在爱的形状和颜色上

以人为本、以情感人的方法。 比方说，你在博物馆里逛藏品。你是那种会仔细看普通人像部分的人，还是像笔者一样快速走完的人？这个地方让我觉得很不舒服。因为墙上的画像让我想起了校长办公室的那面墙，在那里，我因为天真无邪的不当行为被骂了几个小时。尽管如此，还是有一些作品和苦涩的回忆一样让我着迷，我不由自主地停下脚步，看看模特和艺术家们永恒的叙事，以及无法忽视的存在感。 看来不是只有我一个人觉得普通人的肖像特别有趣，特别有戏剧性。比如，荷兰黄金时代画家约翰内斯-维米尔的名作《戴珍珠耳环的女孩》，启发了特雷西-舍瓦利耶写出了同名小说，销量超过500万册，甚至被拍成了电影。就像雕刻在拉什莫尔山上的美国总统的脸庞无所畏惧却又无法接近一样，无论被渲染得多么美丽，都会被典型的特权阶层所吸引，这就有些难能可贵了。 一张好的人像作品应该具有吸引我们进入模特、艺术家和观众之间的奇怪三角关系的力量。我们不需要害怕对它的感情。今天《TRiCERA》中的一些肖像画描绘的是普通人，尤其是那些来自扭曲的社会层面的人。我们准备好潜入那个扭曲的层面了吗？ 请系好安全带。这将是一次非常私密和情绪化的飞行。 "我希望它能尖叫"--詹姆斯-厄利。 出生于英国的詹姆斯-厄利是当今最有前途的超现实主义画家之一，曾获得2019年伦敦双年展一等奖。 他说，他经常代表问题人物，"提高人们对无家可归、精神健康和战争等问题的认识。出乎意料的是，他的不拘一格的模式，其人性和宁静的积极意义远大于悲伤和疲惫的消极意义。 到了所谓的"普通人"那里，喊的是这些"不幸的人"和我们没有区别。每个人在生活中都有想要隐藏的问题。 但在他们的情况下，他们只是因为没有社交服装遮挡而暴露。 这个男人的脚底，吸引了观众的目光，象征着我们极力掩饰的生活艰辛和污点，也唤起了观众暴露在其中的尴尬。 2015年，当我搬到被称为世界上最宜居城市的加拿大温哥华时，无家可归者饱和的景象让我感到震惊。毕竟，就在一条日夜熙熙攘攘的游客街上，一个街区的距离，就是世界上最大的无家可归者区。生活在他们中间，我没有受到任何直接的伤害，但间接的伤害却很大。他们中很多都是同龄的青年男女，每次从他们身边走过，我都会心疼。 用微薄的积蓄和打工来支付房租、食物和昂贵的学费，我在东京市区的生活一天比一天艰难。在我勉强维持生计的时候，一位同龄的加拿大朋友向我讲述了她的秘密往事。她告诉我，她的情况和我一样，但是摔了一跤，无家可归了几个月，然后住进了收容所。在外界看来，她很美，也很开朗，但在她的伪装下，她隐藏得很好。那天之后，无家可归不再是别人的问题。这种认识和恐惧成了我离开市区的动力，但最终成为我离开市区的催化剂。 有一天，在我逃避了多年的悲惨现实之后，一个来自蒙特利尔的无家可归者，名叫让-马克，让我去那家商店为他买这个。平时他只会问我要几个硬币，但他很友好，年龄也差不多，所以我接受了他的提议。当我们一起走过接下来的几个街区时，他高兴地与我分享了他的个人故事。几天后的晚上，我又在街上看到了他，我们聊了几句。我不能为他做什么，但我有时会想他现在怎么样了。 当我在Early的亲密画像中看到Jean-Marc羞涩的笑容时，我感动得泪流满面。我只能认为，艺术家一定有一颗充满同情和怜悯的心，以及分享和承受他们的悲伤的力量。在这幅画中看到的不是慈善，而是他不加修饰的人格，才会有真挚的笑容。早期将现实中瞬间的欢乐作为艺术来延续，照亮了那些被忽略的生命。 这些并不是唯一反映社会扭曲的画像。 在年轻一代中，要求自己独一无二（和别人一样）的压力越来越大。