星期四, 5月 6, 2021
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加藤公介个展”Re-scope”将举行。

TRiCERA将于2012年2月20日至27日举办加藤公介个展”Re-scope”。加藤一直在创作,通过景观的分解和重建这一关键词,来指涉景观的结构和视觉本身的模糊性。这次以”别人的观点”为概念,加藤将展出以引用SNS的图片为基础创作的约12幅画作。

在社交网站上上传的很多照片都是”别人的观点”,并不是我们自己实际经历过的,但在数字化转变的今天,我们每天都在不断地接收大量的”别人的观点”。但在今天,通过数字化的转变,我们不断接收到大量的”别人的观点”。也许我们通过第三人的眼睛看到的东西比通过自己的眼睛看到的东西更多。

加藤的画作描绘了信息转换的边缘,景观被分解,其色彩和形式被折叠。通过他的作品和展览,他旨在让我们有机会重新思考我们如何看待事物,在我们数字化的视觉世界中,”看”意味着什么,以及”看”从过去到现在发生了怎样的变化。

我们希望您能喜欢加藤公介在画布上的实验和冒险,因为他在探索风景和视觉。

展览信息
期间:20/02/20 – 2021/02/27
地点:TRiCERA博物馆
东京都港区高轮3号。-东京都港区高轮大厦22-5 SDS
*为防止新的冠状病毒感染,本次展览只接受预约。
请使用以下表格进行预约。
,给您带来的不便,我们深表歉意。


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artclipAdminhttps://www.tricera.net/
我们在ART CLIP涵盖了来自世界各地的最新艺术新闻,并提供艺术家和我们将继续传播信息,更有利于收藏家群体的活动。

