星期三, 3月 3, 2021
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在内容和画法上吸引眼球的作品。

Maria Farrar “现在回头太晚了” OTA FINE ARTS 玛丽亚-法拉尔的《现在回头太晚了》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 新晋年轻艺术家Maria Farrar将在OTA FINE ARTS举办她在亚洲的首次个展”来不及回头了”。Maria Farrar是一位伦敦的艺术家,1988年出生于菲律宾,15岁之前一直在下关长大。 法拉的作品是以她的日常记忆、经历和情感中的场景为基础的。虽然主题是传统的,但她对色彩和图案的独特处理方式吸引了我们的注意。 她的作品中经常出现一个女人的背影、一只狗、一只高跟鞋和一个面包房的场景。因为这些主题反复出现,观众往往会试图解读她的作品。观众可能会猜测,她的图案中有强烈的社会问题等信息在里面。不管艺术家是否有意为之,她的作品都给我们提供了多种可能性。我觉得她的作品更注重她捕捉瞬间的表达方式。 玛丽亚-法拉,作家,2019年,亚麻布上的油彩,180 x 130厘米由艺术家提供,母亲的坦克站都柏林|伦敦和大田美术,东京/。新加坡/上海 法拉尔作品的魅力在于她在每一幅画中都把风景描绘成一件叙事性的艺术作品,激发我们的好奇心。但是,如果从她的绘画技法上看,有些内容和主题一样引人入胜。在”艺术家”之下,纲举目张。法拉用轮廓来描绘鞋子,这是亚洲常见的绘画技巧,从传统绘画到漫画和动画。用来描绘地板和小狗的笔法也很像书法。 她的作品让我们思考内容和技巧,让我们在作品前久久驻足。如上所述,乍一看,可能会觉得她是想谈论性别问题,但更多的是,这些作品源于法拉对符号、风景和记忆的偏爱,需要花时间去欣赏去理解。此外,他的画风,似乎是中西绘画的融合,让观者在作品前久久驻足。 玛丽亚-法拉的《现在回头太晚》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 玛丽亚-法拉的《现在回头太晚》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 作为一名专业画家,她常常因为作品中各种鲜艳的色彩而产生偏见,认为聚集在一起的作品会因为色彩的冲突而永远合不来。 然而,法拉是一名专业画家,所以她打破了这种偏见。虽然她用了很多鲜艳的色彩,但你进入画廊的那一刻,给你的印象可能和你想象的不一样。如果你想亲身感受一下,不妨去参观一下8月24日至9月21日在OTA FINE ARTS举办的”OTA FINE ARTS”展览吧。同时,他的最新作品也在本次展览中展出。 Maria Farrar “现在回头太晚了” OTA FINE ARTS O 日期:2019年8月24日(星期六)–2019年9月21日(星期日)。 开放时间:上午11:00 – 晚上7:00。 周日和公众假期休息。 免费入场。 文章作者:Jeongeun Jo 生于韩国,住在日本。她是TRiCERA的成员之一,毕业于东京艺术大学大学院美术系。她自己也是一位艺术家。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年生于日本东京。 大学学习印度哲学后,在出版公司担任艺术杂志和神龛杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑工作。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出公司自有媒体。 同时,他还负责开发日本第一家专门从事当代艺术的跨境电商网站,管理艺术家,并推出自己的自有媒体。

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突出公开征集的”TOKAS-Emerging 2019″展览。

TOKAS-Emerging 2019第二部分在TOKAS本乡举行     东京大都会艺术空间TOKAS是一个致力于创造和推广东京当代艺术的艺术中心。TOKAS成立于2001年,名称为"东京奇迹网站"。Tokyo Wonder Site于2017年更名为Tokyo Arts and Space.自2001年以来,TOKAS一直在实施各种计划,支持新晋艺术家和实验艺术项目。   TOKAS-Emerging是一个公开征集35岁以下日本艺术家的项目,今年有6位艺术家入选。TOKAS-Emerging第一部分将于7月20日至8月18日举行,第二部分将于8月31日至9月29日举行。   详见第二部分--足川美月、宫坂直树、北条智子。         TOKAS有两个场馆,一个是主要用于艺术项目和展览的TOKAS本乡,另一个是艺术家的住所TOKAS Residency。   TOKAS本乡的建筑有三层楼高,三位艺术家都有自己独立的空间。艺术家可以以个展的形式展示自己的作品。   一楼是足川美月的作品,主要是石版画和其他版画。本次展览的特点是陈列结构合理。大到大尺寸作品,小到80x50mm等小作品,都是有节奏地进行安装。   这些图案都是根据我在小区里散步时遇到的景物创作的。特别是这次她展出的作品,灵感来自于她对TOKAS本乡的访问。 之所以展出她的作品,是因为基于她对空间的理解,按照空间的节奏进行展示。   二楼有宫坂直树的展览。三个空间。的展览正在举行。宫萨卡是一位研究人类感知可以改变的空间概念的艺术家,她将整个展览空间作为作品。在这次展览中,我们呈现了三个空间,以捕捉人类感知变化所产生的各种空间概念。   音响艺术家北条智子在三楼办公。她主要创作装置和声音作品。在她的个展"Sotto Voce"中,她关注的是历史和大众媒体对小野洋子的各种看法。虽然有很多关于小野洋子作为艺术家、约翰-列侬的妻子、丑女等的描述,但胡乔将这些记录在案的认知形象化,并呈现出个人是如何被主体化的。   关于空间与计划--TOKAS-新锐篇   在一栋有趣的三层楼里,我被艺术家们的展览所打动,他们就像在开个展一样。虽然有很多公开征集艺术家支持群展的活动,但TOKAS-Emerging的有趣之处在于它给了艺术家一个举办个展的机会。年轻艺术家举办个展的机会不多,所以我觉得TOKAS支持他们的方式对他们有帮助。不仅在评奖本身,而且在实际工作中,似乎对艺术家们的支持也很大。   TOKAS-Emerging 2019 part 2   日期:2019年8月31日(星期六)至9月29日(星期日)。 时间:上午11:00-下午7:00。 休馆日:9月2日(周一)、9月9日(周一)、9月17日(周二)、9月24日(周二)。 免费入场。     撰稿人:Jeongeun Jo.生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

