星期六, 9月 18, 2021
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追求艺术对一个不确定时代的意义。采访艺术家本桥浩介

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为”人的确认仪式”,是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。

 

 

Kosuke Motohashi

 

 


 

 

元桥,你一直以”死”和”生”为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的?
-我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着”以艺术家的身份做艺术”的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。

我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:”你明天就会死。”我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。

 

 

不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。

 

还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术?
-这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。

 

除了画画,你还对什么感兴趣?
-我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。

,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。

我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈”什么是爱情”(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。

 

所以,你从那里去艺术?
-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是”本桥浩介”的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。

 

 

通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。

 

您在创作时有什么感受或发现?
-我曾经认为”艺术=自我表达”,但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:”艺术最美的部分不属于创作者个人。”我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。

,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。

 

刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得”这是个糟糕的作品”。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。

,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。

 

你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西?
-是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,

,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着”你现在就应该死”,观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。

 

 

光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。

 

在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗?
-也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。

,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。

,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。

下一次我准备办个展,重点是”活的自己”。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理”死人去哪儿了”这个简单的问题。

 

 

绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。

 

在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗?
,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。

另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。

 

 

点击这里查看本桥浩介的作品。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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不管各自的立场如何不同,对山水画的看法一般都停留在"画出山水来"这一点上。 本文介绍的樱井麻衣、田野绫香、尼尔等人的作品,在物理意义上与真实的风景有距离,但在画面上展开的画面却伴随着他们的情感,获得了一种全新的形式。 艺术家细腻地解读着生活在山水中的事物的情感、记忆、征兆和痕迹,并将它们与他们的思想运动和内心现实混合在一起,创造出一种新的景观,这种景观不是现实的复制,而是与艺术家的目光交织在一起。 樱井朝日(1996-, 日本) 时间的变化(正午)19 x 33.3cm画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 变化的时间(夜)19 x 33.3cm,画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 海岸(宽)22 x 54.6cm,画布丙烯45,000日元。 点击这里查看作品 Neil Tomkins(奥地利) 蓝房子36 x 46cm,画布丙烯165,000日元。 点击这里查看作品 蓝色灯塔140 x 171cm,画布丙烯473,000日元。 点击这里查看作品 火树街95 x 89cm, 压克力画布308,000日元。 点击这里查看作品 忠野绫香(1992年至今,日本) 融化的太阳63 x 55cm 木板、日本纸、矿物颜料128,600日元 点击这里查看作品 还在旅途中》35 x 50cm 木板矿物颜料 日本纸68,500日元 点击这里查看作品 倒影之夏34.5 x...

