星期五, 1月 28, 2022
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重绘地平线

千穗勇志是一位日本画家,他画的图像在视觉上似乎是朦胧的。 她的风格源于她的白描经历。 她对自己的经历描述如下

“我看不到前方的一米,我看到的一切都是空白。 我觉得我好像失去了方向感。 我甚至不知道我是否站得直。 仿佛我被扔到了外太空。”

在现实中,存在着重力,我们应该能够感知到向上和向下。 然而,留白混淆了我对空间的视觉理解,我失去了方向感。 你觉得自己好像漂浮在一个白色的空间里,或 她觉得自己仿佛漂浮在一个白色的空间里,或者仿佛掉进了一个牛奶色的海洋。 这对她来说是一个威胁生命的可怕经历。 一个无法辨认的、无限扩张的空间。 这一定是对一个无法识别和无限扩张的空间概念的体验,这个空间既不在上,也不在下,也不在左,也不在右,只是隐约在扩张。 这种经历对她来说模糊了世界的各种界限。 在她的作品中,她描绘了各种风景,从城市到森林和海洋。 越近的场景越清晰,越远的场景则越朦胧。 在城市里,建筑物似乎在远处散开。 在森林里,失去了森林本身的深度,而在海里,失去了地平线。 而在城市和森林中,空间的大小和范围被掩盖了。 在海景画中,地平线,即天空和海洋之间的视觉边界,是模糊的。 (天与海的差距,高72.7cm x 宽91cm x 深2.7cm,千穗米司, 2019)

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虽然森林和城市是不可能掌握的空间 另一方面,就地平线的幻觉所创造的边界概念的丧失而言,海景画 相反,海景暴露了视觉所感知的表面世界的虚构性 另一方面,就地平线的幻觉所造成的边界概念的丧失而言,海景画反而暴露了视觉所感知的表面世界的虚构,并邀请我们去发现背后世界的真实。 在这个意义上,杨士琦的作品,通过其日常主题,动摇了我们现有的认知和 从这个意义上说,杨士琦的作品是一个机会,通过日常的主题来动摇我们现有的认知,重新构建我们每天看世界的方式。 至于海景的主题,我们不能避免杉本博司的 “海景 “系列。 杉本在其网站上对该系列作品的描述如下

“水和空气,这两样我们认为是理所当然的东西。 水和空气,这两样我们认为理所当然的东西,以至于我们几乎没有注意到它们,它们保证了我们的存在。 世界的开始是以水和空气被赋予的神话开始的。 水和空气,加上光,产生了生命的现象。 至于这一切是如何发生的,我们只能说有一个机会之神。 我们只能说,有一个偶然的上帝。在我们的太阳系中,有一颗行星有水和空气。 而它恰好与太阳保持着合适的距离。 温度刚好适合生命的发展。这样一个星球将是 看来,在整个广阔的宇宙中至少应该还有一颗这样的星球。 但就我们所见,没有其他星球像它一样。 我们非常感激的水和空气是我们面前的海洋。 每当我看着大海,我就有一种祖先的和平感。 于是我踏上了看海的旅程。”

如上所述,在这一系列的作品中,他选择了 在这个系列中,杉本试图捕捉生命的基本元素:空气和水。 波浪的详细表达和空气的氛围,似乎捕捉到了空气中的粒子,这是他作品中不模糊的过程的结果。 与杨士琦的作品的晦涩难懂形成鲜明对比的是 可以说,杉本的作品与此类似,他试图捕捉和表达世界的真相。 杉本也使用所谓的卤化银印刷技术。 杉本还使用了所谓的卤化银印刷技术,即在暗室中把胶片上投射的图像印在相纸上。 这是一种利用银粒子氧化还原的印刷方法。 然后在暗室里将图像印在相纸上。 换句话说,这个图像是一个颗粒的集合。 另一方面,Gofun是由贝壳制成的,而iwaegue,顾名思义,是由同样的材料制成的。 相比之下,由贝壳制成的Gofun和由粉碎的矿物制成的Iwa-enogu。 它们也是颗粒。而在她的案例中 这些颗粒的结构覆盖了屏幕(即视野)。 艺术家自己的留白经历。 (《海天之间》,高41厘米x宽31.8厘米x深2厘米,Chiho Yonemushi, 2021)

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17和18世纪的德国哲学家戈弗雷德-莱布尼茨认为,世界是 17、18世纪的德国哲学家戈弗雷德-莱布尼茨认为,世界是由无数个单体组成的。 根据他的理论,这些单体并不完全相同,相互之间没有影响。 他的理论是,这些分子并不完全相同,它们之间没有影响,但它们以一种和谐的方式运动,世界上的一切都在变化。 现代科学的发展清楚地表明,他的推理是错误的。 然而,与此同时,科学表明,世界是由非常小的粒子组成的,如原子和亚原子粒子。 但与此同时,科学也确实是建立在非常小的粒子的概念上,如原子和亚原子粒子。 但我们不应忘记,这些观念和理论也在不断变化。 如果世界是无数粒子的集合,那么 如果世界是无数粒子的集合体,那么杉本的海景画和米尼希奇的朦胧图像 如果说世界是无数粒子的集合体,那么杉本的海景画和米内重的朦胧画则是试图捕捉一种无法用视觉捕捉的现实。 在我们的眼前,仍然有像地平线这样的想象的边界。 另一方面,现实世界的物理结构仍然存在,它不过是无法用视觉感知的粒子活动的总和。 面对现实世界的物理结构,我们如何能再次 我们如何才能再次把握住世界的轮廓?