无边界–或者说是关于穿越的力量。

TRiCERA将于11月21日(周六)至12月5日(周六)举办"NO BORDER"群展。在这篇文章中,小编想为大家讲解一下选择艺术家的要点以及每个艺术家的亮点。   享受"不可知性"的艺术 本次展览,我们选取了一些作品难以用流派或线条来区分的艺术家,他们的作品无法用传统的方式来欣赏。 无论是在日本还是在国外,无论是现在还是过去,都有很多艺术流派。我觉得这次入选的很多艺术家在现有的框架内很难解释。但无法用语言表达出来的事实,可能证明他们有新的东西可以提供。 当然,我们可以用眼睛去欣赏作品,但我们可以用文字去欣赏作品,这可能是当代艺术的一种特权。 ,希望您能欣赏到艺术家本人在颜料和画布背后的思想。   关于参展艺术家 - 兴趣点   平田直哉|平田直哉 平田,1991年出生于长野的艺术家,他的特点是利用从互联网上收集的数据在虚拟空间中创作雕塑的态度。所以他自称是雕塑家。平田认为"雕塑是具有空间性和时间性的东西",他所做的是传统的雕塑作品,只是对现有的空间和材料(钢和木头)做了不同的处理。他的作品让我们思考:"数字和真实是同义词吗?而最重要的是,它是我们作为现代人质疑空间和时间的一个机会。     先知》2019年33×27.5cm 铝合金数字银版印刷版1/3       查看工作细节   畑直之 - 畑直之 旅居日本九州的畑,近来以在被摄体上涂抹色彩的方式进行摄影创作。人的眼睛看东西,是通过反射光来判断颜色的,但当我们看畑的作品时,可以直接联想到我们看到的颜色未必是真正的颜色。在某种程度上,你的摄影作品就像是对人类视觉的考验。     g/b//u/#1 2020年29.7×42cm数字银印版1/10       查看工作细节   西木俊介|西木俊介|西木 俊介 西岐是一位以画布为展示对象进行绘画创作的画家。对于我们这些大部分信息和通讯都依赖智能手机和PC的人来说,终端的显示效果离我们的眼睛和视觉本身就很近。从某种意义上来说,存在本身就是非常立体的。他们有一种玩世不恭的感觉,就好像你自己把我们的眼睛挖出来了一样。     日常生活与荒诞 2019 60.6 × 91cm 布面丙烯油画       查看工作细节   忠野绫香 - 忠野绫香 忠野绫香是一位以日本画的技法和当代绘画为主题的画家。她创作的山水画描绘了"我们人类有一天会消失"的短暂一面。在日本的绘画中,使用的是矿物制成的颜料,所以画的表面是粗糙的,我觉得这种对事物的感觉,结合田野"永恒的缺失/事物总有一天会消失"的主题,产生了一种很感伤的效果。     还在路上 2020年 35×50cm 矿物颜料 木板和纸       查看本作品的详细信息   曾超 出生于中国的曾超,是一个将中国画传统与当代绘画混搭的人。在中国,对一幅画的传统评价点是"气势表现的多少",他通过刻意让笔触可见,表达了艺术家在绘画时的呼吸和情绪的波动,让气势可见。换句话说,它们是画家的存在非常明显而又隐蔽的绘画。     KS190829 2020 53×53cm...

小川五郎:从现实中创造幻觉。

"我的作品中没有色彩,一切都只是一种幻觉,因为你看到的只是一种棱镜效果。"   金属棱镜 小川五郎       2011年,小川五加入日本艺术团体C-DEPOT。他最著名的是利用哈勃太空望远镜拍摄的银河系图像的全息塑料薄膜,创作三维装置。 在这次采访中,我们和他聊了聊他的艺术起源,他的作品对他的意义,以及他对色彩媒介的持续尝试。为保证篇幅和清晰度,本次采访进行了轻度编辑。 打破了传统雕塑的规则。 全息电影艺术。打造多彩幻觉的透明艺术。 大胆迈向未来 在哪里可以买到小川五郎的作品 打破了传统雕塑的规则。 "我的雕像如果仅仅是违反规定的话,是不会被大学接受的。" 你是如何发展成为今天的艺术家的? 当我进入东京艺术大学时,我还没有任何与现在工作相关的想法。姐姐在另一所大学学习艺术,我也想成为一名艺术家。我知道雕塑人形是我成为艺术家需要做的事情,所以当时我投入了很多精力。 但我很快意识到,我不想被传统的雕塑规则所束缚。例如,我做一个女人的雕塑时,雕像必须是独立的,但我挑战了这一点,把她雕塑成靠在墙上的样子。这个"站"让我很不舒服,因为破坏了规矩还不足以被大学接受。从那时起,我就努力去自由地创造我想创造的东西。 哪些艺术家影响了你? 我在学生时代没有喜欢的艺术家,但现在我特别喜欢奥拉维尔-埃利亚松,因为他在东京原博物馆的个展给我留下了深刻的印象。他是一个非常聪明的艺术家,他研究自然界的结构和起源,然后在他的作品中重建这种结构。我觉得他的做法和我自己的做法有些相似。我受他的影响很大。 我也受到Jeppe Hein的影响,他的作品有:Waterflame,一个在顶点不断燃烧的火焰的喷泉;360° Presence,一个大型金属球体在白色立方体艺术空间中滚动,破坏墙壁的装置。这种工作对我影响很大。我们在表现形式上受对方的影响并不大,但我们有一个共同的目标,那就是用作品打动观众的心灵,吸引观众的注意力。 如果让我说出一个对我有影响的日本艺术家,我会说我觉得吉冈德仁的作品是一个很好的例子。我特别认同吉冈德仁的做法,即深入研究日常生活中产生的琐碎思想和灵感,并将其转化为艺术作品。 "...基本主题是'幻觉与现实'"。 金属棱镜 小川五郎       你想通过作品表达的主题是什么? 我很高兴很多人觉得我的作品在视觉上很有吸引力,但根本的主题是"幻觉与现实"。我的作品最重要的特点是代表幻觉的色彩和代表现实的复杂基色。 全息电影艺术。透明的艺术,创造出丰富多彩的幻觉。 "我觉得,存在但难以辨认的形状的想法很适合我的工作。" 说说你现在的全息电影艺术风格是怎么形成的? 我喜欢看哈勃太空望远镜拍摄的照片,我在寻找一种不同于天文馆的新方法来表达宇宙。在这个过程中,我不断地寻找合适的素材,大约在研究生毕业的时候,我发现了一部特别的电影。从那时起,我就开始尝试如何在作品中使用该片。这种膜就像一张薄薄的贴纸,所以只能贴在透明丙烯酸树脂的表面。 然后我开始设计表面。第一阶段,我以玻璃球为基底,贴膜,经过反复试验,才有了今天的风格。 如何选择这种透明材料和全息膜的组合? 我在大学学雕塑的时候就注意到了这一点。雕塑家总是深深地关心一尊雕像的细节,但如果表面是透明的,这些细节就看不到了。透明雕像与高细节的矛盾是我在研究生阶段研究的主题之一。我觉得,一种存在但很难被注意到的形式的想法很适合我的作品。 另外,我的作品看上去是彩色的,但实际上不是。你在我的作品中看到的颜色,只是亚克力基底的折射和光线在一定角度反射后产生的反射。表面复杂的细节都是透明的,所以看不清楚形状,但我的作品中没有颜色。我的作品中没有色彩,都是一种幻觉,因为它只是一种棱镜效果。 熔融棱镜 小川五郎(黑底)       薄膜本身没有颜色,但通过气相沉积制成的一层薄薄的金属粉末可以反射蓝色、红色等各种颜色的光。我的作品在月光下看是完全透明的。在阳光下,你可以看到光谱的颜色。在黄光下,可以看到暖色,但在荧光灯下,波长不足以显示我作品的颜色。在阳光下最好,但对于室内照明来说,LED是最好的看色方式。 在一个光源多的地方,光线效果不好,颜色也很散乱。最好是在黑暗的背景下用聚光灯观看。 熔融棱镜 小川五郎(白底)       除了光源外,根据安装环境的不同,颜色也会有所不同。例如,白色背景会产生柔和、苍白的色调,而黑色背景会产生较暗的色调。 当光线反射或通过胶片时,一张胶片会产生两种不同的颜色。除平静或平整的表面外,通过薄膜的光的颜色在许多类型的表面形状上都会明显而明亮。为此,我尝试着加入大量的边缘和起伏,使色彩更加鲜明。 我的作品是建立在无数次的实验基础上的,这三个元素的组合:胶片的种类、透明的基材、表面的细节和形状,我尝试了很多这三个元素中的两种组合,然后再把它们组合起来进行创作。 如何形成丙烯酸树脂基体? 我用手磨机粗略地切出形状。即使是最细微的起伏也会改变颜色,所以最后的抛光是用粒度为100到2000的砂纸和抛光剂手工完成的。 我一般不会用实际题材,但如果有特殊要求,我会用。有一次,有人让我做一只鹿,我就做了一只鹿的形状。有一次,有人让我做一个茶道的物品,于是我做了一个小糖罐。 胶片和丙烯酸树脂的形状结合在一起,可以表达出无限的创意,这很有意思。 您的作品的颜色是如何随着观察角度的不同而变化的? 颜色完全变化,仿佛是一件光艺术作品。不过,由于我对光的研究采取的是科学的方法,所以我认为我所追求的和印象派大师们所追求的差不多。 上图就是一个很好的例子。同样的棱柱并排排列,但根据角度不同,可以看到完全不同的颜色。 这种亚克力材料会随着时间的推移而变质吗? 我使用的是建材中常用的丙烯酸树脂,所以应该没有问题,除非是放在很恶劣的环境中。 大胆迈向未来 "...我想在外太空举办一个展览。" 您现在创作时注重的是什么,未来想尝试什么? 目前,我正在研究颜色如何随着丙烯基的膨胀而变化。一开始我用的是玻璃球,但玻璃球的折射率是恒定的,所以我是用亚克力树脂来雕刻,让它更有趣。对我来说,一个展览就像一个实验结果的集合。我也会做实验,看看把多个作品放在一起会发生什么。 今后,我想把我的作品融入到日本的园林中,比如踏脚石。我还想做桌子等家具。在类似的类别中,我想做吊灯,我也对彩色玻璃感兴趣。 至于展出我的作品,我想在外太空办个展览。我也想有一天做一个像中国长城那样的大型展览。从太空中可以看到的大型装置。 我对空间展览特别感兴趣。目前还没有其他艺术家在空间里展出过自己的作品,所以我很想尝试一下。 哪里可以买到小川五郎的作品 在TRiCERA,我们有小川五郎的作品我们的许多产品。其他C-DEPOT艺术家我们还介绍了