他们在与生俱来的个性珍贵和社会认可的个性流行之间努力寻找自己。拉法-马塔在他的艺术和文字中恰如其分地指出了这一矛盾。 曾超把当代中国社会的意识形态冲突描绘成一个人的肖像。他说，一个群体是受中国社会主义的影响，而另一个群体则是受中国古代哲学道家的影响。他为这些人物穿上象征社会主义的服装，并将他们的头颅换成他的道家图案"临时山石"。动感的笔触与油彩的对比，让人惊叹。 镜子里反射的影像是我们自己的，还是别人看到的影像？我们看到的不确定性问题是清水美乐迪作品的主题。他说："我们通过别人向我们展示的形象来理解和定义自己。因此，别人是我们的镜子。这幅自画像是将各种社会的镜子中的自己的各种形象打上马赛克。 肖像所代表的内容可能与人们容易理解的不同，例如，在一幅山水画中。不过，正因为有这种模糊性，所以从字里行间可以自由欣赏作品。作为观众，我们的感受是什么？画家是如何诠释模型的？而模特的眼睛里反映的是什么呢？从个人情感的角度出发，欣赏人像是一件好事。 我的一个同事又写了一篇关于肖像的文章。"人为什么要画脸？ 他还从技术角度分析了许多其他作品。如果你对这个话题感兴趣，别忘了订阅ArtClip通讯。

...祈祷是日本人心中的核心。   新宝菊开 作者：秋山明       在2010年创立自己的品牌Yuzen Marumasa之前的几十年里，秋山明一直致力于设计高品质的婚礼和服。如今，只有一小部分新娘有机会穿上缀有金箔或珍珠的汤泉和服。 在这次采访中，我们采访了秋山女士，她谈到了日本传统婚礼的精神意义、制作汤山和服的困难，以及她对用传统形式表达美的追求。(为保证篇幅和清晰度，本访谈经过翻译和轻度编辑) 仪式中的灵性 完善和服设计艺术 秋山明的游仙和服在哪里买？ 仪式中的灵性 侯基典 作者：秋山明         灵性在日本是如何表现的？ 除夕和后天，日本很多人家里既没有佛坛，也没有神坛，都会去当地的寺庙或神社祈祷。我想，这就是祈祷是日本人心灵的根源的一个证明。我也觉得，在日本婚礼中，保持这种与精神的联系很重要。 作为婚纱和服的设计师，你看重的是日本的传统是什么？ 我认为，日本新娘在日本的天空下，在日本的国度里，在日本的神灵面前交换誓言是很重要的。这是我对日式婚礼理念的核心。如今，地球上有近80亿人口，40亿女性，40亿男性。幸福的新人应该感谢自己的缘分，做一个有无限可能的新娘和新郎。这种对命运的感恩，应该是婚礼仪式的核心。应该理解和感恩天神给我们带来的命运。 阳春宝山友信侯赞 作者：秋山明       命运不是单纯的偶然结果，而是命运。是生命的珍贵奥秘将两个人联系在一起，我们必须明白这个事实。与不同成长经历和历史的人在一起生活是很困难的。在困难的时候，祈祷是唯一可以连接我们的东西。所以我们应该举行真正传统的婚礼仪式，并进行祈祷。 日本的婚礼在过去几十年里发生了变化。你怎么看？ 对我来说，最大的变化和挑战是缺乏仪式感。在传统的神道婚礼中，有四个重要的阶段：祈祷、饮酒、两家人的结合、酒会。没有这四个阶段的仪式，就缺乏神道的灵性，成为另一种活动。在小编看来，这种类型的婚礼基本上是新郎新娘想要成为焦点的聚会。 传统的日本婚礼有一个婚礼安排人，叫纳客，新郎新娘各有一个主宾，每个人都扮演着重要的角色。"纳客"会把双方家庭的成员介绍给对方、新郎新娘和客人。随后是两位嘉宾的开场白。这就是日式婚宴的传统流程。 作为Yuzen和服的设计师，这些传统对我来说非常重要。因此，我总是向希望举行日式婚礼的顾客解释传统的神道仪式是如何展开的。希望举行日本婚礼的客户很高兴了解这些传统的起源和神道仪式的真正意义。 