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TRiCERA很高兴地推出由13位来自不同国家的艺术家所创作的限量版高品质版画。与DNP的技术合作销售我们希望你会喜欢我们希望您能享受到艺术家直接创造的图像的力量,这只有通过印刷品才能体验到。 结合本项目,我们将提供。我们会把照片装裱起来,然后送到您的手中。   *限时活动至11月30日*由于大家的要求,我们将延长期限至12月31日!如果您想享受此优惠,请在购买后回复我们给您发送的邮件。     。 关于该印刷品 A. 欣赏完整的当代艺术:10万日元(不含税)。 B.广泛的当代艺术:(A3)5万日元(不含税)、(B3)3万日元(不含税)。 C.熟悉当代艺术入门:(A3)15,000日元(不含税)。 版画--可供多人欣赏的艺术。 DNP的技术创新                 关于该印刷品   共有13位艺术家带着不同的材料、技术和主题参与了这个项目,他们各自准备了以下三种类型的印刷作品。   A. 欣赏全面的当代艺术 除了A2(42 x 59.4cm)的大尺寸外,版画还将附带一个版号和艺术家的签名。此外,作品的真实性由使用最新区块链的证书永久保证。 加上尺寸、签名和版号,价格为10万日元(不含税),但推荐给想欣赏和收藏的朋友。 。   B.对当代艺术的广泛品味 除了A3尺寸(29.7×42.0厘米:用于风景),还有B3尺寸(36.4×51.5厘米:用于风景),上面印有版号和艺术家的签名数据。 A3尺寸的价格为30000日元(不含税),B3尺寸的价格为50000日元(不含税)。你可以根据家里墙面的大小选择自己喜欢的尺寸。 。   C.熟悉美术是一门入门课程 尺寸为A3(297×420cm:如果是风景画),价格为15000日元(不含税),推荐给想安心开始艺术创作的朋友。当然,这是一件有版的美术作品。 。             A. 欣赏真正的当代艺术   在此介绍三位艺术家:神子加奈、土田圭介、西川美穗。他们都是了不起的艺术家,他们从自己独特的角度思考绘画。   Kana Kamitoko   1995年出生于鹿儿岛,神童加奈在以洋酒为主题的同时,一直在探索日本的美感。她从明治时期的浮世绘和江户画的色彩和构图运用中看到了日本艺术的一个完美体系,她将日本原有的美学元素与当代的感觉相匹配,进行绘画创作。 在江户时代(1603-1868),洋海是画家们的主要题材,但伴随着明治维新的西化,洋海在日本美术界消失了。神子先生回顾了日本艺术的历史,并创作了一些作品,说明日本原本有一些优秀的东西。     Kana Kamidoko《A-Un》原画价格(参考):900,000日元   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看作品购买页面       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。土田圭介一贯以"心"为主题,但并没有直接引出"心",而是试图通过科幻的世界观来讲述一个故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《青花之翼》原画价格(参考):250万日元。   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看购买页面       Miho Nishikawa   她是一个追求"能看到的和看不到的"的艺术家。 当她开始画的时候,对于如何完成作品并没有一个明确的想法,但是在她画的时候,作品会发生变化,在她认为完成的那一刻,作品就完成了。所以她自己往往在完成后才意识到这一点。 ,西川的画作描绘了一个暧昧的世界,从某种意义上说,西川的画作是文艺的皇道。此外,她还因登上松吉直树的《Hibana》封面而闻名。/su_quote]     西川美穗《红黑》原画价格(参考):50万日元。   打印10万日元(不含税)。   点击这里查看购买页面             B.对当代艺术的广泛品味       Hironobu Naito   据说在众多的动物中,只有人类才有祈祷的行为。内藤先生的作品试图在画作中再现人们突然感受到的神性和神秘感。 ,表现沉默的深蓝色是他作品的特点,但他使用的颜料是矿物颜料。同时,它还可以获得哑光的颜色,这与油画颜料是不同的。/su_quote]     内藤广信《蓝月亮》,原画价格(参考):20万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       Harumi Takahashi   通常情况下,声音是不能用眼睛看到的。高桥女士试图用绘画的方式来表达只能用耳朵捕捉的声音。换句话说,声音是由物体振动产生的现象。她通过在屏幕上画满声音,来描绘声音的外观。/su_quote]     高桥春海《变色龙熊猫》原画价格(参考):65万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。土田圭介一贯以"心"为主题,但并没有直接引出"心",而是试图通过科幻的世界观来讲述一个故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《木板上的祈祷》原画价格(参考):32万日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)       Cos Cos   绘画的主要流派之一是"肖像画",即画人的脸。科科斯做的是素描脸部等细节工作,但却专注于一个人脸上出现的能量颜色,而不是真实的描绘。一个人的脸上有喜、怒、哀、乐等丰富多彩的情绪,他的魅力之一就是敢于直接表达这些情绪。/su_quote]     Koscos《运动中的对称;觉醒》原画价格(参考):418,000日元。   打印30,000日元/50,000日元(不含税)。   A3尺寸作品购买页面在这里30,000日元(不含税)   B3尺寸作品购买页面在这里50,000日元(不含税)             C.熟悉当代艺术是入门课程       土田圭介   日本有一种文化是通过对人物和故事的描写来传达一些东西,比如漫画和动画。虽然土田圭介始终关注"心"这个主题,但他并没有直接引出"心",而是试图通过科幻世界观来讲述故事。 ,他的作品还有一个特点,就是完全用铅笔绘制。只使用垂直线,他需要很长时间才能创造一个点。虽然作品看起来通俗易懂,但从作品中你能感受到他的思想、手的动作等身体力行的痕迹。/su_quote]     土田圭介《孤军奋战》价格(参考):20万日元。   打印15000日元(不含税)。   点击这里查看作品购买页面       Ayaka Tadano   田野女士是一位对"人们如何看待艺术"感兴趣的艺术家,她的作品有趣的地方或许在于,她画的风景画能唤起观者心中的记忆和情感。通过描绘每个人似乎都在某个时刻见过的普通风景,她有能力让观众面对自己的记忆和过去。可以说,这件作品注重的是作品与观者之间的关系。/su_quote]     绫波忠野《融化的太阳》原价(参考):128,000日元   打印15000日元(不含税)。   点击这里购买作品       Choko Beniko   长子的画有一个特点,就是她试图描绘人们突如其来的情绪。人们发脾气,或喜或悲,但都是迟早会消失的。她试图在绘画中捕捉"消失的情感高峰"。画这些瞬间有一种脆弱的美,有点像看一朵即将凋零的花。。     Choko Beniko"Monogatari。原画价格(参考):224,000日元。   打印15,000日元(不含税)。   点击这里查看购买页面       Jura...

