星期日, 6月 20, 2021
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编程现在也是艺术家的工具。

中田拓浩主要创作山水画,但他采用了一种不同寻常的方法,将编程技术融入画作中。这不仅是因为他在学习艺术之前学习了数字媒体,更因为他要走在绘画史的最前沿,正如他所说:”新的东西不是光靠绘画就能创造出来的”。也许他可以成为新一代艺术家的榜样。 你说你是先学数字媒体再学艺术,是这样吗? – 本来,我是学数字媒体的。我在大学里参加了艺术俱乐部,也就是在那时我迷上了艺术。在那之后,虽然我主修的是数字媒体,但我开始对数字这种表达方式望而却步。最后,我又重新进入艺术学校,学习具象绘画。 你专注于山水画的原因是什么? – 我觉得如果把注意力放在人身上,就会失去真实感,所以我一直喜欢风景,无论是看风景还是画风景。我相信人和自然是对等的,但我认为我画中的人更像是符号。 现实对你意味着什么? – 现实对我来说就是”死亡”。这听起来可能有点可怕,但我试图画出让你感受到死亡世界和生命世界之间联系的风景。从我记事起,我就对风景有一种特别的感觉,我一直想在我的画中表达这种感觉。 好久不见的朋友》45.5cm×38cm。 你是如何将这种”特殊的感觉”融入到作品中的? — 我做完后故意把图片弄坏了。这幅画没有什么独创性,我的目标更多的是一种偶然的产物。要真正完成每件作品需要很长时间,但只有这样才能创造出我的目标。 你似乎在你的绘画中融入了编程的元素。 — 我从2018年开始混合编程元素。我主要是用Photoshop,但当你在没有目的的情况下修整程序时,就会变得很复杂,也会出现意外。图案设计就是动画,把最好的部分剪下来,变成图像,然后我再把这些图像变成绘画。 目的和方法都是一样的,但动画就像检查哪张图片更好。但最终,模拟和编程之间的try&error参数是完全不同的。 Strage夫人,72.7×91厘米。 你是否专注于一个主题或概念? -我不注重主题或概念。但就艺术史而言,我认为目前的方法是解决隐喻与象征关系问题的最好方法。当然,我的目标是创造新的绘画,但我不能只靠绘画来创造”新”的东西,至少我是这么觉得的,我认为我现在的创作方法/过程正在缩短两者之间的距离。所以现在回过头来看,我觉得学习数码是非常有用的。最近,我对语言的随意性很感兴趣,因为我觉得编程和语言很相似。我想继续以艺术家的身份工作,我认为我的角色是向世界提供一些新的东西。 会议地点,91×116.7厘米

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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独特而迷人的纸艺世界–第一部分

你小时候喜欢用纸做手工吗?我当然有! 我折了,剪了,粘了,组装了,上色了,画了。在我成年之前,可能性似乎是无穷无尽的。成年后,它成了我接到电话时记下的东西,或者贴在电脑上提醒我截止日期。它已经失去了魔力,除非你在看《玩具总动员》。最近,我发现了一个神奇的天堂,在这里,神奇的生命力得到了充分的发挥,那就是纸艺的领域。请允许我与各位老少咸宜的纸友分享。   照亮纸张,纸张不仅是一种包含艺术的媒介,也是一种施展创造力的材料。剪纸是最受欢迎的纸艺形式之一。我也很喜欢它细腻的做工和材质的温和质感。(请在TRiCERA.NET上搜索"纸",在"材料"下查找。)但意识到这两位艺术家所带来的可能性,就像在炎热的夏日在冰川湖中畅游一样,让我这个成年人的眼睛非常清爽。山下哲司--他那无与伦比的技术被称为"纸质拼布";拉西-巴里--她那活泼的人物被称为"纸质雕塑";我相信你一定会同意我的观点,"纸质拼布"是形容这两位艺术家作品的最佳方式。     深入挖掘你所看到的,倾听它告诉你的,山下哲司是一位享誉国际的日本艺术家,他从非洲汲取灵感,在那里他找到了自己真正的使命。乍一看,如果不是质感跃然纸上,我差点以为是一幅画。从非洲部落的色彩和图案来看,我以为会是某种复杂的织品,但事实并非如此。我弄错了都是把小纸片剪下来,层层叠叠地叠成大纸片,很复杂,很细致,很缜密!他的幕后视频是他手艺的完美展示。   视频   https://youtu.be/H4tG-SOuHQ8   更为独特的是,他的原创诗歌伴随着视觉作品。故事中永恒的信息完成了他的作品,仿佛象征着人的无常。他说:"纸是活的。这一分钟的纸片就像一个个音符,而作品就是乐谱"。的确,你几乎可以听到他那宏大的纸质管弦乐和抒情诗词的和谐之声。深入研究你所看到的东西,倾听它告诉你的东西。     无限的活力和都市的精致,在加拿大的荒野中长大的莱西-巴里"经历了自然和文化的奇妙,从五彩缤纷的北极光到当地第一民族部落丰富多彩的礼仪服饰"。她令人惊叹的立体纸艺将她所见证的美丽结晶化。与山下哲司的作品不同,一目了然,纸是首选材料。然而,我不敢相信自己的眼睛,这是纸。它的形状可以是一根羽毛,一朵花,也可以是一栋建筑。我小时候经常做复合折纸和牛奶盒机器人,但这是另一个层次的。她对纸和纸板的工程的掌握是没有极限的。     此外,还值得一提的是,那些巧妙地将无边的活力与城市的精致相结合的作品。例如,《独角兽的翅膀,第1版》中大胆运用色彩和渐变,将大自然母亲的能量展现得淋漓尽致。它是如此的逼真,我们可以想象她一定看到过各种色调的极光。她的系列花卉壁挂因其部落和几何图案围绕着优雅的花朵而脱颖而出。虽然她创作的可穿戴艺术有本土的图案,但她对这些图案的诠释是现代的。也许这种艺术的本能是一种财富,使她有资格被称为"多面手"。她的作品看似冒险,但经过打磨的作品会装饰你的日常。     纸不仅仅是艺术的媒介。有了他们这样的艺术家,我们这些艺术爱好者的目光就无法从纸艺的领域中移开了,作为一个艺术家,我将在即将到来的艺术家中把你列出来。想了解更多有趣的发现,别忘了订阅我们的ArtClip通讯!   更多山下哲司的作品,请点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100122更多Lacy的作品。巴里,点击这里 https://www.tricera.net/artist/8100782

3分钟新闻–下一个艺术家从哪里来?

位于新宿的相扑日本美术馆成立于1976年。该馆是东京著名的美术馆之一,收藏了梵高的《向日葵》、高更、塞尚等人的作品,每年举办5次展览。 猎人的盛宴 Shiori Saito 油画/布面,162×194cm,2019年。 这个一直在努力发掘年轻人的博物馆,举办了第八届比赛。以"不分年龄、不分籍贯、具有真正实力的作品"为条件,向全国征集作品。 虽然此次展览因冠状病毒而取消,但此次从全国875件作品中精选出71件获奖作品参展。 展望明天 大槻和弘 布面丙烯,162×194cm,2019年。 我们想通过部分获奖作品的亮点,向大家介绍日本年轻的艺术界。 关于身体的记录 Matsuura Kiyoharu 布面丙烯,162×130.3cm,2019年。