完善和服设计艺术 我想我是这个行业里唯一一个疯狂的人，花这么长的时间去完善一件和服。 三加后菊 三加后菊 作者：秋山明       为什么做一件手工玉禅和服需要三年时间？ 如果我只是单纯的设计商业服装，一件和服不会花这么长的时间，花两三年时间设计一件和服是无利可图的，也没有意义。但如果想到一日三餐只有简单的生活，那就不是追求奢华，而是追求宁静。我决定不追求利益，而是保持简单的生活，专注于追求艺术的完美。 我想在这个行业里，只有我一个人疯狂到花这么长的时间去完善一件和服，而不顾利润。 大寿菊 大寿菊 作者：秋山明       你的创作过程几乎是纯艺术的，但又受到传统形式的制约。你是如何对待你的设计的？? 我入行67年，设计了无数件和服，但和服的造型和尺寸没有改变。为了表现自己内心的美，必须在传统的和服形式内进行设计。我们要在和服造型的限制下，挑战新的想法和设计。我将尽最大努力设计出集优雅、高贵、奢华于一体的作品。 我从事这个行业已经67年了，设计过无数的和服。 你想接受订单或定制委托吗？ 因为我们做一件和服要花三年时间。这就是为什么我们不做时髦的和服，不做特殊场合的和服，也不做其他用途的和服。有时，当时的情况或您的要求恰好与我正在制作的东西相吻合，但我从不按要求制作和服。 你的灵感来自哪里？ 我的设计理念就像天使造访我的工作室一样，但很难在作品中表达来自天堂的想法。几个星期没有任何想法和灵感是很痛苦的。我已经记不清有多少次从早到晚坐在工作室里，不知道该做什么。然而，有的时候，我的脑袋里充满了想法和灵感。 和服制作的最后阶段是什么？ 为了让客户的婚礼尽可能的完美，我将每件和服都在神社净化后再送给新娘。参拜神社时，会得到神社的红印，并将自己的名字印在和服上。这就是通过和服来祝愿穿和服的人幸福。在每件和服中，都有对个人、财产和生命的幸运祈祷。 大馆之姬 大馆之姬 作者：秋山明       秋山明的汤泉和服在哪里买？ 我们会买下秋山明的。玉泉和服在TRiCERA可以买到秋山明的作品等。日本当代时装设计师的作品在TRiCERA。

不管各自的立场如何不同，对山水画的看法一般都停留在"画出山水来"这一点上。 本文介绍的樱井麻衣、田野绫香、尼尔等人的作品，在物理意义上与真实的风景有距离，但在画面上展开的画面却伴随着他们的情感，获得了一种全新的形式。 艺术家细腻地解读着生活在山水中的事物的情感、记忆、征兆和痕迹，并将它们与他们的思想运动和内心现实混合在一起，创造出一种新的景观，这种景观不是现实的复制，而是与艺术家的目光交织在一起。 樱井朝日(1996-, 日本) 时间的变化（正午）19 x 33.3cm画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 变化的时间(夜)19 x 33.3cm,画布丙烯25,000日元。 点击这里查看作品 海岸(宽)22 x 54.6cm,画布丙烯45,000日元。 点击这里查看作品 Neil Tomkins（奥地利） 蓝房子36 x 46cm,画布丙烯165,000日元。 点击这里查看作品 蓝色灯塔140 x 171cm,画布丙烯473,000日元。 点击这里查看作品 火树街95 x 89cm, 压克力画布308,000日元。 点击这里查看作品 忠野绫香(1992年至今，日本) 融化的太阳63 x 55cm 木板、日本纸、矿物颜料128,600日元 点击这里查看作品 还在旅途中》35 x 50cm 木板矿物颜料 日本纸68,500日元 点击这里查看作品 倒影之夏34.5 x...