亚洲艺术家崛起,亚洲艺术力量在香港艺术周上爆发。

在香港巴塞尔艺术博览会上会面   从媒体和贵宾的私下观摩开始,香港巴塞尔艺术展于3月27日至31日举行。 尽管艺术博览会的主要功能和目的是销售艺术品,但为"展览功能"而呈现的"邂逅",却让参观者可以像在博物馆里欣赏艺术品一样,大尺度地欣赏艺术品。今年的"邂逅"集中展示了亚洲艺术家的作品,如李卜、汐田千晴、赵赵、米杰客栈和Pinaree Sanpitak等。 参加《邂逅》的12位艺术家中的5位。     '塞尚.., 莫兰迪 ,漱玉'展览作为一个舞台,为   除了这个著名的艺术博览会,香港巴塞尔艺术博览会还在香港艺术周中,在Pedder和H.Queen's等专门的艺术建筑中,以及在Art Central等艺术博览会上,举办了许多引人注目的展览。亚洲艺术家是今年香港艺术周的亮点,来自世界各地的画廊展示了亚洲新锐艺术家和20世纪艺术家的作品。展览的题目是"塞尚、莫兰迪、桑榆",但只要关注欧洲两位艺术家之一的桑榆就够了。策展人曾方志给出了选择三余的理由。   桑榆的画风与塞尚、莫兰迪的画风极为相似,但他的画风基本上是东方的,用油彩画出心中的水墨。     正如他自己所言,选择桑榆参展的原因是值得注意的:他想和另外两位十九、二十世纪的欧洲顶尖艺术家一起,利用这次展览的机会,让公众关注桑榆。特别是在这个时代,在作品的方法和材料上,欧美的艺术家和亚洲的艺术家并没有太大的区别。不过,在亚洲艺术家的作品中,肯定能感受到一种独特的魅力。它可能来自各种社会、政治和环境背景。   本次展览以香港画廊为背景,由塞尚、莫兰迪、桑榆、曾芳志和高古轩共同策划。无论如何,我可以理解这场运动和它关注亚洲艺术家的意图。   G它的主角是来自海外的亚洲年轻艺术家。     在香港巴塞尔艺术展上,参与的画廊之一Capsule Shanghai展出了1984年出生、常驻纽约的台湾年轻艺术家黄海新的作品。由于是首次参加巴塞尔艺术展,她的诙谐作品吸引了很多人的关注。在今年的香港巴塞尔艺术博览会上,她的作品描绘了巴塞尔艺术博览会的风景,但她的作品却对巴塞尔艺术博览会和艺术市场进行了幽默而精彩的嘲讽。     在香港巴塞尔艺术博览会之后的第二大艺术展--香港中环艺术展上,同样出现了1975年出生、常驻慕尼黑的中国画家徐海新。慕尼黑的Galerie Andreas Binder画廊与其他艺术家一起展出了她的作品。根据她的简历,她在德国慕尼黑获得了硕士学位,并以艺术家的身份常驻那里,但也有像黄海心这样的情况,她常驻纽约,但代理中国的一家画廊,徐海鹰则在国外留学,代理当地的一家画廊。徐海英,曾在国外留学,代理当地一家画廊。 无论亚洲艺术家是如何获得在香港展出的机会,有一点是明确的:许多国际画廊对来自不同背景的年轻亚洲艺术家感兴趣。   青年艺术家在TRiCERA上   超过100位艺术家参加了TRiCERA,不仅有经验丰富的艺术家,还有许多才华横溢的年轻艺术家。我们想介绍其中的一个作品,沼田真奈美。曾获"第72届日本女子美术协会"大奖,并赴意大利留学。   沼田真奈美所著的《时间卖家》。   每周都会有新作品上传,请大家多多关注。   本文作者:Jeongeun Jo。生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

三角洲N.A–艺术自由中的两个灵魂。

两位艺术家Neva Epoch和Alessandro Vignola,也就是Delta N.A,已经发展出在同一张画布上共同表达情感融合的能力--将两个不同的灵魂融合在一张画布上。     当他们作为心理学家开始职业生涯时,他们意识到艺术是给他们带来快乐的东西。此后,他一直在创作人像和具象作品,2008年,他举办了第一次个展,这让他有勇气向世界展示自己的作品。他们将自己的作品带到国际当代艺术的舞台上,并在欧洲、美洲和亚洲的画廊和博物馆举办过多次群展和个展。此后,他们的作品被许多私人和公共机构收藏。   Delta N.A的表达方式很独特,在人与自然的符号结构上叠加了几何符号。他们的艺术灵感是通过现代人内心的二元对立来揭示的。                                   查看更多Delta N.A的作品

跨界者:艺术与陶瓷的界限。

 不可否认,"陶瓷"这个词听起来很有古意。  如果你是日本人,你可能会想起很久以前的日本文化,比如插花、茶道,即使你来自其他国家,你也可以肯定它与一些传统文化有关。这是因为陶器是人类最古老的技术,如果是原始的陶器,只能用泥土和火来完成。  然而,当代陶瓷艺术家和其他媒体一样,也在不断更新自己的作品。在日本,青木胜洋、桑田拓郎、龟井敬吾等艺术家的作品不仅质量高,而且赏心悦目。  日本的泥料和烧制方法多种多样,世界上有各种陶瓷艺术形式。在本文中,我想介绍三位来自日本的艺术家,他们为陶瓷世界注入了新的活力。 Saeka Komatsu 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Fukiko Yoshida 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 Saori Osada 有关艺术家的更多信息,请点击这里

Feature Post

“窗口”清水智雄在MISA SHIN GALLERY)

