星期六, 5月 15, 2021
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“窗口”清水智雄在MISA SHIN GALLERY)

带来让我们感受到无形的现象的作品

 

装置视图,清水智雄《窗》,2019 ©️清水智雄
Courtesy of Misa Shin Gallery。

 

日本艺术家清水治雄的个展”窗”正在东京Misa Shin画廊展出。这是1966年出生、在广岛和埼玉生活和工作的清水治雄的第三次个展。

 

清水创作了探索艺术与自然科学之间关系的实验性作品。他的作品创造了由声音、运动、光和振动等元素组成的现象。

 

装置图,清水智雄《窗》,2019 ©️清水智雄
Courtesy of Misa Shin Gallery。

 

本次展览,我们将从几件作品中集中展示清水的作品《窗》。橱窗”是一个利用大数据原理的作品:两台显示器更新显示实时的推特信息,当一条包含”亮”和”暗”七种语言的推特出现时,两块发光板就会一闪一闪的。你希望在哪个板块看到更多闪烁的光?你认为哪种语言在你的显示器上会显示得更好?你这样想的理由是什么?在观看作品之前,向自己提出这些问题并形成自己的假设,将有助于你对展览有更多的感觉。

 

马德里普拉多博物馆中的人间 花园,约1495-1505年,
©️ Hieronymus Bosch。
由马德里普拉多博物馆提供。

 

在实用性方面,它基于大数据和Tweeter,同时也受到希罗尼姆斯-博什的《人间乐园》的影响,描绘了人类世界之间的天堂和地狱。如《欢乐园》中,你可能会注意到,“窗”的左边是”光明”的意思,右边是”黑暗”如地狱的意思,中间则暗示着与被监控的愚昧人世相对应的虚空。

 

装置图,清水智雄《窗》,2019 ©️清水智雄
Courtesy of Misa Shin Gallery。

 

除了“窗”之外,清水治雄还将带来与饭田博之合作的作品衰败音乐“。衰变音乐”是一件混合媒体装置作品,它利用安装在房间里的闪烁器来检测伽马射线,并回放射线的声音作为回应。在”衰变音乐”中,利用安装在房间里的闪烁器检测伽马射线,并回放展览期间三神馆内发出的辐射声。艺术家还没有在福岛或切尔诺贝利等高辐射的地方表演”瓦解音乐”,当然这样的城市由于能量高,会产生高亢的声音。在这方面,这项工作有可能根据辐射程度的不同而产生各种不同的声音,希望很快就能在下一个地方看到“衰变音乐”

 

在这些时间轴的工作中,会出现一种现象。并不是说无形的东西转化为有形的东西。从作品带来的现象中,我们可以感受到无形的东西。清水智夫的”窗”展从6月28日开始,将在三新画廊举办到2019年8月10日。

 

 

文章作者:Jeongeun Jo
生于韩国,住在日本。她是毕业于东京艺术大学大学院美术系的TRiCERA成员之一。她也是一个活跃的艺术家。

Shinzo Okuokahttps://www.tricera.net/
1992年出生在日本东京。在大学学习印度哲学后,他在一家出版公司担任艺术杂志和神社杂志的副编辑,参与杂志和书籍的策划和编辑。2019年他加入了新创公司TRiCERA,负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的点播媒体。他还负责开发日本第一个专门从事当代艺术的跨境电子商务网站,管理艺术家,并推出公司自己的自有媒体。他的写作速度很快,在为杂志社工作时,他一个人就能在一个月内写出150页。

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漫画如何作为艺术传播?Shueisha的漫画艺术”SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE”已经开始。