独特而迷人的纸艺世界–第一部分

你小时候喜欢用纸做手工吗?我当然有! 我折了,剪了,粘了,组装了,上色了,画了。在我成年之前,可能性似乎是无穷无尽的。成年后,它成了我接到电话时记下的东西,或者贴在电脑上提醒我截止日期。它已经失去了魔力,除非你在看《玩具总动员》。最近,我发现了一个神奇的天堂,在这里,神奇的生命力得到了充分的发挥,那就是纸艺的领域。请允许我与各位老少咸宜的纸友分享。   照亮纸张,纸张不仅是一种包含艺术的媒介,也是一种施展创造力的材料。剪纸是最受欢迎的纸艺形式之一。我也很喜欢它细腻的做工和材质的温和质感。(请在TRiCERA.NET上搜索"纸",在"材料"下查找。)但意识到这两位艺术家所带来的可能性,就像在炎热的夏日在冰川湖中畅游一样,让我这个成年人的眼睛非常清爽。山下哲司--他那无与伦比的技术被称为"纸质拼布";拉西-巴里--她那活泼的人物被称为"纸质雕塑";我相信你一定会同意我的观点,"纸质拼布"是形容这两位艺术家作品的最佳方式。     深入挖掘你所看到的,倾听它告诉你的,山下哲司是一位享誉国际的日本艺术家,他从非洲汲取灵感,在那里他找到了自己真正的使命。乍一看,如果不是质感跃然纸上,我差点以为是一幅画。从非洲部落的色彩和图案来看,我以为会是某种复杂的织品,但事实并非如此。我弄错了都是把小纸片剪下来,层层叠叠地叠成大纸片,很复杂,很细致,很缜密!他的幕后视频是他手艺的完美展示。   视频   https://youtu.be/H4tG-SOuHQ8   更为独特的是,他的原创诗歌伴随着视觉作品。故事中永恒的信息完成了他的作品,仿佛象征着人的无常。他说:"纸是活的。这一分钟的纸片就像一个个音符,而作品就是乐谱"。的确,你几乎可以听到他那宏大的纸质管弦乐和抒情诗词的和谐之声。深入研究你所看到的东西,倾听它告诉你的东西。     无限的活力和都市的精致,在加拿大的荒野中长大的莱西-巴里"经历了自然和文化的奇妙,从五彩缤纷的北极光到当地第一民族部落丰富多彩的礼仪服饰"。她令人惊叹的立体纸艺将她所见证的美丽结晶化。与山下哲司的作品不同,一目了然,纸是首选材料。然而,我不敢相信自己的眼睛,这是纸。它的形状可以是一根羽毛,一朵花,也可以是一栋建筑。我小时候经常做复合折纸和牛奶盒机器人,但这是另一个层次的。她对纸和纸板的工程的掌握是没有极限的。     此外,还值得一提的是,那些巧妙地将无边的活力与城市的精致相结合的作品。例如,《独角兽的翅膀,第1版》中大胆运用色彩和渐变,将大自然母亲的能量展现得淋漓尽致。它是如此的逼真,我们可以想象她一定看到过各种色调的极光。她的系列花卉壁挂因其部落和几何图案围绕着优雅的花朵而脱颖而出。虽然她创作的可穿戴艺术有本土的图案,但她对这些图案的诠释是现代的。也许这种艺术的本能是一种财富,使她有资格被称为"多面手"。她的作品看似冒险,但经过打磨的作品会装饰你的日常。     纸不仅仅是艺术的媒介。有了他们这样的艺术家,我们这些艺术爱好者的目光就无法从纸艺的领域中移开了,作为一个艺术家,我将在即将到来的艺术家中把你列出来。想了解更多有趣的发现,别忘了订阅我们的ArtClip通讯!   更多山下哲司的作品,请点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100122更多Lacy的作品。巴里,点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100782

