星期一, 10月 18, 2021
Home News 重绘地平线

重绘地平线

千穗勇志是一位日本画家,他画的图像在视觉上似乎是朦胧的。 她的风格源于她的白描经历。 她对自己的经历描述如下

“我看不到前方的一米,我看到的一切都是空白。 我觉得我好像失去了方向感。 我甚至不知道我是否站得直。 仿佛我被扔到了外太空。”

在现实中,存在着重力,我们应该能够感知到向上和向下。 然而,留白混淆了我对空间的视觉理解,我失去了方向感。 你觉得自己好像漂浮在一个白色的空间里,或 她觉得自己仿佛漂浮在一个白色的空间里,或者仿佛掉进了一个牛奶色的海洋。 这对她来说是一个威胁生命的可怕经历。 一个无法辨认的、无限扩张的空间。 这一定是对一个无法识别和无限扩张的空间概念的体验,这个空间既不在上,也不在下,也不在左,也不在右,只是隐约在扩张。 这种经历对她来说模糊了世界的各种界限。 在她的作品中,她描绘了各种风景,从城市到森林和海洋。 越近的场景越清晰,越远的场景则越朦胧。 在城市里,建筑物似乎在远处散开。 在森林里,失去了森林本身的深度,而在海里,失去了地平线。 而在城市和森林中,空间的大小和范围被掩盖了。 在海景画中,地平线,即天空和海洋之间的视觉边界,是模糊的。 (天与海的差距,高72.7cm x 宽91cm x 深2.7cm,千穗米司, 2019)

See more

虽然森林和城市是不可能掌握的空间 另一方面,就地平线的幻觉所创造的边界概念的丧失而言,海景画 相反,海景暴露了视觉所感知的表面世界的虚构性 另一方面,就地平线的幻觉所造成的边界概念的丧失而言,海景画反而暴露了视觉所感知的表面世界的虚构,并邀请我们去发现背后世界的真实。 在这个意义上,杨士琦的作品,通过其日常主题,动摇了我们现有的认知和 从这个意义上说,杨士琦的作品是一个机会,通过日常的主题来动摇我们现有的认知,重新构建我们每天看世界的方式。 至于海景的主题,我们不能避免杉本博司的 “海景 “系列。 杉本在其网站上对该系列作品的描述如下

“水和空气,这两样我们认为是理所当然的东西。 水和空气,这两样我们认为理所当然的东西,以至于我们几乎没有注意到它们,它们保证了我们的存在。 世界的开始是以水和空气被赋予的神话开始的。 水和空气,加上光,产生了生命的现象。 至于这一切是如何发生的,我们只能说有一个机会之神。 我们只能说,有一个偶然的上帝。在我们的太阳系中,有一颗行星有水和空气。 而它恰好与太阳保持着合适的距离。 温度刚好适合生命的发展。这样一个星球将是 看来,在整个广阔的宇宙中至少应该还有一颗这样的星球。 但就我们所见,没有其他星球像它一样。 我们非常感激的水和空气是我们面前的海洋。 每当我看着大海,我就有一种祖先的和平感。 于是我踏上了看海的旅程。”

如上所述,在这一系列的作品中,他选择了 在这个系列中,杉本试图捕捉生命的基本元素:空气和水。 波浪的详细表达和空气的氛围,似乎捕捉到了空气中的粒子,这是他作品中不模糊的过程的结果。 与杨士琦的作品的晦涩难懂形成鲜明对比的是 可以说,杉本的作品与此类似,他试图捕捉和表达世界的真相。 杉本也使用所谓的卤化银印刷技术。 杉本还使用了所谓的卤化银印刷技术,即在暗室中把胶片上投射的图像印在相纸上。 这是一种利用银粒子氧化还原的印刷方法。 然后在暗室里将图像印在相纸上。 换句话说,这个图像是一个颗粒的集合。 另一方面,Gofun是由贝壳制成的,而iwaegue,顾名思义,是由同样的材料制成的。 相比之下,由贝壳制成的Gofun和由粉碎的矿物制成的Iwa-enogu。 它们也是颗粒。而在她的案例中 这些颗粒的结构覆盖了屏幕(即视野)。 艺术家自己的留白经历。 (《海天之间》,高41厘米x宽31.8厘米x深2厘米,Chiho Yonemushi, 2021)

See More

17和18世纪的德国哲学家戈弗雷德-莱布尼茨认为,世界是 17、18世纪的德国哲学家戈弗雷德-莱布尼茨认为,世界是由无数个单体组成的。 根据他的理论,这些单体并不完全相同,相互之间没有影响。 他的理论是,这些分子并不完全相同,它们之间没有影响,但它们以一种和谐的方式运动,世界上的一切都在变化。 现代科学的发展清楚地表明,他的推理是错误的。 然而,与此同时,科学表明,世界是由非常小的粒子组成的,如原子和亚原子粒子。 但与此同时,科学也确实是建立在非常小的粒子的概念上,如原子和亚原子粒子。 但我们不应忘记,这些观念和理论也在不断变化。 如果世界是无数粒子的集合,那么 如果世界是无数粒子的集合体,那么杉本的海景画和米尼希奇的朦胧图像 如果说世界是无数粒子的集合体,那么杉本的海景画和米内重的朦胧画则是试图捕捉一种无法用视觉捕捉的现实。 在我们的眼前,仍然有像地平线这样的想象的边界。 另一方面,现实世界的物理结构仍然存在,它不过是无法用视觉感知的粒子活动的总和。 面对现实世界的物理结构,我们如何能再次 我们如何才能再次把握住世界的轮廓?