我想看看画画能引起的化学反应–专访吴林仙娜。

从2011年开始,林加奈武就开始创作和展示以速度为主题的二维表达作品,2015年她发表了类似未来主义的《速度主义宣言》,向艺术史致敬,我们就她迄今为止的职业生涯、作品和制作情况对她进行了采访。 舞蹈 42 x 29.7cm, 纸本Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看她的作品 小林的作品一直以速度为主题。你在平面上对速度的追求,让人想起了未来派,但同时,你似乎已经独立于他们。能否先说说你现在工作的缘起? 速度是我思考了很久的东西,但就我与未来主义的关系而言,我是在2015年才开始意识到这一点。在那之前,我的作品主要是以人为主,但当我画的以人为中心的构图越来越多时,我不可避免地停了下来。人物可以分解为五个部分:脸、手、脚、躯干。很简单,但也正是因为如此,我才觉得这种风格能持续多久是有限度的。大约在2013年,我开始觉得自己需要改变。我想我需要做一些更有实验性的工作。然后,在2015年左右,人们开始说我的作品是"未来主义式的",我也经常被拿来和俄罗斯前卫派等艺术史上的潮流相比较。当时,我对它并不感兴趣,只是知道大家都在说它,但我对它并不了解。本来我也不太懂,但我渐渐厌倦了"人云亦云"的局面,但我什么都不懂。所以我决定做一些研究。在日本,关于这个主题的文献并不多,但在研究的过程中,我了解到他们似乎是专注于速度主题的人,我开始喜欢他们的世界观。 而这也导致了2015年《速度主义宣言》的发布。您当时的这一行动与"未来主义宣言"也有关联,您的意图是什么? 它更像是一个宣言,一个意向声明,说:"我要做一段时间这样的运动。这是一个宣言,所以我像米莱哈人一样,把宣言做成传单,分发出去。当时,周围的人对此颇感兴趣。他们说:"你要怎么做呢?对于我来说,我的心情是战斗的。我想,这就是我要做的事。当时,我一直在画画,但我的心态是没有时间在画画。我不得不直接做概念艺术。我想,如果我没有用空间去接近它,我就无法获胜。 他以未来主义运动为由,转向装置。您的事业起步比较早,但从一开始您的主要精力就放在了绘画上,是吗? 我是2010年进入大学的,第二年开始逐渐工作,所以我想我肯定是早起的鸟儿之一。我在一次公开展览中获得了一个奖项,这就是它的开始。但是,在我做装置的那段时间,我对自己的画很不喜欢。身边的人经常说他们"酷",但我内心却觉得,我花了那么多心思,为什么要把他们当成插画?但我觉得,"我花了那么多心思,你为什么要把它当做插图?就算他们说的再酷炫什么的,到最后也只是被消费。那时候我就在想,我需要用一种更非消耗性的方式来做艺术。 从某种意义上说,空间艺术是人们评价和认知的对立面,而未来主义是这种方式的理论支撑。但随着时间的推移,这些感觉越来越不成熟。这也许是一件很单纯的事,但我渐渐地想画画了。或者说,我是这么认为的。部分原因是时间的关系。我想思考一下自己在绘画方面的不足,现在还在继续,但我尝试绘画的欲望变得更加强烈。况且,我觉得我当初对绘画的态度并不真诚。试图在画布上创作单件艺术品的态度本身就不是我的根基。我想还是重新学习一下基础知识吧,比如拿起油画颜料画一些东西。想到这里,"未来主义"这个概念对我来说几乎是后话,当时我有一种感觉,这是已经做出来的东西。我也在想,如果只有我一个人谈速度,是不是真的有前途。所以我去年4月去了意大利,也就是在那里和他们说了再见。我在他们工作的地方和未来主义告别。我说:"谢谢你的一切。从现在开始,我要做我想做的事情。 我又回来画画了。我还不知道自己在绘画领域要做什么,但我一直在思考绘画和插画的问题。一方面,这是一个障碍。绘画和插画之间有一种永远无法弥补的隔阂。当把它看成插图时,我感到反感和恼火,当我把它称为速度主义时,我有一种融入美术史和绘画史的错觉。在艺术史上,绘画与插画融合的尝试一直在进行,但现在我觉得连"断舍离"这个词都已经淡化了。而这种感觉真的很重要吗?我想知道。不,这不重要。你可以做任何你想做的事情。 首先,我画的东西重要的是线条,这也是我模糊插画和绘画界限的原因。最近,我一直在做数字绘画,当我做数字绘画的时候,质感几乎变得无关紧要,这让线描的特点更加明显。在这个世界上,颜色和颜料的层次等东西都不那么重要了,我越来越痴迷于创造强烈的形式。即使你改变了做事的方式,最后还是会有一条线,以及你用这条线做什么。从某种程度上来说,这和学习一种形式类似。 我想问你,你当初画画的行为是怎样的? 这是很正常的,或者说是一个很普通的故事,我画画的时候大家都很开心,我觉得很有意思。我的父母是酒农,我们住在一家酒铺的二楼。父母经常带我去店里,当我给顾客画像时,他们很高兴。那是很有趣的,我现在仍然喜欢做。 对你来说,绘画或画画是否有类似于装置的意义? 我想是的与其说是想画点什么,不如说是因我画的东西而发生的事情,我觉得是最好的。也许这就是为什么我能够把它当作一个装置来处理。 我想扩展一下你的背景,但你所接触的文化中是否有很多画画的内容? 在这方面,我觉得是漫画。漫画对我很重要,我觉得它对我的生活绝对是必不可少的。漫画,还有动画。不过我觉得重要的是,线路是移动的。 然后是音乐... 或者说,声音。在我们的日常生活中,基本上都有声音。你喜欢的不是歌手,而是音乐、声音。声音本身。音乐对我来说是最快的媒体。我觉得音乐和声音对我来说已经是"快的东西"了。 你提到了速度,速度也是你工作中的一个重要因素。 有一种摩托车比赛叫MotoGP,那场比赛中的摩托车可以跑得非常快,我想超过300公里/小时。你不再觉得自己在看比赛了。你不像在看比赛,就像一个速度很快的物体从你面前经过,你只能听到发动机的声音。你能清楚的感受到的只有发动机的声音,你能感受到,也能明白,这就是速度。我想,我的图片有追求速度形式的倾向,但另一方面,也有"什么是速度"的问题。比如,有时也叫光速,但没有人见过这个速度。我们知道,速度会越来越快,也会越来越慢,我们每天都能感受到。但首先什么是速度?我想谁也看不出这个速度。我觉得它很神秘,很有戏剧性。 速度的概念可以应用于物理学以外的事物,不是吗?例如,有人说,城市地区的时间流向与其他地区不同。我觉得今天人们在城市生活的速度和100年前是不一样的,但是你有没有想过这个问题? 我有一种感觉,如果人群中人多,速度就快,如果人少,速度就慢。10年前我刚来东京时,这里就像一个谜一样。东京的速度是不可思议的。我仿佛置身于一个神话般的速度世界,乐在其中。但10年后,这种速度就会变得很压抑,你已经没有时间去享受它了。我不知道自己是不是单纯的厌倦了。也许人类本身的硬件还没有赶上速度。即使是玩游戏,现在也几乎没有任何加载时间。我们可以这么便宜地享受科技,很多事情都可以简化。无论是在家里还是在外面,一切都是那么的天衣无缝,无处不在。但我觉得我们的大脑已经厌倦了。但如果没有一定的速度,大家就已经很沮丧了吧?不过,这才是有趣的部分。 无论是自然现象还是社会、生活系统,速度都涉及到我们生活的方方面面。 而我们甚至不知道。没有人可以看到,不是吗?我想这就是为什么速度永远是个谜的原因。 简介出生于日本长野,自2011年起开始以二维表达中的速度为主题进行创作。 2015年,他宣布了速度主义的宣言。 他的主要个展包括"大树与巨型啄木鸟"(清版与画廊/2015)和"速度之神"(WISH LESS画廊/2019)。 点击这里查看更多林湘苗木的版本作品。

铃木淳~艺术是脉动的~用圆珠笔画出生活。

铃木淳对艺术的态度,被他形容为"我只想和圆珠笔较量",就像拿着刀的武士一样,可靠而清爽。她的父亲是个陶艺家,母亲是个画家。   她的父亲是个陶艺家,母亲是个画家。铃木小时候熟悉美术,自然而然地开始画画。他被大友胜博的漫画《AKIRA》中细腻的笔触线条所吸引,开始抄袭学习。同时,他也受到了西方音乐专辑封套和六七十年代艺术海报的影响,正如他所说,他的修养不仅造就了各种细致入微的设计,还造就了优秀的构图和平衡感。   他主要用肯特纸和圆珠笔来表达自己的想法,除了画出让人头晕目眩的细线和圆点外,他还尝试在不同的纸张上作画,并进行剪贴,以扩大自己的范围。他在艺术中表达了爱情、生命的能量、异界、生死等大主题,亲切而充满了意外。她将自己的生活凝结成一幅幅圆珠笔画,并通过自己的内心与观者产生联系的创作历程还在继续。   点击这里查看艺术家详情                

