星期日, 5月 29, 2022
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数字是真实的代名词吗?关于平田直哉所追求的新雕塑”地方”。

平田直哉的作品,是将从网络上收集到的材料在虚拟空间中进行组合创作,在他看来,这就是”雕塑”。他说:”我做的是传统的雕塑。”我们谈到了他的方法论和作品,更新的雕塑既不厚重也不沉重,它的存在是需要固定在空间上的。 平田先生,你是在虚拟空间里创作雕塑的。这些雕塑没有厚度和重量,没有传统的空间尺度。自己的活动只认”雕塑家”,不是吗? -从意识上讲,我自称是一个雕塑家和艺术家。我主要是追求”形式”,考虑当代雕塑史的观点。我实际做的事情,至少在我看来,和做雕塑的人一直在做的事情没有什么不同。我是在做形式,但唯一不同的是,我的方法是在虚拟空间的世界里。 先知 33 x 27.5厘米 我联想到雕塑是一种受材料和空间限制的体裁,但这种过滤器是否妨碍了我的创作? -说实话,我一开始也不知道为什么要用视频作为我现在的输出方式。当我不确定的时候,通常是因为我没有足够的信息。我看了很多书,教我的老师也说过”雕塑是涉及到时间和空间的东西”。如果你把这种时间化和空间化作为雕塑的要素,那么我所做的事情就满足了雕塑的要求。我现在的作品是以视频和二维图像的形式输出的,我觉得这些图像的输出方式适合我自己的雕塑表达。 但你是怎么想到要在虚拟空间里进行雕塑的呢? -我在本科四年级左右开始从事数字工作。我看到我的一个学长,他当时是个有点宅的人,在玩3DCG软件,我马上就想,就是这个了。我觉得它能很好地解决我当时面临的问题,更多的是我有一种预感,我可以用它来做雕塑。 但其实在这之前,有一段时间我是在用实景影像工作。在我所在的学校,三年级的时候,我们有一个自由的生产期,但当时我的材料有问题。换句话说,我没有资金去获得这些材料。雕塑是很昂贵的,当我面临这个问题时,我想用的材料大多被排除在外。 晚餐 33 x 36.6厘米 解决的办法是视频? -是的,没错。我依稀记得,当时影响我的马修-巴尼把他的录像作品称为雕塑,我想,我明白了。所以只要能保持雕塑感,我就不用限制我的产量。于是我试了一下,但质量很差。我对自己很失望。同时,我又想:”这还不够好。我一直很欣赏国外的艺术家,我想创作出这种水平的作品。就在我做这个事情的时候,我看到了相关的3DCG软件,所以就觉得,就是这个了。 你的作品是通过从网上搜集素材进行创作的,换句话说,就是用数码现成的产品进行拼贴式的创作。你在这方面有什么打算? -这并不是什么打算,而是一开始的方法问题。我不认为我做的事情与传统的雕塑家有什么不同,但当你以数字方式创作雕塑时,很难将其与现有的电影或游戏划清界限。换句话说,挑战在于如何让作品在当代艺术的背景下发挥作用。 占卜术#2(葛兰素史墓) 118.9 x 宽84.1厘米 而作为一件雕塑作品。 -是的,方法是集合。在实际情况下,所使用的材料作为一种材料从原来的地方消失了,但在数字情况下,它不会消失,因为它基本上是一个副本。但是在数字技术的情况下,基本上是复制的,所以不会消失,在这个世界的某个地方,我用的材料还在。这很有趣。换句话说,我的作品是我不知道什么时候,也不知道是谁在世界某个地方创造的东西的集合。从某种程度上说,它就像当代信息的结晶。当我意识到这一点后,构建情境就不那么困难了。 是否因为作为一代人,互联网的发展与自己的成长是平行的,所以你在数字中感受到了一种现实感? -的确,对于我来说,石头和木头可能更遥远。我们这一代人,包括我自己,都是和互联网同时成长起来的。就像自然和城市对于某个时代的人一样。我们这一代人从出生开始就有电子游戏,有互联网,网络世界的建立。所以我们对虚拟有亲和力,我们可以把它当作一个平行的实体。这是一种与铁、石同列的材料。 碟仙5号(佩内洛普)。 118.9 x 84.1厘米 换句话说,材料存在的地方,只是与铁等不同。 -那是完全正确的。我所使用的材料存在于与木材不同的地方和维度。作为信息,它位于全世界一个叫互联网的地方。这是唯一的重点。我的工作方法和自身的渊源与传统是一致的,但虚拟空间和其他数字术语和方法颇具话题性,往往会被单列出来。 现实空间和虚拟空间中存在的信息是不同的,不是吗?重量、手感等等,但从这个角度来看,你觉得你的雕塑在哪里有更新? -不管是不是更新,我的作品一点厚度都没有。我的雕塑里面是空的。这是以前从来没有过的事情。从来没有一个雕塑是没有厚度的。因为这个原因,也可能是因为这个原因,我需要关注表面,这是雕塑的一个重要的点,但是我觉得可以站在一个新的平面上作为一种存在的方式,我想这样做。我的作品主体是在一个虚拟的空间里,而展示的输出平面和图像是这个空间的化身,或者用柏拉图的说法,是思想的投影。换句话说,作为一个形式的创造者,在压制了多种元素之后,我能追求什么,将是我未来的挑战。 艺术家页面在这里:https://www.tricera.net/artist/8100587