千穗音重

构想

我曾经在北海道的一个滑雪场遇到暴风雪,经历了白茫茫一片。 我看不到前面的一米,我能看到的一切都是白色的,我觉得我好像失去了方向感。我甚至不知道我是否站得直。 仿佛我被扔到了太空中。 这是非常可怕的,但从那一刻起,我就被无尽的太空所吸引。 基于这种感觉,我以熟悉的风景为题材进行创作。 在我的作品中,没有地平线,相反,在场景中存在着一个大空间。 我也不希望我的画有失偏颇,所以我选择各种颜色和图案来创作。 我使用丙烯颜料、日本绘画颜料等,T 而且我支持日本纸。

我的职业

1984年 生于埼玉县 2006年 毕业于明升大学日本艺术和文化系,主修日本画 2008年毕业于早见艺术学校,日本绘画课程 2018年入选第45届春季东京曾道人展 第45届曾国藩展,精选 2019年FACE展,Sompo Japan Nipponkoa艺术奖展,荣誉奖 第46届春季Soga-kai展,东京,精选 第46届曾国藩展,荣誉奖

这里介绍的工作是由TRiCERA处理的。

Soichiro Masudahttps://www.tricera.net/
CMO / ArtCLip Editor-in-Chief

Most Popular

You Might Like

当代艺术能不能成为一个游乐场?

"现在是玩的时候"东京现代艺术博物馆     长大后,有人告诉你,不要再玩游戏了,不要再和玩具、朋友玩了。成年后,你可能会发现自己在重复同样的事情,并问自己这些问题。我们可能会想这样的事情:"我是应该停止和哥们儿一起玩,还是应该更加努力学习,更加努力工作?   是的,生活从来都不容易。每个人、任何时候都是如此。那么,什么时候才能有时间好好地"玩",什么时候才能真正地喜欢上玩什么呢?你需要工作和学习的时间,但不要低估游戏时间的重要性。因为游戏时间可以让你有机会看到自己和世界的新价值。   那么,你是如何看待当代艺术的?当你去博物馆或美术馆的时候,你觉得这是一个玩的时间吗?如果不是,您是否认为当代艺术是一个困难的课题,需要更多的研究和发现?不管你怎么看当代艺术,有人说它很难。   东京现代艺术馆正在举办名为"Time to Play Now"的展览。本次展览的设计,不仅让孩子,也让大人享受到当代艺术的"游戏时间"。     本次展览展出了6位艺术家和艺术家团体的作品,他们分别是:Yoshiaki Kaihatsu、Kazuhiro Nomura、Team Hamburg、Tanotaiga、TOLTA和Usio。每件作品都是游客可以参与的游戏。一进入第一个展室,就会看到一个巨大的柜子覆盖了整面墙。除了规模过大,柜子也很抢眼,因为它是一面巨石攀岩墙。参观者可能会被作品所吸引,但柜门却通向另一个展室。作品看似幽默风趣,但据艺术家海发义明介绍,这面"考试墙"其实是对考试压力和紧张的一种表达。       另一件有趣的作品是Tanotaiga的《Tanonymous》,Tanonymous是一件用无数面具覆盖整面墙的作品。众多的面具,以艺术家毫无表情的面孔为基础,由观众从参与式的工作坊中逐渐变成各种面孔。在工作坊中,观众用博物馆准备的材料自由装饰素面面具。最终,所有这些不同的面孔都将作为"Tanonymous"的艺术作品展出。   艺术家谷田贺在他的艺术作品中基本探讨了社会制度和价值观,并探讨了大众媒体和标准化符号在我们日常生活中的力量。作品名称"田野伊玛苏"是艺术家的名字"田野加"和"阿尼姆斯"的复合词。通过他的作品,艺术家批判性地审视了标准化的社会和弥漫在当代社会的匿名性。通过让观众随心所欲地装饰面具,观众最终同时成为观众和创作者。在博物馆里同一张面孔逐渐变化成各种面孔的过程中,艺术家似乎想传达自己的思想。   和朋友玩耍,玩玩具,任何一种玩法都能给我们充电的时间。艺术家通过展览表达了与社会相关的主题,展览和博物馆也成了游乐场。在当代艺术成为游乐场的意义上,我们可以说,它是值得看(玩)展览的。观众的参与成为作品的一部分,在某些情况下,观众的游戏痕迹可能会作为作品的一部分保留下来。   东京当代艺术博物馆将举办"现在是玩的时候"展览,展期至2019年10月20日。除了参与性的艺术作品,还有相关的项目和工作坊,观众可以和艺术家一起玩耍。更多详情和信息,请访问https://www.mot-art-museum.jp/en/exhibitions/time-to-play/。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,现居日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她自己也是一位艺术家。

关于拉法-马塔的六件事

生动、流行的插图能抓住人们的注意力。但如果你仔细观察,你会看到令人毛骨悚然的生物状物和讽刺现代世界的辛辣标题。拉法-马塔的艺术作品有一种神秘的吸引力,城市的背景是用日语绘制的霓虹灯标志。他想向我们这些生活在当今时代的人传达什么? 1.纪要 拉法-马塔是一位驻扎在西班牙马德里的艺术家。她曾在大型广告公司McCann Erickson、Ogilvy & Mather和Havas担任了10年的广告插画师。他还住在美国洛杉矶,经历了与好莱坞编剧合作创作作品的过程。他的作品朗朗上口、引人注目的设计魅力可能来自于这些经历。 2.精致、活泼、阴森 一眼望去,它似乎只是另一张给人以流行印象的海报。然而,乍一看,它似乎只是一张流行的海报,但我注意到,其中包含着一个深刻的信息。其中一个叫做 "水平提升"。在这件作品中,一位戴眼镜的妇女正坐着休息,同时拿着一个便携式游戏机。这是一天中很短的时间,她在休息时玩一个游戏机。在这么短的时间内,世界上发生了很多事情,她周围的情况每时每刻都在变化,而她自己却不知道。这是一个与你看到游戏机之前的世界有些不同的世界。右下角的 "游戏结束 "一词似乎是指我因为被其他事情分散注意力而与世界隔绝的事实。我们每天都很忙,很容易被各种事情分散注意力。但拉法-马塔的信息是,如果我们只通过别人所做的事情来看,我们就会被变化所抛弃,变得孤立。对于我们这些已经熟悉电子设备的人来说,这是一个非常发人深省的观点。 3.作品的主题和 "当代 正如我在本文开头提到的,我作品的主题往往是基于我们倾向于的问题,比如讽刺现代。其中一些是社交媒体、自我形象和身份。在 "Macrobian Portrait II "这幅作品中,一个女人正看着你,她穿着一件奇怪图案的衣服。它看起来像一幅设计画像,但当我读到它时,我的印象发生了变化。过去,品牌通过做广告来吸引人们的注意力,但现在,匿名的人正试图通过社交网站来吸引品牌的注意力。衣服的图案显示,我们的生活中都有社交媒体、广告和病毒,即使你在社交网站上获得了很多人气,你仍然与世界其他地方隔绝。这件作品表达了拉法-马塔的想法。 4.通过艺术和我们的信息 有研究表明,大脑通过视觉接受大约90%的信息,而艺术给了我们很多我们需要的信息。即使是我们在日常生活中不经意间做的事情,也可以通过看艺术作品来进行深入的重新思考。我希望拉法-马塔的艺术作品能给你一个机会去同情和反思自己。如果是这样,那么拉法-马塔的艺术作品将是一个丰富和改变我们生活的机会。 5.波普艺术中的孤立性 拉法-马塔的作品关注那些与世界其他地方隔绝的妇女。 在这个社交网络和智能手机的时代,我们能够与许多人联系,但被隔绝意味着什么呢?仅仅因为我们生活在人们的周围,我们可能不能说我们没有被孤立。为了回应这样的社会主题,艺术家独特地将东方与西方、神话与现代、传统的神灵与现代的病毒和细菌结合起来,不受固定概念的约束。这种娴熟的技巧使整部影片给人以流行的印象,而又不至于使它变得沉重。 6.拉法-马塔的独特艺术风格的发展 拉法-马塔目前正在进行他的第一个出版项目,组织展览,并发展新的艺术风格,他在Instagram和Twitter上发布他的日常活动,你可以很容易地查看他的最新作品。在那里,他发布了他为模拟作品实际绘制线图的短视频,他有一种娱乐他的粉丝的方式,使他们永远不会感到厌烦。我们将继续关注拉法-马塔对我们这些生活在现代的人的信息。