从2011年开始，林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品，2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》，向艺术史致敬，我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求，让人想起了未来派，但同时，你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起？ 速度是我思考了很久的东西，但就我与未来主义的关系而言，我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前，我的作品主要是以人为主，但当我画的以人为中心的构图越来越多时，我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分：脸、手、脚、躯干。很简单，但也正是因为如此，我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年，我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后，在2015年左右，人们开始说我的作品是"未来主义式的"，我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时，我对它并不感兴趣，只是知道大家都在说它，但我对它并不了解。本来我也不太懂，但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面，但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本，关于这个主题的文献并不多，但在研究的过程中，我了解到他们似乎是专注于速度主题的人，我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联，您的意图是什么？ 它更像是一个宣言，一个意向声明，说："我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言，所以我像米莱哈人一样，把宣言做成传单，分发出去。当时，周围的人对此颇感兴趣。他们说："你要怎么做呢？ 对于我来说，我的心情是战斗的。我想，这就是我要做的事。当时，我一直在画画，但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想，如果我没有用空间去接近它，我就无法获胜。 他以未来主义运动为由，转向装置。您的事业起步比较早，但从一开始您的主要精力就放在了绘画上，是吗？ 我是2010年进入大学的，第二年开始逐渐工作，所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项，这就是它的开始。但是，在我做装置的那段时间，我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷"，但我内心却觉得，我花了那么多心思，为什么要把他们当成插画？但我觉得，"我花了那么多心思，你为什么要把它当做插图？就算他们说的再酷炫什么的，到最后也只是被消费。那时候我就在想，我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说，空间艺术是人们评价和认知的对立面，而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移，这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事，但我渐渐地想画画了。或者说，我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足，现在还在继续，但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且，我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧，比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里，"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话，当时我有一种感觉，这是已经做出来的东西。我也在想，如果只有我一个人谈速度，是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利，也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说："谢谢你的一切。从现在开始，我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么，但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面，这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时，我感到反感和恼火，当我把它称为速度主义时，我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上，绘画与插画融合的尝试一直在进行，但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗？我想知道。不，这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先，我画的东西重要的是线条，这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近，我一直在做数字绘画，当我做数字绘画的时候，质感几乎变得无关紧要，这让线描的特点更加明显。在这个世界上，颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了，我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式，最后还是会有一条线，以及你用这条线做什么。从某种程度上来说，这和学习一种形式类似。 我想问你，你当初画画的行为是怎样的？ 这是很正常的，或者说是一个很普通的故事，我画画的时候大家都很开心，我觉得很有意思。我的父母是酒农，我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里，当我给顾客画像时，他们很高兴。那是很有趣的，我现在仍然喜欢做。 对你来说，绘画或画画是否有类似于装置的意义？ 我想是的与其说是想画点什么，不如说是因我画的东西而发生的事情，我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景，但你所接触的文化中是否有很多画画的内容？ 在这方面，我觉得是漫画。漫画对我很重要，我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画，还有动画。不过我觉得重要的是，线路是移动的。 然后是音乐... 或者说，声音。在我们的日常生活中，基本上都有声音。你喜欢的不是歌手，而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度，速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP，那场比赛中的摩托车可以跑得非常快，我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛，就像一个速度很快的物体从你面前经过，你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音，你能感受到，也能明白，这就是速度。我想，我的图片有追求速度形式的倾向，但另一方面，也有"什么是速度"的问题。比如，有时也叫光速，但没有人见过这个速度。我们知道，速度会越来越快，也会越来越慢，我们每天都能感受到。但首先什么是速度？我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘，很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物，不是吗？例如，有人说，城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的，但是你有没有想过这个问题？ 我有一种感觉，如果人群中人多，速度就快，如果人少，速度就慢。10年前我刚来东京时，这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界，乐在其中。但10年后，这种速度就会变得很压抑，你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏，现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技，很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面，一切都是那么的天衣无缝，无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度，大家就已经很沮丧了吧？不过，这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统，速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到，不是吗？我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野，自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年，他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"（清版与画廊/2015）和"速度之神"（WISH LESS画廊/2019）。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

数字绘画是否应该被视为当代艺术的一部分？当然，这一点毋庸置疑。当然，它不同于传统艺术的画布和油画、丙烯颜料等写实材料，但它仍然需要绘画、构图等艺术技巧，最重要的是创意。 此外，数字绘画可以比以前更及时地反映当前的世界形势。无论是对当时皇室王子的写实肖像，还是对战争的立体主义演绎，总能成为历史的镜子和视觉记录，这也是艺术的另一个重要元素，2020年之后有很多不可忽视的事件发生，越来越多的数字艺术家在描绘这前所未有的一年。 大多数数字作品以版画的形式到达我们面前，不言而喻，缺乏立体感，也缺乏真正意义上的"原创"。但另一方面，也可以实现特有的简洁线条和难以想象的色彩运用。句首的答案是，这不是好坏的问题，而是应该承认新的风格。你将会被这种独创的、毫无争议的艺术力量所折服。   Le Thai Huyen Chauo   一个新兴的迷幻色彩的魔法师。她玩世不恭地将封锁下的日常景观变成了世界末日的迪斯科。       fkXrnbw   艺术的塔巴斯科。严酷的幽默与超现实主义的结合。扭曲的创意让你在"梦中梦"中惊醒。         SAD MARIA   温柔的一巴掌，促进了人们对心理健康的认识。简约的构图强调了信息。       이창희   邀您参加一场融化的幻想曲--细节和图案的复杂组合。