带来让我们感受到无形的现象的作品     日本艺术家清水治雄的个展"窗"正在东京Misa Shin画廊展出。这是1966年出生、在广岛和埼玉生活和工作的清水治雄的第三次个展。   清水创作了探索艺术与自然科学之间关系的实验性作品。他的作品创造了由声音、运动、光和振动等元素组成的现象。     本次展览,我们将从几件作品中集中展示清水的作品《窗》。橱窗"是一个利用大数据原理的作品:两台显示器更新显示实时的推特信息,当一条包含"亮"和"暗"七种语言的推特出现时,两块发光板就会一闪一闪的。你希望在哪个板块看到更多闪烁的光?你认为哪种语言在你的显示器上会显示得更好?你这样想的理由是什么?在观看作品之前,向自己提出这些问题并形成自己的假设,将有助于你对展览有更多的感觉。     在实用性方面,它基于大数据和Tweeter,同时也受到希罗尼姆斯-博什的《人间乐园》的影响,描绘了人类世界之间的天堂和地狱。如《欢乐园》中,你可能会注意到,"窗"的左边是"光明"的意思,右边是"黑暗"如地狱的意思,中间则暗示着与被监控的愚昧人世相对应的虚空。     除了"窗"之外,清水治雄还将带来与饭田博之合作的作品"衰败音乐"。衰变音乐"是一件混合媒体装置作品,它利用安装在房间里的闪烁器来检测伽马射线,并回放射线的声音作为回应。在"衰变音乐"中,利用安装在房间里的闪烁器检测伽马射线,并回放展览期间三神馆内发出的辐射声。艺术家还没有在福岛或切尔诺贝利等高辐射的地方表演"瓦解音乐",当然这样的城市由于能量高,会产生高亢的声音。在这方面,这项工作有可能根据辐射程度的不同而产生各种不同的声音,希望很快就能在下一个地方看到"衰变音乐"。   在这些时间轴的工作中,会出现一种现象。并不是说无形的东西转化为有形的东西。从作品带来的现象中,我们可以感受到无形的东西。清水智夫的"窗"展从6月28日开始,将在三新画廊举办到2019年8月10日。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

续雨~最熟悉的不凡之道。

 雨对于人类来说,可能是最熟悉也是最不平凡的东西。  而这一不平凡的事件也催生了无数的电视剧,并以小说、绘画等各种形式在人们心中泛起了涟漪。  日本人对宇多川广重的《大桥晚照》从教科书上就很熟悉。你知道吗,这幅据悉是梵高临摹的作品,是世界上第一幅用线条描绘雨的作品。(有各种不同的理论。)在此之前,雨在绘画中一直是用伞和光线在湿地上的反射来表现的。然而,当"大锤头的晚上"横渡大海时,世界上雨的形状被更新了。  在本文中,我们要介绍的是几位艺术家,他们追求的是一种新的雨的表现形式,以取代150多年前的名画《巨锤头的夕阳》。 漆艺 点击这里查看艺术家的详细信息 Sousyu Kikuchi 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Kiho Ujie 有关艺术家的详细信息,请点击这里 Kayoko Tamino 点击这里查看艺术家的详细资料 Sai Seinan 有关艺术家的更多信息,请点击这里 LOCO 有关艺术家的更多信息,请点击这里

在内容和画法上吸引眼球的作品。

Maria Farrar "现在回头太晚了" OTA FINE ARTS 玛丽亚-法拉尔的《现在回头太晚了》(2019)装置图。 在 OTA FINE ARTS 由艺术家和OTA FINE ARTS提供。 新晋年轻艺术家Maria Farrar将在OTA FINE ARTS举办她在亚洲的首次个展"来不及回头了"。Maria Farrar是一位伦敦的艺术家,1988年出生于菲律宾,15岁之前一直在下关长大。 法拉的作品是以她的日常记忆、经历和情感中的场景为基础的。虽然主题是传统的,但她对色彩和图案的独特处理方式吸引了我们的注意。 她的作品中经常出现一个女人的背影、一只狗、一只高跟鞋和一个面包房的场景。因为这些主题反复出现,观众往往会试图解读她的作品。观众可能会猜测,她的图案中有强烈的社会问题等信息在里面。不管艺术家是否有意为之,她的作品都给我们提供了多种可能性。我觉得她的作品更注重她捕捉瞬间的表达方式。 玛丽亚-法拉,作家,2019年,亚麻布上的油彩,180...

追求艺术对一个不确定时代的意义。采访艺术家本桥浩介

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式",是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥,你一直以"死"和"生"为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的? -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。 我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:"你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。     不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。   还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术? -这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画,你还对什么感兴趣? -我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。 ,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以,你从那里去艺术?-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。     通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现? -我曾经认为"艺术=自我表达",但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:"艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。 ,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。 ,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西? -是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着"你现在就应该死",观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。   在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗? -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。 ,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展,重点是"活的自己"。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗? ,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

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