星期六, 9月 18, 2021
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在内容和画法上吸引眼球的作品。

Maria Farrar “现在回头太晚了” OTA FINE ARTS 玛丽亚-法拉尔的《现在回头太晚了》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 新晋年轻艺术家Maria Farrar将在OTA FINE ARTS举办她在亚洲的首次个展”来不及回头了”。Maria Farrar是一位伦敦的艺术家,1988年出生于菲律宾,15岁之前一直在下关长大。 法拉的作品是以她的日常记忆、经历和情感中的场景为基础的。虽然主题是传统的,但她对色彩和图案的独特处理方式吸引了我们的注意。 她的作品中经常出现一个女人的背影、一只狗、一只高跟鞋和一个面包房的场景。因为这些主题反复出现,观众往往会试图解读她的作品。观众可能会猜测,她的图案中有强烈的社会问题等信息在里面。不管艺术家是否有意为之,她的作品都给我们提供了多种可能性。我觉得她的作品更注重她捕捉瞬间的表达方式。 玛丽亚-法拉,作家,2019年,亚麻布上的油彩,180 x 130厘米由艺术家提供,母亲的坦克站都柏林|伦敦和大田美术,东京/。新加坡/上海 法拉尔作品的魅力在于她在每一幅画中都把风景描绘成一件叙事性的艺术作品,激发我们的好奇心。但是,如果从她的绘画技法上看,有些内容和主题一样引人入胜。在”艺术家”之下,纲举目张。法拉用轮廓来描绘鞋子,这是亚洲常见的绘画技巧,从传统绘画到漫画和动画。用来描绘地板和小狗的笔法也很像书法。 她的作品让我们思考内容和技巧,让我们在作品前久久驻足。如上所述,乍一看,可能会觉得她是想谈论性别问题,但更多的是,这些作品源于法拉对符号、风景和记忆的偏爱,需要花时间去欣赏去理解。此外,他的画风,似乎是中西绘画的融合,让观者在作品前久久驻足。 玛丽亚-法拉的《现在回头太晚》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 玛丽亚-法拉的《现在回头太晚》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 作为一名专业画家,她常常因为作品中各种鲜艳的色彩而产生偏见,认为聚集在一起的作品会因为色彩的冲突而永远合不来。 然而,法拉是一名专业画家,所以她打破了这种偏见。虽然她用了很多鲜艳的色彩,但你进入画廊的那一刻,给你的印象可能和你想象的不一样。如果你想亲身感受一下,不妨去参观一下8月24日至9月21日在OTA FINE ARTS举办的”OTA FINE ARTS”展览吧。同时,他的最新作品也在本次展览中展出。 Maria Farrar “现在回头太晚了” OTA FINE ARTS O 日期:2019年8月24日(星期六)–2019年9月21日(星期日)。 开放时间:上午11:00 – 晚上7:00。 周日和公众假期休息。 免费入场。 文章作者:Jeongeun Jo 生于韩国,住在日本。她是TRiCERA的成员之一,毕业于东京艺术大学大学院美术系。她自己也是一位艺术家。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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拉扎罗-乌尔塔多–让我们扭起来! – 我们的生活之谜

有人说:"如果你想受欢迎,就不要把艺术和政治、宗教混在一起。"但这是胡说八道。艺术总是被当权者、赞助人利用和培养。如果没有这种支持和认可,一件艺术作品是无法独立建立起声誉的。从历史上看,艺人通过自由表达自己的政策和喜好,享受到徇私舞弊的好处,只是比较近的事情。   今天,因为这种非常令人回味的特质,当代艺术因其自由表达的理念而受到赞誉。其实,我很感谢这个幸运的自由时代和互联网,让我找到并支持这样来自阿根廷的艺术家。拉扎罗-赫塔多的画作对理解他的人来说是开放的、宣泄的。这些作品和它们的标题,就像一个个谜语和答案一样环环相扣。以他超现实主义的想象力和艺术实现的技巧,简单的亚克力和纸板的材质就足以让我们产生共鸣。   "观众通过解码和解释作品的内在本质,使作品与外部世界接触,并对创作行为做出贡献。" - 马塞尔-杜尚     讽刺,通常用文字来表达,但也有用艺术的形式来表达,是表达干巴巴的幽默和对现实的扭曲的一种方式。我的南美朋友是讽刺大师,他们说:"由于我们的腐败社会,我们已经有了足够的实践,我们可以通过一些笑声来度过一天。"拉扎罗-富塔多的人文和哲学绘画作品浓郁而富有冲击力,就像一杯上好的马提尼酒。有人说:"笔比剑有力。"我必须补充一句:赫塔多表达了人性的混沌、自毁的本质,但却接受了这种本质。   "当我们意识到自己不了解生活、不了解自己、不了解周围的世界时,真正的智慧就会出现在我们每个人身上。" - 苏格拉底             如果你喜欢这位艺术家,你可能还喜欢:...   SEGUTOART   你只需要我的爱 作者: SEGUTOART55 x 45 cm   Endika Basaguren   金星的诞生 作者: Endika Basaguren80 x 130 cm   不要忘了订阅ArtClip通讯,获取更多有趣的发现。