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白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

工艺和装饰的语境给绘画带来了什么?采访京森康平。

我的目标是超越时间。以"装饰"为线索,以靛蓝染色等日本工艺为背景进行创作的艺术家京森恭平说:"我的目标是超越时间,通过对历史上流传下来的装饰文化进行解读和更新,并将其转化为绘画作品,我希望创作出让所有人都感到'惊艳'的作品"。我们对他的想法和制作进行了采访。     点击这里获取更多关于艺术家的信息   京森先生,你是在装饰性的背景下进行绘画创作的。我可以先问你这个问题吗? -我以一个当代装饰设计师的头衔工作,但我的心态是以自己的方式诠释和更新历史上众多的装饰文化。所以,在这种情况下,我的作品,以绘画的形式,可以成为一种新的装饰文化形式,不分国家和地区。从某种意义上说,文字在当代艺术,尤其是观念艺术中是很重要的。但我希望我的作品,至少在我自己的作品上,能够感动人,即使他们看到的时候不依靠文字,也能感动人。     点击这里查看作品详情   京森先生,你也参与了平面设计和服装工作。这对你的工作有影响吗? -确实如此,这是很重要的一点。在色彩搭配方面,我觉得我在欧洲学习时尚的经验很有用。另外,因为我是以数码的方式进行创作,所以我尝试着将多种技术和材料结合起来,比如选择材料、融合数码和模拟技术,使我的作品更加强大。 另外,日本平面设计的根基是浮世绘版画,我在作品中也意识到版画的技术和分工。     点击这里查看作品详情   我可以问一下你们的生产工艺吗? -首先我画了一张草图,然后用数字模拟。重要的是要有意想不到的元素,比如通过材料的拼接,偶然产生的。然后,我将作品用电脑绘图,用适合材料的印刷技术打印出来,再用岩漆或U V树脂进行染色或加工成三维形态。     您的作品似乎有好几个系列,但有没有一个是目前特别重要的? -目前,大约有五个系列。 例如,名为"A-UN"的系列是一个希望克服族裔群体之间歧视和偏见的信息。另一个重要的系列是使用靛蓝染色的"JAPAN BLUE"。我跳得有点远,但我认为,社会的不符合性和所有这些都是个性。我认为,一个多元化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以这个系列的主题是对不完美的肯定,我觉得这是我很日本的风格。     点击这里查看更多我的作品   你认为"视觉印象"具有超越语言和时间的力量吗? -在当代艺术的世界里,一直以来,强调概念和文字的观念艺术都是一种强烈的趋势。而且,它是以西方为中心的。 我想探讨一下,我作为一个日本人,又有平面设计和服装的背景,能做些什么。 无论你身处何方,从事何种工作,也无论你属于哪个民族,我认为超越时代的方法就是创作出让所有人都能看一眼就说"哇!"的作品。   请告诉我们你未来的计划。 -今后,我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。 具体来说,我想把有田烧瓷器、德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与自己的装饰画相结合。通过这样做,我相信我可以提升作品/对象的价值、力量和能量。 此外,我希望通过与各地区的共同创作,能够保护好留给日本未来的技术和传统,更希望通过传承进化的传统,将其与超越时代的下一个未来联系起来。   点击这里查看京森康平的作品。