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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 他曾在日本举办过多次展览,并在2019年参加了斯洛文尼亚的驻场艺术家计划。藤野真司一直在欧洲与艺术家们一起充满活力地工作、创作和展览。我们采访了他,了解他是如何成为一名艺术家的,以及他对处理光的作品的看法。  "光的标本"系列,将透明的笔触涂抹在玻璃和亚克力上,通过作品放置地的光线来实现视觉效果。该系列作为藤野的代表系列之一,以"光能给我们看什么"为主题进行创作。藤野对光有着特殊的兴趣,但光对他来说到底意味着什么?他说如下: 光无处不在,不分地点,根据观者的内心状态,可以有不同的感知方式。  对于人类来说,光是我们普遍存在的不可分割的一部分,但它又是那么难以捉摸。藤野说,他受到詹姆斯-图瑞尔等艺术家的影响,他们把光当作一种材料。藤野进入专业创作领域的第一步也与光有关。  他说:"我在艺术高中和艺术大学学过艺术,毕业后做过策展人,但我陷入了'逻辑思维',我的处境非常拘谨。后来,我去旅行,看到美丽的自然光照进房间,当我茫然地注视着它时,我就能从"逻辑思维"中解脱出来,获得自由。  这段最初的经历是藤野的一个转折点。这段最初的经历对藤野来说是一个转折点,他得到了一种来自光的启示。在藤野的背景中,又有一个有趣的情节,反映在他的艺术作品中,告诉我们。  我的父母经营着一家小旅馆。从小到大,我不断地接触到外面来的人和送回来的人的循环,这让我意识到'人是多样的'。  "光的标本"系列作品中,作品的体验不仅是由作品本身形成的,也是由作品的安装环境和观者的视角形成的。这也是藤野作品的主题。 我想让那些忙碌的人们来接我的作品。如果他们能感觉到自己所处的地方光景足够美丽,我会很开心。  "光之标本"系列是以人的多样性为前提的。它的包罗万象的温柔就像阳光一样。 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 点击这里了解更多作品信息 点击这里查看更多我的作品 点击这里查看更多藤野真司的作品。