[7月展]MoMo、Banbinart、Eukaryote。

在因新型冠状病毒的影响而关闭后,博物馆和画廊开始重新开放。以下是7月值得一看的三个展览。 画廊MoMo位于东京两国,将于6月6日(周六)至8月8日(周六)举办由25位艺术家组成的群展,这些艺术家大多来自画廊。 画廊在科罗纳关闭的那段时间里进行了反思,并重新思考了画廊的经营方式,他们决定创作名为"Rethinking"的展览,介绍了坂本正海、坂本十郎等画廊艺术家的新作品。很难想象,新常态下的生活会在未来继续对艺术家产生重大影响。不过,本次展览将依次展出各艺术家的热门作品,包括新电晕之前创作的作品。本次展览将进行展出。期间展览将有所变动,6/6-6/27、6/30-7/18、7/21-8/8,注意参展艺术家不同。 展览大纲展览名称"反思|反思日期。2020年6月6日(周六)至8月8日(周六)参与艺术家。6月6日(星期六)~6月27日(星期六)。小桥洋介、早川克己、川岛小鸟、石叶美和、藤森翔子、大久保凉雅、佐藤英介6月30日(星期二)~7月18日(星期六)。池田瑞穗、古畑智树、吉田和香、吉田新之助、福岛芳子、J-Moon、坂本雅美、增田正弘、平田俊介 *参展艺术家有可能发生变化。 7月21日(二)~8月8日(六)坂本德郎、室井木子、重田光辉、高桥凉子、大竹龙太、市野雄、日见元树、中井明人、绫野香波 *参展艺术家有可能发生变化。展出地点:MoMo画廊(地址)1-7号画廊MoMo(地址)东京都墨田区龟泽1-7-15营业时间:12:00-19:00 闭馆时间:12:00-19:0012:00-19:00休息星期二 联系网络:https://twitter.com/GalleryMoMo 电子邮件:info@gallery-momo.com SNS:www.gallery-momo.com 2020年7月11日(周六)至7月26日(周日)在日本神田Bambinart画廊举办。堀聪的个展"凝视面具"将在东京国立美术音乐大学的"凝视面具"举行。这是目前正在东京艺术大学油画专业就读的堀的第二次个展。 堀的作品作为"世界相互凝视、相互接近、然后碰撞"的过程,在这次展览中,将以碰撞的形式呈现。天生的"我与世界的面具"绘画作品将呈现。将推出10幅青年艺术家的新作。 展览概要 展览的名称。"凝视的面具 日期:2020年7月11日(星期六)-2020年7月26日(星期日)。2020年7月11日(星期六)至2020年7月26日(星期日) 参展艺术家。堀聰 地点:Bambinart画廊Bambinart画廊 (地址)东京都千代田区外神田6-11-14千代田3331 B107艺术馆 办公时间:12:00-19:0012:00-19:00 闭馆时间:周一、周二星期一、星期二 联系网站:http://bambinart.jp/ 电子邮件:info@gallery-momo.com SNS:https://twitter.com/bambinart 6月26日至7月17日,尤卡里奥将举办名为"鸠山二俊"的个展,活动分两层进行,涵盖了鸠山二俊截至目前的所有作品。 成为。 艺术家的作品,如2014年获得首届CAF大奖优秀奖的《存在的地方》以及获得Nawa Kohei Nawa奖的《白色》系列画作,开始了他的艺术家生涯,是以鸠山面对树木的经验为基础的。该系列作品是世界上最受欢迎的作品。本次展览是回归原点,我们面对的是我们认知的内在本质。不包括色彩。 除新作外,二楼还展出了基于他这几年的笔触积累,以鸟瞰的方式描绘多个世界的《天气图》,以及新开发的作品《植物与树木的语言》。 展览概要 展览名称"初步感知 日期2020年6月26日(星期五)至7月17日(星期五) 为防止新病毒的传播,将不举办开幕酒会。 参展艺术家。畠山二俊 地点:EUKARYOTE...