近日,树艺社启动了名为"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的项目,该公司迄今出版的漫画将以限量版多本的形式在国内外销售。漫画作为海报等复制品发行的情况也有,但在日本,还没有将漫画作为艺术品开发的例子。在电商网站上线的同时,我们与项目总监冈本正文和运营当代艺术跨境电商网站TRiCERA.net的Iguchi Yasushi进行了对话。一个当代艺术的跨境电商网站。 如何看待作为艺术的"漫画"? 井口靖(Iguchi)很抱歉,首先作为一个漫画迷,我对这次采访感到非常高兴(笑)。 冈本正志(冈本):非常感谢您(笑)。 井口:我想谈谈树枝社正在启动的"树枝漫画-艺术遗产",以及漫画作为艺术的可能性。请问你是怎么想到要把漫画发展成艺术的? 冈本:如果追溯到项目的开始,其实是在2007年左右开始的。当时有一个运动,就是要把书生漫画数字化存档,但当时还没有智能手机,也没有什么动力去做什么新的数字数据。我希望用它来制作《Galaga》的漫画,也希望用它来翻译和海外出版。那时候,"数字档案"这个名词,或者说这个概念本身,还很新鲜。 井口:目标是树叶社出版的所有漫画吗? 冈本:几乎都是。 井口,就像一个巨大的数字... ...(笑)。 冈本:我会的(笑)。舒伊莎每年推出800本左右的新漫画,所以现在大约有300万页。当时,我们使用了以色列制造的最好的扫描仪来建立高质量的档案。随着时间的推移,随着智能手机的革命,利用档案数据制作数字漫画成为可能。但有些美术画得很好,我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我开始想:"是不是应该换一种形式发行?我想可能会以不同的形式发布,不仅仅是漫画、平板电脑或智能手机,也可以用不同的媒介发布。 我明白了所以你的意思是说,你用艺术作为一种方式来输出你所创造的档案。我觉得有趣的是,即使是同一幅画,在画里和在漫画里看起来也不一样。漫画是有故事的,体验是非常流畅的。但是艺术,尤其是二维艺术,基本都是固定在墙上的,所以我觉得在体验上有很大的区别。 冈本你说的对,漫画是一种时间性的艺术形式,所以如果你把它拿出来作为一个画面来看,你会有不同的看法。比如说,即使是《ONE PIECE》的读者,也会觉得"有这样的场景吗"?例如:我想,当漫画挂在墙上的时候,面对漫画,和漫画相比,会有不同的发现。 井口:根据漫画的内容,创造不同的体验。 冈本,没错从保存原作漫画的角度出发,这个项目一开始是为了存档,但我不想只把它们数字化就完事了,也不想只做单纯的复制品。我想通过不同的体验来传承漫画和艺术家的创作,我想这就是意义所在。 作为艺术,我们如何创造价值? 井口:另一方面,这个比较实际,但我觉得"把漫画当艺术来卖"会有很多问题。当代艺术产业有一个现有的结构,如何在这个结构中创造一个定位的问题。而更重要的是,与漫画相比,艺术市场本身就很小。对于进入不同市场的行业,你有什么想法? 冈本:先说一些数字吧,根据USB的报告,全球艺术品市场约为7亿日元。根据USB的报告,全球艺术市场约为7亿日元,日本艺术产业为3590亿日元,如果专注于艺术,则约为2580亿日元。这个数字其实我很熟悉。事实上,2020年日本数字漫画的销售额将超过3400亿日元,这与之大致相同。从这个规模来看,我想不难制定出在5年或10年后将"漫画艺术"发展到100亿日元左右规模的愿景。 井口:如果从漫画整体上考虑,应该是规模很大的。 冈本:没错,就算是树枝一个人在创作《一品》和其他几部漫画,他们也绝对会手忙脚乱。如果再加上其他出版社的作品,市场规模可望增长。 井口:而且,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"是跨境EC吧?考虑到海外市场更大的艺术市场,我认为这是一个敏锐的决定。 冈本:非常感谢您的评价。但我也不想和"艺术市场"中现有的流派对着干。艺术有很多不同的流派,不管是绘画还是雕塑,我不想在市场上和他们竞争,抢走他们的市场份额。我不想和他们竞争,抢走他们的市场份额。 我更愿意和其他流派合作。例如,你可以与工艺美术师合作,制作一个漆画框。如果你想把你的作品作为一个艺术作品,作为一个日本的创作来呈现的话,我觉得和其他流派的合作很重要。 井口:在将漫画拓展到其他艺术类型的同时,我认为要与现有的艺术产生共生关系,创造新的价值。 冈本是的,这就是我认为有趣的地方。到现在为止,已经有了海报和复制品。但从来没有把漫画作为艺术品来开发的想法,以保证艺术品的质量。当然,这对树德社来说是第一次,我想这对行业来说也是一个新的东西。 井口:你刚才说"作为艺术",但从这个意义上讲,我觉得用区块链发证是很有意思的,或者说,它在某种程度上是直指问题的核心。作为一个从事艺术的人(笑),我可以想象,当人们听到区块链和证书时,他们可能会想到分销、价值形成和抵押品。