关于肖恩-克里斯托弗-沃德的6件事要知道

欧普艺术是一种艺术形式,它使用特殊的视觉效果,从平面图片中创造出深度和运动。受这些大师的影响,肖恩-克里斯托弗-沃德通过融入视觉效果,而不是像素描或油画那样简单地画出他所看到的东西,从而创造出在观众记忆中留下强烈印象的艺术作品。他的作品的特点是油漆涂抹均匀,令人惊讶的是,这不是数字打印,而是木板上的丙烯酸。 (奥黛丽/61厘米×61厘米/亚克力) 点击这里了解详情 1.职业和活动 肖恩-克里斯托弗-沃德是一位跨学科的艺术家、设计师、画廊家和音乐家,他专注于使用欧普艺术表达方式创作动画和绘画。他在世界各地收藏了600多幅画作,据了解,鲍勃-迪伦、埃尔顿-约翰和小精灵乐队等名人都曾私下收藏过他的作品。虽然他在艺术界取得了巨大的成功,但他致力于他的社区,并提供他的空间,"HUE当代艺术画廊 "和 "Nocturnal画廊",与来自世界各地的当代艺术家合作并举办展览。(贝多芬/61厘米) 2.以积极的方式看待社区的重要性 在创建社区方面,他没有封闭的思维方式,而是有一个非常积极的观点,总是想融入新的感觉,我感受到他的追求和动力,总是在寻求最前沿的艺术。 3.欧普艺术和记忆的表达 当他画人的时候,他用世界名人如奥黛丽-赫本、贝多芬和动作明星李小龙作为主题。这些人的面孔我们都在某个时候见过。我们选择最著名的人物是有原因的。在短时间内,我们对名人的记忆是清晰的,但在很长一段时间后,由于大脑的机制,我们的记忆逐渐淡化,变得支离破碎。然而,这并不意味着我们忘记了一切;总有一些信息的碎片保留下来,这些记忆的碎片在我的画中得到了体现。在作品《贝多芬》中,他通过改变条纹的厚度来表达贝多芬,当你从远处看时,贝多芬的脸就会逼真地出现。这是一件利用光学艺术的效果来表达由于时间流逝而产生的模糊的记忆碎片的作品,它是一种幻觉而不是现实的绘画。 (Beethoven / 61cm×61cm / 丙烯酸树脂) 点击这里了解更多详情 4.保存记忆碎片的艺术 大脑无法再次从信息碎片中读取褪色的记忆,并将其恢复到清晰的状态。然而,心灵可以添加它在精神上长期感受到的信息,并在自身内部重新形成。这样的片段被绘制并保存在肖恩-克里斯托弗-沃德的脑海和作品中,并继续支持社会。他的作品反映了这样一个理念:继续支持社会的东西也将继续活在别人的心里。 5.来自模式的刺激 除了以人物为主体的作品外,还有一些表现几何图形等图案的艺术作品。其中一件作品名为 "你是在还是不在"。在这项工作中提到,我们能够识别的模式越多,我们就越能扩大我们的想象力和创造力。我们可以分析各种行为模式,以便在运动中获得优势,我们也可以分析身体模式,以减少疾病的风险。研究实际上表明,仅仅看着颜色的深浅,也就是颜色图案的特征之一,就可以增加想象力和动力。通过研究模式,大脑可以有意识地做出更好的选择。这被肖恩-克里斯托弗-沃德描述为 "人类相对于动物的进化优势"。当然,动物不可能从模式中学习。彩虹色的背景代表了我们的日常行为和想法,而我们无意识的行为模式的几何图案则是为了刺激我们的身体和心理。 你在不在/45.7cm×61cm/丙烯酸树脂 点击这里了解详情 6.一个合乎逻辑的信息...

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追求艺术对一个不确定时代的意义。采访艺术家本桥浩介

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式",是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥,你一直以"死"和"生"为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的? -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。 我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:"你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。     不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。   还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术? -这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画,你还对什么感兴趣? -我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。 ,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以,你从那里去艺术?-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。     通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现? -我曾经认为"艺术=自我表达",但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:"艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。 ,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。 ,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西? -是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着"你现在就应该死",观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。   在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗? -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。 ,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展,重点是"活的自己"。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗? ,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

Quick Insight Vol.9 西班牙作家拉法-马塔体现了日本赛博朋克的特点

拉法-马塔,体现日本赛博朋克的西班牙艺术家 艺术家对未来的日本和试图在社交网络上吸引注意力的影响者的看法。 拉法-马塔是一位西班牙艺术家,他为日本和试图在社交网络上吸引注意力的影响者绘制了未来主义图像。 我们问他为什么对日本赛博朋克着迷,以及他希望通过自己的艺术生涯表达什么。 1.你是如何成为一名艺术家的? 我喜欢所有种类的艺术,从写作到电影摄影。我在生活中做过各种各样的艺术项目。 我18岁时读了一个媒体研究的学位,但我对绘画如此着迷,以至于我 两年后,我休息了一下,做了一个平面设计的课程。 这开启了很多可能性,所以我继续我的艺术学习,并被奥美公司聘为平面设计师。 然而,我想成为一名全职的插画师,所以在业余时间我创建了一个作品集和 我开始把它寄给所有寻找插画师的公司。 这就是我被马德里的麦肯-埃里克森公司聘用的原因。 我开始每天24小时工作,做一名插画师。 我在那里工作了六年,学到了很多关于截止日期、广告术语和与不同客户合作的知识。 广告对我的主题和风格有很大影响,但由于有这么多项目要完成 我首先觉得我需要再迈出一步,成为一个有自己权利的艺术家。 而在2016年,我创建了我的第一个个人项目。 2017年,我搬到了加利福尼亚州的洛杉矶。 我花了两年时间深入探索我的风格以及数字和传统艺术的主题。 在那里,我被小东京和美国的日本侨民所吸引。 从那时起,日本和美国美学的融合一直是我艺术灵感的核心。 在2019年,我将举办我的第一个展览,题为 "巫术 "和 我在2020年的大流行期间卖出了我的第一件作品。 (Get to Work,高66厘米x宽100厘米x深0厘米,艺术印刷品/多件,2020年) 点击这里了解更多详情 2.你的作品似乎受到日本赛博朋克的启发。你在选择这种主题方面有什么经验吗? 我是一个城市怪人。...