C-DEPOT: 日本現代美術ユニット

C-DEPOTは、70~80年代前後に生まれた同世代の日本の若手アーティストによって結成されたアーティストグループです。絵画、立体作品、メディア、映像、音楽など様々なジャンルの作品を制作しています。グループの拡大を目指して、他の才能ある若手アーティストを発掘し続けています。C-DEPOTの発起人の一人である金丸雄二氏は、グループを立ち上げるまでの経験をこう語る。過去17年間、彼はグループの運営に携わり、活動を続けてきました。彼は挑戦、成功、様々なプロジェクト、そしてC-DEPOTの将来について話してくれました。 Contents C-DEPOT の起動 C-DEPOTのメンバー 展示会の経験 方向性の変更 グループの概念 未来を見据える C-DEPOTの起動 Q: C-DEPOTを始めた時に、他にも身近なアーティストグループはありましたか? A:アーティストグループで活動している人は何人か見かけましたが、C-DEPOTのような大規模なグループは昔からなかったと思います。C-DEPOTみたいなグループがあったら入ってたかもしれないけど...。 Q:自分のグループはどのくらい成功したと思いますか? A: 2002年はちょうどインターネットが普及し始めた頃で、私はこれを新しいチャンスだと思っていました。しかし、いざインターネットを使った新しい動きを始めようとすると、技術的な問題が出てきて、なかなか実行に移すことができませんでした。そこで、展示会をメインにしようと考えました。 Q:C-DEPOTは最初の5年間でどのように変化しましたか? A:2012年までは、横浜赤レンガ倉庫と表参道のスパイラルで毎年交互に展覧会を開催していました。2012年はグループを立ち上げて10年目だったのですが、このまま年に一度の展覧会を続けても、これ以上の機会があるとは思えなかったので、一旦終了することにしました。前回の展覧会は、同時期に両会場で開催されました。この間に人数を増やして、両会場を予約し、最後に花火を打ち上げました。その後、企業との距離を縮め、コラボレーションする方向にシフトしていきました。自分たちの好きなように展示会を開催するのではなく、依頼を受けるようになりました。そうやって依頼をしていくうちに、企業からの支援も増えていきました。しかし、企業からの経済的な支援はあっても、展示会の費用を賄うには十分ではありませんでした。最終的には、展覧会の費用は作家が負担することになりました。できれば、アーティストが経費を負担しなくてもいいような素敵な会場でショーをしたいと思っています。 C-DEPOTのメンバー Q:様々なジャンルのアーティストを招聘しているのが面白いですね。 A:そうですね。私は東京芸大のデザイン科で学んでいました。このデザイン学科は、統一された学科ではなく、ミニ大学のような感じで、よくミニ芸大と呼ばれていました。大学には様々な学科があるのが一般的ですが、東京芸大のデザイン学科は、様々なメディアで活躍する学生がいることで、揶揄されていました。デザイン学科はデザイン学科ではないという意見もありました。高校生の時に芸大の卒業制作展を見て、この学科が一番面白いと思って勉強したいと思ったんです。いろんなジャンルのアーティストが集まったグループ「C-DEPOT」の構想は、この学科がいろんな媒体を受け入れてくれたことがきっかけだったと思います。 Q: グループ内でメンバーはどのように影響を与え合っているのですか? A: グループで仕事をすると、競争意識が生まれます。例えば、メンバーは他のメンバーが次に何を作っているかを気にして、自分の作品よりも大きな作品を作りたいと思っているかもしれません。このような競争心は、モチベーションを高め、相乗効果を生み出し、メンバーが作品を作り続けようとするきっかけになります。また、他のアーティストとのつながりを感じ、新しい作品を共同制作することもあります。良い意味でお互いに影響し合っていると思います。 Q: グループを運営していく上で苦労したことは何ですか? A: 少人数で大きなイベントをやるのは大変なことだと思います。でも、グループを継続させることも大変だと思います。グループを継続させながら、単調にならないように、マンネリ化しないように気をつけなければなりません。年を重ねるごとにメンバーの考えやアイデアが変わっていくこともありますし、難しいこともあります。時間が経つことで芸術的な技術が成熟していく一方で、衰えていく部分もあります。長年グループを続けていくことの難しさを経験してきたような気がします。C-DEPOTを始めてから15年が経ちましたが、どうすればモチベーションを維持できるか、メンバーがリフレッシュして活動できる環境を作るためにはどうすればいいか、ということを常に考えています。 Q: C-DEPOTに参加するアーティストの魅力は何ですか? A:メンバーそれぞれがそれぞれの芸術の形を持っていて、その中で技術を磨いているのですが、一つの芸術の形だけに集中してしまうと、アーティストの視野が非常に狭くなってしまいます。そんな時に、他のジャンルのアートを見たり、違う考え方をしたり、他の美に感動したりすることで、自分や作品を客観的に見ることができるようになります。こういう考え方もあるんだ」とか「こういうのも美しいと思うんだ」とか、そういうことに気づくことができます。価値観が違っていても、言葉が違っていても、アーティストだからこそ理解できる。根本的なところで他のアーティストとつながることができるのが楽しいですね。 展示会での経験 Q: 2012年までに、どのような観客が来場したのでしょうか? A: 人が多く訪れる人気のある2つの会場を選びました。もちろん自分たちの展覧会は自分たちで宣伝したのですが、横浜赤レンガ倉庫もスパイラルもどちらにしても人が来る場所です。特にスパイラルはカフェも併設しているアートコンプレックスなので、新しい動きやトレンドを意識している人が見てくれたのだと思います。また、アート雑誌にも広告を出していたので、アート関係者にもアピールできました。また、グループのメンバーが個人的に知人にメールを送ったりもしていました。   Q: 展示会の印象的だった点を教えてください。 A: プロジェクトのオファーを受けたり、インタビューを受けたり、テレビで取り上げられたりしました。 このような小さなことが起こり、今になって振り返ってみると、私たちの展示会がネットワーク化され、グループのことを広めてくれていたことがわかります。下地としての活動があったからこそ、信頼され、現在では受託の機会を与えてくれています。 方向転換 Q: 2012年以降はどうですか? A: 私たちの作品を販売したいと思っていたので、値札をつけて展示することを発表して、購入を促進したいと思っていました。それに伴い、アーティストを中心としたアートフェアができたらいいなと思っています。デザインフェスタやGEISAIのような規模のアートフェアを想定していたのですが、なかなか実現できませんでした。その代わりに、2014年には渋谷西武百貨店の8階で大規模な展覧会を開催しました。2012年以降、これまでの取り組みがまとまってきて、渋谷西武百貨店のような大企業とコラボして展覧会を開催するようになって、ようやく結果が見えてきました。 