(笑)我可以想象,当他们听到区块链和证书的时候,他们会想到发行、价值形成、抵押品,这次我觉得会作为一个多作品来发展,到时候就必须要谈版号管理。 冈本:没错。这正是让我认识到这个项目潜力的初衷。我不想被人认为是在卖复制品。在这种情况下,我需要设计一种方法来管理这些版本和发行它们,或者说是一种逻辑,让它们作为艺术品在市场上流动。从这个意义上说,Startburn的区块链系统是一个很大的催化剂。 井口:我觉得你刚才说的有一点,"作为艺术的分配"是非常重要的,我觉得当代艺术是一个系统而不是一个流派。但是,当我这样想的时候,虽然可能是重复我前面所说的,但是在版画、照片等可以复制的作品的发行过程中,版本管理,或者更具体地说,市场价值的管理就变得非常重要。 冈本:我想你是对的。 如果我们能通过这个问题,那么我认为已经奠定了基础。在今天的当代艺术中,有一种倾向,那就是接受原本来自外界的人,比如KAWS。所以街头艺术、波普艺术或插画已经成为一种流派。也许我说得太夸张了,但我认为新类型的漫画有进入这个领域的基础。如果我说这样的话,可能又会被别人骂我说的太多了(笑)。 冈本:没有,但我明白你的意思。但这也是为什么要用心创造价值的原因。包装、运输也是如此,当然还有证书。 井口:在法国,漫画据说是第九艺术(笑)。但正如你所说,当代艺术是一个机制的世界,是有规则的。你按照"礼仪"或者说商业惯例来做,很隐忍,我觉得你对这个项目很认真。 冈本但如果从这个角度来谈,另一方面,我想避免与当代艺术,或者说与美术的核心对接。我意识到漫画的背景,美术方面有现有的方法和技巧。我认为,试图强迫自己去顺应这一点是不好的。当然,我一点都不忽视,这也是为什么我们要讨论区块链证书... ...我想把它确立为更广泛意义上的艺术,我认为有必要思考它本身的背景和价值。 我明白了另外,在价值方面,这是我个人的观点,但我认为,价值是一种被感知的东西,当一种共同的价值,或者说认可被创造出来的时候,它就会成长。当这种共同价值增长时,整体价值就会诞生。我对漫画艺术如何创造艺术价值非常感兴趣,我认为这里面有很大的潜力。 以"漫画艺术"的方式来传承漫画。 井口:说到问题的核心,或者说说得更深一点,您觉得这个《修真漫画-艺术遗产》和复制品最大的区别是什么? 冈本:最大的区别是研究和修复。其实,原创漫画作品褪色、变质的速度非常快。它们比油画要脆弱得多。这是因为以周、月连载为基础的漫画原画,为了适应生产速度,往往使用容易干燥的染料油墨。这些油墨是漫画的表现力所在,但它们也会很快褪色和变色。另外,还有很多因素会损坏纸张,比如粘贴成绩单的粘合剂。 井口:我明白了,所以你没有让原图持续时间更长的想法,因为你认为它会被打印出来。 冈本是的,没错。我听说有的档案专家说,档案的寿命不超过100年。即使它们被存放在适当的设施中,也是如此。所有的漫画原画都在以持续的速度恶化。所以,我在做这个作品的时候,就研究了一下原来的状况是什么样的,一边做一边还原。 井口:不只是简单的印花吧? 冈本:没错。而且与漫画不同的是,原图是放大而不是缩小。所以,如果你从摄影到印刷都没有做好,最后得到的东西是无法欣赏的。从生产到发行,一切都要经过严格的控制,所以我们不能简单的说我们是做复制品。 井口:把它做成艺术,我们就把它留下来。 冈本通过把它们作为图片留下,换句话说,作为给人一种与漫画状态不同的体验的东西。如今,我听到纸质原件在拍卖会上被卖出高价的故事,但原件却没有被及时保存下来。我们有数字档案,但原纸只怕是越来越差了。所以这个项目如果产生了资金,可以用于研究艺术品原件的存放,当然也可以返还给艺术家。 井口:你可以为漫画家创造一个新的活动领域。 冈本那正好,漫画的世界也越来越艰难了。艺术家仅靠稿费和版税谋生是很难的,但如果能把自己的画作当做艺术,也许就能看到不一样的可能性。今后,我想把新漫画家的画也变成艺术品。 井口:这样一想,"SHUEISHA MANGA-ART HERITAGE"的目标就很明确了吧?漫画的传承,以及漫画家的新可能性。 冈本:漫画毕竟是日本重要的产业和文化。我们要在适应时代的同时,思考如何传承,我想这也是一直把漫画送出去的书生社不得不重视的问题。我想仔细地,当然也想挑战地建立漫画作为艺术是否可行的问题。 冈本正志 - 冈本正志 昭和漫画-艺术遗产"的导演。从东京美术大学音乐系毕业后,加入了树枝社。先后在女性杂志和女性杂志门户网站工作,参与漫画制作的数字化工作。她策划实施了"漫画数字档案馆",这是一个收录了书生社出版的主要漫画作品的数据库。他还将《周刊少年Jump》等漫画杂志的制作环境数字化。转入数码部后,先后推出了"漫画工厂"和"SSDB(树艺社综合数据库)"。 太井口 大学毕业后,他加入了一家老牌的音响设备制造商,并在亚太区总部开始了他的职业生涯。2015年加入耐克日本公司,2017年担任日本直营店供应链经理,参与全球项目,并在日本启动和执行多个新项目。2018年11月1日,他成立了TRiCERA公司。 网站网址https://mangaart.jp/