上藤加奈/中岛健太/野田丽马的版画作品。

受欢迎的TRiCERA艺术家的印刷品销售 在这里预购https://forms.gle/tugNmB9D1QEhPLSq5 TRiCERA很高兴地宣布,我们将对曾在富士电视台网络媒体"富士特评"中出现过的三位艺术家的印刷品进行预购抽签销售,这三位艺术家分别是神谷加奈、中岛健太和野田丽马。(1)每幅作品均由艺术家签名并编号。(2)因数量有限,售完即止。(3)版号无法选择。(4)请在发布后的2周至1个月内交货(预定2020年10月15日)。(5)以下规格为生产前规格,可能会有变化。(6)每人每件作品最多可保留2件。 花上子《Blood 6》。 艺术家:宇渡加奈标题:血6版次:30幅 图像尺寸(作品人物尺寸):176×700mm纸张尺寸(纸张尺寸):196×720mm全息图工艺胶版印刷签名:艺术家签名 价格:55,000日元(不含税) 点击这里预购作品 中岛健太《匿名的地平线 *三部作品印在一张纸上! 艺术家:中岛健太标题:无名的地平线版式:20幅 图像尺寸(作品人物尺寸):100×300mm纸张尺寸(纸张尺寸):200×500mm胶版印刷品签名:艺术家签名 价格:50,000日元(不含税) 点击这里预购该作品。 野田丽马《Vanana Stab》。 艺术家:野田龙马标题:Vanana Sashi版式:20张 尺寸(纸张大小):250 x 250mm日本纸上签名的Giclee印刷品:艺术家签名 。 价格:20,000日元(不含税) 点击这里预购该作品。 申请表 如果您想购买该作品,请使用以下表格进行申请。*请注意,本次抽奖活动,您可能无法获得心仪的作品。*抽奖结果通知将于10月31日前发送到您注册的电子邮件地址。 在这里预购