我们这个时代还剩下什么”画”–专访东真美。

Azuma Manami以美丽的女孩形象和玩具为主题,通过旋转的运动将时间停留在画布上。结合简单而经典的时间主题、油画的绘画技法和象征日本当代文化一部分的美丽少女形象,阿祖玛的作品直截了当地展现了绘画媒介的广泛适用性和当今时代绘画的可能性。在这次的采访中,我们和Azuma谈论了他的作品背景和他至今的职业生涯。 你一直在创作暗示时间和运动的绘画,以旋转的美女形象为主题,但在你的主题中也有未来主义等西方潮流的感觉。能否介绍一下您目前的作品? 从学生时代开始,我就一直想把运动限制在画中,起初我是想捕捉模糊和摇摆。当时,我用玩具而不是人物,或者用长时间曝光拍摄的真正的旋转木马作为我绘画的基础。 但我当时画的更多的是抽象画。我无法将自己心中的概念完全表达出来,部分原因是我的技巧不够,所以我很迷茫。我在尝试用延时动画的方式来表现人物的旋转,因为我喜欢动画和漫画,所以我想:"为什么不把人物旋转起来,并以此为主题呢?于是我就想:"为什么不把人物旋转起来,以此为主题呢?我想,我可以通过改变今天的主题来表达旋转是时间从过去到未来的流动,而不仅仅是可见的物理旋转,立体派和未来派在做什么。 得知你曾经画过抽象画,我有些惊讶。 考虑到我现在的风格,这可能会让人感到惊讶(笑)。(笑)这是我自己的问题,或者说,这根源于我自己的情结。我真的不擅长画画(笑)。总之,我不太擅长画画。从高中预科到大学初期,我一直想认真地画画,但还是画不出来。我不知道如何画油画。身边的人都喜欢画画,他们用干净的画布看起来很开心。但我做不到,我喜欢用色彩工作,所以在某种程度上我选择了抽象作为逃避的地方。最后也很难做到这一点(笑)。 美好的一天(双尾) 29.7 x 42cm, 纸张Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看我的作品 你现在正在研究具象画。是完全相反的方向,不是吗? 我想我的转折点是到达我现在的生产方式。这几乎就像一种解放。现在,我把将成为我的主题的人物放在转盘上,旋转它们,给它们拍照,然后在电脑上合成,创作出绘画作品。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"这样的问题。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"的问题。意识到这一点,对于我这样的人来说,在绘画上是一个很大的发现。 将自己的品味和情感与确立概念和主题后的画作分开,有什么意义吗? 可能有......或者说,有。我一开始就不善于自我表达。我不是那种没有轨迹就能画画的人。我很精确,我很认真。正是因为我不能自由地画画,所以我才会精心设计和画画。最近我也在想,这也是好事。情感性和叙事性的作品是有讲究的,但就我而言,我认为是要把自我消灭到极致,把纯粹的形式追求到极致。我使用的数字,尽量与自己的兴趣相去甚远。我想防止自己的爱好和情感掺杂在里面,所以我真的想把注意力放在最纯粹的人物形象方面。最终,我觉得如果大家看了我的作品,觉得有趣就好。 我不知道这是不是一种令人不快的说法,但就你那些雕刻整齐的作品而言,是不是很难在数字和实际绘画之间划清界限?我觉得您的作品有一个生命线,就是用油彩作画。 的确,大家可能会想:"为什么不直接用电脑绘图呢?"但我认为,当你看到实物时,你看到的笔触和手绘的痕迹也是趣味的元素。我想这也是我继续画油画的原因。我还是喜欢绘画的物质性,我觉得插画和绘画的区别就在于我对这种物质性是否特别。 MASATAKA当代的装置景观 从特殊性来说,另一个东西就是概念。你试图在一个平面上捕捉时间和运动。这个想法是什么时候开始的? 也许是源于我个人的性格,我无法忍受事物恶化的方式。我无法忍受东西变旧或变脏的想法。有些人对旧东西会有感情,对于皮具,我认为你可以通过使用它们来对它们产生感情,但对我来说,东西在全新出包的时候是最棒的,我想让它们保持这种状态。他们被划伤或弄脏,太痛苦了。这就是为什么我总是用新的人物作为主题,但最近我一直在尝试通过将其制作成绘画来限制它们。 你能告诉我们你的绘画背景吗?你是小时候开始看画画还是画画的? 直到进入大学,我才开始认真地观察艺术,或者说对艺术的历史有了认识,但我开始画画的时间更早。其实,我妈妈是个漫画家,但时间很短,从我上高中到她生下我为止。也许这就是为什么我一直认为,最终我必须成为一名漫画家。这不是我被迫做的事,也没有其他原因,但我有这个模糊的想法。所以我从小就开始画漫画,但还没到投稿或在杂志上发表的程度,更多的是一种爱好。但一路走来,我自然而然地发现,我并不是真的想画漫画,我想做的是画画。 在你的画中引用人物方面,即使不是他们的原形,也是你感受亚文化背景的一个点。你是否知道当时的绘画场景? 是的,我意识到引用漫画和动画的绘画趋势,但在我的情况下,它更个人化。我不能在空白的画布上作画,只好准备一张蓝图,我决定用一个熟悉的人物作为图案。所以与其说是意识到当代艺术的语境,不如说是我内心与绘画自然互动的延伸。 随着工作越来越多,你有没有什么感触,或者说你自己的工作有什么地方是你思考的? 我经常思考我的工作,但最近我经常思考活动本身。特别是关于继续我的活动。这是因为大家在大学毕业后就不再画画了。即使继续,也会停止。由于每个人的情况不同,我想这是不可避免的,但我想在学生时代,大家都在同一个画室里画画,一起努力。但现在我一个人画画,班里的画师越来越少。就像我之前说的,我不认为我适合做一个艺术家。我是认真的,没有蓝本我是不会画画的,我从小在普通家庭长大,没有特别特别的背景。我身边有很多人更喜欢画画,更适合做艺术家,但他们因为各种原因放弃了,不知为何只剩下我一个人。我认为这是一个非常奇怪的情况。也许这就是我为什么这么坚定的原因。这就是一个字的决心(笑)。(笑)我想,"我还是继续走吧。我画画很久了,一直画不好,但是我考上了研究生,一直在坚持,所以我不知道我有什么收获,但是如果我继续画下去,也许会有收获。就像画画一样,继续画画可能是一场更孤独的战斗。 简介1988年出生于神奈川县横滨市,2013年在城北艺术设计大学获得美术硕士学位。2013年,她获得了福泽一郎奖。主要展览包括:Roentgenwerke的"Meiklichkeit 4"(2013)、Nichido画廊的"未来展"(2016)、MASATAKA CONTEMPORARY的"ICON"(2019)。此外,他还在纽约和香港的许多艺术博览会上展出。

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Quick Insight Vol.2 – 浅間明日美 –

浅间麻美试图通过刺绣技术来了解自己和世界本身。对浅间来说,她说:"我就像一个容器,站在我的本能和我的工作之间。"刺绣具有仪式感的意义:她把她所捕捉到的基本感觉勾勒出来,缝在布上,然后重复这个动作。在这次采访中,我们和他聊了聊他的制作背景,以及他是如何形成现在的风格的。 浅间先生,你是用刺绣来作画的。你在哪里学的刺绣? ,其实我完全是自学成才。我没有跟任何人学过,也不遵守任何职业规则。我只是想找到自己的做事方法。我是自学成才的,所以我有自己的规则,但我没有把它们系统化为知识。所以有时候有人请我去开研讨会,但我不会教。 ,你是怎么开始接触刺绣 的? 我以前是一名插画师,但正是因为孩子的病,让我转入了刺绣行业。为了照顾她,我不得不休息一下,但我还是想创作,想表达自己。但很难找到时间和空间来画画。我想知道,我是否能以某种方式创造出一种可持续发展的生活方式。我就这样想到了刺绣。如果你只有针和线,你可以在厨房里做。     Hon Utatori系列 - Bacchus(巴克斯) 33 x 33cm, 刺绣, 布料, 板材 点击这里查看我的作品     是什么让你坚持做纹绣? ,我想是因为它最适合我的性格。绣花就是重复同样的行为,不是吗?你重复同样的手部动作。我想,这种重复可以让我抛开自我,或者说在某种意义上,这几乎就像冥想。也许这就像一个仪式。我觉得刺绣这个行为让我更接近真理。   ,这种表达方式是否也会影响你的作品内容? 我想也是。我的作品没有社会或政治信息。这也不是概念性的... ...我想。这比较抽象,就像我在确认自己的存在。这是一种身体上的感觉,只有在缝制的时候自己才会感觉到。但那里没有自我。这是在很简单的层面上对存在的一种确认。   冬姑娘 25.8 x 31.8厘米,布上刺绣。 点击这里查看作品     没有利己主义很重要,不是吗? ,我是一个比较喜欢灵感的人,但在这种情况下,能把脑海中出现的画面,不管多仔细、多认真,都要让它们从脑海中消失。我的作品能有多纯粹?这才是最重要的。作品的味道也可以强调纯真。   Honka-tori系列 -...