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什么是工业房?工业是一个意味着 "工业 "或 "类似工业 "的词。这个房间的特点是仓库或工厂的外观,高高的天花板,以及敢于将未完成的元素纳入房间。这不是一个全新的外观,而是一个感觉使用过的东西的形象,以及一个可以长期使用的耐用内饰。据说,它的起源是原来作为仓库的空间被重新用作房间,同时敢于保留其原有的特点。这是一个流行的主题,已被纳入办公室和研究中。 艺术在工业空间中的作用关键是展示与金属、砖块和混凝土等材料相配的艺术品,这些材料给房间带来了粗犷的形象,经常被用于房间内饰中。下面是一些给房间带来现代印象的艺术品的例子,在房间里展示时,给人一种工业材料的质感。 无题(19-37)这是一部主要使用抽象表达的作品。艺术家用自己独特的方法来表达,比如在涂抹了几层颜料之后,在画布上划一下。丙烯酸和木炭在这件作品中被使用,这让我们感受到材料作为绘画表面的存在。因为黑色是作品中的基础颜色,所以它很适合于房间,给人以粗犷的印象,但又不会给人以不适感。明亮的浅蓝色点缀使它在一个有许多深色调的房间里成为醒目的点缀。 点击这里查看作品 一孔之见这个独特的艺术品是世界著名的阿波罗11号登月的照片和高尔夫的结合。像这样的幽默作品可以用在具有粗犷外观的空间中,使其不至于变得太过死板。空间的主题给人以现代的印象,所以建议创造一种工业氛围。因为是以黑白照片为基础,所以颜色的数量很少,给人一种简单而协调的印象。从顶部的红光般的处理给人一种很好的时代感,它与房间融为一体,不会给人一种新奇感,让人在引入时感到不舒服。 点击这里查看作品 青铜结构这是一件抽象的作品,表面有几何图案,有金属质感。金属漆被用来表现金属的质感,而作品则是用丙烯酸树脂制作的。青铜的质地,也被用于硬币,给人一种粗犷的印象。作为室内装饰,这件艺术品与石头和砖墙非常相配。通过将青铜的光泽与略微暗淡的金属表现力混合在一起,而不是涂上统一的涂层,它创造了一个仿古的方面,给人一种年龄感。 点击这里查看作品 GROUPIE ART皮肤的轮廓和颜色是通过线条来表达的,这在油画的表现方法中是少有的。一个戴着太阳镜的男人的图案给人以现代的印象,而棕色纸上的画则给人以复古的感觉。通过用线条来表达阴影和高光,脸部和太阳镜看起来是三维的。作品的框架上有纸张上的皱纹和上下的撕裂,这让我们感觉到了未完成的工业元素。当然,这并不意味着作品处于未完成的状态,但通过利用艺术家留下的方向,可以吸收工业所需的未完成元素。 点击这里查看作品 LNE SS1这是一件有如银色的金属光泽表现的艺术作品,虽然它是抽象的,没有描绘出一个明确的主题。在一个有很多沉闷暗色调的工业房间里,闪闪发光的金属的美丽表达将成为与周围环境不同的点,吸引人们的目光。因为它被描绘成光线从下面照过来的样子,如果房间里的光线从下面照过来,就能更有吸引力地显示出来。它与混凝土和黑色的墙壁很相配,是一种非常容易引入房间的艺术作品。 点击这里查看作品 纽约在广泛使用黑色的同时,这件作品捕捉到了逆光和反映在路上的各种灯光。主题是纽约的夜景,这是一件很容易引入房间的艺术作品,因为它是现代主题。由于黑色部分较多,所以与白墙和水泥墙很相配,即使在给人以明亮印象的房间里,只要适度加入夜景的暗色调,就能营造出清凉的房间印象,而不会有沉重的气氛。 点击这里查看作品 正如你所看到的,你可以从艺术品的主题和特点中创造一个工业化的房间。使用艺术品作为你房间的兴趣点如何?