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在3分钟内了解到月光蛙的魅力。

一定要看的艺术家,只需3分钟。   这一次,我们为您带来了迷人的艺术家 "月亮的青蛙 "的快速浏览,他是一位3D艺术大师。   TRiCERA ART目前有来自126个国家的4000多名艺术家和大约52000件艺术作品。我们的策展人将向你介绍一些你现在不应该错过的艺术家。   艺术家的特点 从一个受薪工人变成一个全职艺术家。 查看艺术作品 工作的独特性。 树脂涂层版画的分层组成。 在信息碎片化的主题上描绘了一个无形的等级制度 树脂的光泽度因视角的不同而改变其外观。 形成一种立体感。     查看艺术作品   策展人的评论。 你小时候想要的玩具的质地。 有吸引力的、怀旧的风格。 可爱的图案带来了愈合。 活跃在东京举办个人展览的著名艺术家。     查看艺术作品   艺术家传记。  简史 2019 从以前的工作中退休,致力于艺术家 2014 开始作为3D艺术艺术家 2009 在公司工作时开始创作数字插图 1963年出生 个展 2021 s.A.s Egawo / 大阪,东京 2021 TERRADA ART COMPLEX II contemporarytokyo /...

弗朗西斯卡-博尔戈–光影的阴影

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加藤泉的作品在东京独特的艺术空间展出

加藤泉在东京原美术馆举办个展"像滚雪球一样"。     加藤泉,国际知名日本艺术家,常驻东京和香港,目前在东京品川的原美术馆和群马县的原美术馆ARC举办个展。   原当代艺术博物馆ARC全面展示加藤的作品 原当代艺术博物馆将展出她的69件最新作品。作品。在原美术馆举办的"LIKE A ROLLING SNOWBALL"展览是加藤在东京博物馆的首次大型个展。而此次在原美术馆举办的展览,就是要让你有机会领略他的最新品味和独特发展。他最近的作品从石头、布匹到印刷品都有。   加藤以在绘画和雕塑中描绘原始而神秘的人类形象而闻名。他的作品让人联想到图腾。加藤的人体雕塑总是有男有女,他的绘画作品也是以这样的方式构成,使两件独立的作品成为一体。绘画的构图也是这样,两个独立的作品变成了一个。至于由石头、棉花和软乙烯制成的雕塑,头部和身体的材质完全不同--石头、软乙烯和棉花,但在某种程度上,它们似乎搭配了两种不同的属性:轻盈和重量。在很多方面,追求配对似乎是一种仪式感。       我们很高兴为大家介绍一些博物馆中最具特色的作品。在一号馆展出的《无题》是加藤的最新作品,他一直在尝试用布、皮革、石头、铝等多种材料制作大型装置作品。其他作品的展示也很好,符合原美术馆所在地的特点。在原美术馆的花园里,安装了两件以与自然相遇为主题的作品《无题》。安装在花园里的作品是为了从博物馆内部观看而设计的。     原现代美术馆的位置     当你参观原美术馆时,你可能会被它独特的异国情调所抚慰,这在东京是很少见的。原美术馆是日本最古老的当代艺术博物馆之一,位于东京品川区,在棕榈树环绕的花园里。该建筑建于1938年,是现任原现代美术馆馆长原俊雄的祖父原国藏的私邸。它是由著名建筑师渡边仁设计的,他还设计了东京国立博物馆的主楼。   战后,该建筑曾被菲律宾和斯里兰卡大使馆使用,1979年成为艺术博物馆;2008年进行了大修,安装了新的照明系统并进行了维修。   作为日本最早的现代美术馆之一,它是为数不多的融合了20世纪初欧洲建筑风格的昭和早期建筑的例子。   但是,由于近80年的建筑维护困难,基金会决定在2020年12月31日关闭博物馆,原博物馆ARC将成为所有活动的场所。在具有独特氛围的博物馆消失之前,何不趁此机会看看加藤泉的最新作品呢?   加藤泉--像滚动的雪球 主办单位:原美术馆 特别合作单位:Perrotin公司   日期:2019年8月10日(星期六)-2020年1月13日(星期一)(国庆节)。时间:上午11:00-下午5:00,周三至晚上8:00(闭馆前30分钟最后进场)。休馆时间:周一(8月12日、9月16日、23日、10月14日、11月4日、2020年1月13日除外)、8月13日、9月17日、24日、10月15日、11月5日、年末和新年假期。入场费。普通票1100日元,学生700日元(高中、大学)或500日元(中小学生),70岁以上550日元,原博物馆会员及学生--高中生在学期内每周六免费,20人以上的团体可享受100日元优惠。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是TRiCERA的成员之一,毕业于东京艺术大学大学院美术系。她自己也是一位艺术家。     1] 新闻稿, 原美术馆,(原美术馆,东京,2019)。