感同身受,把它带进你的生活–当一个收藏品诞生时

涉足多项新业务的川本先生,最近开始购买艺术品。他告诉我们:"通过与艺术家的对话,我从作品的概念和信息中获得了灵感。 我对作品的同情心促使我买下了它。 川本先生,能不能说说你第一次接触艺术的情况? -我恐怕没有什么高大上的理由(笑),但我第一次接触艺术是在朋友邀请我参加的一个展览上。我的朋友是一位艺术家,因为是他的第一次展览,所以我去现场买了他的作品。 这是第一件作品(你买的第一件作品),对不对? -是的,它是。以前也买过批量生产的室内艺术品,但我不知道称之为真正的艺术品是否合适,但那是我第一次买到不是批量生产的独一无二的艺术品。 我对艺术品的兴趣由来已久,但我不知道买艺术品的线索和礼仪,"买艺术品"也不是我熟悉的东西。 中岛健太 无名氏地平线系列 18.5 x 18.5cm 点击这里获取更多关于艺术家的信息 您购买的导火索是什么? -我想,是与艺术家的对话让我更接近购买作品。当你听了艺术家的话,你会知道你所看到的东西背后是有故事的,你可以更深刻地理解"我明白了,这就是背后的信息"。而且我觉得这个信息和我觉得对我很重要的价值观之间有一个共同点。所以我想我要下定决心买下它(笑)。 (笑)把它陈列在我家的好处是,我每天都能看到它,一个包含着我能感受到的信息的作品。每当我这样做的时候,就像我在有些视觉上追踪我的思想。这很有趣,不是吗? 所以,观念的共鸣是你的一个主要观点? -我被这个消息吸引了,这也是其中的一个重要原因。我个人通常强调的是对愿景和信息的共鸣。例如,当我被邀请加入之前的公司时,我非常同情它的愿景,这是我决定换工作的一个决定性因素。 花神子血6 30 x 120cm。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 通过参与这项工作,你还有什么发现吗? -我不会说它和艺术完全一样,但我确实觉得和新企业的心态有相似之处。在企业中,你需要一个具体的、高难度的计划,用一个具体的想法来解决问题,但每一件艺术品也都有创新的地方,那就是前所未有的想法和表现形式。我认为艺术的独特性与此类似。 除了概念和信息,您在购买时还考虑了哪些点? -我考虑的是它与房间的配合。我以前经常为朋友举办家庭聚会,一年至少搬一次家(笑),所以我对自己的家很讲究。我一直喜欢室内设计,思考是否与房间相配是我喜欢的事情之一。 你认为艺术是室内设计的延伸吗? -不,又不一样了。我不是在说孰优孰劣,但就艺术而言,我把它融入我的生活,包括它的信息。以前我也经常买室内艺术品,但真正买了艺术品之后,我觉得两者的区别在于是否存在。 我是买卖房地产的,包括协调房,所以对室内设计相当熟悉。所以,我当然喜欢室内设计,但我认为,每一种设计都是可以在不同的轴线上享受的。艺术不是功能性的,也不仅仅是视觉上的。我认为,能够欣赏到的不仅仅是物品本身,还有艺术家的思想和信息,这很有意思。 一个平台的重要性,对初学者来说是可以接受的。 随着你兴趣的增长,我相信你一定会想找到新的作品。 -是的,这是真的。另一方面,我认为还有一个信息的问题。要想知道外面有什么样的艺术家,或者何时何地举办什么样的展览,是很难得到信息的。你必须去得到它,否则它不会自然而然地出现。当然有全行业的信息网络,但我的印象是,从外面很难进入。我觉得去画廊很难,直到朋友介绍我去了一家画廊。 我也参加了一个艺术博览会,但最后我没有在那里买任何东西。当然参与的画廊很多,展出的作品也很多,但我找不到自己想要的作品。可能是我与艺术家交谈的机会不多,也可能是我想要的作品与我的预算不匹配。我能说什么呢,我认为要找到一个符合所有条件的作品是非常困难的。如果你是一个初学者,可能会更加困难。比如,你想买,但你不知道怎么找。在我的印象中,买家的进入门槛也很高(笑)。 曾超 KK190612 53 x 53cm 点击这里获取更多关于艺术家的信息 利用互联网在信息量上有优势,但你对网上购买艺术品怎么看? -我认为,其中一个障碍是价值的保证。在室内设计方面,我以形象、品牌、价格、家的和谐感为指标,但对于艺术,我想我需要更高级的信息。 我曾经参加过一个在线英语会话课程,我记得老师的资料里不仅有文字,还有视频和很多资料,很有帮助。我想,如果在艺术上也能有这样的东西就好了。 这与你说的作品信息的重要性有关。 -是的,我们很容易期待比屏幕上显示的图像更深刻的东西。不过,这只是我的想法。我对传达作品价值的更深层次的信息感兴趣,比如使用这些颜色背后的意图是什么,或者为什么这些线条是这样的。 A.C.D 柯布西耶的《旋风》51 x 61cm。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 除了你的艺术,你还买卖房地产。 -不一定,但我还没有买过一件贵到我强烈意识到其资产价值的艺术品。如果要买一件价值百万日元的艺术品,我想我一定会有一种强烈的冲动,说"这也是一种投资"(笑)。这不是浪费钱。(笑)我说的只是我个人的水平,但我认为我可以花的钱会增加一个数量级。 您今后有什么收藏或购买的计划吗? -当然,我希望能找到好的作品。我觉得有必要培养自己的眼光。我希望能够和艺术家交谈,了解他们在说什么。我希望能够更好地了解他们的工作质量。

