中,视觉效果是第一位的吗?-是的,绝对是。形体本身一开始是在草图中完成的,但当我用三维的方式创作时--换句话说,当我雕塑它的时候,除非它有形体,否则我无法把握它。另外,我是那种从一个模糊的想法出发,然后在完成后再巩固概念的人。我是那种用手思考的人。我不太擅长反面。我不太擅长其他方式。我想,文字还不够好吗?     回到你的流派,当你尝试在当代艺术领域工作时,你的工艺背景是否会妨碍你的工作? -这不是一个障碍。但在表达上,从手艺的角度来说,我做了很多鲁莽的事情。主要是在技术方面,比如焊接。但我不想削弱手艺的吸引力,我认为它绝对有潜力。......然而,(手艺)确实倾向于关注技术和材料,无论好坏。在点评中,将使用的技术水平与博物馆等传统工艺进行对比。就像"不,多看看香蕉的灵气!"。(笑)。(笑)但这很好。这就是思维的不同。我觉得有不同想法的人是好事。想表达什么就说什么,互相打击真的很重要。我觉得把自己想表达的东西说出来,面对对方很重要。   这是一个有趣的态度。最后,你有什么想挑战或计划在未来做的事情吗? -现在,我只是在刷题。与其说是新的东西,不如说是我想深入研究一下我目前正在研究的香蕉和我目前的表达方式。现在也是我的毕业项目的时候,所以我在想如何把我想说的东西演化成一种更容易传达的方式,我想现在是完善的时候了。我想和尽可能多的人分享我的工作,所以,是的,我想让它更方便。现在,有些点我觉得:"这个部分不够好。我还想追求一些不像甲虫那样太过浮夸和过分的东西(笑)。     野田龙马野田龙马1995年出生于爱知县一宫市,2014年毕业于爱知县木子高中设计系,2015年考入东京艺术大学工艺系。去年,她在东京艺术大学的毕业展上获得了"鸟居市长奖"。现就读于该校工艺美术研究生院漆艺专业硕士研究生班。 作品页面: https://www.tricera.net/artist/8100422Instagram:https://www.instagram。com/ryoma_noda/?hl=en

KIAF SEOUL 2019,韩国最大的国际艺术博览会之一。

第18届韩国国际艺术博览会举行   9月26日至29日,韩国最著名的艺术博览会之一的KIAF(韩国国际艺术博览会)在韩国首尔举行。     今年,作为KIAF的第18届,来自17个国家的175家画廊参加了此次活动。据官方介绍,此次活动约有8.2万人参观,销售额达到310亿韩元。这比去年增长了30%以上。虽然很难直接感受到网站的高销售数据,但似乎普通访客的数量明显增加。尤其是在年轻一代。这可能是由于当代艺术已经成为潮人文化的一部分。年轻一代往往更喜欢当代艺术。他们喜欢表现自己最近喜欢什么,喜欢什么。目前还不清楚访客数量对整体销售的影响程度,但似乎有一定的影响。   作为首尔最著名的艺术博览会之一,KIAF ART SEOUL 2019不仅通过参与的画廊提供了当代艺术作品,还提供了个人项目,亮点部分,各种关于热点问题的谈话计划和特别展览。今年,KIAF准备了名为"历史中的浪漫主义--韩国现代主义绘画"的特别展,以揭示韩国当代艺术家的风采。     这个项目的目的似乎是为了实现博览会构成的多样性。然而,由于许多画廊都展示了李宇焕、刘永国、白南准等当代顶尖艺术家的作品,因此,画廊展台和项目之间不可能有明显的区别。 不过,也有一些优秀的画廊坚持韩国当代艺术,引进年轻新鲜的艺术家,呈现实验性作品。仿佛是为了证明这些画廊的显赫地位,很多画廊的作品下面都贴着红色的标签。这或许是一种确认,不再有导致顶级当代艺术家出售的确定性。       参展画廊   参展画廊 许多国际画廊都参加了韩国最重要的艺术博览会--KIAF。PACE画廊继去年之后第二次参加,Lehmann Maupin今年也是第一次参加。今年,Lehmann Maupin首次参与,专门从事亚洲市场的Whitestone Gallery也参与其中。     有了这么多国际画廊的参与,KIAF有潜力进一步发展。挑战性的作品并不意味着没有市场,但我们希望看到更多的实验性作品。不要仅仅满足于标题,它是韩国最大最著名的艺术博览会。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