Quick Insight Vol5.以当代审美重新诠释东方绘画。韩国艺术家Jooha Sim

快速洞察力Vol5。以当代审美重新诠释东方绘画。韩国艺术家Jooha Sim 朱哈-辛是一位艺术家,她希望通过花 "罂粟 "向今天的人们传达她内心的感受,而 "罂粟 "的花语是 "安慰"。她是一位希望向今天的人们传达她内心感受的艺术家。传统的东方粉彩与胶水混合的意外效果和鲜艳的色彩是她作品的特点。传统的东方粉彩与胶水混合的意外效果和鲜艳的色彩比黑暗的背景绽放得更加生动。这一期,我们将与Juha Shim对话。 Q1.你的工作的重要主题是什么? "轻抚花香 "是我从出道以来一直珍视的一个主题。 (A caress of florescence,H 130.3cm x W 97cm x D 2cm,Painting, 2020) Q2.我们经常在我们的平台上看到Jooha作品的热心粉丝。 什么样的人倾向于喜欢Jooha的作品? 我每天都在Instagram上发布我的作品。值得庆幸的是,我的粉丝群正在自然增长,一个接一个。各个年龄段的人都能看到我的作品,从20多岁到40多岁。我觉得有孩子的家庭特别喜欢我的作品。 (Still...

描绘了人的形态之美。毕津加的历史和现状是怎样的?

琵琶是描写美女外貌和行为的画作,是一种涉及女性美的画作。"传神阁"是一个起源于日本的名词,该作品的风格象征着日本女性的美丽。 从浮世绘艺人岸川重信开始,江户时代结束后,传到了竹久梦二和上村庄园。 虽然它没有当时席卷世界的气势,但它是日本画的主要流派之一,可能是日本文化的一种强势。 不过,毕金加的声音有些老气横秋,它已经成为传统文化的一部分,但即使是现在,当曾经作为绘画模特儿的妓女、歌妓、茶馆姑娘已经消失的时候,仍然有人在创作毕金加。 Akihiro Mitsumoto 三本昭广就是其中之一。 虽然他使用油彩和铂金叶作为媒介,而不是日本画中使用的矿物颜料,但他所描绘的女性的外观是比基尼。 三本说:"我不仅要表现人物,还要通过充分利用边角料来表现人物存在的空间。 背景也是值得关注的。女人直接坐在上面的瓷砖和水泥墙让我们看到了她作为建筑师的背景。 点击这里查看作品 Beniko Choji / Beniko Choji 随着性别的变化,人们对女性美的看法也发生了巨大的变化。遇到赵本子的作品,就会有这样的想法。 在她的作品中,她表现的是一个面无表情的单身女性。她之所以尽可能地限制女人的颜色、衣服和其他一个图案,是为了给观众的情绪创造一个空间,鼓励观众沉思。此外,没有背景,目光自然而然被吸引的美女,有江户时代末期以后美女画中出现的"颓废美"的元素。 红与黑的运用,常用来描写性与暴力,加上对女性毒妆与装束的描写,使这部作品乍一看似乎是一部充满张力的作品。但是,如果你花时间去看被描绘的女性脸上的表情,你就会发现,这些画作传达的是一种非常温和的温度,紧张的气氛正在慢慢放松。每次看美女的画作,她的表情都会发生变化,看她的画作永远不会厌烦,震撼着观者的心灵。 点击这里查看作品 Masahiko Konno 到目前为止,我所介绍的艺术家都是在过去的背景基础上,具有传统的风格。然而,也有一些艺术家将现代性的精髓注入到了比心社所拥有的"日本女性之美"中。其中,今野正彦具有极强的现代感。 在江户时代(1603-1868年),美人画并不注重与模特的相似度,而是注重表现哪位浮世绘画家的"风格"。后来,随着时间的推移,人们对现实的追求,女性形象逐渐变得更加真实。 今野进一步更新了风格化的美女画,并把它们当作上传至社交网站的照片来画。这是现代人对日本女性美貌的看法,还是一种巧合?不管怎么说,康野所描绘的新鲜女性都是"活着"的。 点击这里查看他的作品介绍。 从池永康明的人气可以看出,比武大会肯定有复兴的迹象。当你凝视着站在屏幕上的美女们,不知道未来会有哪些艺术家来编织毕金加的历史时,不妨想想这个问题。