我们这个时代还剩下什么”画”–专访东真美。

Azuma Manami以美丽的女孩形象和玩具为主题,通过旋转的运动将时间停留在画布上。结合简单而经典的时间主题、油画的绘画技法和象征日本当代文化一部分的美丽少女形象,阿祖玛的作品直截了当地展现了绘画媒介的广泛适用性和当今时代绘画的可能性。在这次的采访中,我们和Azuma谈论了他的作品背景和他至今的职业生涯。 你一直在创作暗示时间和运动的绘画,以旋转的美女形象为主题,但在你的主题中也有未来主义等西方潮流的感觉。能否介绍一下您目前的作品? 从学生时代开始,我就一直想把运动限制在画中,起初我是想捕捉模糊和摇摆。当时,我用玩具而不是人物,或者用长时间曝光拍摄的真正的旋转木马作为我绘画的基础。 但我当时画的更多的是抽象画。我无法将自己心中的概念完全表达出来,部分原因是我的技巧不够,所以我很迷茫。我在尝试用延时动画的方式来表现人物的旋转,因为我喜欢动画和漫画,所以我想:"为什么不把人物旋转起来,并以此为主题呢?于是我就想:"为什么不把人物旋转起来,以此为主题呢?我想,我可以通过改变今天的主题来表达旋转是时间从过去到未来的流动,而不仅仅是可见的物理旋转,立体派和未来派在做什么。 得知你曾经画过抽象画,我有些惊讶。 考虑到我现在的风格,这可能会让人感到惊讶(笑)。(笑)这是我自己的问题,或者说,这根源于我自己的情结。我真的不擅长画画(笑)。总之,我不太擅长画画。从高中预科到大学初期,我一直想认真地画画,但还是画不出来。我不知道如何画油画。身边的人都喜欢画画,他们用干净的画布看起来很开心。但我做不到,我喜欢用色彩工作,所以在某种程度上我选择了抽象作为逃避的地方。最后也很难做到这一点(笑)。 美好的一天(双尾) 29.7 x 42cm, 纸张Giclee印刷, 版本:50 点击这里查看我的作品 你现在正在研究具象画。是完全相反的方向,不是吗? 我想我的转折点是到达我现在的生产方式。这几乎就像一种解放。现在,我把将成为我的主题的人物放在转盘上,旋转它们,给它们拍照,然后在电脑上合成,创作出绘画作品。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"这样的问题。换句话说,通过先确定画什么,我避免了"我应该画什么"的问题。意识到这一点,对于我这样的人来说,在绘画上是一个很大的发现。 将自己的品味和情感与确立概念和主题后的画作分开,有什么意义吗? 可能有......或者说,有。我一开始就不善于自我表达。我不是那种没有轨迹就能画画的人。我很精确,我很认真。正是因为我不能自由地画画,所以我才会精心设计和画画。最近我也在想,这也是好事。情感性和叙事性的作品是有讲究的,但就我而言,我认为是要把自我消灭到极致,把纯粹的形式追求到极致。我使用的数字,尽量与自己的兴趣相去甚远。我想防止自己的爱好和情感掺杂在里面,所以我真的想把注意力放在最纯粹的人物形象方面。最终,我觉得如果大家看了我的作品,觉得有趣就好。 我不知道这是不是一种令人不快的说法,但就你那些雕刻整齐的作品而言,是不是很难在数字和实际绘画之间划清界限?我觉得您的作品有一个生命线,就是用油彩作画。 的确,大家可能会想:"为什么不直接用电脑绘图呢?"但我认为,当你看到实物时,你看到的笔触和手绘的痕迹也是趣味的元素。我想这也是我继续画油画的原因。我还是喜欢绘画的物质性,我觉得插画和绘画的区别就在于我对这种物质性是否特别。 MASATAKA当代的装置景观 从特殊性来说,另一个东西就是概念。你试图在一个平面上捕捉时间和运动。这个想法是什么时候开始的? 也许是源于我个人的性格,我无法忍受事物恶化的方式。我无法忍受东西变旧或变脏的想法。有些人对旧东西会有感情,对于皮具,我认为你可以通过使用它们来对它们产生感情,但对我来说,东西在全新出包的时候是最棒的,我想让它们保持这种状态。他们被划伤或弄脏,太痛苦了。这就是为什么我总是用新的人物作为主题,但最近我一直在尝试通过将其制作成绘画来限制它们。 你能告诉我们你的绘画背景吗?你是小时候开始看画画还是画画的? 直到进入大学,我才开始认真地观察艺术,或者说对艺术的历史有了认识,但我开始画画的时间更早。其实,我妈妈是个漫画家,但时间很短,从我上高中到她生下我为止。也许这就是为什么我一直认为,最终我必须成为一名漫画家。这不是我被迫做的事,也没有其他原因,但我有这个模糊的想法。所以我从小就开始画漫画,但还没到投稿或在杂志上发表的程度,更多的是一种爱好。但一路走来,我自然而然地发现,我并不是真的想画漫画,我想做的是画画。 在你的画中引用人物方面,即使不是他们的原形,也是你感受亚文化背景的一个点。你是否知道当时的绘画场景? 是的,我意识到引用漫画和动画的绘画趋势,但在我的情况下,它更个人化。我不能在空白的画布上作画,只好准备一张蓝图,我决定用一个熟悉的人物作为图案。所以与其说是意识到当代艺术的语境,不如说是我内心与绘画自然互动的延伸。 随着工作越来越多,你有没有什么感触,或者说你自己的工作有什么地方是你思考的? 我经常思考我的工作,但最近我经常思考活动本身。特别是关于继续我的活动。这是因为大家在大学毕业后就不再画画了。即使继续,也会停止。由于每个人的情况不同,我想这是不可避免的,但我想在学生时代,大家都在同一个画室里画画,一起努力。但现在我一个人画画,班里的画师越来越少。就像我之前说的,我不认为我适合做一个艺术家。我是认真的,没有蓝本我是不会画画的,我从小在普通家庭长大,没有特别特别的背景。我身边有很多人更喜欢画画,更适合做艺术家,但他们因为各种原因放弃了,不知为何只剩下我一个人。我认为这是一个非常奇怪的情况。也许这就是我为什么这么坚定的原因。这就是一个字的决心(笑)。(笑)我想,"我还是继续走吧。我画画很久了,一直画不好,但是我考上了研究生,一直在坚持,所以我不知道我有什么收获,但是如果我继续画下去,也许会有收获。就像画画一样,继续画画可能是一场更孤独的战斗。 简介1988年出生于神奈川县横滨市,2013年在城北艺术设计大学获得美术硕士学位。2013年,她获得了福泽一郎奖。主要展览包括:Roentgenwerke的"Meiklichkeit 4"(2013)、Nichido画廊的"未来展"(2016)、MASATAKA CONTEMPORARY的"ICON"(2019)。此外,他还在纽约和香港的许多艺术博览会上展出。

菊竹雄鹰画廊展览”我想要一颗钉子”的评论。

装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 6月6日至7月13日,菊竹优人画廊隆重推出艺术家二人组作品展"为了想钉子"。 奈尔-霍尔是由两位日本年轻艺术家田中义久和饭田龙太组成的艺术家二人组,始于2007年,当时田中和饭田就如何提出和分享当代社会的问题进行了讨论。他们从2007年开始合作。 今年在菊竹丰画廊举办的展览,将展出以大分县别府市为灵感的作品。去年夏天,内尔-霍尔参加了在别府举办的名为"KASHIMA"的居住项目。在这个项目中,她研究了日本最著名的温泉胜地之一别府的历史,从明治初期到第一次世界大战和第二次世界大战的历史。 内尔-霍尔的研究范围从别府人的口述历史到当地的资源和温泉的自然环境,以及伴随着历史发展而来的文化方面。 研究成果以13幅作品的形式展示在葵之家、别府公园以及他居住的商业设施的墙壁上。此次在东京Yutaka Kikutake画廊举办的展览中,我们还将展出上述作为东京项目而构思的新作品。新的作品也是基于在驻地进行的研究。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 他们作品的有趣之处在于,每一部作品都有自己的故事。比如,《金先生的肖像》是我与当地一位金先生的对话所得到的灵感。金先生的肖像》背后的故事是这样的向尼赫鲁讲述了在朝鲜战争中当兵的人,回国后开韩国烧烤店的故事,以及二战后移民日本的朝鲜人在日本生活的故事。这部作品的诞生,是因为聆听了在日本的韩国移民的故事,他们现在已经成为当地人,让我们感受到不同背景的人的历史和生活。 装置视图,Nerhol《因为想要一颗钉子》,2019 ©️Nerhol。 照片:山中新太郎(Qsyum! 菊竹丰画廊提供。 野豚"和"节拍器"的灵感来源于别府动物的故事和经历。尼赫鲁听说别府的河流中居住着热带鱼,便到堺河下游寻找瓜皮鱼,结果找到了。虽然石斑鱼原产于南美洲,但它已经成为当地的一种鱼类。豚鱼已经适应了环境的变化,看起来更像一条鳉鱼,但它的腹部仍然有着热带鱼特有的鲜艳。此外,通过《节拍器》,Nelhole还将个人经历与当地动物的记忆结合在一起,当我去看高崎山的野生猴子时,那里有1200多只猴子,我看到父母猴子在它们死后的几个星期里都在背着和抱着它们的小猴子。我很惊讶。这种行为是由于没有接受这种情况。在回家的路上,内尔霍听着与猴子心跳节奏相同的节拍器安静的声音,他回忆着猴子的行为。 ...

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看着”吃”。艺术中的食物故事。

西班牙小说家、《堂吉诃德》的作者塞万提斯说:"如果我有面包,我几乎可以承受任何悲伤。 点击这里查看作品详情 错过一顿饭,就会心灰意冷,如果继续一周不吃不喝,就会死亡。另一方面,"吃"的行为在人类社会中发挥了重要作用。 例如,古希腊最强的军事国家斯巴达就很重视"同吃"。斯巴达人认为,共同进餐可以加强他们的团结。 此外,还有其他"食规"。当然,这并不局限于个人喜好(如"晚上不吃碳水化合物"),比如伊斯兰教禁止吃猪肉,印度教禁止吃牛肉,佛教有些派别只允许早上吃。 有些宗教对食物有严格的规定,食物和饮食对人类似乎很重要,但在艺术界呢?我们是如何为自己塑造这个重量级的问题的? 我们以绘画为例来看。绘画大致有两种类型:具象、抽象和介于两者之间,艾拉的作品属于最后一种,在这个类似波普艺术的世界里,她用各种色彩将葡萄视觉化,使其摆脱了原有的形态。 点击这里查看详情 "看起来很好吃的工作"怎么样?中岛健太画的寿司用的是现实主义的方法,从情色上刺激食欲,18世纪作家莱辛在《老茧》中说过,"绘画要抓住合适的时机"。换句话说,中岛的寿司,抓住了最美味的时刻,也就是工匠抓起寿司,呈现给顾客的那一刻。 点击这里查看详情 便当也是一种有趣的餐食形式。一般来说,吃饭是指在家里或餐厅里坐下来的行为。新乐的画,含有733卡路里和20克蛋白质,就是一个最好的例子。如果你试着把它理解为"某人为别人做的便当",就能看出其中的故事。这样一来,打完架后的早上,盒子里可能只有米饭,另一方面,你可能会遇到时间和食材都很充足的便当,就像这部作品一样。从某种意义上说,便当可以说是通过食物进行无声的交流。 点击这里查看作品详情 首先"吃"是什么意思?除了极端的极简主义者和动物之外,"吃"和"养"对于人类来说是两回事。想吃什么就吃什么,想什么时候吃就吃,想在哪里吃就在哪里吃,想怎么吃就怎么吃。这是人类独有的一种乐趣。或者,这可能是人类特有的一种游戏。 点击这里查看作品详情 吃的行为,反映了极端的个人口味和执念,从某种意义上来说,是一种表达自己个性的方式。另一方面,买艺术品就是买艺术家的才华和思想。购买一件描绘食物和饮食的艺术品,也可能是了解艺术家生活的一种方式。