Quick Insight Vol.10 西班牙艺术家Hector Fernandez Lleida如何通过人类、动物和机器的图像来创造对当代社会的鸟瞰。

赫克托-费尔南德斯-莱伊达在传统油画方法的基础上,用数字修饰和VR技术等多种科学方法叠加,用模板进行涂鸦式的表达,画出了瓶子、动物和人类活动等日常主题。在这次展览中,我们将仔细观察他是如何看待这个世界的,他试图用自己独特的视角来表现这个世界的现实,同时在当今复杂的图像洪流中融入这种趋势。 1.是什么启发你开始艺术创作? 从我还是个孩子的时候,我就一直在画画,临摹我父亲带回来的漫画中出现的插图,在学校里,在课堂笔记之间,总有一些画,我所有的笔记本都被装饰过。 我的父亲是80年代著名的漫画家,对我来说,这就像在家里有一个私人老师。 然后随着时间的推移,我决定在巴塞罗那大学学习美术。 我的专业是绘画,毕业后不久我就开始展出我的画,最初是在市民中心和当地的艺术画廊。 渐渐地,我的技术和风格越来越成熟,融入了新的技术和主题。 点击这里了解详情 2.请告诉我们您目前作品的主题。 我目前正在画一幅100x100厘米的画布。 ,是一幅静物画。 这件作品属于我多年来一直在开发的一系列瓶子构图。 陡峭的视角,由瓶子的摆放产生的节奏,颜色和纹理都是这幅作品中不可缺少的部分。 我曾用丙烯颜料做底色和纹理,使用刷子和铲子,现在我继续用油画颜料创作。 3.您受到什么影响,您认为什么是您的转折点? 我的影响范围从当代现实主义到抽象主义,包括街头艺术和数字艺术。我的大部分作品是绘画和油画的结合,但我曾经从我拍摄的摄影图片开始,有时通过数字处理来改变构图和颜色,或者简单地增加或减少元素。在使用绘画和水基绘画材料(水彩、丙烯、墨水等)对该作品进行原型设计、检查和开发后,我再创作出最终尺寸的绘画。这个创作过程可能需要几周到几个月的时间,这取决于作品的复杂性。我也正在将源自VR、数字创作和修饰的元素和主题纳入我的作品中,我相信这将是我职业生涯的一个转折点。至于VR技术的使用,我对将我的绘画作品引入人工环境的方式感兴趣。目前,我是这个领域的新手,但我意识到,一个新的世界正在为我打开。事实上,我已经开始创作混合了传统元素和数字艺术的插图。我还计划在不久的将来出版自己的NFT和数字印刷品。 点击这里了解详情 4.你说的动物图案与人类和城市图案共存是什么意思? 我认为自己是一个城市人,我对自然、动物和人物的看法经常沉浸在城市和当代的背景中。在我的画家生涯中,我一直在处理深刻的问题,如时间的流逝和绘画的陈旧性,但有时我的作品不那么概念化,更多的是审美性质。我住在一个叫巴塞罗那的城市。我画的大多数主题都来自于四处游荡,思考路人会错过的城市的场景和角落。我们生活在一个快速发展、不断变化的世界。今天,我们比以往任何时候都更被图像所包围。而围绕着我们的许多图像也是在运动中。我们中的许多人很少花时间来思考、分析和理解这些图像。 点击这里了解详情 5.最后,你对你的下一个作品有什么想法,你想实现吗? 我的脑海中总是有一个项目。我的下一个作品与...

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