我们为什么要画脸? 关于肖像画。

肖像是对特定人物外貌的描绘。在摄影、雕塑等各种输出方式中,以绘画方式输出的称为肖像画。 在近代早期,有一种绘画流派叫"肖像画",描绘皇室和贵族的形象,但随着照相机的兴起,写实绘画逐渐衰落,现在的肖像画是在博物馆里看到的。 在当代艺术中,以人的脸(真实的或虚构的)作为模块的案例很多,如安迪-沃霍尔描绘玛丽莲-梦露脸部的作品。无论是作为图案还是主题,艺术家们对脸部的使用方式多种多样。 Hitoshi Tsuboyama  坪山的"组合肖像"系列,第一眼就唤起了一种疏离感和焦虑感。  坪山受上世纪六七十年代晚期现代主义包括极简艺术的启发,他的画作以美感著称,以自己的空间概念为基础,通过色彩探索新的表现形式。  这部作品的主题是人们对某一事物的鉴别和认识的疑惑和质疑,这也许是它被称为"组合"的原因。脸部像轮廓线一样被划定,并涂上美丽的色彩,似乎在向我们询问一些关于肖像的外观和身份。 点击这里查看作品 Changhee Lee  李的肖像画也不是似曾相识。她一贯选择年轻女性作为主题,她的画作混合了中世纪和奇幻的元素。  李国庆的作品虽然打着肖像画的名号,但却是他内心世界的进步表现。 点击这里查看作品 Antonio Salas Cabrera / Antonio Salas Cabrera  安东尼奥-萨拉斯-卡布雷拉通过重建现有的图像来创作他的作品。他把一张现有的图像放到PC中,经过修剪和改变颜色后,输出的图像呈现出与我们熟知的现有模型不同的表情。  安东尼奥作品中的模特也是一件艺术品,我们可以说是通过双重透视来观察原作的人物,因为作品中的模特也是一个人物。然而,即使双重解释在不知不觉中被剪掉了,但我们意识到我们的意识还是直接捕捉到了模型的身影。安东尼奥以模拟主义为基础的方法,给我们提供了一个关于感知的解释。 点击这里查看作品 代理人X  X探员是一个多媒体拼贴作品,他从美国漫画等现有的图像中汲取灵感,创造出一个独特的存在,虽然他的实验作品中很多人物都是人类,但他的作品种类繁多,令人惊叹。  在未来主义的美学和哲学、达达运动的社会评论以及从波普艺术到超级平面的当代艺术运动之间的独特交集中进行绘画,《<女王>》系列让人想起16世纪艺术家阿奇姆巴德的拼贴画式肖像。然而,当代的思想与数字一代的技术相结合,创造出了一件件和谐的艺术作品,但我们却感到了一种混乱和变态的感觉。 点击这里查看作品详情 A.C.D.  这幅作品在很多直线的运用上让人联想到立体主义,但抽象的方法却是A.C.D.所独有的,它给观者一种硬朗的印象,而高饱和度、高色彩的画作则给人一种温暖的感觉。  尤其是"乐大王子",以简单的线段精确地表达了现代人的脸部表情。 点击这里查看作品详情  人像摄影具有不同于其他领域的味道,因为它们往往表现出艺术家和模特之间的戏剧性。然而,在这个人人都在批量生产人像的时代,人像是描绘面孔的唯一方式,这证明了人的面孔和身份有着密切但不稳定的关系。