漫画的人工化会产生什么? Shueisha的”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”旨在打造下一部漫画。

SHUEISHA的"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是由Shueisha将漫画原画转化为版画作品的项目。这次我们邀请到了树艺社数字部的冈本正文、收藏家小池爱和艺术家曾周,从各自的角度出发,就"漫画艺术"的潜力及其与艺术产业的互动进行了圆桌讨论。 艺术作为一种方法论,会不会改变漫画的传承? - 我想说的是由树艺社与导演冈本正志、收藏家小池爱、艺术家曾周共同发起的跨界EC项目"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。首先,冈本先生,请您简单介绍一下这个项目,据我所知,这个项目的灵感来源是漫画档案? 冈本正志(OkamotoMasashi)是的,这一切都始于2007年左右由树枝社开始的漫画数字档案馆(简称CDA)。当时,"数字档案馆"这个词本身还很陌生。随着时间的推移,我们当然是用它来做数字漫画,但我们也在寻找其他的漫画输出方式和向世界传达的方式,其中一个结果就是"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。 第一,它不仅仅是对原作的简单复制,而是本身就是一件艺术品;第二,它与Startburn的艺术区块链网络Startrail相连,记录每件作品的历史。最后,作为文化厅参与的项目,基于如何将纸质漫画传给后代的问题意识,启动了漫画原画档案。虽然时间有点长,但这是项目启动的三大支柱。 - 我觉得漫画的制作和发行有继承的一面,但我觉得这种"矫情"对观众,当然对创作者也有不同的逻辑。 冈本:我想问一下两位的看法,从项目方来说,当我们想到"把艺术变成漫画"的时候,我们就会想,把漫画放到美术的语境中去发行,是不是真的是一个好主意?漫画是漫画,艺术是艺术,它们在不同的背景下发展起来了。这就是为什么我们叫它"MANGA-ART",在漫画和艺术之间加个连字符。我觉得不如说我们正在创造一种新的漫画艺术流派。 小池爱(小池)我觉得这是一种很好的思维方式,或者说是一种很灵活的思维方式。我也很喜欢你这次选择用跨境EC。从市场来看,全球艺术品市场约为7万亿日元。在日本,它的规模要小得多,所以我觉得针对海外市场的这种举措是一个非常好的决定。 冈本:非常感谢您。那么,在日本,大概是3500亿日元吧? 小池你用"大量的估计"作为前言。如果我们专注于纯交易,通常说是2500亿日元左右。 冈本:我明白了。以漫画为例,去年数字漫画的销售额约为3500亿日元。而这只是在日本。如果包括世界其他地区,甚至纸质漫画,市场就会变得更大。我认为漫画与其不敢完美适应美术的风格,不如利用其作为漫画发展的背景。当然,我认为可以和美术界的人合作。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本:当我想到那个"把漫画变成艺术作品"的时候,我想特别问一下作为艺术家的曾周你,它的真实面貌如何。 曾超先生,你用油画创作的作品,质感很鲜明吧?艺术家的手直接参与到作品中,可以说,作品具有很强的物理感觉。这次您的漫画艺术不同于传统的油画或作品的触感或立体感,而是注重平面感,但我想问您作为一个画家对此有何感想。 曾周是的,一般来说,美术绘画更注重物质性和物理性。他们往往更看重物质感,而不是二维的形象,我觉得这和漫画的思维方式很不一样。  但说到平面,我想到的是村上隆的《超平面》。在中国,也有一些作品具有动漫、漫画的语境,但评论家反应并不好。他们说:"日本的质量更高。所以,从某种程度上来说,我觉得这是日本人特有的一种思维方式,或者说是一种制作方式。 - 你提到了物质性,但这次你对印刷品的要求特别高。我认为技术层面上,特殊印刷技术的运用,使其具有了作为物品的价值。 冈本:非常感谢您。这是一个时间问题,我觉得我真的很幸运。我有一台特殊的印刷机器和一个特殊的工匠。 为了《Shonen Jump》,我们每周都会制作凹凸不平的树脂版,用大凸版印刷,但这是用质量不高的纸张印刷的。纸张和印刷都不值漫画周刊的价格。但我想,如果我真的在凸版印刷上印出漂亮的图案,会怎么样呢?要做到这一点,你需要的是一台能够高质量印刷的凸版印刷机,而不是一台高速印刷的轮转印刷机。听说以前东京有很多,但现在几乎没有了。这一次,京东印刷集团找到了长野有一家印刷公司,我们请熟练的工匠进行印刷。 小池听完你刚才说的话,我在想,这就是团队合作。基本上,一个艺术家单独用油画和丙烯画创作是有吸引力的,但漫画是一个综合的创作,漫画家、编辑、印刷厂都在一起工作。 冈本是的因为漫画的背景其实是出奇的陌生。但这些机器和技术如果不改变,就会失传。如果这成为一个契机,将他们传递出去,我想这将是非常有意义的。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本这是一个精致平衡的世界,不是吗? 小池不,真的是这样。我对年轻艺术家特别小心。日本的拍卖会越来越受欢迎,但如果在日本的价格过高,外国画廊就不会善罢甘休,或者不愿意与之打交道。他们说:"我们这样做是赚不到钱的。但另一方面,如果价格相对于质量来说比较低,他们认为还有发展空间。 冈本:哦,如果价格已经确定了......。 曾超:二中在中国也有非常大的影响力。特别是在香港,它是非常强大的。不过也有一些艺术家被卷进去了。 小池当然,在国内市场的固定经济范围内工作也是一种方式,但根据艺人所处的阶段,如果二货的价格只增不减,很难走向世界。 在当代艺术的世界里,需要这样一丝不苟的处理,我想这个项目可以让大家的思维更加灵活。即使建立二级市场,也不会对漫画家产生巨大影响。此外,它的区块链管理得很好。 冈本:区块链是一个很大的诱因。一部作品的历史会被记录下来,未来还有空间去考虑追诉权等问题。即使是树艺社出版的原版复制品,在二级市场上的售价也很高,我想研究如何利用区块链系统将利润返还给艺术家。 另外,在职业方面,这次我们是请三位老师,但最终还是想请新的漫画家。 我觉得很多纸质漫画杂志的结构越来越严谨。除了漫画杂志的稿费和漫画的版税之外,我觉得如果漫画艺术能够发展成为一种收入形式,也是一件好事。初出茅庐的漫画家一百万日元和老手一百万日元的分量是完全不同的......。 小池这是作者的新选择,由于LINE漫画和数字漫画的出现,成为作者的门槛降低了,但要想以此为生还是很困难的,有这样的选择真是太好了。....其实从4月份开始,我在一所艺术大学给包括漫画家在内的未来艺术家教授创业,这正是我所思考的问题。 冈本是的当然,我们要面对如何传承漫画的问题,但另一方面,这也是参与漫画本身的变化,以及漫画家自身职业的一种方式。虽然现在还很早,但是我想以一种灵活的方式来考虑项目的发展,包括你今天说的。 简介冈本正志|冈本正志"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"理事。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。在女性杂志和女性杂志门户网站工作后,参与了漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。 小池爱,1985年生于东京。毕业于庆应义塾大学法律系。大学期间在创业公司工作后,2010年加入了百合堂。2012年至2015年,她在私募股权基金Advantage Partners工作,参与收购(LBO)投资、被投企业管理和新业务运营;2016年起,她在Asuka Holdings工作,参与东南亚和印度的创业投资。2020年,他在日本创办了GO FUND。2020年12月,他将成为艺术YouTube节目《遇见你的艺术》的领航人。 曾超,1985年出生于中国湖南。他毕业于东京造形大学,获得美术学博士学位。他以"启音"和"伪舜石"两个关键词,将中国画的传统特色与当代艺术的视角交织在一起,并以一种全新的、独特的绘画语言呈现在祖国当代社会的各个方面。 SHUEISHA MANGA-ART HERITAGEhttps://mangaart.jp/