千穗音重

构想

我曾经在北海道的一个滑雪场遇到暴风雪,经历了白茫茫一片。 我看不到前面的一米,我能看到的一切都是白色的,我觉得我好像失去了方向感。我甚至不知道我是否站得直。 仿佛我被扔到了太空中。 这是非常可怕的,但从那一刻起,我就被无尽的太空所吸引。 基于这种感觉,我以熟悉的风景为题材进行创作。 在我的作品中,没有地平线,相反,在场景中存在着一个大空间。 我也不希望我的画有失偏颇,所以我选择各种颜色和图案来创作。 我使用丙烯颜料、日本绘画颜料等,T 而且我支持日本纸。

我的职业

1984年 生于埼玉县 2006年 毕业于明升大学日本艺术和文化系,主修日本画 2008年毕业于早见艺术学校,日本绘画课程 2018年入选第45届春季东京曾道人展 第45届曾国藩展,精选 2019年FACE展,Sompo Japan Nipponkoa艺术奖展,荣誉奖 第46届春季Soga-kai展,东京,精选 第46届曾国藩展,荣誉奖

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艺术家作为中间人

从事刺绣技术工作,浅间麻美称自己是一个"容器",浅间麻美认为,在创作时要忠于自己的灵感。她自称具有萨满教的风格,这也是她的作品保持纯净的原因。 浅间麻美的作品以刺绣为主,这是你一开始就学会的吗? -不,我是从自己画画开始的。我以前是做插画师的,但我想用自己的原创表达方式来创作作品,这也是我从为客户工作转向从事艺术工作的原因。 孩子生病后,我转行做了刺绣。那段时间,我还没有做出任何想做的东西。然而,很难找到时间和空间来画画。我认为刺绣是我作为一个艺术家的生活和私人生活相结合的唯一方式。 本卡多里-巴克斯,33×33厘米。 所以刺绣是一种艺术表现形式,你可以很容易地融入到你的日常生活中。你是自学的纹绣吗? -是的,我是自学成才,所以即使有人请我去开研讨会,我也不能教别人。我有自己的规则和方法,但不是一成不变的。我的作品制作方式是我自己生活中遇到的,所以可能和正常学习刺绣的人不一样。况且,我很重视表达,所以我不想做手艺和手工。 只要是"运用刺绣技术的作品",就必须有艺术家的观点。你怎么看这个问题? -我的作品更多的是一种灵感。说它是萨满,听起来可能很奇怪,但在我看来,它更像是一种"降临"的理念。我脑子里的图案下来了,然后我就得想办法把它们输出成艺术品。这就是我的创作风格。 启蒙》,33×33cm 换句话说,我觉得艺术家站在灵感和作品之间。 - 这只是我的情况,但这就是为什么心态很重要,不是吗?我觉得艺术家的精神状态和其他无形的东西是和作品有关系的。这就是为什么我在不稳定的状态下尽量不做任何作品的原因,因为我觉得它总会反映在我的作品中。我经常在早上做一个"净化仪式",我觉得获得纯净的灵感很重要,作品会有多纯净。 以前我对别人说我看起来更像萨满而不是艺术家有一种情结,但现在我不在乎这些,我可以做出比我脑子里思考的时候更好的作品,我甚至觉得有一种认同感。 我的工作流程是"思考"-->"写生"-->"在画布上绣花"。我总是在半夜或天亮的时候得到新的灵感和想法,我马上就把它们画下来,这样就不会忘记。 本卡多里-朱利亚诺,33×33厘米。 最后但并非最不重要的是,《》中你有什么想改变的地方吗? -不,不是的,因为我的作品有了原型,如何抓住它,把它转移到我的作品中去,是个问题。话说回来,我一直很注意自己的身心健康。如果我身体和精神状态不好,我想我不能做好工作。做好"容器"很重要。

“窗口”清水智雄在MISA SHIN GALLERY)

带来让我们感受到无形的现象的作品     日本艺术家清水治雄的个展"窗"正在东京Misa Shin画廊展出。这是1966年出生、在广岛和埼玉生活和工作的清水治雄的第三次个展。   清水创作了探索艺术与自然科学之间关系的实验性作品。他的作品创造了由声音、运动、光和振动等元素组成的现象。     本次展览,我们将从几件作品中集中展示清水的作品《窗》。橱窗"是一个利用大数据原理的作品:两台显示器更新显示实时的推特信息,当一条包含"亮"和"暗"七种语言的推特出现时,两块发光板就会一闪一闪的。你希望在哪个板块看到更多闪烁的光?你认为哪种语言在你的显示器上会显示得更好?你这样想的理由是什么?在观看作品之前,向自己提出这些问题并形成自己的假设,将有助于你对展览有更多的感觉。     在实用性方面,它基于大数据和Tweeter,同时也受到希罗尼姆斯-博什的《人间乐园》的影响,描绘了人类世界之间的天堂和地狱。如《欢乐园》中,你可能会注意到,"窗"的左边是"光明"的意思,右边是"黑暗"如地狱的意思,中间则暗示着与被监控的愚昧人世相对应的虚空。     除了"窗"之外,清水治雄还将带来与饭田博之合作的作品"衰败音乐"。衰变音乐"是一件混合媒体装置作品,它利用安装在房间里的闪烁器来检测伽马射线,并回放射线的声音作为回应。在"衰变音乐"中,利用安装在房间里的闪烁器检测伽马射线,并回放展览期间三神馆内发出的辐射声。艺术家还没有在福岛或切尔诺贝利等高辐射的地方表演"瓦解音乐",当然这样的城市由于能量高,会产生高亢的声音。在这方面,这项工作有可能根据辐射程度的不同而产生各种不同的声音,希望很快就能在下一个地方看到"衰变音乐"。   在这些时间轴的工作中,会出现一种现象。并不是说无形的东西转化为有形的东西。从作品带来的现象中,我们可以感受到无形的东西。清水智夫的"窗"展从6月28日开始,将在三新画廊举办到2019年8月10日。     文章作者:Jeongeun Jo生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