TRiCERA的艺人出现在日本电视节目”Pre-Breakthrough”中。

已有100多位艺人参与了TRiCERA的服务,其中一些艺人曾在日本电视节目"Break Senya"中被称为"Break前夜--下一代艺人"。以下是部分艺人的片段。   土田圭介   https://youtu.be/dxff44DdumU     查看更多土田圭介的作品。 这里 更多   小川五郎   https://youtu.be/NzIFKYC_qsw     查看更多小川五郎的作品这里更多   Yu Uchida   https://youtu.be/SKzYm92XoBY     查看更多内田裕的作品 这里 更多   Aran Yasuoka   https://youtu.be/E2N7nuM_-WY     点击 这里查看更多安冈阿兰的作品。   Yuna Okanishi   https://youtu.be/hXQ2TwrjfYE     查看更多冈西由奈的作品。这里从:   Osamu Watanabe   https://youtu.be/dRcfSvzVYZ0     查看更多渡边治的作品。这里更多   Tomoichi Fujita   https://youtu.be/1-ZnEXmS4WI     想看更多藤田智一的作品,请访问这里从   蒲田千寻   https://youtu.be/ep6Ob--4RzU     查看神田千寻的更多作品这里从   Haruka Kanamaru   https://youtu.be/mO3FPZPMSV0     查看更多金丸春香的作品。 这里 从   在这里,您可以找到由我们的艺术顾问挑选出来的高质量的艺术作品和艺术品。同时,我们还通过提供安全的配送和优质的客户服务来保证质量,让您的购买变得无缝便捷。   TRiCERA是艺术家和买家唯一可以信赖的平台。我们提供每件作品的详细信息,并以日语、中文、英语回答咨询。我们的目标是向世界推广日本的艺术品。

Don't Miss

你有没有想过住在姜饼屋里?

渡边大作个展"甜食博物馆     你读过童话故事《韩塞尔和格雷特》吗? 在我们还没有想到故事和人物之前,我们就会自动想到用姜饼和糖果做成的甜蜜饼干屋。你有没有希望自己能住在那栋房子里?很难定义什么让我们快乐,但简单地说,我认为糖果给我们小时候带来了快乐。   当代艺术家渡边大作将这种幸福感通过艺术的形式带到了甜食中,7月31日至8月14日,他将在东京的中心地带--新宿的小田急百货店举办个展"甜食博物馆"。   渡边大佐是由母亲--糕点师抚养长大的,因为这样的背景,他从童年的记忆中就把甜食和幸福联系在一起。如果你看一眼他的作品,你可能会因为其逼真的外观而将他的作品与正宗的甜品混淆。膏体看起来逼真的秘密就是树脂。在这个过程中,他用吸管袋把树脂做成奶油的样子。他用假奶油制作各种造型,如动物、鱼、历史雕像、艺术史上的画作等。在此次展览中,还有向罗丹的《戴珍珠耳环的女孩》和《思想者》致敬的作品。他的作品有趣的地方在于,来自甜食装饰的轻快气氛和来自艺术史的沉重气氛之间的差距。这种欢快的对比,让我们不禁莞尔。     在"糖果博物馆"展览上,作品分几个部分展出。在入口处,有动物、长条宴席等大型作品,也有绘画、立体作品等平面作品。沿着走廊往前走,就看到了一部分不仅向西方美术史致敬,也向日本美术史致敬的作品,其中包括浮世绘版画。迎接您的是以巧克力、糖果、爆米花等为造型的大型日本艺术品。然后,我们继续来到以海洋为主题的角落,这里的墙壁上有很多海洋生物的装饰。正如渡边在作品中幽默地说,太烧(鲷鱼饼)和鱼一起出现。除了展出的作品外,摄影区也有作品展出。展览的策划似乎已经考虑到了观众的需求。           艺术史学家高篠修二认为,渡边创造了一种新的当代艺术流派,称为"假甜食艺术",他将其称为"甜食之王"。他指出,渡边的作品与日本关于人类感官的哲学有关。日本有句古老的哲理:"用手可以看到洗澡水的温度",还有"用舌头看味道"这样的日本文化。传统的茶道和怀石料理,以及传统的日式晚宴,都是这种理念的体现。高志娜对渡边作品的评价与这些紧密相联。也许他是想说,我们可以看到。幸福通过他的作品与我们的眼睛。   渡边大作带来的作品 感受幸福的同时,在日本当代艺术界留下了独特的印记,受到国际上的好评。他还曾在中国、土耳其、香港等地举办海外展览。香港和印度尼西亚。同时,他的作品也被永久博物馆所收藏大原美术馆、清洲市春日美术馆、高崎冈崎世界儿童博物馆的收藏。尽管名声在外,但他还是在东京的一家百货公司举办了个展"糖果博物馆"。在一个即使对当代艺术不熟悉的人也很容易接触到的地方,而展览本身也是从观众的角度出发,以一种全新的方式策划的。 友好的方式。   从这次展览中,渡边大作给观众留下了这样的信息。   '我想每个人都有一段与饼干和糖果有关的快乐记忆。我希望看到我作品的人都能有快乐的回忆和感受。我希望成为一名艺术家,能够继续创作出这样的作品,唤起与甜食有关的快乐回忆。希望它们能成为你幸福的回忆之一。   有关"糖果博物馆"展览的更多信息,请参考以下链接:http://www.odakyu-dept.co.jp/shinjuku/special/sweets/index.html。   文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