指尖、纸和艺术家。-纸艺故事第二部分

点击这里查看更多我的作品 如果你还没有读过纸艺系列的第一部分,其中解释了纸作为一种艺术材料的独特性,请在这里阅读。 纸与人类的蜜月关系 这次先说点小知识。 据考古研究表明,中国大约在公元前100年发明了纸,此后,纸作为文明的一部分发展起来。"纸"这个词来源于纸莎草纸,这是埃及文明使用的一种厚厚的纸状书写媒介,其历史可以追溯到公元前2560-2550年。 在2020年的今天,由于数字技术的兴起,我们对纸张的依恋正在减弱。然而,纸质文化不会在一夜之间消失。例如,即使在这个一切都可以通过电子邮件、LINE、Zoom完成的时代,我们仍然会在新年贺卡、婚礼、生日等场合发送信件,即使一个轻薄的平板电脑上可以容纳上百本书,很多人仍然会购买沉重笨重的纸质书籍。将我们与这些看似过时的材料联系在一起的,是对纸张的怀念,是印在我们人类记忆中的类比。 无论世事如何变迁,人与纸之间延续了4000多年的蜜月关系依然在世界各地延续。在法国和我所在的国家,每年都会举办几次古玩展,非常受欢迎,吸引人们兴趣的物品有时是几十年前写的信。精美的手写明信片和信件虽然已经泛黄,但上面写的感情依然鲜活。从不褪色的墨迹斑驳中可以看出作者的犹豫和激动。 点击这里查看详情 和纸是一种薄而结实的纸,是为了与毛笔和墨水兼容而开发的。由于和纸的质地美观,还被用于制作日式灯饰、吉祥屏风等家具。在古代,和纸被用作神道祭品的包装材料,作为一种礼仪性的折叠,如何折叠和折痕的知识成为高级武士教育的一部分。在江户时代(1603-1868年),折纸传播到了今天我们所熟知的普通大众。作为一个在日本长大的年轻人,我通过对书法、折纸的喜爱,以及和朋友们一起开纸飞机,对日本纸的优良品质一直很熟悉。 点击这里查看更多他的作品 纸的"模拟"媒介在艺术中的重要性如何?Janaki Lele,一位来自印度的视觉艺术家,通过手工剪纸编织了一个故事。她在一篇名为《心灵感应》的文章中,配上一首诗,她写道:"一张能量网穿过看不见的线......。连接两颗心...你有想过我吗?其实,我刚才也在想你。我低声说道。我看到,连接我们大脑的不仅仅是看得见的电力电缆的现代能量,它让我重新思考我们与他人的连接方式。我们表达思想的方式,就像把风筝或鸟儿放进天空之流。这种流动在我们的脑海中转动着风车水车的涡轮,在互动中,能量被创造出来。显然,当我们与这种模拟机制相通时,可以发生心灵感应的联系。 点击这里了解更多作品信息 另一件作品《追星者》则描绘了一个温柔而朦胧的梦境。这幅作品的灵感来自于他和朋友的孩子玩耍的时候,挑着窗外经过的夕阳。这些故事都只在一张或几张纸上展开,用剪影和一点深度。令人惊讶的是,一张只有几微毫米厚的纸,竟然有能力和潜力接收和传输所有的戏剧。为什么会有这样的事情呢?秘密就在于纸是一种有机物。正如我们在思想和交流的有机形成中所看到的,生物能量在人与纸艺之间相互作用。纸张作为一种催化剂,连接着艺术家与艺术,以及艺术与我们。 更多关于该作品的信息,请点击这里。 百鬼丸是一位多产的剪纸艺术家,他的作品超过一万幅,将武士带入21世纪的纸上。他画的线条有一种锋利的感觉,就像日本的刀一样突出。他曾为日本历史小说设计过很多封面,其中很多主题都是武士和忍者活跃的时代,他大胆的构图结合了浮世绘的动感和漫画的朗朗上口。这些元素与他对人的生动描绘相结合,使他的作品充满了生命力。毋庸置疑,有机纸具有容纳生命的接受力。 点击这里查看更多他的作品 艺术家的实践和他的作品一样有力量。除了创作二维和三维剪纸艺术,他还上过电视,在日本、美国、法国等地展出,有趣的是,他还进行过现场剪纸表演。他还出售印有他的战士图案的面具,对于带科罗娜的时代来说是非常可靠的。百鬼丸的职业可能就像浪人武士一样,在大学里学习建筑学,然后接受陶艺师的训练。但现在,作为日本剪纸界的先锋,他正在开创自己的事业,为后人指明方向。 https://www.youtube.com/watch?v=yDVpG4p948E&feature=youtu.be TRiCERA将继续为您带来艺术家的信息。不要忘记订阅ArtClip通讯,获取更多犀利的见解和有品位的专栏。

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

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C-DEPOT: 日本現代美術ユニット

C-DEPOTは、70~80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか? A:アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Q:自分のグループはどのくらい成功したと思いますか? A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q:C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか? A:2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q:様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A:そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか? A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか? A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか? A:メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか? A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか? A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2~3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q:「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか? A:いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q:「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか? A:日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Q:今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q:TRiCERAに期待することは何ですか? A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