Joi Murugavell – 欢乐迷宫

澳大利亚艺术家Joi Murugavell创作了色彩斑斓的艺术作品,这些作品大胆、有趣,充满了独特的个性。在奥克兰理工大学获得艺术与设计硕士学位后,Joi开始了她的艺术家之旅。     自2009年首次举办个展以来,Joi Murugavell一直积极参加世界各地的展览。最近,她参加了国际知名的当代艺术博览会"Affordable Art Fair",以及日本最大的拍卖行之一的新和拍卖。她的作品不仅在大洋洲展出,还在欧洲、亚洲和美洲展出。   她的艺术常常是抽象的、明亮的、尖锐的、幽默的,独特的人物在画布上跳舞。她的角色不仅仅是有趣和娱乐。每个人物都能捕捉到人类经历的美与痛,以及变化中的灵魂,引用。                                     查看更多Joi Murugavell的作品

追求艺术对一个不确定时代的意义。采访艺术家本桥浩介

1989年出生于兵库县的本桥浩介将艺术定位为"人的确认仪式",是人类特有的活动。我们和他聊了聊艺术创作的意义和他至今的进步,因为他始终保持着探索作品与观者之间关系意义的视角,同时采取了绘画、雕塑、装置等多种方式。     Kosuke Motohashi             元桥,你一直以"死"和"生"为主题进行创作,请问你是如何开始艺术创作的? -我大约在2013年开始作为一个艺术家工作。我是一个自学成才的艺术家,但正是在2013年,我抱着"以艺术家的身份做艺术"的想法买了第一张画布,两年后我举办了第一次个展。 我想,我活动的动力来自于一系列与死亡有关的经历,比如小时候的阪神淡路大地震和自己的事故。比如,如果有人告诉他:"你明天就会死。"我想每个人都会努力把自己的财产和知识留给别人,但同样,我也想把自己体内的能量留给别人。同样的,我也想把自己体内的能量留给别人。 这就是我作为艺术家生涯的开始。如果要打比方的话,我想我是想把自己的能量放出来,连接到别人身上,就像U盘一样。     不透》,2020年,布面油画,1,167×727mm。   还有其他的方式,比如写作或唱歌,但为什么是艺术? -这是个难题(笑)。我想是因为我一直喜欢画画。   除了画画,你还对什么感兴趣? -我对社会心理学、精神分析感兴趣,也对国际援助感兴趣。我在大学里学的是心理学,曾经有一段时间,我想大学毕业后去联合国工作。 ,我第一次对心理学产生兴趣是在初中的时候。我的一个家人患有精神疾病,我意识到,一个人的幸福与否,取决于他们对事物的看法。所以我想,如果我学了心理学,就能让人快乐。 我想我从小就倾向于同情别人,自己和别人、世界之间的界限是模糊的。所以就像我想让自己和别人都快乐,成为一个集。在学生时代,我经常给同龄人做心理咨询,也曾被邀请到学生沙龙上谈"什么是爱情"(笑)。(笑)但当我想了想,我发现那并不是一门真正的生意。我无法想象以此为生。   所以,你从那里去艺术?-有消极因素也有积极因素,但就前者而言,我认为我不适合做一份普通的工作。我无法遵循自己不认同的规则,当我想到自己出生的意义,以及如何让自己是神、是"本桥浩介"的事实发挥到极致时,我决定做一些最能让自己沉浸其中、我认为有意义的事情,于是我成为了一名艺术家。     通用构图,2020年,布面丙烯,1,620×1,303,装置展于大象工作室。   您在创作时有什么感受或发现? -我曾经认为"艺术=自我表达",但这种感觉随着时间的推移而改变。一位名叫路易斯-卡恩的杰出建筑师说过:"艺术最美的部分不属于创作者个人。"我真的很同情这句话,我更强烈地感觉到,世界和人都是通过我的手画出来的,而不是由我画出来的。 ,现在我想创作出让欣赏的人能够相信的作品,或者说,能够成为一种情感寄托。在这个时代,尤其是在东京,变化的速度是不可思议的。世界和价值观念的变化如此之快。我认为,事物变化越快,我们就越需要一些普遍性的东西来支撑。当然,也是为了我自己。所以我想做普世作品。   刚开始做这些作品的时候,我总是画一些自己不满意的东西。他们都不老实,也没有什么说服力。第二天早上,我看着它们,会觉得"这是个糟糕的作品"。我认为我的作品之所以没有说服力,是因为我在撒谎。 ,其实我是一个挺在意很多东西的人:我的年龄、我和周围人的社会关系、我所处的时代、我的性别等等。当我鼓起勇气忘记这一切,尝试着去画画时,我就能创作出一幅幅好作品。当我决定忘掉这些的时候,我就能做出一部好作品。   你的很多作品都是以生活本身为主题,是不是因为你想创作一些普世的东西? -是的,可能是这样。我觉得普遍性和真实性很重要,,买你作品的人每天都会看,如果里面有谎言,他们也不会喜欢。艺术有一个方面,就是为欣赏艺术的人提供一种看问题的角度或方法。如果有一幅画,上面写着"你现在就应该死",观众就会毫不犹豫地接受它。我认为,做一些没有任何真实性的东西,只会害人害己,我希望通过接受这些作品,创作出可信的、与现实相协调的作品。     光的地藏(橙、蓝、绿、紫)》2020年,木版丙烯,1300×450mm。   在你的作品中,很多都是和生死有关的,不是吗? -也许是因为与此相关的问题是最紧迫的。尤其是今年,我想整个地球对死亡的意识没有比2020年更强。我一个朋友的伴侣去世了,我想这是整个社会共同的感受,因为人们失去了亲近的人,或者觉得自己的生命有危险。 ,电脑显示屏上或者电视的另一边总会出现一些悲惨的新闻,但世人都把它当作经济或者生活方式的问题来对待,但我想,在人们内心深处,是无法消化有人死去的想法的。但在内心深处,我认为人们很难消化有人死去的想法。我想这就是2020年的气氛。 ,对此,死人往哪里去,我们应该如何接受死亡,这是一个宗教的问题,但在现代生活中,我觉得完全要靠个人自己去解释。作为一个艺术家,我不知道应该如何处理生与死的划分。 下一次我准备办个展,重点是"活的自己"。冈本太郎说,艺术是为了生活,活着首先是一种特权。所以在我的个展中,我一方面打算展出具有强烈身体性的作品,或者是歌颂生命的作品,另一方面,我也在思考处理"死人去哪儿了"这个简单的问题。     绽放》,2020年,木本油彩,1,303 x 894mm。   在你继续创作的过程中,你有什么目标可以激励你吗? ,我觉得我的手和感觉到的东西的心灵都在那里创造。所以从某种意义上来说,我想用我的作品来尊重我所拥有的身体和生命。 另外,这可能有点自以为是,但我只是想让与我有关的人尽可能地快乐,我想与尽可能多的人交往。       点击这里查看本桥浩介的作品。