画家、画布和另一边。

我想向对方伸出手,或者说,我想看对方,同时体会画家的位置、画布的位置、对方的位置等多个层次。 佐佐木成美是一位将画布剪开,将彩色玻璃、矿物等材料以拼贴的方式排列在画布上的画家。她说,她的绘画世界,是用多种材料层层叠加的,类似于"挖掘画布"。 在代官山LOKO GALLERY研究生院毕业后的首次个展上,我们对她进行了采访。 郁金香,夜 油画/陶瓷,42×33cm,2018年。 首先,您能给我们简单介绍一下您的展览和作品吗? -至于作文,我主要选取了自己近一年半来的作品。我从大学毕业大概一年半了,这是我大学毕业后的第一次个展。 经常有人问我,我的作品是雕塑、立体作品,还是绘画,但在我看来,它们是绘画,我把它们作为绘画来呈现。我画了很久的画,有一段时间我又在自己的内心仔细地探索什么是绘画,我并没有真正意识到这一点,但这次我的印象是,它已经作为一个作品或一个展览出来了。 草编 油画/石头,50×32.5cm,2018年。 这是关于绘画行为本身吗? 另外,我觉得在你的作品中,拼贴的元素很突出,这也是一个结果吗? 嗯......大概是在2017年左右,我明确地转向了切割画布和拼贴等结合的事情。其实那个时候我在法国留学了半年左右,这对我来说是一个挺大的起点。 我去那里学习现代艺术,除此之外,我还对宗教设施产生了浓厚的兴趣。在那边,有基督教教堂、伊斯兰教寺庙、犹太教寺庙,以及各种情况混合的设施。我对看这种地方的装饰艺术很感兴趣,但当我去了几个地方之后,我就被这样一个事实所吸引,那就是人们为了生活所追求或不得不追求的精神结构以及与这种结构相配套的产品都是一样的。我很着迷,当然,他们每个人都是平等的。我还不能真正的用语言来表达,但我想,画画可能就接近于这种欲望。但是为了让这个愿望得到满足,不仅仅是这样,还有一些不一样的东西,比如说......我真的觉得,我必须要等待一个我无法控制的大力量来发挥作用。我想我的工作就是这样改变的。 所以你因此开始剪画布等? -是的,它是。我还没能用语言表达出具体的因果关系,但一开始我是把东西拼凑在一起,然后我开始用各种材料填充画布,就像某种装饰一样。 材料似乎有差异,但又似乎有共同点。 是的,我选择的材料都是贴近自然的,有一点。木头、陶瓷,还有玻璃、彩绘玻璃。这样的东西混合在一起,也不一定是好的,有时候我觉得一点都不好,但是我在等自己去做这样的组合。这时我就开始剪画布了。 是作为处理这种混合事情的一种方式吗? -当我在画画的时候,我已经迫不及待了。有的时候,我在饱和状态下画画,却无能为力。当我想把它颠倒过来的时候... 或者说,当我想把它颠倒过来的时候,我就把画布剪掉。 但是当我切开的时候,我真的很惊讶,连我自己都很惊讶。虽然我自己也在剪(笑)。(笑)我说:"哦,我切了。...

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3分钟新闻–下一个艺术家从哪里来?

位于新宿的相扑日本美术馆成立于1976年。该馆是东京著名的美术馆之一,收藏了梵高的《向日葵》、高更、塞尚等人的作品,每年举办5次展览。 猎人的盛宴 Shiori Saito 油画/布面,162×194cm,2019年。 这个一直在努力发掘年轻人的博物馆,举办了第八届比赛。以"不分年龄、不分籍贯、具有真正实力的作品"为条件,向全国征集作品。 虽然此次展览因冠状病毒而取消,但此次从全国875件作品中精选出71件获奖作品参展。 展望明天 大槻和弘 布面丙烯,162×194cm,2019年。 我们想通过部分获奖作品的亮点,向大家介绍日本年轻的艺术界。 关于身体的记录 Matsuura Kiyoharu 布面丙烯,162×130.3cm,2019年。

deTaka|生命表情在无常的世界里闪闪发光,生动而精致。

有一天,当大卫-鲍伊去世的消息传来时,活跃在牙医界的deTaka突然出乎意料地决定开始自己的作家生涯。大约是在他的亲朋好友出殡的时候。 作为艺术家,她2018年毕业于京都艺术大学,2019年参加了纽约jadite画廊的群展。在德库宁、毕加索、马蒂斯和塞西莉-布朗的影响下,他创造了强烈而大胆的作品,将粗糙的触感与丰富的色彩和材质结合起来。 虽然deTaka的主要媒介是丙烯画,但他的口袋很深,他的个性在他的混合媒体和数字表达中体现得淋漓尽致。他像杰克逊-波洛克一样在地板上作画,他的"东方歉意"与"西方流行"系列的背景,是他在学校时代受到英国摇滚音乐的影响,是对有限生命的敬畏,是在作品中灵活运用牙具,也是他独特的人生经历。我们相信,他一定会像音乐人一样,给观众带来越来越多的精致和强烈的感受。 有关艺术家的更多信息,请点击这里。

工艺对当代绘画有什么影响?