武田宏树:用生动的水彩画栖息在动物的世界里。

我爱上了水彩画的美,从那时起,我就开始挑战自己,创造只有我才能创造的色彩。   武田宏树是日本新锐水彩画家,他将鲜艳的色彩与植物主题相结合,建立了自己独特的动物写实肖像画风格。在这次采访中,我们和他聊了聊他作品的起源,他如何形成自己独特的风格,以及水彩画的魅力。本采访为清晰起见,进行了轻微编辑。   貓 作者:武田宏树     水彩画、植物和动物的融合。 作为一个艺术家,她在寻找自己的方向 鲜艳色彩的融合 在哪里可以买到武田广树的作品? 水彩画、植物和动物的融合。 ...我的艺术是独特的,我把动物、花卉和植物结合起来,创造出逼真而又吸引人的描绘。 解释你作品背后的概念。你想代表什么样的世界? 自从我爱上了水彩画的美,并开始创造只有我才能创造的色彩,有三样东西统一了我的作品:水彩画、植物图案和动物。 发现水彩画之美 我第一次对水彩画产生兴趣,是在大学期间跟插画家佐佐木五郎上了一堂课。在此之前,我只知道水彩画是用柔和的色彩层层叠加而成的,但当我了解到佐佐木的画风时,我感到非常震惊。在此之前,我只知道水彩画是层层叠叠的柔和色彩,但我被佐佐木强烈而生动的色彩画风所震撼。 对植物的热爱 激发我以花草为题材进行艺术创作的灵感,是我在大学生兼职漫画工作时,看到一个穿着花裙子的女人。另一个原因可能是我从小就被植物包围着,因为母亲一直喜欢种植物。 通过动物表达愿景 毕业后,我尝试了各种艺术风格,包括时下流行的"酷"艺术风格,但家人告诉我,这种风格不适合我的性格。我花了很多时间试图找到自己的艺术风格。有一天,我的脑海里突然出现了一幅动物的画,它的毛发像一株植物。 将水彩画与植物和动物相结合的想法让我觉得非常自然。当然,其他艺术家画动物的目的很简单,就是为了可爱,但我觉得我的艺术很独特,我把动物、花草结合起来,既写实又吸引人。 日本松鼠 作者:武田宏树       在你的艺术历程中,是否有什么艺术家或作品深深影响了你? 正如我前面提到的,是佐佐木五郎让我对水彩画产生了兴趣,但对我影响最大的艺术家是大栉武,我在确定了现在的艺术风格后,通过一个名为"Terakoya"的项目认识了大栉。大钏对我和我的艺术风格的认可给了我很大的信心。我非常尊敬大悟师,视他为我的导师。他对我的影响很大,因为他使用了不画轮廓的技巧。 作为一个艺术家,我在寻找自己的方向 自从认识了佐佐木五郎,我就把自己的一生都献给了水彩画。 你是如何开始你的艺术生涯的? 小时候,我很喜欢日本漫画《龙珠》系列。我被这本书的插图画法惊呆了。我喜欢一遍遍地描摹漫画的板块,但我从来没有用薄薄的描摹纸来涂色。当我成为一名初中生的时候,我尝试着创作自己的原创漫画,我甚至想过成为一名漫画家。 没过多久,我就意识到做一个漫画家是多么的不容易,虽然我的学习成绩并不好,但我知道我有绘画的天赋。这让我在高中时参加了设计课,后来又去了美术学校,在那里我认识了佐佐木五郎,从此就开始了水彩画的创作,并以艺术家的身份为自己的生活打下了基础。 鲨鱼 作者:武田宏树       在艺术之外,你有哪些影响? 我喜欢日本的漫画和动画片,比如《龙珠》和《One Piece》。我喜欢他们对人物动作和气氛的描写,我也开始想让自己的作品更加逼真,让自己能"闻"到这里的气氛。我也喜欢看电影,所以我就想创作出和电影一样能打动人心的作品。 你的作品看起来有一种温暖亲切的感觉,但你是不是想传达一种信息?你是想向观众传达某种信息吗? 我没有一个笼统的信息投入到我的作品中,但我希望我的艺术能让观者感到放松。我希望我的作品能让人们不假思索地轻松享受。   鲜艳色彩的融合 在这个过程中,我尽量在能想到的地方加入植物、蝴蝶等有趣的图案,让观者享受发现它们的乐趣。 野猪 作者:武田宏树       告诉我们为什么水彩画对你如此特别。 我对未知的东西很感兴趣--油漆干了之后的颜色是什么样子的,它们是如何相互无缝融合的。在我的作品中,很多画布都是空白的,所以我试图在我想画的细节之间找到一个平衡。 工作很细致,但初稿只是用铅笔粗略勾勒。您是如何决定作品的主题的? 我先画一个大致的轮廓。我花时间看图案的参考图片,进行构图,并在脑海中计算出细节。我告诉自己要耐心地画画,有了想法后,在颜料还没完全干的时候就会完成。在这个过程中,我尽量适当加入植物、蝴蝶等有趣的图案,让观者享受发现的乐趣。 https://www.youtube.com/watch?v=dK3fJL9r0t4&t=2s 你的创作最难的是什么? 调整我放的水的量来稀释涂料。这只是根据我的经验和感觉。最难的是找到水和涂料的最佳平衡点。另外,我在画画的时候,有时候会被细节所干扰,最后画了太多的画。有时候,我在工作中休息一下,过一段时间再回来用新的视角去看它。 我也尝试着通过研究不同的植物,在动物的剪影中创造俏皮的自然景观,不断为我的艺术添加新的元素。 大猩猩。 作者:武田宏树       你有与你的风格一致的水彩运动吗? 我并不真正追随任何艺术潮流或传统,因为我想完善自己的风格。我喜欢用强烈的鲜艳色彩混合,使我的作品与众不同。 你认为你的风格在未来会如何发展? 我想进行融合日本元素的艺术创作。例如,我正在创作以珊瑚礁为主题的盆景艺术。我想继续创作色彩斑斓的艺术作品,不仅是关于动物的,也是为了抚慰看到它的人的心灵。 帕格犬 作者:武田宏树       在哪里可以买到武田广树的作品? TRiCERA》展出了武田宏树的许多彩色水彩动物肖像和他的其他日本艺术品。一定要去TRiCERA看更多武田宏树的作品,让日本当代艺术充斥你的生活。

漫画如何作为艺术传播?Shueisha的漫画艺术”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”已经开始。