艺术奖东京丸之内2019的评价

展示日本当代艺术的最新动向的展览。     6月5日至20日,在东京有乐町和大手町的丸之内地区,举办了日本最成熟的青年艺术家艺术奖--"东京丸之内2019年第13届艺术奖"。为了发现和培养有才华的年轻艺术家,该奖的指导委员会一直在观察全国各地的艺术大学和研究生院举办的学位展。被提名的作品将在丸之内展出,稍后将在东京颁发大奖和评委会奖。除执行委员会奖和评审团奖外,"丸之内奖"将由观众投票产生。         本次展览的另一个有趣之处在于,它不仅要发掘隐藏的艺术家,还要将丸之内作为一个艺术区进行开发。   展览在丸之内地区的大手町中通大道上的国际大厦、新东京大厦、新丸之内大厦以及大手町中通大道上的行子千花画廊举行。   丸之内作为东京的中心地带,被摩天大楼所包围,是年轻艺术家的舞台,同时也让平时难以欣赏到当代艺术的城市居民能够方便地接触和欣赏展览。行子千花画廊建在通往东京站的地下人行道上。后来,知道了它的特殊位置,画廊不仅被评为"东京艺术奖",还被评为"东京丸之内艺术奖"。   因此,在过去的13年里,该展览成为连接优秀青年艺术家、城市居民和城市发展的纽带。所以,我们不仅能够关注作为日本当代艺术发展趋势窗口的著名艺术奖项,而且能够从中发现价值。   被提名的作品共有25件,在东京丸之内展出。艺术家来自以下大学和大学院:东京都艺术设计大学、多摩艺术大学、武藏野艺术大学、东京造形大学、城西艺术设计大学、京都艺术设计大学、京都艺术设计大学、名古屋艺术设计大学、京都市艺术大学、东北艺术设计大学。我还创作了绘画、雕塑等各种类型的艺术作品。摄影、印刷和安装。   作为日本最重要的当代艺术奖项之一,我们每年都期待着这个奖项对艺术家、观众和城市的价值。   更多关于展览的信息,请访问http://www.artawardtokyo.jp/2019/。   撰稿人:Jeongeun Jo。生于韩国,现居日本。毕业于东京艺术大学大学院美术音乐系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

打造北欧风格房间的六件艺术品

1.斯堪的纳维亚风格的特点 每个人都听说过斯堪的纳维亚的室内设计,不是吗?这种室内设计风格融入了生活在斯堪的纳维亚半岛的人们对生活的思考方式,注重具有简单、低调、艺术形式的物品和强调自然材料的家具。斯堪的纳维亚室内装饰的特点是明亮的,主要是白色的颜色方案,以使房间看起来更明亮,即使天气不好或夜晚漫长而黑暗。 2.斯堪的纳维亚风格和艺术 由于房间的简单性,你可以通过展示艺术品来创造一个更多的斯堪的纳维亚风格的外观。带有几何图案的艺术品,简单的设计和植物与这种风格非常相配。关键是要选择一个能给房间带来明亮印象的作品。另一个技巧是在一个给人以白色印象的房间里用彩色的艺术品作为一抹色彩。 3.6件艺术品打造斯堪的纳维亚风格房间 3-1. 我们来了 这是一部可爱的作品,其中像动物一样的人物被画在一个畸形的世界观中。绘画和线条都是以简单和滑稽的方式绘制的,这非常适合北欧风格的房间。动物图案给人以自然和欢快的印象。这些滑稽画比写实画更容易与其他艺术作品一起展示。它创造了一个具有游戏感的空间,而不给人以硬邦邦的印象。游戏氛围的好处是,它使人们更容易放松和消磨时间。 3-2. 内部和外部 第30号 这件独特的作品是在一张圆纸上拼贴了各种颜色的纸。斯堪的纳维亚风格与圆形物品配合得很好,并将整个房间的圆形室内印象汇集在一起。鲜艳的色彩和平静的色调混合在一起,使这件艺术品很容易与白色的房间融为一体,而且它也是一件有用的艺术品,可以作为一抹色彩。对于包含这些突出颜色的艺术品,一个技巧是在其周围放置几件相同颜色的内饰,使其与房间融为一体,成为一抹色彩。 3-3. 北极光 几何图案与重视艺术形式的斯堪的纳维亚室内装修相得益彰。它给人一种简单和平静的印象,同时也创造了一种现代的氛围。黑白相间的几何图案被稀疏地涂上了红色、蓝色和绿色,这样房间就不会显得单调和沉重。推荐这种艺术品是因为它很容易引入房间,不分性别和年龄;即使是单件作品也能给人以足够的存在感。 3-4. 褪色的蓝色到黑色,边缘有黄色 这幅画有一个美丽的蓝色渐变。如果你仔细观察,你可以看到两侧被涂成黄色,当光线反射时,黄色被反射到背景墙上。这是一个完美的噱头,适用于具有明亮白色内饰的房间。因为它是以非常简单的构图绘制的,所以这件作品很容易融入有很多内饰的房间。即使你想用多件作品来装饰,它的优点是容易引入,因为它们很好地结合在一起。即使你把它摆在带有图案的物品附近,这在斯堪的纳维亚的室内装修中很常见,它也会与它们相得益彰。 3-5. 外太空 我想被带到外太空去!这件独特的作品诞生于艺术家希望被带到外太空的愿望。虽然简单,但水彩笔的触感依然存在,你可以感受到人的手艺的温暖。鸟类是一个与木制内饰很相配的主题。由于其体积小,它可以放在一件家具上并挂在墙上。以这种方式装饰时,在附近放置一株植物或一个可以作为室内装饰的花瓶,可以使艺术品不至于飘离房间,并使其更容易融入其中。 3-6. 甜甜圈 这是一件具有独特纹理和形状的艺术品。背景大部分是黑色的,这可能会给人一种略微黑暗的印象,但黑色有一个积极的方面,它与白色印象的房间很相配。黑色有一种沉闷的格调,所以建议把它挂在白色的砖墙上。各种五颜六色的圆圈是这幅抽象画的重点,但它很容易介绍,因为它是由一个简单的图案代表的。它强调了一个具有平静色调和成熟气氛的斯堪的纳维亚风格的房间。 结束 斯堪的纳维亚风格的房间是基于斯堪的纳维亚人的智慧,他们希望在任何时候都能保持欢快的心情,无论天气或季节。北欧风格的房间里充满了北欧人民的智慧和愿望,而我们生活在日本的人也有同样的愿望。我们为什么不通过介绍艺术作品来实现这一愿望呢?