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寺田子丸子|被记忆中的风景所迷惑。

对寺田子丸子来说,绘画是她一生的工作,这种活动一直持续到过去、现在和未来。她自幼熟悉绘画,一路走来,没有偏离这条道路,才有了今天的成就。生于三重县,在名古屋造景短期大学主修西洋画。他说:"在这个过程中认识了很多优秀的画家和老师,他们的影响帮助我成长为一名艺术家。   寺田子的抽象画在日本和世界艺术界都享有很高的声誉。作为自由艺术协会的成员,寺多子曾在埼玉现代美术馆、东京的画廊和首尔的Kepco艺术中心举办过个展。他还参加了许多群展,并一直活跃在美国和亚洲的艺术博览会上。   正如她所说,她的作品主题是"记忆的颜色",她的画作让观者想起了生活中的温馨时刻。她通过娴熟地运用美丽的色彩层次来表现水、山、天空、植物等自然界的色彩,以及城市的色彩。虽然这些都是她的个人记忆,但也吸引和迷惑着观众进入一个美丽的似曾相识的"记忆景观"。       点击这里查看艺术家详情                  

在3分钟内了解武田弘毅的情况。

在短短三分钟内就能看到一位不可错过的艺术家。 这一次,我们为您带来了 武田弘毅 ,一位将植物的生命力注入其画作的艺术家。 我们的策展人已经精心挑选了你不能错过的艺术家。 受欢迎的艺术家吸引了海外媒体的关注 注重和平的主题和绘画中的生命之美。 消息在美国、西班牙和台湾传播。 他有一大批根深蒂固的追随者,也有一个粉丝俱乐部。 许多动物爱好者都被他的画作所吸引。     查看艺术作品   作品的独特之处   把图案当作散花来画的技术很独特。   色彩斑斓的水彩画赋予图案以生命力 在作品中融入大花,使其更有说服力。 在一些地方,用留白的方式来创造理想的图像轮廓。     查看艺术作品   策展人的评论。 领先的TRiCERA艺术家,在世界范围内的影响越来越大 概念正在合作开发中 4月16日在TRiCERA举办个人展览 作为一个好的合作伙伴,支持国际扩张     查看艺术作品   艺术家传记。 2009年 个展 "Tsunagari "名古屋艺术与设计大学D2-3画廊 2010年 名古屋艺术与设计大学联展,TRANSIT,Voysey大学 2012年 联展 "表达设计 "Mirella画廊2014年 个展ESPERANZA,Kichijoji艺术画廊 2014年东京艺术综合中心竞赛展ARTLABO X 2014年 2016年轻井泽新美术馆群展ANIMAL MUSEUM 2018年台北错误画廊群展GIANT MANGOSELECTION vol. 4 2018年轻井泽新美术馆武田弘毅个展 2019年台北错误画廊群展《巨无霸》--台湾x日本合作展   点击这里,进入武田弘毅的艺术家页面。   TRiCERA...

本桥浩介的光栅限定版画限量发行150张。

沉默之王   15,000日元(不含税)   版本:150尺寸:高420×宽297mm工艺:亚克力镜片凹版印刷有框印刷。原创亚克力框架(+10,000日元) 照片中的画框仅供参考,并非原物。 ©︎KOSUKE MOTOHASI/TRiCERA,inc.版权所有。       TRiCERA欣然宣布推出本桥浩介的限量版印刷品"THE KING OF SILENCE",限量150张。 本桥1989年出生于日本兵库县,2013年左右开始艺术生涯,一直活跃在东京和纽约。本桥一直在问:"在我们这个时代,解决生与死的问题意味着什么?"他通过作品探讨了艺术作品和观众面对面时发生的关系性化学反应和意义。 ,在这次展览中,他采用光栅印刷的方式,创作出了一件可以从三个不同的方向看到的作品,并且不断变化,仿佛是一个多变的现象世界。 请大家借此机会欣赏一下本桥作品中流淌的一部分直接面对生死的心跳。     View Artworks                         出售须知】(1)作品附带签名、编号的证书。 (2)版号不能选择。 (3)从您购买作品到发货,请允许大约2周至1个月的时间。 (4)因客户拒收工程而需重新交付的费用由客户承担。 (5)作品销售期为2020年12月8日至2021年1月8日。   View Artworks