我的目标是超越时间。"将装饰和工艺运用到绘画中的京森康平说。我们和他聊了聊他的想法和创作。 点击这里了解详情 京森,你的绘画创作是以装饰为背景的吧?在我们开始之前,我可以问你一些事情吗? -我以当代装饰设计师的头衔工作,但我牢记自己是在用自己的方式诠释和更新历史上的诸多装饰文化。从这个角度看,我的作品可能会以绘画的形式,以一种新的方式介绍装饰文化,不分国家和地区。从某种意义上说,语言在当代艺术中很重要,尤其是在观念作品中。但至少我自己的作品,我希望它能让人看了就能被感动,而不是靠文字。 点击这里了解详情 你以前是做平面设计和服装的。这对你的工作有影响吗? -是的,这是一个影响,也是一个重要因素。在色彩搭配上,我想我在欧洲学习时尚的经历起到了作用。我的作品也是数字化的,所以我试图超越二维绘画的界限,结合多种技术和材料,比如材料的选择、数字和模拟的融合,来增强作品的力度。 点击这里了解详情 能否介绍一下你们的生产流程?-先是草图,再是数字模拟,然后是作品的CG图。然后,我用适合材料的印刷技术将作品打印出来,用矿物颜料和UV树脂进行染色和立体加工。 这是一个复杂的过程。-是的,但这种方法的好处是可以创造机会。经由过程数字仿真,创造出意想不到的元素。你不会被自己的想法束缚,但你可以把从自己的想法中解放出来的想法融入到你的制作中。 你的作品中有很多系列,每个系列的重点是什么? -现在我大概有五个系列。例如,"A-UN"系列包含了克服族裔群体之间歧视和偏见的希望信息。另一个重要的系列是"JAPAN BLUE"系列。本系列采用靛蓝染色。本次系列活动的主题是"肯定不完美"。我相信,一切被认为与社会格格不入的东西都是个性。多样化的社会是一个包含了不符合既定框架的特征的社会。所以我觉得很日本。 点击这里了解详情 你有什么信息或目标想通过你的作品传达吗?-我的信息是承认和接受不完美。我的目标是"超越时代"。这个目标我想了很久。这可能是节目中最重要的东西。最近,我一直在思考普遍性的问题,从装饰意义上讲,是不是你看了之后就会有这样的感觉?一个单项设计包含了很多技术、密度、时间和参与人员的精力。每个人看到它都会觉得:"太好了!每个人看到它都会觉得:"太好了!我想你能感觉到它。我喜欢那些让我感动的东西,不用解释,我觉得这很好。 你对未来有什么打算? -我想从装饰的角度出发,利用日本传统工艺的背景进行艺术创作。具体来说,我想把有田烧瓷器和德岛蓝染等历史和传统孕育的技术与我的装饰画相结合。我相信这样做可以提升作品/物品的价值、实力和能量。此外,我们希望通过与各地区的合作,将能够留给日本未来的技术和传统保存下来,并将不断发展的传统传承下去,超越时间的限制。 点击这里了解详情

在爱的形状和颜色上

 即使艺术家所承接的主题是宏大的,但创作的源头可能会出乎意料地是一些熟悉的东西。爱情和浪漫是特别显著的例子。  毕加索举世闻名的《哭泣的女人》是以他的情妇多拉-马尔为原型创作的,而莫奈的《撑着伞走路的女人》如果没有他的妻子卡米尔,也不会成为一幅杰作。首先,"恋人"是西方艺术史上的传统主题。  在这篇文章中,我想告诉大家,艺术家们是如何为"爱情"和"恋人"这一普世主题添加现代精髓的。希望你会喜欢。 Atsushi Imai 有关艺术家的更多信息,请点击这里。 茶叶Ercoles 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Seiji Nakamura 点击这里查看艺术家的详细资料 Jose Cacho 点击这里查看艺术家的详细资料 Delta N.A 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Tamao Nagura 有关艺术家的更多信息,请点击这里

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