西村幸子:日本萨满教书法家访谈录

"我觉得和神灵有联系,我注重表达人物的意义。" Yukiko Nishimura 西村幸子是一位艺术家、书法家、设计师和企业主。她是国际知名的礼服设计师,是国际小姐和地球小姐的官方设计师。她还拥有一家名为"Ar.Yukiko"的婚纱公司。她不断用自己的艺术才华鼓励和激励人们。本期《TRiCERA》将介绍西村女士的书法作品。在这次的专访中,你将了解到西村女士的成长经历、她所使用的汉字,以及她与神灵的联系。 西村先生使用的汉字。 他与众神的联系 西村的书法作品 在哪里可以买到西村由纪子的艺术作品 西村使用的汉字 "这是日本现在使用的汉字的原形。" 西村幸子的财富 我从未见过有人画古汉字书法。你是怎么开始的? 遇到一位只画古汉字的书法老师,我就爱上了它。此后,我开始学习和制作原创作品。 什么是古汉字? 大约在公元前3200年,也就是纸张发明之前,中国古代就开始使用,是日本现在使用的汉字的原始形态。在中国古代,统治者接受神谕,古文字被刻在兽骨和龟壳上。 西村幸子的《龙》。 你觉得它的魅力在哪里? 因为是象形文字,所以即使不懂汉字的人也能理解其含义。另外,因为和萨满教有关系,所以有我的书法作品的人经常说,这些作品有一种神圣的力量,能改变一个房间的气氛。 与神的联系 "这些经历让我画出了我认为带有神圣力量的书法。" 你在做书法的时候有什么情绪? 我感觉到与神灵的联系,注重表达字母的意义。我的作品的独特之处在于笔触优雅而又有力,在书法中表达字母,犹如神来之笔。 今天画古字对你有什么意义? 从16岁到22岁,我在神社当了7年的宫女。我还在一所大学学习过神道教和萨满教,日本80%的神社首席祭司都受过教育。我觉得自己与神有很强的联系,觉得自己能够通过工作与神对话。这段经历让我画出了书法,我相信书法蕴含着一种神圣的力量。...

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在刚刚开业的艺术空间PARCEL,展出了一件介于雕塑和绘画之间的作品。

小牟田雄介在PARCEL举办的个展"Space|aspec"。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 今年6月,一家新画廊PARCEL在东京开业。作为第二阶段,9月21日至10月31日将举办小田雄介个展。小田雄介是SCAI THE BATH HOUSE的代表艺术家之一,也是出生在大阪的新锐艺术家。 尽管他既不主修雕塑,也不主修绘画,但他的作品介于雕塑和绘画之间。 除了这些有趣的具象特征外,他的作品主题与他处理材料的方式一样独特。他根据飞机、仙鹤展开折纸的线条,创作了一系列作品。 折纸是儿童游戏的一种形式,也是一种将纸折叠成立体物体的工艺。飞机和起重机是折纸游戏的典型和代表。折纸是介于纸和雕塑之间的东西,有二维和三维的可能性。每次展开后,虽然是纸质的,但线条会恢复到原来的状态,成为痕迹。这些线条也是折纸算法的痕迹。小田注重折纸的这一特点。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 小田用色彩将这个折纸的特点直观地表现出来,并将其进行几何分割。几何分割的表现方式多种多样,有时有强烈的色彩变化,有时有微妙的色阶。因此,小田的作品看似具有极简主义风格,但并不显得简单。此外,我们可以想象一下,展开的折纸曾经的自己是什么。展开的形象、作品本身以及作品在我们想象中的立体形态,丰富了我们观看作品的方式。如上所述,在"空间|Aspec"展出的作品形式多样。绘画、平面雕塑、包布突出的绘画。小田的镜面系列,将折纸线条雕刻在抛光镜面上,也在本次展览中亮相。据画廊Parcel Tokyo介绍,该系列作品曾于2014-2016年濑户内国际艺术节期间在犬岛展出,2016年起也在JR上越新干线的艺术友好型专列"玄武新干线"上展出。在这次展览中,我们将很高兴地探索多样化的表达方式。 展览期间,还将举办"关于抽象绘画的具体内容"的专题讲座。包括小田在内的当代艺术家将参加谈话环节。这次谈话会的目的是 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 画廊的意图是重新确认和核实艺术品和艺术家今天的位置,尽管现在市场价值是优先考虑的。更多细节将由画廊在适当的时候公布。 关于东京画廊包裹...