打造北欧风格房间的六件艺术品

1.斯堪的纳维亚风格的特点 每个人都听说过斯堪的纳维亚的室内设计,不是吗?这种室内设计风格融入了生活在斯堪的纳维亚半岛的人们对生活的思考方式,注重具有简单、低调、艺术形式的物品和强调自然材料的家具。斯堪的纳维亚室内装饰的特点是明亮的,主要是白色的颜色方案,以使房间看起来更明亮,即使天气不好或夜晚漫长而黑暗。 2.斯堪的纳维亚风格和艺术 由于房间的简单性,你可以通过展示艺术品来创造一个更多的斯堪的纳维亚风格的外观。带有几何图案的艺术品,简单的设计和植物与这种风格非常相配。关键是要选择一个能给房间带来明亮印象的作品。另一个技巧是在一个给人以白色印象的房间里用彩色的艺术品作为一抹色彩。 3.6件艺术品打造斯堪的纳维亚风格房间 3-1. 我们来了 这是一部可爱的作品,其中像动物一样的人物被画在一个畸形的世界观中。绘画和线条都是以简单和滑稽的方式绘制的,这非常适合北欧风格的房间。动物图案给人以自然和欢快的印象。这些滑稽画比写实画更容易与其他艺术作品一起展示。它创造了一个具有游戏感的空间,而不给人以硬邦邦的印象。游戏氛围的好处是,它使人们更容易放松和消磨时间。 3-2. 内部和外部 第30号 这件独特的作品是在一张圆纸上拼贴了各种颜色的纸。斯堪的纳维亚风格与圆形物品配合得很好,并将整个房间的圆形室内印象汇集在一起。鲜艳的色彩和平静的色调混合在一起,使这件艺术品很容易与白色的房间融为一体,而且它也是一件有用的艺术品,可以作为一抹色彩。对于包含这些突出颜色的艺术品,一个技巧是在其周围放置几件相同颜色的内饰,使其与房间融为一体,成为一抹色彩。 3-3. 北极光 几何图案与重视艺术形式的斯堪的纳维亚室内装修相得益彰。它给人一种简单和平静的印象,同时也创造了一种现代的氛围。黑白相间的几何图案被稀疏地涂上了红色、蓝色和绿色,这样房间就不会显得单调和沉重。推荐这种艺术品是因为它很容易引入房间,不分性别和年龄;即使是单件作品也能给人以足够的存在感。 3-4. 褪色的蓝色到黑色,边缘有黄色 这幅画有一个美丽的蓝色渐变。如果你仔细观察,你可以看到两侧被涂成黄色,当光线反射时,黄色被反射到背景墙上。这是一个完美的噱头,适用于具有明亮白色内饰的房间。因为它是以非常简单的构图绘制的,所以这件作品很容易融入有很多内饰的房间。即使你想用多件作品来装饰,它的优点是容易引入,因为它们很好地结合在一起。即使你把它摆在带有图案的物品附近,这在斯堪的纳维亚的室内装修中很常见,它也会与它们相得益彰。 3-5. 外太空 我想被带到外太空去!这件独特的作品诞生于艺术家希望被带到外太空的愿望。虽然简单,但水彩笔的触感依然存在,你可以感受到人的手艺的温暖。鸟类是一个与木制内饰很相配的主题。由于其体积小,它可以放在一件家具上并挂在墙上。以这种方式装饰时,在附近放置一株植物或一个可以作为室内装饰的花瓶,可以使艺术品不至于飘离房间,并使其更容易融入其中。 3-6. 甜甜圈 这是一件具有独特纹理和形状的艺术品。背景大部分是黑色的,这可能会给人一种略微黑暗的印象,但黑色有一个积极的方面,它与白色印象的房间很相配。黑色有一种沉闷的格调,所以建议把它挂在白色的砖墙上。各种五颜六色的圆圈是这幅抽象画的重点,但它很容易介绍,因为它是由一个简单的图案代表的。它强调了一个具有平静色调和成熟气氛的斯堪的纳维亚风格的房间。 结束 斯堪的纳维亚风格的房间是基于斯堪的纳维亚人的智慧,他们希望在任何时候都能保持欢快的心情,无论天气或季节。北欧风格的房间里充满了北欧人民的智慧和愿望,而我们生活在日本的人也有同样的愿望。我们为什么不通过介绍艺术作品来实现这一愿望呢?