それからは、いろいろな依頼を受けるようになりました。例えば、羽田空港に直結するロイヤルパークホテルができた際には、各部屋のアートデコレーションをC-DEPOTに依頼しました。スイートルームのアートデコレーションとロビーの大きな絵画をC-DEPOTのメンバーが協力して制作しました。ロビーの絵は永久にそこにあり、今でも見ることができます。ホテルの性質と制約の多さは、私たちにとって大きな学びの場となりました。 一方で、汐留のパークホテル東京という別の会社と一緒にやっていたときは、自分たちのやりたいことの自由度が高くて、1年に4回、それぞれ2週間から3週間の展覧会をやりました。1年間で4回、それぞれ2~3週間の展示会を行いました。ホテルのテーマが「日本の美」ということで、日本の四季をテーマにした展示を行いました。 また、2011年には六本木のカフェ「RANDY」の内装を1年かけて制作しました。2ヶ月ごとにテーマを変えて作品を変えたり、アーティストの個展をやったりしていました。自由度が高く、作品には値札をつけて展示して購入してもらいました。カフェのお客さんが「次は何を展示するんだろう」と興味を持ってくれるようになったのが面白かったですね。残念ながら、このカフェは2018年に閉店してしまいました。 2013年より、豊島区に人を呼び込むことを目的に、駅西口で開催されているアートイベント「新池袋モンパルナス西口展」に参加しています。池袋モンパルナスと呼ばれるこのエリアには、C-DEPOTのオフィスがあります。大正時代末期から終戦時には、画家の熊谷守一や小説家の江戸川乱歩などの若手作家が集まり、芸術活動を行っていました。この文化的な歴史をアートで浮き彫りにしようというのがこのイベントです。このイベントは13年続いており、C-DEPOTが関わって特別企画を行っています。 例えば、ある展覧会ではこけしがテーマになっていました。宮城県のこけし職人の弥次郎さんが木でこけしを作り、作家が絵を描くというもので、宮城県と豊島区の交流を深めるためのものでした。宮城県と豊島市の交流を深めるためのもので、こけしの売り上げの収益は東日本大震災の復興支援に寄付されました。また、市内各所に様々なアート作品を設置しました。 街中の公園や消防署、証券会社の窓にアートフラッグを設置しています。 その他にも、会社のオフィスのアート装飾など、様々な仕事の依頼を受けています。これらの活動で利益を上げているわけではありませんが、私たちを取り巻く状況は変わってきていると感じています。企業がアートを必要としている、最近では企業がビジネスやイベントの差別化のためにアートを求めるようになってきていて、これはとても良いことだと思います。お客様は、「私たちはいろいろなアート作品を作れるし、何かお役に立てるのではないか」という期待を持って、C-DEPOTに問い合わせてきてくれます。徐々に知名度が上がってきたこともあり、プロジェクトの合間を縫って休むことなく依頼を受けるようになりました。海外で作品を発表する方法を常に検討してきましたので、今回のTRiCERAに参加させていただいたことに感謝しています。 最初の5年間はグループを立ち上げたばかりで、社会的に認知されていなかったので、いろいろなリスクを冒して、いろいろな実験をしました。今では30代、40代になったメンバーもたくさんいます。これまでの努力が実を結び、アーティスト一人一人が、そしてグループ全体が本当に成長してきたと思います。もちろん今でも問題はありますが、経験を積んでいるからこそ、トラブルを回避したり、問題を解決したりすることができるのだと思います。 グループのコンセプト Q:「地域に密着したアーティスト集団」というコンセプトは変わりましたか? A:いいえ、コンセプトは変わっていません。むしろ、コンセプトは現実のものになりつつあると思います。ただ、「もっと欲しい」という課題はあります。メンバーはもっと良いステージを望んでいたり、もっと良い結果を見たいと思っているので、次のステップをどうしたらいいのかを常に考えています。 Q:「地域に密着したアーティスト集団」とは、街中でアートを実施したり、アートイベントを開催したりすることですか? A:日常生活のいたるところにアートがあることを目指すことが大切だと思います。日常的に行くところにアートがあったらいいなと思います。また、私たちはアーティストの集まりなので、どうすればアーティストが継続的に作品を作れる環境を作れるかを常に考えていて、それを実現できるように努力しています。   私のような絵描きの場合は、先人が道を切り開いてくれたからこそ、プロの絵描きになって生計を立て、自分の道を切り開いていくことができているわけです。しかし、メディアアートや立体美術などの新しいジャンルの作品を制作しているアーティストにとっては話は別で、そもそもアーティストの作品は売るものではなく、体験するものです。だからこそ、アーティストが継続的に作品を作り続けて生計を立てられるような機会を作っていきたいと思っています。それがとても大切なことだと思っていますし、C-DEPOTがそのような機会が生まれる場所になるようにしたいと思っています。 そのため、作品の売上を上げることに力を入れているのはもちろんですが、アートを提供するということは、パフォーマンスを提供したり、様々なイベントにアートを提供したりと、様々な形で提供できると思っています。そのため、アーティストの得意分野に合わせた様々な企画を企画して、地域との絆を作っていきたいと思っています。 最近は、子供向けのワークショップでも、ワークショップをしてほしいという要望が多くなってきました。子供に文化教育を体験させたいという親御さんが増えているように感じます。 妻でさえ、子供たちを連れて行くために、こういったワークショップを探しています。従来の絵画教室に通うというよりも、ユニークなジャンルのアートに魅了されているようです。 C-DEPOTでは豊島区と連携し、毎年夏休みに5日間のワークショップを開催しています。子供たちへの美術教育はとても大切なことだと思うので、そのために何か貢献できないかと考え始めました。私たちのワークショップはとても人気があり、広告を出さなくても多くの人が申し込みをしてくれます。このようなワークショップの需要は非常に高いことがわかりました。 未来を見つめる Q:今後のビジョンを教えてください。 A: C-DEPOTはウィーン・セセッシオンをモデルにしています。ウィーン・セセッシオンには「セセッシオンビル」という建物があり、そこで展覧会を開催していました。メンバーが集まっていろいろな活動ができるような大きなアートセンターができたらいいなと思っています。 Q:TRiCERAに期待することは何ですか? A: 質の高いアートを提供したいと思っていますし、結果が出れば、もっと積極的に活動してくれるメンバーが増えると思います。多くのメンバーがいる中で、継続的に活動している人は半分くらいです。実績があっても今は活動していない人たちにも参加してもらい、自分が得をしていると感じてもらえればいいと思います。そのためにも、海外に向けての活動は非常に魅力的だと思います。 もっと見るC-DEPOTの芸術 (A-Z) Aran YasuokaAsuka TsutsumiCorsicaDaisuke...