毒药与净化的故事

白鹭1996年出生于爱知县,2019年移居东京,开始了她的艺术家生涯。今年3月,她在银座的山茶花画廊举办了首次个展,由山下舞子策划。我们和她聊了聊她的活动,重点是她的作品和制作,她的作品是以"剪出瞬间的故事"为立场的彩绘油画和她称之为"雕塑"的画框组成的。     我想问一下您的作品的外貌,您的作品有的分画框,有的不分画框。你自己把框架部分称为"雕塑",并把它从框架中分离出来,作为装饰品。我想问的是,这部分木框在士郎先生的作品中处于什么位置。 -一般来说,相框具有很强的装饰品内涵。它是作为一幅画的装饰。对我来说,我没有意识到我在创造一个独立于绘画和画面的存在。我又不是在画一幅画,然后给它装一个手工框。如果我把它设置成画框,难免会让人觉得它是画的装饰,但它不是为了画而存在的。不是说一个演主角,一个演配角。   我认为二维和三维作品很难区分。你是否意识到了这一点?-我认为我的作品是否是二维的,我并没有限制自己。最早用这种形式创作的作品之一是《老人与海Ⅲ》,它的创作是从故事中剪出一个瞬间,我用画框把这个瞬间保留下来。首先,相框是用来保存重要照片和记忆的。但木框并不是画面的装饰,所以我并没有把它当成一个平面,也没有把它当成画面的主要部分。另一方面,这也不是一部立体的作品。所以两者都不是,也很难分开。我觉得没必要。   例如,有的艺术家试图站在二维和三维作品的边界上,如理查德-塔特尔或最近日本的安井隆之助。你是否也有这种意识? -不,我没有特别意识到这一点。一开始,我就不喜欢画布的方正。我厌倦了它是一个固定的形状。如果只是一幅画,有角有边,如果是纸,还有纸的厚度,但这些东西让我很困扰。这让我很困扰。如果我要在画布边上钉个钉子,我肯定要把它藏起来。看样子是碍于情面,我也没办法。我是一个有这样想法的人,但当我还没到东京的时候,我正在工作,画布的形状让我很困扰。我想我是不习惯的。于是,我决定到外面去,从一块方形的画布开始。一开始,更多的是一种动力,就像"我们来做吧"。   我到达了框架,作为一种"突出"的手段。是意外吗? -不,逻辑就在那里。所以...我觉得这和意外有些不同。我想如果我这样做的话,会更加广阔。   将画布修饰成形体的表现方法有各种先例,如撕画布、剪画布、烧画布等。其中,它推进到画的外围这一点很有意思。 -我不想在画的表面做任何暴力的事情。我不想划伤它。     你以"画布之外"为理念创作的第一件作品是什么? -在意识方面,我会说《老人与海Ⅲ》。那是一部作品,其中很多事情都变得清晰起来。但这不是我的方向诞生的地方,在此之前还有其他作品(使用木框)。所以...我想这更像是一种发现。以前都没有注意到的事情,我一直在无意识地做的事情,我想,原来是这样的。现在我觉得我在调整自己的做事方式。   如《鲸鱼与浪花》是一件没有框架的圆形作品。您刚才提到您有一种"切出故事的作品方式",换句话说,您是不是一开始就想把故事中的某个瞬间或者某个主题变成艺术作品,然后在实践的过程中,有的时候需要区分画和画面,有的时候不需要? -是的,没错。所以要看(是否使用框架)。如果你使用框架,我认为这是不可避免的。但也有作品没有。并不是说没有他们就不能完成工作,而是在必要的时候可以采用他们的方式。在鲸鱼和波浪的情况下,它没有出现的必要,它走的是另一条路,或者说,它走的是使支撑圆的路。这是最自然的工作。如果没有它,工作将是完整的。画面之所以存在,只是因为它是作品的自然形态。     所以框架只是表达方式的延伸。有故事,有画,有的还有画框和可变形的支架。 -是的,所以无论如何,对我来说,没有理由把它们分开。它们都是由一个表达式连接起来的。而不管有没有框架,我所做的都是一样的。比如像《鲸与浪》,有的作品描绘的是经过人类之手改造过的生物,或者是他们曾经生活过的风景或地方。我觉得这种作品应该有一个框架。所以要看情况。   从形式转到内容,你前面提到的故事有没有像电影或小说一样,有一个时间轴?你是指先有时间的流动,还是先有影像? -主题是第一位的。有我想描写的主题,还有就是周围的那种人,涉及的人和地方。以这个对象为轴心,我想到的是看到它的人看到的风景,他们记忆中的场景,以及他们的大脑内部。结果,我把故事或时间删掉了,但主题是第一位的。这更像是一种瞬间的叙述。这是一个瞬间的故事,就像10秒或10分钟出现的人。我不考虑一辈子。   听起来,你的重点是人物的记忆。 -不一定是人,但记忆可能是。所以我可能会想到故事中的生物所见过的风景,遇到过的人,过去的对话,过去存在过的地方。当初用相框的时候,也是和记忆和回忆联系在一起的。     假设你关注的是记忆,那么这个图案的来源是什么?它们是完全虚构的还是你从周围环境中获取的? -这几乎就像图案来自另一边,但我不知道,我做笔记。我把生活中看到的事情,引起我注意的事情写下来。我把那些让我觉得"哦,我想画这个"的东西写下来。我收集碎片,有些东西特别习惯出现在我的作品中,比如汽车车灯、泥塑等,这些东西基本上是作为我作品的主要主题出现的。   比如说在讲故事方面,小说可以用第一人称、第二人称、第三人称来写,但是你在创作时采取的视角呢? -这可能是图案的观点。所以我认为第三人称比较接近。它包括我自己的想法,但最接近的是动机。我想的是图案或第三人的想法,我也想的是天气和湿度。不知道这个图案在哪里,或者曾经在哪里,周围的环境又是怎样的。例如,如果作品的主题是泥塑,我就会想到过去制作泥塑的人,或者是与泥塑相处时间较长的主人。我想到了那个地方存在的一切。     谈到你的笔记时,你说你写下了"你想画的东西",这里面有什么共同点吗?你们的作品有什么共同点?你选择的图案和画材,和你所追求的世界观有关系吗? -基本上,我想画什么就画什么,但肯定有相似之处。它可以是黑暗的,有点可怕的,神秘的,有毒的,或令人毛骨悚然的。不过,也有光明的一面。但我觉得这更像是我想通过艺术创作来净化它们。我现在不用黑色,但可能是因为不平衡。如果我用它,最后会画得比较暗。我觉得这有点不一样。即使根部有黑暗,也应该有光明。也许我有强烈的欲望,想让它变得干净。   涤荡负。 -是的,很接近。根本上是我的,表面上是为别人服务的。我不知道是作品本身的制作,还是那一刻的离开,才是净化。不管是自己还是别人,我觉得通过我的滤镜把它投射成一件艺术品,是一种净化。所以我才用白色的颜色。很平静,不是吗?     我想谈一下您的背景,但比如说您印象中的很多艺术家是否也有这样的世界观? -我不知道。席勒、博纳尔、大仲马、佩顿、怀斯,还有村濑京子和克里斯-胡辛-康、滨州,还有无数的人,但我不知道他们有多接近。我喜欢它们,但我不认为它们是一样的。我觉得很多时候它们不是我应该画的作品。但哈玛索伊,是的,因为它不舒服。......。我的预科学校的一位老师说过:"哈默肖伊的魅力在于不舒服的感觉。"当我觉得工作中缺少什么的时候,我就会想起这句话。   当代画家很多,但你是否一直对当代艺术感兴趣? -不尽然,我高中时主修的是油画,但我在那里学到的是传统的油画。那是一个讲究技巧、讲究如何绘画的学校。那是我还在读书的时候。在研究我现在的作品是如何形成的时候,我就爱上了它。     这有点偏离主题,但你从爱知县搬到东京,开始了你的职业生涯。今年是你来东京的第二年,当初是什么原因让你来东京的? -这只是一个动机的问题。我没有上过美术学院,但在流浪了两年后,我决定继续小打小闹地做艺术。我辞去了预科学校的工作,打工维持生计,但说实话,那段时间我没怎么画画。......。我想一年大概有两三张照片。我会工作,回家,很累。就在这期间,画家山下敦子找到了我。他说:"如果你想继续,东京是一个更好的地方。来东京吧我认为这个决定是正确的。环境完全不同,传来的信息也完全不同。   在某些方面,当代艺术是一个战略世界。您的第一次个展是在移居东京后的第二年举办的。而它的策划人是山内舞子。你的开局非常好,但你是否考虑过自己的定位? -我不知道,我真的没有考虑过定位什么的。也许只是还不清楚。但有些作品是我喜欢的,我看的时候就是这样,我觉得有艺术家发自内心喜欢的作品就好。我想做这样的工作。剩下的只是工作上的事,我想的就是这些。但我不知道未来会发生什么,因为我的感情对我的工作有很大的影响。     你的工作会不会有更大的变化?比如说,你会不会完全停止使用框架? -也许是,也许不是。我根本就不认为自己是个画家。所以我并不打算把我的作品局限在绘画上。但这也不代表我是个雕塑家。在未来,我正在思考我的作品的各种方向,比如使用同样的支撑物(不把画布和画框分开),或者增加画布的厚度,但我并没有停止绘画或绘画本身的打算。......。我想我是会画画的。但我不知道自己在用什么方式。此刻。   点击这里进入TRiCERA页面。