关于deityparty需要了解的六点

Deityparty画的是可爱女孩的图片,设计简单,像人物一样,但相反,她的许多作品是以人类的黑暗面为主题。她使用浅色,如水彩和彩色铅笔,但她所传达的信息有些令人同情,是每个人都倾向于拥有的。 1.神仙党的背景 deityparty是一位驻台北的艺术家,2012年在台北艺术大学完成了她的绘画学士学位,2016年在国立台湾大学完成了她的语言学硕士学位,2019年她的绘画作品在Walter de Gruyter丛书中出版。她目前白天是产品设计师,晚上是艺术家。除了绘画,他还写作,并获得了多个文学奖项。他在2019年获得了台北插画展的精选奖。在Instagram上,他以 "deityparty "的ID与自己的名字一样,与世界分享他的日常工作。 2.文学感性 他的许多作品在关注人类的情感方面和附加在标题上的简短文字方面显示出文学的感觉。在作品《在黑暗中跳舞》中,加入了deityparty的想法,即陷入困境的人看起来好像在黑暗中跳舞。画笔的触感很粗糙,仿佛是为了显示舞蹈动作的强度,脸部的部分和身体的轮廓也没有画清楚。颜色也主要是红色和蓝色,我们可以感觉到黑暗中情绪起伏、痛苦和愤怒的强烈波动。 (Dancing In The Dark/17cm×23.2cm/混合媒介) 点击这里了解详情 3.具有当代黑暗色彩的人的描写 我表达了很多人都有黑暗的一面,而我们今天往往有黑暗的一面。作品 "In My Sleep "是关于失眠的。女人睡觉的房间背景是留白的,因为她晚上睡不着,认为重复想象的睡眠就像在明亮的黑暗中。女人睡觉的房间背景是留白的。 女人的手被描述为 "一只握着刀的手",尽管她的表情和遭受失眠的状况没有被直接描绘出来,这表明她实际上处于一种痛苦和被困住的状态,尽管她看起来只是躺在一个光线明亮的房间里。 (在我的睡梦中/21cm×30cm/水彩) 点击这里了解更多详情 蓝色静物 "是一件给人以神秘印象的作品,其中描绘了一个看起来很悲伤的头和一个茶杯。这幅画描绘了一个人在休息时将疲惫的头靠在桌子上,这表达了我们现代生活的忙碌。我们每天忙于很多事情,以至于累得想摘下脑袋,但即使只是喝杯茶休息一下,我们也不会满意。我太忙了,以至于我需要消除我的思想,把我的脑袋当成一个静物来丢掉。 (蓝色静物/10厘米×14.9厘米/混合媒体 点击这里了解更多详情 4.感同身受的信息 在描绘人性阴暗面的作品中,可能有一些我们都能感同身受的东西。在这个时代,失眠和疲惫是我们非常熟悉的问题,人们往往很难一眼看穿。 5.讲故事的水平很高 由于deityparty也是一名作家,他的一些作品有标题的场景,像小说中的段落。例如,在《游泳者》中,"他们去游泳。那天发生了一些事情,永远改变了他们。这个标题让我们想知道这两个穿着泳装的女孩发生了什么,她们似乎是朋友。他们的眼睛看向不同方向的方式让我怀疑他们是否刚刚打了一架,或者发生了什么严重的事情,从整体令人不安的黑暗色调来看......。因为故事没有深入描述,这是一个允许读者自由想象故事的机制。 (游泳者/21厘米×30厘米/水彩) 点击这里了解更多详情 作品 "吻 "也被残忍地描绘成头颅飞走的样子,但叙事却像电影海报一样被加上。"在死亡面前,两个人亲吻。标题写道:"在死亡之前,他们亲吻。我对它一无所知,但它是一部有趣的作品,让你对故事有很多猜测。...

Feature Post

我们将在2021年东京国际博览会上展出。

TRiCERA很高兴地宣布,我们将于3月18日起参加东京2021年艺术博览会(AFT2021)。 TRiCERA已经筹集了总计1.15亿日元的新资金,这将使我们能够扩大我们的服务,重新设计我们的网站,并积极参加艺术博览会和其他活动,以推广参与我们平台的2400多名艺术家。我们还将积极参加艺术博览会等活动,为参与我们平台的2400多名艺术家做宣传。 在即将到来的AFT2021上,我们将在我们的展位上展示一个装置,让参观者在现实生活中体验我们的声明"创意无国界",我们还将介绍我们全新设计的网站。同时,我们还将公布今年4月1日发布的新的邀请制电商平台,该平台将专注于当代艺术。 我们希望你会喜欢TRiCERA的愿景和它的实验/实践,它的目的是创造一个世界,让热爱艺术的人可以超越所有的障碍相遇和联系。 展会概要 日期:2021年3月18日-3月21日(*3月18日为邀请制)时间:12:00-19:00(*最后一天16:00截止)地点:东京国际论坛大厅E/大厅画廊票价:4,000日元(含税)。(*小学生及以下由成人陪同才可免费,门票需提前购买。)详情: https://artfairtokyo.com/2021。  