外在和内在的艺术。外来艺术的艺术家

局外人艺术是艺术评论家罗杰-卡迪纳尔在1972年提出的一个概念。换句话说,它是一个技术术语,指的是没有接受过正规艺术教育的艺术家所创作的艺术。  在本文中,我们将介绍ACM画廊所经营的一些艺术家,他们的作品都是这种非常规的、自由的局外人艺术风格。 Takayuki Fujihashi 1963年出生的藤桥,20岁时在新明塾结识了朋友,发现了绘画的乐趣,拓展了自己的世界。 二三十岁时,他在染坊、干洗店积累了实战经验,认真踏实的工作得到了高度评价。此后,她加入了Sora工作室,并在纱织和陶瓷绘画中展现了她的形式感。目前,她独自生活,目标是独立。 点击这里查看艺术家的详细信息 Kaguratani 1971年出生,在冈山县津山市生活和工作。神乐谷总是对自己感兴趣的东西进行调剂,他有一种强烈的愿望,想把自己感兴趣的东西赋予形式,所以他根据自己的兴趣进行油画、水彩、设计、物件等创作。几件作品同时在制作,在他的工作室里还有很多正在制作的作品。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 XL 1967年出生,2006年起成为NPO Swing的成员。初中毕业后,他找了一份泥水工的工作,但被人欺负,离开了公司。他活跃在艺术创作活动"Oretachi Hyogen-zoku"、京都人形交通指南"Anata no Doko, Teishimasu"等多个领域。目前,他正带领Swing在多个领域开展"工作"。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Terai Ryosuke 1985年出生。他对棒球的热情,吸引着身边的动物和事物陆续进入棒球的世界。即使是那些乍一看毫无关联的事物,如果追根溯源,其实也是从棒球开始起步的。 有关艺术家的更多信息,请点击这里 Hironobu Matsumoto 1991年出生的松本,两三岁就开始画画,3岁时被诊断为高功能自闭症。他的许多作品都反映了他当时的兴趣,他通过将这些作品转化为他认为属于自己的图像来进行绘制。他从300支彩色铅笔和约100支水性笔中毫不犹豫地选择颜色。他从不使用尺子、橡皮、修正液,作品精准、细腻、色彩丰富。 点击这里获取更多关于艺术家的信息 日本首创的外来艺术在世界范围内有了被认可的迹象。他的作品看似陌生,但其内涵却赋予其无边的力量。

Feature Post

打造北欧风格房间的六件艺术品

1.斯堪的纳维亚风格的特点 每个人都听说过斯堪的纳维亚的室内设计,不是吗?这种室内设计风格融入了生活在斯堪的纳维亚半岛的人们对生活的思考方式,注重具有简单、低调、艺术形式的物品和强调自然材料的家具。斯堪的纳维亚室内装饰的特点是明亮的,主要是白色的颜色方案,以使房间看起来更明亮,即使天气不好或夜晚漫长而黑暗。 2.斯堪的纳维亚风格和艺术 由于房间的简单性,你可以通过展示艺术品来创造一个更多的斯堪的纳维亚风格的外观。带有几何图案的艺术品,简单的设计和植物与这种风格非常相配。关键是要选择一个能给房间带来明亮印象的作品。另一个技巧是在一个给人以白色印象的房间里用彩色的艺术品作为一抹色彩。 3.6件艺术品打造斯堪的纳维亚风格房间 3-1. 我们来了 这是一部可爱的作品,其中像动物一样的人物被画在一个畸形的世界观中。绘画和线条都是以简单和滑稽的方式绘制的,这非常适合北欧风格的房间。动物图案给人以自然和欢快的印象。这些滑稽画比写实画更容易与其他艺术作品一起展示。它创造了一个具有游戏感的空间,而不给人以硬邦邦的印象。游戏氛围的好处是,它使人们更容易放松和消磨时间。 3-2. 内部和外部 第30号 这件独特的作品是在一张圆纸上拼贴了各种颜色的纸。斯堪的纳维亚风格与圆形物品配合得很好,并将整个房间的圆形室内印象汇集在一起。鲜艳的色彩和平静的色调混合在一起,使这件艺术品很容易与白色的房间融为一体,而且它也是一件有用的艺术品,可以作为一抹色彩。对于包含这些突出颜色的艺术品,一个技巧是在其周围放置几件相同颜色的内饰,使其与房间融为一体,成为一抹色彩。 3-3. 北极光 几何图案与重视艺术形式的斯堪的纳维亚室内装修相得益彰。它给人一种简单和平静的印象,同时也创造了一种现代的氛围。黑白相间的几何图案被稀疏地涂上了红色、蓝色和绿色,这样房间就不会显得单调和沉重。推荐这种艺术品是因为它很容易引入房间,不分性别和年龄;即使是单件作品也能给人以足够的存在感。 3-4. 褪色的蓝色到黑色,边缘有黄色 这幅画有一个美丽的蓝色渐变。如果你仔细观察,你可以看到两侧被涂成黄色,当光线反射时,黄色被反射到背景墙上。这是一个完美的噱头,适用于具有明亮白色内饰的房间。因为它是以非常简单的构图绘制的,所以这件作品很容易融入有很多内饰的房间。即使你想用多件作品来装饰,它的优点是容易引入,因为它们很好地结合在一起。即使你把它摆在带有图案的物品附近,这在斯堪的纳维亚的室内装修中很常见,它也会与它们相得益彰。 3-5. 外太空 我想被带到外太空去!这件独特的作品诞生于艺术家希望被带到外太空的愿望。虽然简单,但水彩笔的触感依然存在,你可以感受到人的手艺的温暖。鸟类是一个与木制内饰很相配的主题。由于其体积小,它可以放在一件家具上并挂在墙上。以这种方式装饰时,在附近放置一株植物或一个可以作为室内装饰的花瓶,可以使艺术品不至于飘离房间,并使其更容易融入其中。 3-6. 甜甜圈 这是一件具有独特纹理和形状的艺术品。背景大部分是黑色的,这可能会给人一种略微黑暗的印象,但黑色有一个积极的方面,它与白色印象的房间很相配。黑色有一种沉闷的格调,所以建议把它挂在白色的砖墙上。各种五颜六色的圆圈是这幅抽象画的重点,但它很容易介绍,因为它是由一个简单的图案代表的。它强调了一个具有平静色调和成熟气氛的斯堪的纳维亚风格的房间。 结束 斯堪的纳维亚风格的房间是基于斯堪的纳维亚人的智慧,他们希望在任何时候都能保持欢快的心情,无论天气或季节。北欧风格的房间里充满了北欧人民的智慧和愿望,而我们生活在日本的人也有同样的愿望。我们为什么不通过介绍艺术作品来实现这一愿望呢?