近日,树艺社启动了名为"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的项目,该公司迄今出版的漫画将以限量版多本的形式在国内外销售。漫画作为海报等复制品发行的情况也有,但在日本,还没有将漫画作为艺术品开发的例子。在电商网站上线的同时,我们与项目总监冈本正文和运营当代艺术跨境电商网站TRiCERA.net的Iguchi Yasushi进行了对话。一个当代艺术的跨境电商网站。 如何看待作为艺术的"漫画"? 井口靖(Iguchi)很抱歉,首先作为一个漫画迷,我对这次采访感到非常高兴(笑)。 冈本正志(冈本):非常感谢您(笑)。 井口:我想谈谈树枝社正在启动的"树枝漫画-艺术遗产",以及漫画作为艺术的可能性。请问你是怎么想到要把漫画发展成艺术的? 冈本:如果追溯到项目的开始,其实是在2007年左右开始的。当时有一个运动,就是要把书生漫画数字化存档,但当时还没有智能手机,也没有什么动力去做什么新的数字数据。我希望用它来制作《Galaga》的漫画,也希望用它来翻译和海外出版。那时候,"数字档案"这个名词,或者说这个概念本身,还很新鲜。 井口:目标是树叶社出版的所有漫画吗? 冈本:几乎都是。 井口,就像一个巨大的数字... ...(笑)。 冈本:我会的(笑)。舒伊莎每年推出800本左右的新漫画,所以现在大约有300万页。当时,我们使用了以色列制造的最好的扫描仪来建立高质量的档案。随着时间的推移,随着智能手机的革命,利用档案数据制作数字漫画成为可能。但有些美术画得很好,我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我想可能会以不同的形式发布,不仅仅是漫画、平板电脑或智能手机,也可以用不同的媒介发布。 我明白了所以你的意思是说,你用艺术作为一种方式来输出你所创造的档案。我觉得有趣的是,即使是同一幅画,在画里和在漫画里看起来也不一样。漫画是有故事的,体验是非常流畅的。但是艺术,尤其是二维艺术,基本都是固定在墙上的,所以我觉得在体验上有很大的区别。 冈本你说的对,漫画是一种时间性的艺术形式,所以如果你把它拿出来作为一个画面来看,你会有不同的看法。比如说,即使是《ONE PIECE》的读者,也会觉得"有这样的场景吗"?例如:我想,当漫画挂在墙上的时候,面对漫画,和漫画相比,会有不同的发现。 井口:根据漫画的内容,创造不同的体验。 冈本,没错从保存原作漫画的角度出发,这个项目一开始是为了存档,但我不想只把它们数字化就完事了,也不想只做单纯的复制品。我想通过不同的体验来传承漫画和艺术家的创作,我想这就是意义所在。 作为艺术,我们如何创造价值? 井口:另一方面,这个比较实际,但我觉得"把漫画当艺术来卖"会有很多问题。当代艺术产业有一个现有的结构,如何在这个结构中创造一个定位的问题。而更重要的是,与漫画相比,艺术市场本身就很小。对于进入不同市场的行业,你有什么想法? 冈本:先说一些数字吧,根据USB的报告,全球艺术品市场约为7亿日元。根据USB的报告,全球艺术市场约为7亿日元,日本艺术产业为3590亿日元,如果专注于艺术,则约为2580亿日元。这个数字其实我很熟悉。事实上,2020年日本数字漫画的销售额将超过3400亿日元,这与之大致相同。从这个规模来看,我想不难制定出在5年或10年后将"漫画艺术"发展到100亿日元左右规模的愿景。 井口:如果从漫画整体上考虑,应该是规模很大的。 冈本:没错,就算是树枝一个人在创作《一品》和其他几部漫画,他们也绝对会手忙脚乱。如果再加上其他出版社的作品,市场规模可望增长。 井口:而且,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是跨境EC吧?考虑到海外市场更大的艺术市场,我认为这是一个敏锐的决定。 冈本:非常感谢您的评价。但我也不想和"艺术市场"中现有的流派对着干。艺术有很多不同的流派,不管是绘画还是雕塑,我不想在市场上和他们竞争,抢走他们的市场份额。我不想和他们竞争,抢走他们的市场份额。 我更愿意和其他流派合作。例如,你可以与工艺美术师合作,制作一个漆画框。如果你想把你的作品作为一个艺术作品,作为一个日本的创作来呈现的话,我觉得和其他流派的合作很重要。 井口:在将漫画拓展到其他艺术类型的同时,我认为要与现有的艺术产生共生关系,创造新的价值。 冈本是的,这就是我认为有趣的地方。到现在为止,已经有了海报和复制品。但从来没有把漫画作为艺术品来开发的想法,以保证艺术品的质量。当然,这对树德社来说是第一次,我想这对行业来说也是一个新的东西。 井口:你刚才说"作为艺术",但从这个意义上讲,我觉得用区块链发证是很有意思的,或者说,它在某种程度上是直指问题的核心。作为一个从事艺术的人(笑),我可以想象,当人们听到区块链和证书时,他们可能会想到分销、价值形成和抵押品。(笑)我可以想象,当他们听到区块链和证书的时候,他们会想到发行、价值形成、抵押品,这次我觉得会作为一个多作品来发展,到时候就必须要谈版号管理。 冈本:没错。这正是让我认识到这个项目潜力的初衷。我不想被人认为是在卖复制品。在这种情况下,我需要设计一种方法来管理这些版本和发行它们,或者说是一种逻辑,让它们作为艺术品在市场上流动。从这个意义上说,Startburn的区块链系统是一个很大的催化剂。 井口:我觉得你刚才说的有一点,"作为艺术的分配"是非常重要的,我觉得当代艺术是一个系统而不是一个流派。但是,当我这样想的时候,虽然可能是重复我前面所说的,但是在版画、照片等可以复制的作品的发行过程中,版本管理,或者更具体地说,市场价值的管理就变得非常重要。 冈本:我想你是对的。 如果我们能通过这个问题,那么我认为已经奠定了基础。在今天的当代艺术中,有一种倾向,那就是接受原本来自外界的人,比如KAWS。所以街头艺术、波普艺术或插画已经成为一种流派。也许我说得太夸张了,但我认为新类型的漫画有进入这个领域的基础。如果我说这样的话,可能又会被别人骂我说的太多了(笑)。 冈本:没有,但我明白你的意思。但这也是为什么要用心创造价值的原因。包装、运输也是如此,当然还有证书。 井口:在法国,漫画据说是第九艺术(笑)。但正如你所说,当代艺术是一个机制的世界,是有规则的。你按照"礼仪"或者说商业惯例来做,很隐忍,我觉得你对这个项目很认真。 冈本但如果从这个角度来谈,另一方面,我想避免与当代艺术,或者说与美术的核心对接。我意识到漫画的背景,美术方面有现有的方法和技巧。我认为,试图强迫自己去顺应这一点是不好的。当然,我一点都不忽视,这也是为什么我们要讨论区块链证书... ...我想把它确立为更广泛意义上的艺术,我认为有必要思考它本身的背景和价值。 我明白了另外,在价值方面,这是我个人的观点,但我认为,价值是一种被感知的东西,当一种共同的价值,或者说认可被创造出来的时候,它就会成长。当这种共同价值增长时,整体价值就会诞生。我对漫画艺术如何创造艺术价值非常感兴趣,我认为这里面有很大的潜力。 以"漫画艺术"的方式来传承漫画。 井口:说到问题的核心,或者说说得更深一点,您觉得这个《修真漫画-艺术遗产》和复制品最大的区别是什么? 冈本:最大的区别是研究和修复。其实,原创漫画作品褪色、变质的速度非常快。它们比油画要脆弱得多。这是因为以周、月连载为基础的漫画原画,为了适应生产速度,往往使用容易干燥的染料油墨。这些油墨是漫画的表现力所在,但它们也会很快褪色和变色。另外,还有很多因素会损坏纸张,比如粘贴成绩单的粘合剂。 井口:我明白了,所以你没有让原图持续时间更长的想法,因为你认为它会被打印出来。 冈本是的,没错。我听说有的档案专家说,档案的寿命不超过100年。即使它们被存放在适当的设施中,也是如此。所有的漫画原画都在以持续的速度恶化。所以,我在做这个作品的时候,就研究了一下原来的状况是什么样的,一边做一边还原。 井口:不只是简单的印花吧? 冈本:没错。而且与漫画不同的是,原图是放大而不是缩小。所以,如果你从摄影到印刷都没有做好,最后得到的东西是无法欣赏的。从生产到发行,一切都要经过严格的控制,所以我们不能简单的说我们是做复制品。 井口:把它做成艺术,我们就把它留下来。 冈本通过把它们作为图片留下,换句话说,作为给人一种与漫画状态不同的体验的东西。如今,我听到纸质原件在拍卖会上被卖出高价的故事,但原件却没有被及时保存下来。我们有数字档案,但原纸只怕是越来越差了。所以这个项目如果产生了资金,可以用于研究艺术品原件的存放,当然也可以返还给艺术家。 井口:你可以为漫画家创造一个新的活动领域。 冈本那正好,漫画的世界也越来越艰难了。艺术家仅靠稿费和版税谋生是很难的,但如果能把自己的画作当做艺术,也许就能看到不一样的可能性。今后,我想把新漫画家的画也变成艺术品。 井口:这样一想,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的目标就很明确了吧?漫画的传承,以及漫画家的新可能性。 冈本:漫画毕竟是日本重要的产业和文化。我们要在适应时代的同时,思考如何传承,我想这也是一直把漫画送出去的书生社不得不重视的问题。我想仔细地,当然也想挑战地建立漫画作为艺术是否可行的问题。 冈本正志 - 冈本正志 昭和漫画-艺术遗产"的导演。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。先后在女性杂志和女性杂志门户网站工作,参与漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。他还将《周刊少年Jump》等漫画杂志的制作环境数字化。转入数码部后,先后推出了"漫画工厂"和"SSDB(树艺社综合数据库)"。 太井口 大学毕业后,他加入了一家老牌的音响设备制造商,并在亚太区总部开始了他的职业生涯。2015年加入耐克日本公司,2017年担任日本直营店供应链经理,参与全球项目,并在日本启动和执行多个新项目。2018年11月1日,他成立了TRiCERA公司。 网站网址https://mangaart.jp/

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