关于deityparty需要了解的六点

Deityparty画的是可爱女孩的图片,设计简单,像人物一样,但相反,她的许多作品是以人类的黑暗面为主题。她使用浅色,如水彩和彩色铅笔,但她所传达的信息有些令人同情,是每个人都倾向于拥有的。 1.神仙党的背景 deityparty是一位驻台北的艺术家,2012年在台北艺术大学完成了她的绘画学士学位,2016年在国立台湾大学完成了她的语言学硕士学位,2019年她的绘画作品在Walter de Gruyter丛书中出版。她目前白天是产品设计师,晚上是艺术家。除了绘画,他还写作,并获得了多个文学奖项。他在2019年获得了台北插画展的精选奖。在Instagram上,他以 "deityparty "的ID与自己的名字一样,与世界分享他的日常工作。 2.文学感性 他的许多作品在关注人类的情感方面和附加在标题上的简短文字方面显示出文学的感觉。在作品《在黑暗中跳舞》中,加入了deityparty的想法,即陷入困境的人看起来好像在黑暗中跳舞。画笔的触感很粗糙,仿佛是为了显示舞蹈动作的强度,脸部的部分和身体的轮廓也没有画清楚。颜色也主要是红色和蓝色,我们可以感觉到黑暗中情绪起伏、痛苦和愤怒的强烈波动。 (Dancing In The Dark/17cm×23.2cm/混合媒介) 点击这里了解详情 3.具有当代黑暗色彩的人的描写 我表达了很多人都有黑暗的一面,而我们今天往往有黑暗的一面。作品 "In My Sleep "是关于失眠的。女人睡觉的房间背景是留白的,因为她晚上睡不着,认为重复想象的睡眠就像在明亮的黑暗中。女人睡觉的房间背景是留白的。 女人的手被描述为 "一只握着刀的手",尽管她的表情和遭受失眠的状况没有被直接描绘出来,这表明她实际上处于一种痛苦和被困住的状态,尽管她看起来只是躺在一个光线明亮的房间里。 (在我的睡梦中/21cm×30cm/水彩) 点击这里了解更多详情 蓝色静物 "是一件给人以神秘印象的作品,其中描绘了一个看起来很悲伤的头和一个茶杯。这幅画描绘了一个人在休息时将疲惫的头靠在桌子上,这表达了我们现代生活的忙碌。我们每天忙于很多事情,以至于累得想摘下脑袋,但即使只是喝杯茶休息一下,我们也不会满意。我太忙了,以至于我需要消除我的思想,把我的脑袋当成一个静物来丢掉。 (蓝色静物/10厘米×14.9厘米/混合媒体 点击这里了解更多详情 4.感同身受的信息 在描绘人性阴暗面的作品中,可能有一些我们都能感同身受的东西。在这个时代,失眠和疲惫是我们非常熟悉的问题,人们往往很难一眼看穿。 5.讲故事的水平很高 由于deityparty也是一名作家,他的一些作品有标题的场景,像小说中的段落。例如,在《游泳者》中,"他们去游泳。那天发生了一些事情,永远改变了他们。这个标题让我们想知道这两个穿着泳装的女孩发生了什么,她们似乎是朋友。他们的眼睛看向不同方向的方式让我怀疑他们是否刚刚打了一架,或者发生了什么严重的事情,从整体令人不安的黑暗色调来看......。因为故事没有深入描述,这是一个允许读者自由想象故事的机制。 (游泳者/21厘米×30厘米/水彩) 点击这里了解更多详情 作品 "吻 "也被残忍地描绘成头颅飞走的样子,但叙事却像电影海报一样被加上。"在死亡面前,两个人亲吻。标题写道:"在死亡之前,他们亲吻。我对它一无所知,但它是一部有趣的作品,让你对故事有很多猜测。...

花神子的限量版版画将发售。

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我们为什么要画脸? 关于肖像画。

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什么是3331艺术千代田? 3331 Arts Chiyoda是2010年在东京的一所小学旧址上开设的艺术空间。它有地下一层,地上三层,还有一个屋顶空间,可以举办临时展览和比赛。也有空间,楼内有几个画廊。 一楼还有一个咖啡馆,也有附近的人光顾。你可以随意欣赏贴近你日常生活的艺术。 3331 艺术千代田作为艺术作品 有趣的是,3331艺术千代田是一位艺术家创作的。这是艺术家兼空间总监中村正人的作品,他主要展示的是雕塑和项目型作品。 由于考虑到艺术项目的可持续发展,产出的是一个具有货币化机制的组织。 艺术展将续展艺术展 3331艺术千代田将于2012年3月18日至22日举办艺术博览会,这将是2013年以来的第9次艺术博览会。今年将有62位艺术家、35家画廊和6所艺术院校参与并展示他们的作品。 除了展览之外,还有表演和zine活动,使博览会不仅仅是一个正统的艺术博览会。这是一个可以作为运动来享受的艺术博览会,思考艺术与社会的关系。 EtsuEgami, 诱惑对方通过 ©︎EtsuEgami。 Kaori Oda, cenote005 ...