采访浅见:”艺术家站在作品和灵感之间。

点击这里查看艺术家 以刺绣方法论工作的浅见,自称是"容器"。她说:"要把我的灵感忠实地转化为我的作品。 在我的印象中,您的很多作品都是以刺绣为主。 -不,我是从画画开始的。而我是从自学开始的。我原本是做插画师的,从那里开始,我想表达自己的想法,所以我转到了不涉及客户工作的艺术领域。 我之所以转行做纹绣,是因为孩子的病。那段时间,我虽然没有活动,但我还是想创作,想表现自己。但很难找到绘画的时间和空间。我想,如何用一种更可持续发展的方式进行创作,这就是我与刺绣的缘分。 本卡多里-巴克斯,33×33厘米。 点击这里查看详情 换句话说,刺绣是一种艺术表现形式,你可以在日常生活中毫无困难地完成。你是自学的纹绣吗? -是的,我是。这就是为什么有时有人请我去开研讨会,但说实话,我不会教(笑)。我有自己的规矩和做事方法,但不是特别系统化。这只是我在自己的生活区寻找一种表达方式而得出的方法,所以可能和学过纹绣的人的做法不一样。此外,对我来说,重要的是它是一种艺术表现方法。所以我不想成为工匠,也不想成为手艺人。 既然你的作品是"用刺绣的方法进行的艺术创作",那么就必须要有艺术家的视角和立场。你怎么看这个问题? -我的作品更多的是灵感型的。说我是萨满,可能听起来很奇怪,但我觉得它就是"落"在我身上。一个图案落在我的头上,然后我就要考虑如何仔细地把它作为一件艺术品拿出来。这就是我的工作风格,不是吗? 本卡多里-朱利亚诺,33×33厘米。 点击这里查看我的作品详情 换句话说,对你来说,艺术家就是一个站在你的灵感和作品之间的人。 -这只是我的情况,但是是的。但这也是为什么我自己的心理状态非常重要。我个人认为,一件艺术作品会受到你看不到的东西的影响,比如创作者精神状态的变化。所以我在心态不稳定的时候,从来不做工作。我相信在我的工作中会有所体现。早上上班前,我先净化自己,但重要的是能在纯净的状态下接受灵感,能在纯净的状态下创作作品。如果我的自我被牵扯进来,就会变得云里雾里。 以前人们说"你不是艺术家,你是萨满"的时候,我有一种情结,但现在我不介意了。其实,我觉得这更像是一种身份。就我而言,我能够做出比我自己能想到的更好的作品。 我的工作流程是这样的:"我有一个想法","我画草图",然后"我把它绣在画布上",但我尽量不要太自觉或奇怪。 启蒙》,33×33cm 点击这里查看我的作品详情。 最后,在工作过程中,有没有什么变化或想改变的地方?...

艺术与技巧–从装裱到储存。

我想买艺术品,但我不知道怎么装裱。我买了艺术品,但不知道怎么存放。在本文中,我们将为大家讲解购买或保存艺术品时不知道的事情。 如何与艺术共存--从装裱到修复。 100万元的画怎么买-分期付款可以吗?没有吗? - 如何长期与艺术共存--买来的作品能卖吗? 错了吗? - 如何与艺术共存--从装裱到修复。 其实,我是第一次买艺术品。而且是第一次! 哦,那很好。你买的是什么作品? 这是一幅画,画廊的人问我:"它没有装裱。我一时糊涂了。我一时糊涂了。"嗯...。什么是框架?我想。 这是你的第一次,是真的。 是的但首先,有的画是有画框的,有的画是没有画框的,对吧?有什么不同? 最大的区别在于作品。有画布或木板上的画,也有纸上的画。所以我把它们放在框架里,方便悬挂。 哦,所以你还把照片和印刷品裱起来,因为它们是纸? 是的,在许多情况下。镜框有不同的类型,有的带镜框,有的只是亚克力或玻璃镜框。如果你问买作品的店家:"我想把这件作品裱起来,你有什么建议吗?我相信他们一定能指导你。 我买的画是在纸上画的,所以还是裱起来比较好。到底该如何"挂在墙上"? 我妈说:"既然是纸,为什么不挂在墙上呢?但我真的不放心。 方法有很多,比如将金属支架固定在墙上,或者使用一种叫做画栏的装置。我不建议直接粘贴,因为会损坏作品。 那...你说的连接金属配件或装置是什么意思?你一定要在墙上开个洞吗? 我们是租的,所以我有点担心... ...我怕房东会说:"恢复原样!"。我怕... 有一种方法,就是在墙上贴上特殊的橡胶膏,避免损坏墙面,这叫"粘虫"。 我明白了但是,如果我不想展示,该怎么办? 我可以把它放在衣柜里吗? 有些作品的湿度不好,所以需要注意。纸张对湿度特别敏感,耐久性低。湿度、温度、阳光、虫蛀等因素并不局限于纸张,但它们是你在存放艺术品时需要注意的敌人。一般情况下,最好在下面铺上木地板,尽量不晒太阳。如果是纸质的,你应该把它们放在一个盒子里。 嗯。你不能把它们放在仓库里吗? 当然,仓库是可以的。但你要检查他们是否专门从事艺术工作。重要的是要检查他们是否专门从事艺术工作。你还应该检查他们是否采取了防潮和防虫措施。剩下的就看你和你的钱包了。 即便如此,也有被损坏的时候。孩子撞到了,或者地震了....。我家里有聚会,所以有很多人过来。 还有一些修复师,就是专门修复艺术品的人。但首先,你应该询问你购买作品的画廊或艺术家。最了解作品的是艺术家和画廊。 买一幅100万日元的画--可以分期付款吗?没有吗? - 我刚买了一幅画,其实我还想买第二幅... ... 你出现了"收藏病"的症状。我买了第一辆,还想再买一辆。你想要什么? 我想要一幅油画... 这很好。 虽然是一百万日元,但是... ... 我明白了我明白了 说实话,我不可能马上一次性付清。"那就攒钱吧!但这是独一无二的物品,所以有可能会被卖掉。 所以我不知道该怎么办... ...分期付款可以吗? 这取决于画廊,但在某些情况下是可能的。在大多数情况下,画廊会替您保管您的作品,直到您完成付款。你为什么不先问问画廊? 他们不会觉得你是个小气鬼吗? 这种情况经常发生,我很欣赏这种"不能马上付款"的感觉。我觉得你还想要它,这很好。所以我们先问问他们。 艺术品时间长了--我可以卖掉我买的作品吗? 没有吗? - 比如,当人们觉得想把自己的作品送给别人时,该怎么办? 你是说"我的作品怎么卖"? 是,长官...难道还错了吗? 买了作品后卖掉是好是坏,有很多思路,答案要看人。但这并不意味着你做不到。更多的是"哦,你不想要? 我想要它!如果能在一个认为"我想要它!"的人手里,也许是一件好事。 我明白了 对了,"买卖已经买过的作品"叫二手货。另一方面,"直接从艺术家或画廊购买"被称为初级。 换句话说,是二手的还是新的? ...嗯,这很相似,但它和服装、电子产品不一样。 但你可以"卖作品"本身吧? 有很多方法,比如把它放到拍卖会上,或者和你买它的画廊谈谈。我觉得最好的办法是问画廊,你在哪里买的。 有什么样的拍卖会?你不能随便买东西吧? 专门做艺术品的拍卖会可能是最好的。佳士得、苏富比、菲利普斯是最著名的,但日本也有SBI艺术拍卖和新和拍卖。 就是那个卖掉巴斯奇亚特的人,对吧? 那是纽约苏富比拍卖行,对吗?这就是纽约苏富比,真正的家,比如美国职业棒球大联盟。 能不能卖到这样的地方? 嗯,这并不容易。我觉得最好的办法是问画廊,你在哪里买的作品。画廊应该能够在你购买、保留或出售你的作品时帮助你。 在TRiCERA,您可以购买来自世界各地的艺术家创作的艺术品。如果你不喜欢你看到的东西,你可以退回。你为什么不把艺术带进你的日常生活? 您可以从以下地方查看您添加到愿望清单的作品点击这里请看一下。