快速洞察力》第8卷 贝尼科–一位以日本绘画的精巧方式描绘当下情感的艺术家的秘诀

贝尼科-丁齐在画她的作品时非常谨慎,甚至到了最后一缕头发。 她曾举办过多次个展,并获得过很多奖项,很多人可能都见过她的作品。 艺术家贝尼科-丁齐的魅力背后的秘密是什么? 与她精致修剪的线条所表达的细节密度相反,她说空间和空白很重要。我们采访了她关于她试图通过她的艺术作品所描绘的主题。 请告诉我们你是如何成为一名艺术家的。 当我还是一个大学生的时候,我没有打算成为一个艺术家。 我在学校的时候没有什么特别的花蕾。 我想如果我能当一段时间的艺术家就好了,于是我在一家珠宝定制公司找到了一份工作。 然而,由于我是一个高中生,我去了一所艺术学校。 我很难抽出时间来画画,这是我在高中和大学生活中的一个正常部分。 我第一次意识到,我需要时间来画画,以保持我的思想活力。 在那之后,我下定决心认真面对,作为一个艺术家自力更生。 你的许多作品似乎都以女性为主题。 这并不是说我对 "美女画 "有什么特殊要求。 我在画中最想表达的是 "心"。 心脏是一个复杂的东西,而我是一个女人。 我是一个女人,所以我觉得把心脏作为一个女性形象来表达是很自然的。 我在作品中看重的女性的柔和存在、线条和表情 我觉得我所珍视的女性的柔和存在、线条和面部表情,也与我想表达的脆弱的内心有关。 (《一个故事》,高50厘米×宽38厘米×深4厘米,绘画) 点击这里了解详情 在发展你的风格的过程中,你在过去有什么影响,你是如何完成你的风格的? 直到2013年我大学毕业,我一直在做画,把我的心和灵魂直接投射到画面上。 我觉得这往往更接近于强烈和猛烈地打击的表达。那是一幅净化我心灵的画。 大学毕业后,我找到了一份工作,并且 在一家珠宝公司,我担任客户服务代表,负责修理客户的珠宝和配件。 我一直在为自己作画。 我曾经为自己画画,但现在我想,画画是为了让人们拿着我的珠宝感到高兴。 我成了提供东西的人,如设计和绘画。...

漫画的人工化会产生什么? Shueisha的”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”旨在打造下一部漫画。