这是关于人类的动物,或者动物的世界。

莱昂纳多-达-芬奇的《带着女巫的女士》--不用说,这是一幅著名的作品,画作的尺寸为54.8厘米×40.3厘米,画中一位长相优雅的女子怀抱着一只女巫。据说,奥古京是纯洁的象征,但在14世纪和5世纪,它也是贵族中的重要宠物。 人与动物共存的历史源远流长,早在拉斯科时代,人们就对动物进行了驯化,有时对动物进行抚摸,有时作为狩猎伙伴与动物共处。古埃及人给动物取名,古希腊人有为死去的狗挖坟立墓碑的习俗,主人会在坟上刻下留言,表达自己的悲痛。 点击这里查看作品详情 尽管历史悠久,但主要是在17世纪和8世纪,动物才开始成为绘画的主题,成为一种潮流。动物和植物经常被作为自然史的一部分进行说明。然而,直到17世纪,Frans Snyders和George Stubbs等艺术家才开始将动物作为他们绘画的主要主题。 那么人们为什么要画动物呢?首先是动物的象征性使用,如达芬奇。虽然不是真正的动物(至少我从来没有见过),但比如独角兽,在15世纪的绘画中被用作表示女孩纯洁的图案。 这种象征主义的观点会让我们读出一种关于画中动物存在的故事。例如,SELUGI KIM以女孩和动物为主题的作品。 在她的画作中,女孩不是和她的朋友、家人、学校老师或米老鼠在一起,而是一只火烈鸟。她说:"以文化和爱情的名义,我们的社会有很多伪装。 点击这里查看作品详情 动物的"形象"呢?比如《小红帽》、《三只小猪》等故事中,狼总是一个反派。而当你听到"狼"这个词时,你可能不会想到一个好的道德家。刈谷随口提到了这个故事所创造的狼的命运。由于人类编造和讲述的故事,狼已经被人嫌弃了。从公正的角度来看,刈谷描绘了某种图像操纵的结果,以及那些继续固定这种图像的人。 点击这里查看作品详情 那从宠物的角度来看呢?我们是如何描绘我们的宠物,我们的不同类型的家庭的?他们的故事呢? 萩原画中的宠物,从某种意义上说,是对当代社会风气的一种窥视。作品中所描绘的狗"我们用的是植物洗发水",一定是经常用植物洗发水清洗自己。 点击这里了解详情 另一方面,也有一些作品是从宠物的角度出发的。久保重太郎的画作就是这样一个例子。他从"宠物受到的过度爱护有时是片面的"的角度来描绘武装动物。当然,我们愿意相信,在大多数情况下,爱是给得恰到好处的,但当爱不到位,甚至不再是爱和培养的对立面时,宠物连给当地派出所打一个电话都做不到。 他作品中的猫和兔子反抗人类,拿起武器,进行反抗,获得自由。久保的绘画代表了想象力的产物,他们描绘了一个"如果"的世界,一个通常看不见的世界。 当然,动物也有自己的世界,人类也不一定都在其中。长沼所描绘的银幕上狮子和松鼠自在的世界,是一个完全属于动物的世界。动物们都生活在自己的世界里,有自己的规则。在现实中,这种情况是很少见的。这是因为人类掌管着每一个地方。从这个意义上说,它是有些悲哀的,似乎有纯洁的东西会引起人们的渴望。 点击这里了解详情 画动物,就像画丛林,有自己的故事要讲。不妨在家中的一面墙上布置一个不同的动物世界。...