Feature Post

人像的正面和背面

池田绫子是一位以肖像画形式输出情感的画家。她不以表现对象的细节为目的,如颜色、轮廓等,而是反映她的情感、思想和她自己内心的运动。绘画是一种自我表达,她用绘画的形式来勾勒自己的精神。 看来你的很多作品都是肖像画。首先,请您解释一下您的作品? -我的作品取决于我当时的心情,所以我并不总是有一个特定的主题来画,但我经常画肖像。但是,我经常用当时的感受表达来画肖像。 我从小就喜欢画画,以前经常画人。我还是喜欢画人,这不是故意的,但当我想到要在画中直接反映自己的情感来表达时,我觉得风景和抽象画不适合。不知道为什么,我觉得人像摄影是直接表达自己情感的最好方式。 鲜艳的R_02,53×45.5cm。 你作品中的人是用随意的颜色画出来的,而不是用写实的手法。这些图案是虚构的吗? -不,想象力不是我的专长,所以我画画的时候有一套原型。但是当我看到完成的作品时,却和我的形象不一样,所以有时候我在想,原型是否有用?身体各部位的颜色是在看图片的时候决定的,所以有时候皮肤的颜色是随机的,比如绿色。就像我之前说的,我的感受反映在我的画作中,所以当我看到完成的作品时,我当时的感受又回来了。我只有在完成一幅画的时候才会被说服,而不是在我工作的时候。 献给P_07,19.5×25.4厘米。 你是不是一直想成为一名画家? -没有,但我从小就喜欢画画。我不能像漫画那样编故事,但我会画画,所以我决定去读美术学校。学校的倾向是叫我画全身,但我觉得脸更有趣。在学校里,我主要学的是插画,但随着学习的深入,我对"客户工作"的兴趣越来越小。我想画我想画的东西。 你说你的作品反映了你当时的情绪。但是你想画的东西会不会因为图案的不同而改变呢? -这要看情况,但我没有真正的流程。我想我在忙于其他事情的时候往往会画肖像。所以我觉得我在通过画画来释放自己的情绪。 去年秋天,我捡到一只麻雀,和它相处了大约两天,不知为什么,我觉得有一种冲动,想画一些肖像以外的东西。所以当时我画的是脸以外的图案。也许这个主题会改变,也许不会,这取决于我遇到的人或我对未来的看法。