[7月展]MoMo、Banbinart、Eukaryote。

在因新型冠状病毒的影响而关闭后,博物馆和画廊开始重新开放。以下是7月值得一看的三个展览。 画廊MoMo位于东京两国,将于6月6日(周六)至8月8日(周六)举办由25位艺术家组成的群展,这些艺术家大多来自画廊。 画廊在科罗纳关闭的那段时间里进行了反思,并重新思考了画廊的经营方式,他们决定创作名为"Rethinking"的展览,介绍了坂本正海、坂本十郎等画廊艺术家的新作品。很难想象,新常态下的生活会在未来继续对艺术家产生重大影响。不过,本次展览将依次展出各艺术家的热门作品,包括新电晕之前创作的作品。本次展览将进行展出。期间展览将有所变动,6/6-6/27、6/30-7/18、7/21-8/8,注意参展艺术家不同。 展览大纲展览名称"反思|反思日期。2020年6月6日(周六)至8月8日(周六)参与艺术家。6月6日(星期六)~6月27日(星期六)。小桥洋介、早川克己、川岛小鸟、石叶美和、藤森翔子、大久保凉雅、佐藤英介6月30日(星期二)~7月18日(星期六)。池田瑞穗、古畑智树、吉田和香、吉田新之助、福岛芳子、J-Moon、坂本雅美、增田正弘、平田俊介 *参展艺术家有可能发生变化。 7月21日(二)~8月8日(六)坂本德郎、室井木子、重田光辉、高桥凉子、大竹龙太、市野雄、日见元树、中井明人、绫野香波 *参展艺术家有可能发生变化。展出地点:MoMo画廊(地址)1-7号画廊MoMo(地址)东京都墨田区龟泽1-7-15营业时间:12:00-19:00 闭馆时间:12:00-19:0012:00-19:00休息星期二 联系网络:https://twitter.com/GalleryMoMo 电子邮件:info@gallery-momo.com SNS:www.gallery-momo.com 2020年7月11日(周六)至7月26日(周日)在日本神田Bambinart画廊举办。堀聪的个展"凝视面具"将在东京国立美术音乐大学的"凝视面具"举行。这是目前正在东京艺术大学油画专业就读的堀的第二次个展。 堀的作品作为"世界相互凝视、相互接近、然后碰撞"的过程,在这次展览中,将以碰撞的形式呈现。天生的"我与世界的面具"绘画作品将呈现。将推出10幅青年艺术家的新作。 展览概要 展览的名称。"凝视的面具 日期:2020年7月11日(星期六)-2020年7月26日(星期日)。2020年7月11日(星期六)至2020年7月26日(星期日) 参展艺术家。堀聰 地点:Bambinart画廊Bambinart画廊 (地址)东京都千代田区外神田6-11-14千代田3331 B107艺术馆 办公时间:12:00-19:0012:00-19:00 闭馆时间:周一、周二星期一、星期二 联系网站:http://bambinart.jp/ 电子邮件:info@gallery-momo.com SNS:https://twitter.com/bambinart 6月26日至7月17日,尤卡里奥将举办名为"鸠山二俊"的个展,活动分两层进行,涵盖了鸠山二俊截至目前的所有作品。 成为。 艺术家的作品,如2014年获得首届CAF大奖优秀奖的《存在的地方》以及获得Nawa Kohei Nawa奖的《白色》系列画作,开始了他的艺术家生涯,是以鸠山面对树木的经验为基础的。该系列作品是世界上最受欢迎的作品。本次展览是回归原点,我们面对的是我们认知的内在本质。不包括色彩。 除新作外,二楼还展出了基于他这几年的笔触积累,以鸟瞰的方式描绘多个世界的《天气图》,以及新开发的作品《植物与树木的语言》。 点击这里查看鸠山的作品 展览概要 展览名称"初步感知 日期2020年6月26日(星期五)至7月17日(星期五) 为防止新病毒的传播,将不举办开幕酒会。 参展艺术家。畠山二俊 地点:EUKARYOTE...

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