C-DEPOT: 日本当代艺术单元

C-DEPOT是一个由70年代和80年代左右出生的同一代日本年轻艺术家组成的艺术家团体。他们的作品涉及各种类型,包括绘画、雕塑、媒体、视频和音乐。C-DEPOT的创始人之一Yuji Kanemaru谈到他建立这个团体的经验时说,为了扩大这个团体,我们继续发掘其他有才华的年轻艺术家。在过去的17年中,他一直参与该团体的运作和活动。他向我们介绍了C-DEPOT的挑战、成功、不同的项目和未来。 内容 C-DEPOT的开始 C-DEPOT的成员 展览经验 改变方向 小组的概念 展望未来 启动C-DEPOT 问:当你创办C-DEPOT时,周围是否有其他艺术家团体? 答:我看到一些人在艺术家团体中工作,但我不认为一直有一个像C-DEPOT这样的大团体......如果有一个像C-DEPOT这样的团体,我就会加入它...... 问:你认为你的小组有多成功? 答:2002年,互联网刚刚开始流行,我认为这是一个新的机会。然而,当我们试图利用互联网发起一个新的运动时,我们遇到了技术问题,无法实施。所以我们决定把重点放在展览上。 问:C-DEPOT在头五年里有什么变化? 答:直到2012年,我们每年都有一个展览,在横滨红砖仓库和表参道的Spiral之间交替进行。2012年是我们开始这个团体的第10年,我们决定结束它,因为我们认为不会再有机会继续每年的展览。最后一次展览是在两个场地同时举行的。在这段时间里,我们增加了人数,预订了两个场地,并在最后放了烟花。在那之后,我们转向与公司合作,并与他们走得更近。我们没有按照自己喜欢的方式组织展览,而是开始收到请求。随着我们这样做,我们开始收到越来越多的公司的支持。然而,即使我们从公司获得了财政支持,也不足以支付展览的费用。最后,决定由艺术家们来支付展览费用。如果可能的话,我们希望在一个好的场地做演出,艺术家们不必承担费用。 C-DEPOT的成员 问:你邀请来自不同类型的艺术家,这很有意思。 答:是的,就是这样。我在东京艺术大学的设计系学习。这个设计部门不是一个统一的部门,它就像一个小型的大学,通常被称为小型的geidai。大学有许多不同的系是很常见的,但东京艺大的设计系却因为有学生在许多不同的媒体工作而被嘲笑。有些人说,设计系不是一个设计系。当我还是一个高中生的时候,我看到了Geidai的毕业展,认为这个部门是最有趣的,我想去那里学习。我认为C-DEPOT这个由不同流派的艺术家组成的团体的想法,是受到这个部门对不同媒体开放的启发。 问:小组成员之间是如何相互影响的? 答:当你在一个小组工作时,有一种竞争感。例如,成员可能对其他成员下一步的工作感兴趣,想做一个比自己的作品更大的作品。这种竞争精神可以起到激励作用,创造协同效应,鼓励成员继续创造工作。他们也可能感觉到与其他艺术家的联系,并合作完成新的作品。我认为我们以一种积极的方式相互影响。 答:我认为用一个小团体来经营一个大活动是很难的。但也很难让这个群体继续下去。你必须让这个小组继续下去,确保它不会变得单调,不会陷入困境。随着时间的推移,成员的思想和想法可能会发生变化,这可能会很困难。虽然我们的艺术技能随着时间的推移而成熟,但也有一些领域的艺术技能在下降。我觉得自己多年来经历了维持一个团体的困难,在C-DEPOT工作了15年后,我一直在思考如何保持动力,如何创造一个让成员感到精神振奋和活跃的环境。 问:经营一个团体有哪些挑战? 问:是什么吸引了艺术家加入C-DEPOT? 答:小组的每个成员都有自己的艺术形式,他们在这种形式中磨练自己的技能,但如果他们只集中于一种艺术形式,艺术家的视野就会变得非常狭窄。在这样的时候,看看其他类型的艺术,换位思考,被其他形式的美所感动,可以让你客观地看待自己和自己的作品。你可以注意到诸如 "我有这种思维方式 "或 "我认为这也很美 "的事情。即使我们有不同的价值观,即使我们说不同的语言,我们也能理解对方,因为我们是艺术家。能够与其他艺术家在一个基本的层面上联系起来,这很有趣。 展览经验 问:2012年到目前为止,什么样的观众参观了你的展览? 答:我们选择了两个吸引大量游客的热门场所。当然,我们推广了自己的展览,但横滨红砖仓库和螺旋都是人们来见我们的地方。特别是 "螺旋 "是一个带有咖啡馆的艺术综合体,所以我认为那些了解新运动和新趋势的人都会来看展览。我们还在艺术杂志上做广告,所以我们能够吸引艺术界的人。另外,该组织的成员还向他们个人认识的人发送了电子邮件。 问:展览中给人印象最深的地方是什么? 答:我们收到了项目的邀请,我们接受了采访,并在电视上做了报道。 所有这些小事都发生了,现在回过头来看,我可以看到我们的展览是网络和传播关于这个团体的消息。由于我们作为基础工作的活动,我们得到了信任,现在有机会接受委托。 改变方向 问:2012年之后呢? 答:我们想卖掉我们的作品,所以我们宣布我们将带着价格标签展出,以鼓励人们购买。与此同时,我们希望有一个以艺术家为重点的艺术博览会。我们曾设想过一个像Design Festa或GEISAI那样规模的艺术博览会,但这并不可能。相反,在2014年,我们在涉谷西武百货公司的8楼举办了一个大型展览,从2012年开始,我们的努力不断汇集,终于开始看到成果,与涉谷西武百货公司这样的大公司合作举办展览。 从那时起,我们开始接受各种委托。例如,在建造与羽田机场直接相连的皇家公园酒店时,我们要求C-DEPOT为每个房间创作艺术装饰品。C-DEPOT的成员共同创作了套房内的艺术装饰品和大厅内的大型绘画。大厅里的画是永久存在的,今天仍然可以看到。酒店的性质和它的许多限制对我们来说是一个很好的学习经验。 另一方面,当我们与另一家公司,即汐止的东京公园酒店合作时,我们在想做什么方面有更大的自由,我们每年做四个展览,每个展览持续两到三周。酒店的主题是 "日本之美",因此展览以日本的四季为主题。 也是在2011年,我们花了一年时间为六本木的一家咖啡馆RANDY创作室内装饰,每两个月更换一次艺术作品的主题,并举办艺术家的个展。我们有很大的自由度,并在作品上贴上价格标签供人们购买。看到咖啡馆的顾客对我们接下来要展出的东西感兴趣,这很有意思。不幸的是,这家咖啡馆在2018年关闭。 自2013年以来,我们参加了 "新池袋蒙巴纳斯西口展",这是一个在车站西口举行的艺术活动,目的是吸引人们到丰岛区。这个地区被称为池袋蒙帕纳斯,是C-DEPOT的办公室所在地。从大正时代(1912-1926)结束到战争结束,画家熊谷森一和小说家江户川蓝波等年轻作家聚集在这里,从事艺术活动。本次活动的目的是通过艺术来突出这一文化历史。该活动已经举办了13年,C-DEPOT也参与了特别项目。 例如,在一个展览中,主题是木偶。来自宫城县的木偶工匠Yajiro用木头做了木偶,艺术家在上面画了画,以加深宫城县和丰岛区的交流。该活动的目的是加深宫城县和手岛市之间的交流,销售木偶的收入被捐赠用于支持东日本大地震的恢复。此外,整个城市还安装了各种艺术作品。 艺术旗帜已被放置在城市公园、消防站和证券公司的窗户上。 我们还被委托做其他各种工作,如公司办公室的艺术装饰。我们并没有从这些活动中获利,但我们感到我们周围的情况正在发生变化。公司需要艺术,最近公司正在寻找艺术来区分他们的业务和活动,我认为这是一个非常好的事情。客户在与C-DEPOT联系时,期望我们能创作出各种艺术作品,并期望我们能在某些方面帮助他们。渐渐地,我们变得更加出名,我们开始接受委托,在项目之间没有休息。我们一直在寻找在国外展示我们工作的方式,所以我们很感谢有机会成为TRiCERA的一部分。 在最初的五年里,我们刚刚开始这个团体,我们没有得到社会的认可,所以我们冒了很多风险,做了很多实验。我们的许多成员现在已经是30多岁和40多岁。我认为我们所做的所有努力都得到了回报,每个艺术家和整个团体都真的成长了。当然,我们仍然有问题,但由于我们的经验,我们能够避免问题并解决问题。 小组的概念 问:"一群接近社区的艺术家 "的概念是否已经改变? 答:不,这个概念没有改变。相反,我认为这个概念正在成为现实。然而,有一个挑战:我们想要更多。我们的成员希望有一个更好的阶段,或者他们希望看到更好的结果,所以我们一直在思考下一步应该怎么做。 问:"基于社区的艺术家集体",你是指在城市中实施艺术还是组织艺术活动? 答:我认为重要的是要争取让艺术在我们的日常生活中无处不在。我认为在我们每天去的地方有艺术是件好事。此外,由于我们是一个艺术家团体,我们总是在思考如何创造一个环境,让艺术家能够继续创作,我们努力使之成为现实。 就我这样的画家而言,正是因为我的前辈们为我铺平了道路,我才得以成为一名职业画家,谋生并在这个世界上走自己的路。但对于从事媒体艺术和三维艺术等新流派的艺术家来说,情况就不同了,他们的作品不是为了销售,而是为了体验。这就是为什么我们要为艺术家创造机会,让他们继续创作和谋生。我认为这非常重要,我希望C-DEPOT成为一个可以创造这种机会的地方。 这就是为什么我们专注于增加艺术品的销售,但我们也相信,提供艺术可以有多种形式,例如提供表演或为各种活动提供艺术。因此,我们希望通过组织各种适合艺术家专长的项目,与社区建立联系。 最近,我们收到了越来越多的请求,要求为儿童举办讲习班。我觉得越来越多的父母希望他们的孩子能够体验文化教育。 甚至我的妻子也在寻找这些讲习班,以便带她的孩子去。他们没有参加传统的绘画课程,而是似乎对独特的艺术流派很着迷。 C-DEPOT与丰岛区合作,在每年暑假期间组织为期五天的研讨会。我们相信儿童的艺术教育是非常重要的,所以我们开始思考我们能为此做出什么贡献。我们的研讨会非常受欢迎,我们不需要做广告,很多人都会报名参加。我们发现,对这些讲习班的需求非常大。 展望未来 问:您对未来的愿景是什么? 答:C-DEPOT是以维也纳分离派为模式。在维也纳分离派有一栋叫做 "分离派大楼 "的建筑,我们曾经在那里举办展览。我们希望创建一个大的艺术中心,让成员们可以聚在一起,进行各种活动。 问:您对TRiCERA有什么期望? 答:我们希望提供高质量的艺术,如果我们得到了结果,我想我们会得到更多的会员,他们会更加活跃。我们有很多成员,但只有大约一半的人持续活跃。我希望那些有良好记录但目前不活跃的人能够加入我们,并感到他们从我们的工作中受益。出于这个原因,我认为我们的海外活动非常有吸引力。 更多C-DEPOT的艺术 (A-Z) 阿兰-安冈Asuka Tsutsumi科西嘉胜田大辅吴小川金丸Haruka金山宏树青山健一里约稻田孝志Takehiko Tsutsumi藤田友一奇异维度玩具细井佳子内田优水松由香里