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是不是和《宠物小精灵》类似?纸上艺术故事第三部分–完整

解决的办法是,他们都在进化。本文是纸艺系列的最后一章(目前),也是第一篇。第一部分&.2然后我们再看看他们的进化。另外,如果能跳到链接上,就更有意思了。 第一部分 - 小时候我们认识和玩过的纸的魅力,在"成长"的过程中被遗忘,变成了一个无聊的物件。然而,我们可以通过纸艺术家重新发现这种魅力,他们向我们展示了"纸不仅是一种包含艺术的媒介,而且也可以是一种施展创造力的材料本身"。 第二部分- 纪念人类与纸的关系,已经有4000多年的历史,即使在无纸化时代,也不会在一夜之间消失。厚度不到一毫米的纸张,随着发展,已经具备了不可思议的艺术品质。纸张来源于植物,具有生物能量。正是这种有机的能量,"在艺术家与艺术之间,在艺术与我们之间起到了催化剂的作用。 我们来看看纸艺的另一个方面。它的进化可能会像神奇宝贝一样给我们带来惊喜,它的成长超出了我们的想象。不过,对于我们这些热爱艺术的人来说,"目标是成为00级大师!"。而我们却被刺激的推倒了。 进化1型"糯米邦"不忘本 ,当我抓到蝌蚪一样的神奇宝贝Nyoromo时,我相信它会进化成绿色青蛙一样的形态。但它的最终形态--虬龙,腹部仍是蓝色的漩涡,本质上是一只蝌蚪。同样,一些纸艺也强烈地忠于自己的本源,声讨纸张的原始存在。荷兰平面设计师和园林建筑师StuidoMie创作了一个名为PaperWork的系列。顾名思义,尽管作品很简单,几乎完全由纸片和纸片组成,但其惊人的艺术演变却能让观者大跌眼镜。 她的作品似乎是从抽象和极简主义的DNA中演化出来的,她的作品给观众留下了这样的疑问:"难道不是要在彻底去除元素的过程中找到冲击力吗?她的作品似乎对艺术的先入为主的结构和美学进行了刺探。极简主义艺术大师弗兰克-斯特拉说:"看到什么,就理解什么。"我不禁从园林设计师和自然环境的角度来解读她的作品。(也不知为什么,当我看到她的作品时,耳边就会听到美国前卫作曲家约翰-凯奇的音乐。 如果你曾经踏入过迷宫花园,你可能已经注意到,当你试图识别模式时,你的眼睛会被形状和阴影所迷惑。在StudioMie的作品中,我们体验到了从人造迷宫中游走出来,进入自然森林的不可预知性,以及结构上排列的纸片所产生的不确定的影子。在冠状病毒锁定期间,她问道:"当一个模式或系统意外地变得不稳定时,会发生什么?系统是恢复、转化还是消退?并成功地将其升华为PW024/摇摇欲坠模式的简单而有力的作品。 进化类型2:"Gyarados":大力的体能转换。 就像从无奈弹跳的锦鲤王到飞翔的水龙加亚拉多斯的戏剧性跳跃一样,大村洋次郎的第二类作品让你不禁要问,它是如何从相同的DNA(在这种情况下是纸)进化而来的。他的作品充满了生命力,但令人难以置信的是,如果没有他的雕塑天赋,那就只是一张纸。一只迷幻色彩的蜥蜴正准备捕捉猎物,一只六叶蜻蜓飞向星光灿烂的银河系。屡获殊荣的艺术家的想象力和技巧将它们变成了非凡的纸艺变体。 当然,从经典的毛毛虫到蝴蝶,还有一些演变,但我们不想剥夺你在这个庞大而多样的艺术世界中寻找和收藏你的最爱的乐趣。希望大家努力完成自己的画册,成为一名"00"高手。 不要忘记订阅ArtClip通讯,以获得更多有趣的发现。

画家、画布和另一边。

我想向对方伸出手,或者说,我想看对方,同时体会画家的位置、画布的位置、对方的位置等多个层次。 佐佐木成美是一位将画布剪开,将彩色玻璃、矿物等材料以拼贴的方式排列在画布上的画家。她说,她的绘画世界,是用多种材料层层叠加的,类似于"挖掘画布"。 在代官山LOKO GALLERY研究生院毕业后的首次个展上,我们对她进行了采访。 郁金香,夜 油画/陶瓷,42×33cm,2018年。 首先,您能给我们简单介绍一下您的展览和作品吗? -至于作文,我主要选取了自己近一年半来的作品。我从大学毕业大概一年半了,这是我大学毕业后的第一次个展。 经常有人问我,我的作品是雕塑、立体作品,还是绘画,但在我看来,它们是绘画,我把它们作为绘画来呈现。我画了很久的画,有一段时间我又在自己的内心仔细地探索什么是绘画,我并没有真正意识到这一点,但这次我的印象是,它已经作为一个作品或一个展览出来了。 草编 油画/石头,50×32.5cm,2018年。 这是关于绘画行为本身吗? 另外,我觉得在你的作品中,拼贴的元素很突出,这也是一个结果吗? 嗯......大概是在2017年左右,我明确地转向了切割画布和拼贴等结合的事情。其实那个时候我在法国留学了半年左右,这对我来说是一个挺大的起点。 我去那里学习现代艺术,除此之外,我还对宗教设施产生了浓厚的兴趣。在那边,有基督教教堂、伊斯兰教寺庙、犹太教寺庙,以及各种情况混合的设施。我对看这种地方的装饰艺术很感兴趣,但当我去了几个地方之后,我就被这样一个事实所吸引,那就是人们为了生活所追求或不得不追求的精神结构以及与这种结构相配套的产品都是一样的。我很着迷,当然,他们每个人都是平等的。我还不能真正的用语言来表达,但我想,画画可能就接近于这种欲望。但是为了让这个愿望得到满足,不仅仅是这样,还有一些不一样的东西,比如说......我真的觉得,我必须要等待一个我无法控制的大力量来发挥作用。我想我的工作就是这样改变的。 所以你因此开始剪画布等? -是的,它是。我还没能用语言表达出具体的因果关系,但一开始我是把东西拼凑在一起,然后我开始用各种材料填充画布,就像某种装饰一样。 材料似乎有差异,但又似乎有共同点。 是的,我选择的材料都是贴近自然的,有一点。木头、陶瓷,还有玻璃、彩绘玻璃。这样的东西混合在一起,也不一定是好的,有时候我觉得一点都不好,但是我在等自己去做这样的组合。这时我就开始剪画布了。 是作为处理这种混合事情的一种方式吗? -当我在画画的时候,我已经迫不及待了。有的时候,我在饱和状态下画画,却无能为力。当我想把它颠倒过来的时候... 或者说,当我想把它颠倒过来的时候,我就把画布剪掉。 但是当我切开的时候,我真的很惊讶,连我自己都很惊讶。虽然我自己也在剪(笑)。(笑)我说:"哦,我切了。...

为什么我们千禧一代应该购买现代艺术?