关于deityparty需要了解的六点

Deityparty画的是可爱女孩的图片,设计简单,像人物一样,但相反,她的许多作品是以人类的黑暗面为主题。她使用浅色,如水彩和彩色铅笔,但她所传达的信息有些令人同情,是每个人都倾向于拥有的。 1.神仙党的背景 deityparty是一位驻台北的艺术家,2012年在台北艺术大学完成了她的绘画学士学位,2016年在国立台湾大学完成了她的语言学硕士学位,2019年她的绘画作品在Walter de Gruyter丛书中出版。她目前白天是产品设计师,晚上是艺术家。除了绘画,他还写作,并获得了多个文学奖项。他在2019年获得了台北插画展的精选奖。在Instagram上,他以 "deityparty "的ID与自己的名字一样,与世界分享他的日常工作。 2.文学感性 他的许多作品在关注人类的情感方面和附加在标题上的简短文字方面显示出文学的感觉。在作品《在黑暗中跳舞》中,加入了deityparty的想法,即陷入困境的人看起来好像在黑暗中跳舞。画笔的触感很粗糙,仿佛是为了显示舞蹈动作的强度,脸部的部分和身体的轮廓也没有画清楚。颜色也主要是红色和蓝色,我们可以感觉到黑暗中情绪起伏、痛苦和愤怒的强烈波动。 (Dancing In The Dark/17cm×23.2cm/混合媒介) 点击这里了解详情 3.具有当代黑暗色彩的人的描写 我表达了很多人都有黑暗的一面,而我们今天往往有黑暗的一面。作品 "In My Sleep "是关于失眠的。女人睡觉的房间背景是留白的,因为她晚上睡不着,认为重复想象的睡眠就像在明亮的黑暗中。女人睡觉的房间背景是留白的。 女人的手被描述为 "一只握着刀的手",尽管她的表情和遭受失眠的状况没有被直接描绘出来,这表明她实际上处于一种痛苦和被困住的状态,尽管她看起来只是躺在一个光线明亮的房间里。 (在我的睡梦中/21cm×30cm/水彩) 点击这里了解更多详情 蓝色静物 "是一件给人以神秘印象的作品,其中描绘了一个看起来很悲伤的头和一个茶杯。这幅画描绘了一个人在休息时将疲惫的头靠在桌子上,这表达了我们现代生活的忙碌。我们每天忙于很多事情,以至于累得想摘下脑袋,但即使只是喝杯茶休息一下,我们也不会满意。我太忙了,以至于我需要消除我的思想,把我的脑袋当成一个静物来丢掉。 (蓝色静物/10厘米×14.9厘米/混合媒体 点击这里了解更多详情 4.感同身受的信息 在描绘人性阴暗面的作品中,可能有一些我们都能感同身受的东西。在这个时代,失眠和疲惫是我们非常熟悉的问题,人们往往很难一眼看穿。 5.讲故事的水平很高 由于deityparty也是一名作家,他的一些作品有标题的场景,像小说中的段落。例如,在《游泳者》中,"他们去游泳。那天发生了一些事情,永远改变了他们。这个标题让我们想知道这两个穿着泳装的女孩发生了什么,她们似乎是朋友。他们的眼睛看向不同方向的方式让我怀疑他们是否刚刚打了一架,或者发生了什么严重的事情,从整体令人不安的黑暗色调来看......。因为故事没有深入描述,这是一个允许读者自由想象故事的机制。 (游泳者/21厘米×30厘米/水彩) 点击这里了解更多详情 作品 "吻 "也被残忍地描绘成头颅飞走的样子,但叙事却像电影海报一样被加上。"在死亡面前,两个人亲吻。标题写道:"在死亡之前,他们亲吻。我对它一无所知,但它是一部有趣的作品,让你对故事有很多猜测。...