SHUEISHA的"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是由Shueisha将漫画原画转化为版画作品的项目。这次我们邀请到了树艺社数字部的冈本正文、收藏家小池爱和艺术家曾周,从各自的角度出发,就"漫画艺术"的潜力及其与艺术产业的互动进行了圆桌讨论。 艺术作为一种方法论,会不会改变漫画的传承? - 我想说的是由树艺社与导演冈本正志、收藏家小池爱、艺术家曾周共同发起的跨界EC项目"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。首先,冈本先生,请您简单介绍一下这个项目,据我所知,这个项目的灵感来源是漫画档案? 冈本正志(OkamotoMasashi)是的,这一切都始于2007年左右由树枝社开始的漫画数字档案馆(简称CDA)。当时,"数字档案馆"这个词本身还很陌生。随着时间的推移,我们当然是用它来做数字漫画,但我们也在寻找其他的漫画输出方式和向世界传达的方式,其中一个结果就是"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"。 第一,它不仅仅是对原作的简单复制,而是本身就是一件艺术品;第二,它与Startburn的艺术区块链网络Startrail相连,记录每件作品的历史。最后,作为文化厅参与的项目,基于如何将纸质漫画传给后代的问题意识,启动了漫画原画档案。虽然时间有点长,但这是项目启动的三大支柱。 - 我觉得漫画的制作和发行有继承的一面,但我觉得这种"矫情"对观众,当然对创作者也有不同的逻辑。 冈本:我想问一下两位的看法,从项目方来说,当我们想到"把艺术变成漫画"的时候,我们就会想,把漫画放到美术的语境中去发行,是不是真的是一个好主意?漫画是漫画,艺术是艺术,它们在不同的背景下发展起来了。这就是为什么我们叫它"MANGA-ART",在漫画和艺术之间加个连字符。我觉得不如说我们正在创造一种新的漫画艺术流派。 小池爱(小池)我觉得这是一种很好的思维方式,或者说是一种很灵活的思维方式。我也很喜欢你这次选择用跨境EC。从市场来看,全球艺术品市场约为7万亿日元。在日本,它的规模要小得多,所以我觉得针对海外市场的这种举措是一个非常好的决定。 冈本:非常感谢您。那么,在日本,大概是3500亿日元吧? 小池你用"大量的估计"作为前言。如果我们专注于纯交易,通常说是2500亿日元左右。 冈本:我明白了。以漫画为例,去年数字漫画的销售额约为3500亿日元。而这只是在日本。如果包括世界其他地区,甚至纸质漫画,市场就会变得更大。我认为漫画与其不敢完美适应美术的风格,不如利用其作为漫画发展的背景。当然,我认为可以和美术界的人合作。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本:当我想到那个"把漫画变成艺术作品"的时候,我想特别问一下作为艺术家的曾周你,它的真实面貌如何。 曾超先生,你用油画创作的作品,质感很鲜明吧?艺术家的手直接参与到作品中,可以说,作品具有很强的物理感觉。这次您的漫画艺术不同于传统的油画或作品的触感或立体感,而是注重平面感,但我想问您作为一个画家对此有何感想。 曾周是的,一般来说,美术绘画更注重物质性和物理性。他们往往更看重物质感,而不是二维的形象,我觉得这和漫画的思维方式很不一样。  但说到平面,我想到的是村上隆的《超平面》。在中国,也有一些作品具有动漫、漫画的语境,但评论家反应并不好。他们说:"日本的质量更高。所以,从某种程度上来说,我觉得这是日本人特有的一种思维方式,或者说是一种制作方式。 - 你提到了物质性,但这次你对印刷品的要求特别高。我认为技术层面上,特殊印刷技术的运用,使其具有了作为物品的价值。 冈本:非常感谢您。这是一个时间问题,我觉得我真的很幸运。我有一台特殊的印刷机器和一个特殊的工匠。 为了《Shonen Jump》,我们每周都会制作凹凸不平的树脂版,用大凸版印刷,但这是用质量不高的纸张印刷的。纸张和印刷都不值漫画周刊的价格。但我想,如果我真的在凸版印刷上印出漂亮的图案,会怎么样呢?要做到这一点,你需要的是一台能够高质量印刷的凸版印刷机,而不是一台高速印刷的轮转印刷机。听说以前东京有很多,但现在几乎没有了。这一次,京东印刷集团找到了长野有一家印刷公司,我们请熟练的工匠进行印刷。 小池听完你刚才说的话,我在想,这就是团队合作。基本上,一个艺术家单独用油画和丙烯画创作是有吸引力的,但漫画是一个综合的创作,漫画家、编辑、印刷厂都在一起工作。 冈本是的因为漫画的背景其实是出奇的陌生。但这些机器和技术如果不改变,就会失传。如果这成为一个契机,将他们传递出去,我想这将是非常有意义的。 小池不,我想这是真的。加上动画和漫画市场的规模,全球艺术品市场规模为7万亿日元。一段时间以来,在那个世界也有了收藏的想法,迪士尼的赛璐珞图片在拍卖会上拍出了不可思议的价格。我觉得把漫画作为一种艺术形式,在利用其独特的语境的同时,还可以进行拓展,这真的很有意思。 冈本这是一个精致平衡的世界,不是吗? 小池不,真的是这样。我对年轻艺术家特别小心。日本的拍卖会越来越受欢迎,但如果在日本的价格过高,外国画廊就不会善罢甘休,或者不愿意与之打交道。他们说:"我们这样做是赚不到钱的。但另一方面,如果价格相对于质量来说比较低,他们认为还有发展空间。 冈本:哦,如果价格已经确定了......。 曾超:二中在中国也有非常大的影响力。特别是在香港,它是非常强大的。不过也有一些艺术家被卷进去了。 小池当然,在国内市场的固定经济范围内工作也是一种方式,但根据艺人所处的阶段,如果二货的价格只增不减,很难走向世界。 在当代艺术的世界里,需要这样一丝不苟的处理,我想这个项目可以让大家的思维更加灵活。即使建立二级市场,也不会对漫画家产生巨大影响。此外,它的区块链管理得很好。 冈本:区块链是一个很大的诱因。一部作品的历史会被记录下来,未来还有空间去考虑追诉权等问题。即使是树艺社出版的原版复制品,在二级市场上的售价也很高,我想研究如何利用区块链系统将利润返还给艺术家。 另外,在职业方面,这次我们是请三位老师,但最终还是想请新的漫画家。 我觉得很多纸质漫画杂志的结构越来越严谨。除了漫画杂志的稿费和漫画的版税之外,我觉得如果漫画艺术能够发展成为一种收入形式,也是一件好事。初出茅庐的漫画家一百万日元和老手一百万日元的分量是完全不同的......。 小池这是作者的新选择,由于LINE漫画和数字漫画的出现,成为作者的门槛降低了,但要想以此为生还是很困难的,有这样的选择真是太好了。....其实从4月份开始,我在一所艺术大学给包括漫画家在内的未来艺术家教授创业,这正是我所思考的问题。 冈本是的当然,我们要面对如何传承漫画的问题,但另一方面,这也是参与漫画本身的变化,以及漫画家自身职业的一种方式。虽然现在还很早,但是我想以一种灵活的方式来考虑项目的发展,包括你今天说的。 简介冈本正志|冈本正志"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"理事。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。在女性杂志和女性杂志门户网站工作后,参与了漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。 小池爱,1985年生于东京。毕业于庆应义塾大学法律系。大学期间在创业公司工作后,2010年加入了百合堂。2012年至2015年,她在私募股权基金Advantage Partners工作,参与收购(LBO)投资、被投企业管理和新业务运营;2016年起,她在Asuka Holdings工作,参与东南亚和印度的创业投资。2020年,他在日本创办了GO FUND。2020年12月,他将成为艺术YouTube节目《遇见你的艺术》的领航人。 曾超,1985年出生于中国湖南。他毕业于东京造形大学,获得美术学博士学位。他以"启音"和"伪舜石"两个关键词,将中国画的传统特色与当代艺术的视角交织在一起,并以一种全新的、独特的绘画语言呈现在祖国当代社会的各个方面。 SHUEISHA MANGA-ART HERITAGEhttps://mangaart.jp/

艺术2020中的夏日风景–炎炎夏日问候篇1

你觉得2020年的夏季景观如何?我们很多人可能不得不对今年年初计划的奇怪而空前的夏季模式做出一些调整。去年夏天,我忙着重新认识我的祖国日本,这是几年来的第一次,而在此之前,加拿大照例是音乐会和周末徒步旅行的季节。在我国,正是傍晚冲浪、喝梯子的季节。我太怀念"正常"的夏天了,真是无与伦比。 逃不出办公桌和电脑的你,夹在中间的你,是应该享受自己的生活,哪怕炎热的天气让你戴着口罩难以呼吸,还是应该警惕病毒,忍住不玩了。我发现自己在寻找"夏天的照片",梦想着2021年的夏天,以逃避现实。下面是我找到的过去、现在和(希望)未来的一些夏天的场景。 错过泳池边的派对? 如果是这样的话,高畑爱香的作品是最适合你的,希望你能一直保持聚会的心情。把它挂在墙上,也许你会再次体验到那种振奋人心的感觉。 还是今年夏天的室内小聚会?一些艺术家也喜欢在室内。 说到日本的夏天,节庆、炒面、刨冰、烟花是不可缺少的,但今年呢? 在法国,乡下度假是最流行的。 希望这些作品能给大家带来轻松愉快的心情,在此通知大家夏日问候的第二部分。在通讯的第二部分,我们将介绍TRiCERA艺术家中流行的主题--海景,以及季节性的抽象画。如果您有兴趣,请不要忘记订阅我们的电子报。

Editor's Choice