我们正在塑造一个更复杂的未来。 我们这些千禧一代,包括1988年出生的我在内,就像《FRIENDS》中菲比和瑞秋的混血儿,但怎么混?我们渴望独特性和真实性,就像Phoebe一样,她喜欢在跳蚤市场上买到的多愁善感、精心制作的古董。但我们也渴望人气和安全感,比如Rachel,她选择了Pottery Barn的新古董家具。 看看我们的混合生活方式。我们有很高的时尚品味,知道如何穿着旧货店的外套或Gucci包。我们精通技术,无论是模拟技术还是数字技术,并见证了智能手机、YouTube和贾斯汀-比伯如何塑造我们的生活。他还是一个狂热的旅行者,并在社交媒体上发布了数百万张自己的照片,为自己树立了品牌。我们与Greta Thunberg一起参加了骄傲游行和游行,以解决人权和环境问题的负面传承。而且,是的,我们喜欢讽刺。不过,相对来说,我们不是做得很好吗?我们当然有能力塑造一个新时代。 你会选择有机的吗?也要选择墙艺。 我相信,买艺术品不应该和选择在哪里买菜有什么不同。我们这一代人对吃的东西比先例更在意。我们去全食市场购买有机农产品和不含人工香料的食品。或者在周末的农贸市场,我们直接从种植户那里购买新鲜的食物。虽然可能要花钱,但我们知道我们不仅促进了自己的健康,而且促进了当地生产者的可持续发展。好的食物丰富了我们的日常生活。 那么艺术呢?在跳蚤市场上,我们看到当地的艺术家在出售他们令人惊叹的绘画和手工艺品。为什么会这样?因为我们宁可花同样的钱买一个工厂生产的复制品,上面还印有品牌名称。为了自称"有文化",我们花钱去博物馆看老一辈建立的艺术。这很不幸,因为我们没有看到多少我们喜欢的东西,我们告诉自己,我们不懂艺术。更糟糕的是,即使我们喜欢的东西,也不能放在家里。更糟糕的是,即使我们喜欢的东西,也没钱放在家里,即使我们喜欢的东西,也没钱放在家里。事实上,我们了解我们这个时代的艺术。现在是一个该死的时间,在我们的墙上以及Instagram和Pinterest上体现我们不同的品味。 在您当地的农贸市场TRiCERA购买食品杂货。 像TRiCERA这样的在线艺术市场平台就是你的本地市场。在这里,艺术家们直接将他们的艺术作品带给你,策展人挑选的作品也是质量有保证的。"如果你能以实惠的价格从Pheobe Buffay那里买到一件原创的艺术作品,那会怎么样呢?每天都能在墙上欣赏到自己喜欢的作品。你会被工厂艺术无法比拟的笔触和错综复杂的细节所激发。如果我们不仅能支持我们的艺术家,还能让他们一年比一年富有呢?事实证明,现代艺术市场比美国股市更有前景。你是在做一个很酷的投资,你可以从字面上展示。您用TRiCERA支持的艺术和艺术家可能会在几年后出现在拍卖会和博物馆中。你看,你是一个潮流的塑造者。这就是我们这些千禧一代和X一代如何重塑现代博物馆。 5个例子说明了什么叫艺术收藏家。 这是一篇小说。人名、人物、地名...是完全巧合的]。 Tracy - 28岁 - 喜欢冰沙、瑜伽和猫咪。她的公寓通常很凌乱,但她有一个角落用于自拍和约会应用程序的视频聊天。她的性格有点前卫,喜欢玩硬碰硬。 高畑爱华,《在终点》,32cm x 41cm。 https://www.tricera.net/painting/id81003010004...

Quick Insight Vol.2 – 浅間明日美 –

浅间麻美试图通过刺绣技术来了解自己和世界本身。对浅间来说,她说:"我就像一个容器,站在我的本能和我的工作之间。"刺绣具有仪式感的意义:她把她所捕捉到的基本感觉勾勒出来,缝在布上,然后重复这个动作。在这次采访中,我们和他聊了聊他的制作背景,以及他是如何形成现在的风格的。 浅间先生,你是用刺绣来作画的。你在哪里学的刺绣? ,其实我完全是自学成才。我没有跟任何人学过,也不遵守任何职业规则。我只是想找到自己的做事方法。我是自学成才的,所以我有自己的规则,但我没有把它们系统化为知识。所以有时候有人请我去开研讨会,但我不会教。 ,你是怎么开始接触刺绣 的? 我以前是一名插画师,但正是因为孩子的病,让我转入了刺绣行业。为了照顾她,我不得不休息一下,但我还是想创作,想表达自己。但很难找到时间和空间来画画。我想知道,我是否能以某种方式创造出一种可持续发展的生活方式。我就这样想到了刺绣。如果你只有针和线,你可以在厨房里做。     Hon Utatori系列 - Bacchus(巴克斯) 33 x 33cm, 刺绣, 布料, 板材 点击这里查看我的作品     是什么让你坚持做纹绣? ,我想是因为它最适合我的性格。绣花就是重复同样的行为,不是吗?你重复同样的手部动作。我想,这种重复可以让我抛开自我,或者说在某种意义上,这几乎就像冥想。也许这就像一个仪式。我觉得刺绣这个行为让我更接近真理。   ,这种表达方式是否也会影响你的作品内容? 我想也是。我的作品没有社会或政治信息。这也不是概念性的... ...我想。这比较抽象,就像我在确认自己的存在。这是一种身体上的感觉,只有在缝制的时候自己才会感觉到。但那里没有自我。这是在很简单的层面上对存在的一种确认。   冬姑娘 25.8 x 31.8厘米,布上刺绣。 点击这里查看作品     没有利己主义很重要,不是吗? ,我是一个比较喜欢灵感的人,但在这种情况下,能把脑海中出现的画面,不管多仔细、多认真,都要让它们从脑海中消失。我的作品能有多纯粹?这才是最重要的。作品的味道也可以强调纯真。   Honka-tori系列 -...

Feature Post

当代艺术能不能成为一个游乐场?