菊竹雄鹰画廊展览”我想要一颗钉子”的评论。

装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 6月6日至7月13日,菊竹优人画廊隆重推出艺术家二人组作品展"为了想钉子"。 奈尔-霍尔是由两位日本年轻艺术家田中义久和饭田龙太组成的艺术家二人组,始于2007年,当时田中和饭田就如何提出和分享当代社会的问题进行了讨论。他们从2007年开始合作。 今年在菊竹丰画廊举办的展览,将展出以大分县别府市为灵感的作品。去年夏天,内尔-霍尔参加了在别府举办的名为"KASHIMA"的居住项目。在这个项目中,她研究了日本最著名的温泉胜地之一别府的历史,从明治初期到第一次世界大战和第二次世界大战的历史。 内尔-霍尔的研究范围从别府人的口述历史到当地的资源和温泉的自然环境,以及伴随着历史发展而来的文化方面。 研究成果以13幅作品的形式展示在葵之家、别府公园以及他居住的商业设施的墙壁上。此次在东京Yutaka Kikutake画廊举办的展览中,我们还将展出上述作为东京项目而构思的新作品。新的作品也是基于在驻地进行的研究。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 他们作品的有趣之处在于,每一部作品都有自己的故事。比如,《金先生的肖像》是我与当地一位金先生的对话所得到的灵感。金先生的肖像》背后的故事是这样的向尼赫鲁讲述了在朝鲜战争中当兵的人,回国后开韩国烧烤店的故事,以及二战后移民日本的朝鲜人在日本生活的故事。这部作品的诞生,是因为聆听了在日本的韩国移民的故事,他们现在已经成为当地人,让我们感受到不同背景的人的历史和生活。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 野豚"和"节拍器"的灵感来源于别府动物的故事和经历。尼赫鲁听说别府的河流中居住着热带鱼,便到堺河下游寻找瓜皮鱼,结果找到了。虽然石斑鱼原产于南美洲,但它已经成为当地的一种鱼类。豚鱼已经适应了环境的变化,看起来更像一条鳉鱼,但它的腹部仍然有着热带鱼特有的鲜艳。此外,通过《节拍器》,Nelhole还将个人经历与当地动物的记忆结合在一起,当我去看高崎山的野生猴子时,那里有1200多只猴子,我看到父母猴子在它们死后的几个星期里都在背着和抱着它们的小猴子。我很惊讶。这种行为是由于没有接受这种情况。在回家的路上,内尔霍听着与猴子心跳节奏相同的节拍器安静的声音,他回忆着猴子的行为。 ...

Quick Insight Vol.9 西班牙作家拉法-马塔体现了日本赛博朋克的特点

拉法-马塔,体现日本赛博朋克的西班牙艺术家 艺术家对未来的日本和试图在社交网络上吸引注意力的影响者的看法。 拉法-马塔是一位西班牙艺术家,他为日本和试图在社交网络上吸引注意力的影响者绘制了未来主义图像。 我们问他为什么对日本赛博朋克着迷,以及他希望通过自己的艺术生涯表达什么。 1.你是如何成为一名艺术家的? 我喜欢所有种类的艺术,从写作到电影摄影。我在生活中做过各种各样的艺术项目。 我18岁时读了一个媒体研究的学位,但我对绘画如此着迷,以至于我 两年后,我休息了一下,做了一个平面设计的课程。 这开启了很多可能性,所以我继续我的艺术学习,并被奥美公司聘为平面设计师。 然而,我想成为一名全职的插画师,所以在业余时间我创建了一个作品集和 我开始把它寄给所有寻找插画师的公司。 这就是我被马德里的麦肯-埃里克森公司聘用的原因。 我开始每天24小时工作,做一名插画师。 我在那里工作了六年,学到了很多关于截止日期、广告术语和与不同客户合作的知识。 广告对我的主题和风格有很大影响,但由于有这么多项目要完成 我首先觉得我需要再迈出一步,成为一个有自己权利的艺术家。 而在2016年,我创建了我的第一个个人项目。 2017年,我搬到了加利福尼亚州的洛杉矶。 我花了两年时间深入探索我的风格以及数字和传统艺术的主题。 在那里,我被小东京和美国的日本侨民所吸引。 从那时起,日本和美国美学的融合一直是我艺术灵感的核心。 在2019年,我将举办我的第一个展览,题为 "巫术 "和 我在2020年的大流行期间卖出了我的第一件作品。 你是如何成为一名艺术家的?开始工作,高66厘米x宽100厘米x深0厘米,艺术印刷品/多件,2020年) 有关您工作的更多信息,请点击这里。 2.你的作品似乎受到日本赛博朋克的启发。你在选择这种主题方面有什么经验吗? 我是一个城市怪人。 我是一个热爱流行文化和大城市的城市怪人。 我从小就看电视,玩电子游戏,看漫画和动画。...

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