时间的形状–齐藤拓海、SAMHOSHI、东真奈美、林加奈宇、野泽谅的群演–。

TRiCERA欣然宣布,将于12月19日至2021年1月19日期间,举办斋藤拓实、Samehoshi、东真美、林加奈武、野泽谅五位艺术家的多幅作品联展。     关于本次展览   本次展览的名称取自艺术史学家乔治-库布勒(George Kübler,1912-96)所著的《时间的形状:事物的历史备注》(The Shape of Time:Remarks of History of Things),在解读参展艺术家的作品和活动的同时,也关注了围绕在艺术作品周围的时间。此外,展览还将采用二维媒介之一的印刷术作为观赏体验的提案。   在各个艺术领域中,绘画与版画往往有着熨帖的关系。与绘画相比,版画通过画材等材料和艺术家的笔触、笔画等物理痕迹,具有复杂的信息和结构,版画的功能就像记录一样,将画面提取出来,固定在纸上。   绘画作品随着时间的推移,自然会被划伤、磨损,像融化的冰块一样慢慢磨损。这个事实提醒我们,绘画是一个平面的物体,同时也给我们带来了一个新的欣赏角度,绘画是一种材料,而印刷品是一种媒介,除了作品的物质性和物理性之外,更忠实于图像的记录和传递,各自有不同的时间流动方式。   除了指与艺术作品相关的时间,本次展览还将尝试从时间的角度解读参展艺术家的表达现状。   斋藤拓海在风景中描绘了童年的自己,让他想起了随着年龄增长而消逝的情感。在她的作品中,在一个画面上描绘了现在和过去两种时态,时间的不可逆进展和与之相关的感伤被丰富而安静地叙述出来。   三越在一个女孩的畸形面孔上描绘了不同载体的衰败与生成。本次展览的作品,除了上述的矛盾性特征外,还通过砸蛋糕的方式来探索可塑性崩溃的新方面。   阿兹玛以二条人偶和玩具为主题,通过旋转的运动将时间限制在画布上,进行实验性的绘画创作。他继续用一种视觉语言来介绍与顺序时间、重复时间和运动中的物体有关的考虑。   此外,林嘉宇还一直在研究飞机的速度主题。虽然绘画当然是一个静态的物体,运动作为一种现象并不会出现在画面上,但她一直在解决静止画面上的速度问题,就像未来派所做的那样。   在她的绘画中,Azusa Nozawa使用了贴纸炸弹,这是一种源自于定制汽车和摩托车的街头文化的技术,在这种技术中,贴纸被层层贴上,直到支撑物的表面不再可见。她的画作中,画面层层叠叠,具有多层次的结构,所包含的时间极其复杂,这也是它们区别于插图的地方,也赋予了它们作为绘画存在的意义。   库伯勒试图分析作品本身的风格和系列的流变,但这次展览却在此基础上进行了拓展,以一种反讽的方式来研究时间的流变和艺术作品的物质特性,展出的不是作为创作行为结果的绘画作品,而是作为这一行为记录的印刷作品。本次展览旨在以一种反讽的方式,让人们思考时间的流动和艺术作品的物质性。我们希望你能享受这个机会,通过艺术家们在纸上静静讲述自己故事的画面来思考绘画本身。     关于参展艺术家       Takumi Saitoh     斋藤1996年出生于东京,2020年毕业于武藏野美术大学日本画专业。他的主要群展包括"daily awa"(Koenji pocke / 2019 /东京)、"雾"(展览空间CLOSET / 2020 /东京)、"ob策展新华社"(Hidari zingaro / 2020 /东京),他的个展包括"温柔"。岁"(新宿眼科画廊/2020/东京)。       点击这里查看斋藤拓海的限量版画作品。       SAMEHOSHI     1997年生于东京。毕业于武藏野美术大学,主修油画,从2016年左右开始用丙烯颜料和钢笔画一个反复折叠成形的女孩。       点击这里查看三越的限量版画。       Hayashi Kanae...

艺术家在城市中进行实验。

从大分县南部的别府站步行即可到达别府车站,在别府站前市场内有一个艺术空间。它的名字叫"源氏"。这是一个由居住在县内的艺术家畑直之经营的实验性艺术空间。 "源氏"是由三位原居住在大分县的艺术家组成的艺术团体。三位成员分别是东野广明、铃木孝典和畑直之,但另外两人在搬家时离开了这个团体。在GENJITSU的成员发生变化后,羽田决定改变从艺术团体到艺术空间的道路,重新开始。 "最重要的是展示我们的作品,提升自己。我们希望邀请其他国家的艺术家来尝试他们的作品。另外,地理位置也很重要,我认为位于商圈的位置是合适的。比如,路过的人和对面的店铺都会看到你。他们想知道,我们要重视由此而来的交流。我想这是我们的一个实验,也是这个城市的一个实验。" 所以说,小鸠,现在是唯一的成员。他的目标之一是将艺术带入更广泛的框架,就像日常生活一样。"GENJITSU既是一个艺术空间,也是一场运动。 Instagram: https://www.instagram.com/genjitsu_art/?hl=j

在刚刚开业的艺术空间PARCEL,展出了一件介于雕塑和绘画之间的作品。

小牟田雄介在PARCEL举办的个展"Space|aspec"。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 今年6月,一家新画廊PARCEL在东京开业。作为第二阶段,9月21日至10月31日将举办小田雄介个展。小田雄介是SCAI THE BATH HOUSE的代表艺术家之一,也是出生在大阪的新锐艺术家。 尽管他既不主修雕塑,也不主修绘画,但他的作品介于雕塑和绘画之间。 除了这些有趣的具象特征外,他的作品主题与他处理材料的方式一样独特。他根据飞机、仙鹤展开折纸的线条,创作了一系列作品。 折纸是儿童游戏的一种形式,也是一种将纸折叠成立体物体的工艺。飞机和起重机是折纸游戏的典型和代表。折纸是介于纸和雕塑之间的东西,有二维和三维的可能性。每次展开后,虽然是纸质的,但线条会恢复到原来的状态,成为痕迹。这些线条也是折纸算法的痕迹。小田注重折纸的这一特点。 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 小田用色彩将这个折纸的特点直观地表现出来,并将其进行几何分割。几何分割的表现方式多种多样,有时有强烈的色彩变化,有时有微妙的色阶。因此,小田的作品看似具有极简主义风格,但并不显得简单。此外,我们可以想象一下,展开的折纸曾经的自己是什么。展开的形象、作品本身以及作品在我们想象中的立体形态,丰富了我们观看作品的方式。如上所述,在"空间|Aspec"展出的作品形式多样。绘画、平面雕塑、包布突出的绘画。小田的镜面系列,将折纸线条雕刻在抛光镜面上,也在本次展览中亮相。据画廊Parcel Tokyo介绍,该系列作品曾于2014-2016年濑户内国际艺术节期间在犬岛展出,2016年起也在JR上越新干线的艺术友好型专列"玄武新干线"上展出。在这次展览中,我们将很高兴地探索多样化的表达方式。 展览期间,还将举办"关于抽象绘画的具体内容"的专题讲座。包括小田在内的当代艺术家将参加谈话环节。这次谈话会的目的是 小牟田雄介《空间|阿斯佩克》(2019)装置图。 在PARCEL 由艺术家和PARCEL提供 画廊的意图是重新确认和核实艺术品和艺术家今天的位置,尽管现在市场价值是优先考虑的。更多细节将由画廊在适当的时候公布。 关于东京画廊包裹...

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