"现在是玩的时候"东京现代艺术博物馆     长大后,有人告诉你,不要再玩游戏了,不要再和玩具、朋友玩了。成年后,你可能会发现自己在重复同样的事情,并问自己这些问题。我们可能会想这样的事情:"我是应该停止和哥们儿一起玩,还是应该更加努力学习,更加努力工作?   是的,生活从来都不容易。每个人、任何时候都是如此。那么,什么时候才能有时间好好地"玩",什么时候才能真正地喜欢上玩什么呢?你需要工作和学习的时间,但不要低估游戏时间的重要性。因为游戏时间可以让你有机会看到自己和世界的新价值。   那么,你是如何看待当代艺术的?当你去博物馆或美术馆的时候,你觉得这是一个玩的时间吗?如果不是,您是否认为当代艺术是一个困难的课题,需要更多的研究和发现?不管你怎么看当代艺术,有人说它很难。   东京现代艺术馆正在举办名为"Time to Play Now"的展览。本次展览的设计,不仅让孩子,也让大人享受到当代艺术的"游戏时间"。     本次展览展出了6位艺术家和艺术家团体的作品,他们分别是:Yoshiaki Kaihatsu、Kazuhiro Nomura、Team Hamburg、Tanotaiga、TOLTA和Usio。每件作品都是游客可以参与的游戏。一进入第一个展室,就会看到一个巨大的柜子覆盖了整面墙。除了规模过大,柜子也很抢眼,因为它是一面巨石攀岩墙。参观者可能会被作品所吸引,但柜门却通向另一个展室。作品看似幽默风趣,但据艺术家海发义明介绍,这面"考试墙"其实是对考试压力和紧张的一种表达。       另一件有趣的作品是Tanotaiga的《Tanonymous》,Tanonymous是一件用无数面具覆盖整面墙的作品。众多的面具,以艺术家毫无表情的面孔为基础,由观众从参与式的工作坊中逐渐变成各种面孔。在工作坊中,观众用博物馆准备的材料自由装饰素面面具。最终,所有这些不同的面孔都将作为"Tanonymous"的艺术作品展出。   艺术家谷田贺在他的艺术作品中基本探讨了社会制度和价值观,并探讨了大众媒体和标准化符号在我们日常生活中的力量。作品名称"田野伊玛苏"是艺术家的名字"田野加"和"阿尼姆斯"的复合词。通过他的作品,艺术家批判性地审视了标准化的社会和弥漫在当代社会的匿名性。通过让观众随心所欲地装饰面具,观众最终同时成为观众和创作者。在博物馆里同一张面孔逐渐变化成各种面孔的过程中,艺术家似乎想传达自己的思想。   和朋友玩耍,玩玩具,任何一种玩法都能给我们充电的时间。艺术家通过展览表达了与社会相关的主题,展览和博物馆也成了游乐场。在当代艺术成为游乐场的意义上,我们可以说,它是值得看(玩)展览的。观众的参与成为作品的一部分,在某些情况下,观众的游戏痕迹可能会作为作品的一部分保留下来。   东京当代艺术博物馆将举办"现在是玩的时候"展览,展期至2019年10月20日。除了参与性的艺术作品,还有相关的项目和工作坊,观众可以和艺术家一起玩耍。更多详情和信息,请访问https://www.mot-art-museum.jp/en/exhibitions/time-to-play/。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

日本的秋天与艺术

 过了8月,一直折磨我们的炎热终于缓和下来,我们终于进入了秋天的季节。  都说秋天是运动、读书、开胃的季节。但对于艺术爱好者来说,秋天就是艺术的天下,不是吗?顺便说一句,"艺术之秋"这个词本身在其他国家是没有的,据说是日本独有的。  第一个原因是日本的大型展览,如"日花展"、"日天"、"仁天"等,都是在秋季举行。也有人说,秋天气候宜人,让人们有更多的时间去欣赏艺术。  秋天是一个月朗风清、秋叶飘香的季节。在这样的季节里,不厌其烦地用图片欣赏它们,是多么的优雅。在本文中,我想介绍几幅描写月色和秋叶的作品,这些作品就像日本人的原始风景一样。 Yoshihiko Daichi 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Keiko Kobayashi 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Edi Matsumoto 点击这里查看艺术家的详细信息 Sachi Oizumi 点击这里查看艺术家的详细信息 Hitomi Fujikawa 点击这里查看艺术家的详细信息 千加子音 点击这里查看作品详情 秋 点击这里查看详情

7月6日,卢浮宫重新开放。目前的状况、举措和挑战是什么?

 冠状病毒的流行使全世界发生了重大变化。艺术界也不例外,似乎受到了重大的经济打击。那么,位于法国巴黎的美丽殿堂--卢浮宫受到了怎样的影响?    在关闭数月后,法国博物馆终于开始重新开放。然而,那里没有庆祝的气氛。游客被告知戴上口罩,通过网上订票系统购票,并提交体温测试结果。这是因为博物馆在奇怪的、新的艺术观赏准则下运作。    巴黎卢浮宫将于7月6日再次开始接受游客,除非政府的指导方针发生变化。不过,还是会和冠状病毒之前的情况不一样。卢浮宫馆长让-吕克-马丁内斯在接受法国艺术杂志《费加罗报》采访时表示,旅行限制将对游客数量产生严重影响。      马丁内斯预计,卢浮宫的游客数量将下降70%,游客的人口结构也将发生重大变化。马丁内斯说,过去75%的门票销售来自外国人,但政府的移民限制将产生重大负面影响。不过,由于法国人在夏季放长假,他预计游客数量只占总人数的一小部分,但他希望能吸引本国公民。当公众对艺术界前景黯淡时,马丁内斯却很乐观。    卢浮宫通常每天接待1万至1.5万名游客,是世界上游客最多的旅游景点之一。过去,游客可以从多个地点进入博物馆,但现在只能从杨明培设计的金字塔进入。他还采取了完全关闭约30%的博物馆等措施。    马丁内斯说,他预计博物馆在未来几年内将保持不变,但在2023年将恢复正常形态。马丁内斯将目前的情况比作"9-11"事件后博物馆参观人数的下降,并认为要克服这种情况需要想象力,而卢浮宫有能力做到这一点。   版权所有: https://www.artnews.com/art-news/news/louvre-coronavirus-reopening-attendance-drop-1202689059/

艺术2020中的夏日风景–炎炎夏日问候篇1

你觉得2020年的夏季景观如何?我们很多人可能不得不对今年年初计划的奇怪而空前的夏季模式做出一些调整。去年夏天,我忙着重新认识我的祖国日本,这是几年来的第一次,而在此之前,加拿大照例是音乐会和周末徒步旅行的季节。在我国,正是傍晚冲浪、喝梯子的季节。我太怀念"正常"的夏天了,真是无与伦比。 逃不出办公桌和电脑的你,夹在中间的你,是应该享受自己的生活,哪怕炎热的天气让你戴着口罩难以呼吸,还是应该警惕病毒,忍住不玩了。我发现自己在寻找"夏天的照片",梦想着2021年的夏天,以逃避现实。下面是我找到的过去、现在和(希望)未来的一些夏天的场景。 错过泳池边的派对? 如果是这样的话,高畑爱香的作品是最适合你的,希望你能一直保持聚会的心情。把它挂在墙上,也许你会再次体验到那种振奋人心的感觉。 还是今年夏天的室内小聚会?一些艺术家也喜欢在室内。 说到日本的夏天,节庆、炒面、刨冰、烟花是不可缺少的,但今年呢? 在法国,乡下度假是最流行的。 希望这些作品能给大家带来轻松愉快的心情,在此通知大家夏日问候的第二部分。在通讯的第二部分,我们将介绍TRiCERA艺术家中流行的主题--海景,以及季节性的抽象画。如果您有兴趣,请不要忘记订阅我们的电子报。

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