关于何塞-卡乔的6件事

何塞-卡乔创作了具有现代感的美丽艺术作品,经常描绘妇女站立的样子,以此来使观众更容易进入作品,就像看戏一样。受古斯塔夫-克里姆特(Gustav Klimt)世界著名画作的影响,艺术家专注于小型马赛克创造的视觉艺术表达。使他如此特别的是,他亲自为成千上万的马赛克部分创造材料,使用各种不同的绘画材料。 1.职业生涯 他是一位主要在墨西哥工作的男性艺术家,他在2016年至2020年期间创作的作品侧重于与人类状况有关的问题,特别是对 "生命 "和 "知识 "作为社会平衡的原因的认识和主题。在他的许多作品中,妇女也被描绘出来,因为他意识到并描绘了 "妇女在地球上的存在",是智慧和爱的永恒载体。 2.灵感的升华 对何塞-卡乔来说,他的艺术灵感的最重要来源是他周围的媒体,如报纸、时尚杂志和广告。通过他的个人视野,将他从这些来源获得的灵感转化为艺术作品,他能够在作品中传达一种捕捉到人性本质的信息。他娴熟的技巧令人惊叹:他把从媒体上得到的 "信息",通过深入思考,创造出一种新的、可见的艺术形式。这不是一部自我满足的作品,我在他的作品中感受到了他对实际生活在这个时刻的人的问题的热情。 3.镶嵌式的视觉效果 何塞-卡乔的作品在构图上非常简单。动词的数量也很少。但由于这种简单的构图,我们可以注意到马赛克的部分,它被涂上了成千上万种的图案。由于马赛克部分的精细细节,这件艺术品具有简单但不乏味的独特特征。例如,在作品《翻身》中,两个女人对称地站着,她们穿的裙子是马赛克图案,每个方块上都有不同的图案。代表三维表情的阴影被描绘在妇女的脸上,但她们的身体上却没有代表三维效果的阴影。通过刻意将马赛克画在一个平坦的空间里,使其引人注目,我们可以很好地欣赏细节。此外,身体的三维印象具有不降低马赛克的印象的效果。 4.捕捉到人性本质的信息 作品 "Sel Love "描绘了两个对称放置的女人,她们有着相同的面孔,一起拿着一朵玫瑰。当你阅读这部作品时,你会发现一个有趣的信息,抓住了人性的本质。事实上,这两个女人并不是独立的实体,而是一个女人的自我反思的描写。在这里,她谈到了 "自恋",警告并劝告我们不要产生空虚感。为了填补这种空虚,许多人寻找同伴,但 "真正重要的是你与自己的关系,"何塞-卡乔说。如果你不爱自己,你将永远不会快乐或感到满足。关系包括面对自己。 5.操纵马赛克的印象 作品 "不耐烦 "描绘了一位妇女双手叉腰的侧脸。在这里,与之前的作品不同的是,每幅马赛克都画了一个大的、类似的图案。艺术家通过大幅改变马赛克的印象,扩大了表达范围,在这里,他从绿松石和暖金色的背景纹理中创造了深度。这个女人双手叉腰,看起来并不平静,她传达了不耐烦的重要性,有时她试图通过给自己施加压力来匆忙地找到重要的答案。生活中有些时候,我们会想,"这样做对吗?我们在生活中都有这样的时刻:"这样做对吗?在这种时候不耐烦是一个积极的盟友,为了做出准确的决定,你应该站在你这边。 6.何塞-卡乔的留言 他作品中的信息没有一个是对我们的强烈谴责。他给了我们很多建议和解决人类基本问题的方法。从这一点上,我可以通过他的作品感受到他的仁慈。因为我们是容易出现问题的人,每次看到何塞-卡乔的作品,我都想记住生活中的重要事情。我也想睁大眼睛,看看他在未来会发现什么新的信息,把握人类状况的信息。

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